“The violin remains at the heart of Masotto’s compositions and is supported by viola, shamanic drums and analogue synths, all of which gain more space and importance than ever before. In fact, the sounds of her Prophet Rev 2 and Moog Subsequent 37 envelop the string melodies that guide each piece, while her experimentation with affected violin – the result of a decade of work – adds further sophistication and helps distinguish the album in all-new ways. More than any previous work, The Spirit Of Things conveys the true emotional impact of Masotto’s music. It is one that has taken inspiration from shamanic practices which she has studied since 2021 after experiencing her own ancient shamanic journey which led her to find her spirit animal. As such, the album represents a metaphorical journey in an invisible world – a new perception of the essence of life and nature that combines both ancestral and mysterious sonic elements.

Each track on the album started with Masotto creating a loose framework on analogue synths. “I wanted to create a musical space in which I could be free to improvise,” she says. “This allowed me to let my emotions flow in an unconditioned way and allow the tracks to be born organically in their own sacred space as I search for a connection between the spirituality of the earth, animals, and human beings through music” (7K!). Masotto tourt den Frühling über durch mehrere europäische Länder, im deutschsprachigen Raum ist sie am 31. Mai im Jeanaer Trafo zu sehen, ebenfalls gut erreichbar wäre am 19. Juli das Schweitzer Floating Notes Festival.

@ Laura Masotto

“Call-and-Response: Die acht Stücke entstanden über einen Zeitraum von drei Tagen in 30 kurzen Studio-Sessions kurz vor dem ersten Lockdown im Jahr 2020. Während dieser intimen Sessions, in denen sich das Duo pro Session einem Track widmete, waren die beiden Pianisten oben Alle hörten einander beim Spielen zu. Oft war es Hans-Joachim Roedelius, der mit seinen aphoristischen Klavierminiaturen begann oder „sprach“, auf die Arnold Kasar dann mit äußerst reduzierten, minimalistischen Gegenmelodien aus feinfühlig ausbalancierten, elektronischen Klanglandschaften „antwortete“. Es ist wichtig, diese Methode zunächst zu erklären, da sie der Schlüssel zu einem kleinen Wunder ist. Zwei Musiker, die niemandem mehr irgendetwas beweisen mussten, die aber im Laufe ihrer Karriere mit der Erwartung konfrontiert waren, avantgardistische oder bahnbrechende Kompositionen zu liefern, entschieden sich bewusst, ihr Ego für die Aufnahme von Zensibility in den Hintergrund zu rücken, um erst einmal zuzuhören miteinander spielen, um dann erst das musikalisch Fehlende hinzuzufügen. Im Kern handelt es sich hierbei um einen Filmmusik-Ansatz, der in seiner Sogwirkung teilweise an Vangelis‘ Blade Runner-Soundtrack erinnert” (7K!)

an Klassik, Minimal Music und Jazz geschulten Musikers aus der Kleinstadt Ålesund nach Oslo, wo er außerhalb routinierter Bahnen viel stärker den gegenwärtigen Moment im Fokus hatte. Das hat sich dann auch auf den instinktorientierten Arbeitsprozess am Album ausgewirkt. As a child, I could just do things without thinking what else I might do or what could have been more fun,” so der Musiker. “Life was just about sharing a connection with people around me. I was not yet affected by the mental constructs of adult life which take over as we grow up. We lose that freedom and become more confused than ever. But I think that we can feel that youthful connection to pureness and truth even as adults. We just have to stop and be solely in the present moment.” Das Album erscheint digital.

@ 7K!

Während der Pandemie verbrachte Henkel viel Zeit mit seinem Vater, dem in Kanada geborenen Fotografen Philip Pocock, der in den frühen 80ern einige Zeit in Westberlin verbrachte und dort Kontakt zur Subkultur der Punks aufnahm. Aus dieser Zeit stammten auch die Fotos, die sein Vater meist von Straßenszenen gemacht hatte und die dem Musiker einen ganz neuen Horizont eröffneten – dies allerdings nicht im üblichen Sinne des Wortes, denn Henkel erkannte schnell Parallelen zur eigenen Erfahrungswelt und der von Rastlosigkeit geprägten kollektiven Erinnerungen seiner eigenen Generation. Vielleicht war dies der Initialfunke, der ein neues Album entstehen ließ, jedenfalls kam recht bald ein künstlerischer Dialog mit dem Werk seines Vaters in Gang, dessen Ergebnis die musikalische Interpretation von zwölf ausgewählten Fotografien ist.

Das Album startet mit feierlichen Tonfolgen auf dem Klavier, die zunächst eher an einen schwermütigen Abspann als an einen Auftakt namens “A Future” erinnern mögen, doch gerade solchen Brechungen geben der Musik eine Ambiguität, die der der Bilder recht nahe kommt. Ähnliches könnte man auch über das Knistern und anderen dezente Sounds sagen, die die Klänge des Pianos fast wie sanfte kleine Störfaktoren umhüllen, und man könnte in ihnen eine Kulisse oder eine Umgebung sehen, in der sich die zentralen Motive ereignen. Vieles in dieser Musik kommuniziert über etwas so vages wie Stimmung: “Ruhelos” transportiert mit seiner unruhig fließenden Melodie die mollastige Aufgekratztheit, an die man beim Titel denken mag. Um einiges zaghafter tastet sich “Postman” voran, und stets wirken die leicht rasselnden Sounds wie das klangliche Pendant zu der sich ins Bild drängenden Bewegung bei bewusst aus dem Alltag gegriffenen Schnappschüssen, und sie bewahren die schönen Melodien vor einem allzu illusorischen Eskapismus.

Jedes Stück offenbart gerade beim wiederholten Hören seine eigenen Charakteristiken und verdient Hervorhebung. “Bi” mit der eher frei als unschlüssig wirkenden Veränderlichkeit des Tempos, die leise, vielleicht genügsam-abgeklärte Resignation in “This is the Wall”, das leise, an eine aufmerksame Habachtstellung erinnernde Stakkato in “In Regard”, eine ungeschminkte Studie über die verschiedenen Ebenen des Beobachtens und Aufnehmens seiner Mitmenschen, bei deren musikalischem Gegenstück die klangliche Gestaltung im Vergleich zum Piano einen größeren Stellenwert bekommt. Dann die Entrücktheit in “Light and Day”, der finale ambiente Gegenzoom in “Hello Yello” und einiges mehr. Dennoch lässt sich “Restless” am besten als Einheit genießen, als zusammenhängendes Eintauchen in eine beinahe luzide erinnerte Welt, die sich auch ohne die inspirierenden Fotografien heraufbeschwören lässt.

Auf “Restless” werden die Erinnerungen – und Erinnerungsstützen – des Vaters derart mit vom eigenen Gedächtnis erzeugten Ideen zu einer dokumentierenden und ästhetischen Einheit verknüpft, dass sich die Frage nach der Abgrenzbarkeit eigener und fremder Erinnerung fast automatisch stellt und vielleicht notgedrungen unbeantwortet bleiben muss. In einer limitierten Auflage kann ein Booklet mit den ausgewählten Fotografien und den dazugehörenden Song-Partituren über Henkels Bandcamp-Seite bestellt werden. (U.S.)

Label: 7K!

liegt der Schwerpunkt auf Beiträgen, die neues klangliches und kompositorisches Terrotorium im Bereich neuer experimenteller und neoklassischer Musik erforschen. Bereits zu hören ist ein neuer Track von Julia Kent, andere Beiträge stammen u.a. von Jessica Moss, Field Kit, Francesca Guccione, Federico Bisozzi, Toechter, Enno Voss und Justina Jaruševičiūtė. Die beiden “String Layers”-Sammlungen sind Teil einer in den letzten Jahren gewachsenen Reihe, die (z.T. bereits mehrere Folgen von) Veröffentlichungen wie “Piano Layers”, “Wind Layers” und “Ambient Layers” umfassen. Die Anthologie erscheint digital über die entsprechenden Plattformen des Labels.