In Zusammenarbeit mit Co-Produzent Felix Raeithel, dessen ruhige, fast tickende Drum-Sounds die Stücke durchziehen, sowie den Streicherinnen Ruth May und Elen Harutyunyan entfaltet sie ein dichtes Geflecht aus Cello, Gitarre, Bass, Zither und elektronischen Elementen. Atonale Synthesizer öffnen das Album an einigen Stellen zusätzlich in Richtung elektroakustischer und experimenteller Musik. Wie bei ihren früheren Platten gibt es auch diesmal eine markante Coverversion: Melián interpretiert den Sparks-Song “My Other Voice” von 1979 neu. Das Album endet mit einer groovigen und zugleich melancholischen Version von Irving Berlins Klassiker “they say it’s wonderful” aus dem Jahr 1946. Getragen von Meliáns eigenen Fotografien der Wolken über Marseille, vermittelt “music for a while” insgesamt eine düstere, der Gegenwart angemessene Stimmung. Das Album ist auch digital erhältlich.

“It’s like waking up. Disorientated at first, feedback, crushed stones, voices, that’s how it starts and you feel protected by this music in a strange way and encouraged to gain insight. As soon as you have begun to really like a chunk of sound and develop an interest in it, it is multiplied or destroyed in some way and someone calls out “Ich”. Ich. LSD is hopscotch compared to that. Later, steel rails are dissected. It is ringing in the ears. Everything trembles. It is obvious that you are being looked after, that someone really cares. You are never left alone, whether you like it or not. And then inevitably comes the moment of silence, after being sent through old telephone cables and the nightmares of your ancestors. Pretty much the exact opposite of a podcast. Nevertheless, hits are not left out. Seth is predominantly seen as a harmful god – but by far not only”. (a-Musik)

Dazu heißt es auch von Seiten der Herausgeber: “The one-minute format forces the contributions to be condensed and, in total, Noise of Cologne 3 offers a highly varied spectrum of experimental music: from musique concrète, electronic music, field recordings and environmental music to soundscapes, no wave, computer music and post-minimal music to experimental club music, turntablism, ambient and hauntology. Above all, Noise of Cologne 3 offers surprises: Trance synthesisers alongside vocal acrobatics and terror drums as well as numerous “unlikely combinations” (David Toop) – music not yet classified or labelled: noise, if you will. [...] The eponymous term “noise” refers to neither genre nor sound; rather, its meaning blurs in the juxtaposition of the contributions, opening up its semantic frame of reference: What does noise have to do with the city? Which instruments are used to play noise? Is noise danceable? Does noise sound utopian or dystopian? Can noise be retro or is noise always new?” Die beteiligten Acts aus unterschiedlichen Generationen und mit verschiedenen Hinzergründen sind: “120 DEN / 7000 Eichen / Achim Mohné / Andreas O. Hirsch / Andreas Wagner / Andrés Quezada / Annie Bloch / Beate & Dietmar Bonnen / Bernd Härpfer / Bettina Wenzel / Bidisha Das / bleed Air / Bob Humid / C.C. Herman / chirp.crush / Claudia Robles-Angel / Clusterhead / COMBUSTION CONSTRUCTION / Croute / DANGOLOID / dennis aycicek / Echo Ho / Elisa Kühnl / Elisa Metz / Elisabeth Coudoux / EZB / Florian Zwißler / Frank Dommert / Friday Dunard / funfon / hans w. koch / Harald Sack Ziegler / Hye Young Sin / jeandado / Joel Jaffe / Julia Bünnagel / Justin / Kai Niggemann / Luís Antunes Pena / Marcus Schmickler / Martin Schmitz / Martin Weinreich / Menelaos Tomasides / Merzouga / Michael Peters / Mik Quantius / Miyake / MME dUO / Monoteur / Nathalie Brum / Neozaïre / Nils Quak / Numinos / Pedro A. Ramírez / Peter Simon / PVNCTVM / Ralf Schreiber / Roland Schappert / Roman Jungblut / Schlammpeitziger / Sebastian von der Heide / Shuoxin Tan Siegfried Koepf / Simon Rummel / Stefan Haagen / TBZ / That Night / Therapeutische Hörgruppe / Titanoboa / Tobias Hartmann / Viola Klein / Volker Zander / Wolfram Wire”.

@ reiheM

@ A-Musik

Berke Can Özcan @ Bohemian Drips

Berke Can Özcan @ Home 

Coverversionen von Oldhams Songs gibt es mittlerweile einige, doch die drei in Schottland lebenden Musiker sind nicht bloß Fans, sondern alte Freunde und Mitstreiter des kauzigen Barden aus Kentucky. Dieser nahm 2012 zusammen mit Neilsons Band Trembling Bells das gefeierte Album “The Marble Downs” auf, ein weiterer gegenseitiger Bezugspunkt ist die sich personell immer wieder neu erfindende Band Current 93. Während Oldham dort einige Gastauftritte als Sänger hinlegte, spielte Neilson über Jahre und auf mehreren ihrer Alben Schlagzeug, Roberts dagegen ist der aktuelle Gitarrist der Band. Es ist nicht auszuschließen, dass man sich dort erst näher kennelernte.

Obwohl so quasi ein Album des Trios und eine EP vom Meister selbst vorliegen, passt das Material, was Sound und Stil angeht, recht gut zusammen, und schon beim ersten Track “Stablemate”, das mit Frontfrau O’Sullivan (die sich Jill Lorean nennt und von der Band Sparrow and the Workshop her bekannt ist) zu einem kraftvoll hypnotischen Folkrocksong wurde. Da ihre klare Stimme den einen oder anderen sicher an Jacqui McShee (Pentangle) erinnert, entfalten die primär von ihr gesungenen Tracks – so das rührende “Tonight’s Decision” – schnell einen ganz eigenen Charakter, und nicht nur deshalb wird das bekannte “Madeline Mary” zu einem kratzigen Folkrockstück, das dem etwas filigraner anmutenden Original kaum nachsteht. Überhaupt zählen die Interpretationen der beliebtesten Stücke Oldhams zu den Höhepunkten der Sammlung, großartig ist z.B. das als Duett zwischen Roberts und Neilson interpretierte Titelstück der “I See a Darkness”, einem Album, mit dem Oldham Mitte der 90er erstmals eine größere Hörerschaft erreichte.

Neilson verpasst den von ihm gesungenen Stücken eine eigene herbe Handschrift durch seine ungekünstelte Stimme, “Lost Blues”, das auch sehr sein von The Directing Hand, Trembling Bells und einigen Current 93-Alben her bekannte verspielte Drumming heraushören lässt, zählt zu seinen größten Momenten. Roberts dagegen gibt einigen der Songs eine ganz eigene Traurigkeit, “No More Warehouse Blues” und das besinnliche “Christmas in the Mountains” könnten Stücke seiner weniger üppig instrumentierten Alben sein. Den “Ohio Boat River Song”, der auf dem schottischen Traditional “Loch Tay Boat Song” basiert und von Oldham 1993 noch unter dem Namen Palace Brothers gecovert wurde, holen die drei im mehrstimmigen Gesang quasi heim.

Oldham selbst verleiht Roberts’ “Coral and Tar”, das in anrührenden Vergleichen mit der Stabilität verschiedener Bäume die menschliche Schwäche und den Wunsch nach Liebe besingt, einen leichten Country-Touch. Der intensive Vortrag macht “Coward Song”, einen Walzer aus Neilsons Soloalbum “Andromeda”, so überzeugend, dass man es für ein Original halten könnte. Von Jills Geisterballade “Dead Man” legt er eine drängende, fast schmissige Version vor. Mit dem Bonusstück “Wild Dandelion” allerdings zaubert Oldham den größten Hasen aus seinem Hut: Die heitere Revuenummer mit Honkytonk-Flair könnte problemlos ein Hit auf einem seiner Alben sein, der schalkhaft-ironische Text über ein nacktes Gänseblümchen ist mindestens so schlüpfrig wie das verführerische Pflänzchen in Döblins Die Ermordung einer Butterblume. Wollen wir mal hoffen, dass ihm das niemand ankreidet, man weiß ja nie.

Gute Coverversionen gelingen bekanntlich nicht jedem, aber bei den vier Beteiligten dieser Back to Back-Veröffentlichung ist die Nähe der Musiker zueinander in jedem Song zu spüren. Statt einer Fortsetzung wäre ein komplett neues Album mit allen Beteiligten eine tolle Überraschung. (U.S.)

Label: Textile Records / A-Musik

Fünf Jahre nachdem dieses Projekt auf dem Album „The Kenya Sessions” bei Pingipung erschienen ist, hat sich Kacirek diesen Arbeiten erneut zugewandt, leider nur auf 7”, dafür aber unter der Prämisse, die fremden Beiträge vollkommen unbearbeitet zu lassen.

Auf „Siguera”, das die erste Seite füllt, ist die charismatische Stimme der achzigjährigen Sängerin Ogoya Nengo zu hören, die Kacirek in einem Ort am Viktoria-See kennen lernte, und die nach ihrer Teilnahme an den ersten Aufnahmen bereits zwei eigene Alben herausbrachte. Kippt ihr repetitiver, aber dennoch melodischer Gesang von Zeit zu Zeit in ekstatisches Schreien, vermag er auch den letzten Hörer aus dem nostalgischen Schwelgen zu reißen, zu welchem die mit viel Kolorit, einer Spieluhr und einem luftigen Dubsound angereicherte Musik verführen könnte. Kacirek setzt hier auf Reduktion, bearbeitet ihren Gesang nur spärlich und doch mit einem Händchen für subtile atmosphärische Noten.

Das die zweite Seite füllende „Gonda” stammt noch aus der Zeit der „Kenya Sessions” und hat erst jetzt seine finale Form gefunden (die unbearbeitete Originalaufnahme erhält man übrigens über einen beigefügten DL-Code). Vom Gesang reduzierter bis an die Grenze zu Spoken words, dafür rhythmisch wesentlich entgrenzter und mit einem an Xylophon erinnernden Sounds ergänzt, lässt es die Vielzahl an Möglichkeiten erahnen, die im Zusammentreffen von Kacireks sanfter Elektronik und der urig traditionellen Musik liegen.

Ging es im urspünglichen Projekt darum, die Aufnahmen durch partiell starke Eingriffe in eine neue Form zu brigen, so bilden sie diesmal selbst den Rahmen, in den die minimaleren elektronischen Beigaben ihren Platz finden – interessant ist beides, und es bleibt abzuwarten, ob die neue Herangehensweise in einem größeren Rahmen weiterverfolgt werden wird. (U.S.)

Label: Pingipung

Zu den symbolträchtigen Gesten zählt dabei der Einbezug zweier Stimmen, die schon zu hören waren, als Musik dieser Art noch voller Aufbruchstimmung war: Lady Ann, deren Karriere begann, als man Danchall noch nicht mit Goldkettchen und Konsumramsch assoziierte, und Godfather Lee ‘Scratch’ Perry, der keiner näheren Einführung bedarf.

Wer nach dieser Ausgangslage nun verquere Experimente erwartet, sieht sich schnell eines besseren belehrt, denn die Musik auf dem zweiten gemeinsamen Album ist im Schnitt simpel und kurzweilig. Frei und vital gebärdet sich v.a. das an keiner Stelle cleane und berechnete Soundbild, das auf den Primärkomponenten Bass (Blumm) und Trompete (Fadda) basiert und durch eine Reihe weiterer Klangerzeuger insklusive diverser Drumsets ergänzt wird. Spielzeugklänge und polyphone Beats mischen einige der Stücke auf, doch meist beherrschen einfache Riddims und unverquaste Tunes das Gesamterscheinungsbild.

„Biff, baff, buff/Buff, baff, biff“ resümiert David Tibet- und Sasha Grey-Kumpel Perry dieses Fundament, und auch Lady Ann toastet ihre empörten Rants im Einklang mit Melodie und Rhythmus. An einem der Höhepunkte echauffiert sie sich über die nervige Musikpresse – absolut verständlich, zumal sie ausdrücklich betont, dass das African Paper zu den rühmlichen Ausnahmen zählt. (U.S.)

Label: Pingipung/Kompakt/A-Musik

„RundSkipper“ ist das zweite Schaffensergebnis aus diesem Projekt und erschien just auf dem japanischen Progressive Form-Label. Hierzulande bisher nur über Import erhältlich ist das gute Stück vielleicht eines der reizvollsten Electronica-Alben, die ein Programm wie das von Raster-Noton bereichert hätten. Schon bei ihren Ambientaufnahmen hat Hirano stets die Einzelmomente im Blick. Doch während die Details dort immer Teil eines fließenden Zusammenhangs sind, treten sie hier viel selbständiger in den Vordergrund. Beim ersten Hören freilich verstecken sie sich noch unter den schönen, aber nie zu schönen Melodiefolgen des E-Pianos, die dem Eröffnungsstück „Borderline“ zunächst einen sehr ruhigen Charakter verleihen. Darunter kratzt und faucht und dröhnt es allerorten, mal elektronisch, mal in Form metallener Geräusche, die wohl auf Feldaufnahmen basieren. Das gleiche gilt für den Klang zerfetzten Papiers, der ebenso an einen Reißwolf erinnert wie das Covermotiv. Am Sound erkennt man schnell, dass die Künstlerin auch Produzentin ist und Freude am Arrangieren von Klängen hat. Wirkt das Piano zunächst wie ein geduldiges, wohltuendes Pflaster über all dem rauen Kratzen, so kommen die harscheren Momente bald deutlicher zum Vorschein. In „Hills in the Ocean“ sorgen Hochfrequenztöne für Druck, Verzerrungen und Rhythmik kontrastieren in „Foil“ mit filigrane Klangpartikeln. So wie ihre Ambientseite niemals in Gefühlsseligkeit ausartet, sind ihre wechselhaften Rhythmen nie bloß stoffelige Tanzbeats, die ungebrochen in Ohr und Bein gehen.

Bei „RundSkipper“ zeigt sich ihre Kunstfertigkeit im Umgang mit Field Recordings vielleicht besser als je zuvor. Kubistische Noisequader und fliegende Späne haben im komplexesten Stück „Skipper“ ihren Auftritt. „Pulled up“ klingt nach Sandkörnern und erinnert an die Ambientsounds von Gruppen wie BLIND CAVE SALAMANDER, das 90er E-Piano stimmt Jazzakorde an, einige Plastiksounds sorgen für witzige Momente. Was sich in der Beschreibung konfus anhört, wird in Wirklichkeit durch spielerisches Arrangement gut zusammengehalten. Mal ist es das Piano, dass die Brücke zum nächsten Soundereignis schlägt, mal ein schlichtes Drone. Im letzten Drittel des Albums dürfen dann auch fremde Hände mitmischen. SERPH gestalten „Pulled up“ noch etwas tanzbarer und poppiger, lassen es schneller zur Sache kommen, verzichten dafür etwas auf die Sogwirkung des ursprünglichen Tracks. „Tunnel“ gerät unter der Bearbeitung von FRANK BRETSCHNEIDER (KOMET) vielleicht noch etwas griffiger und vor allem rhythmusbetonter als das Original, steigert sich sukzessive, bis sich die Takte völlig im reinen Sound auflösen. FUGENN & THE WHITE ELEPHANTS verschaffen „Hills in the Ocean“ noch einmal ein ganz anderes, sehr plastisches Raumgefühl. „Aria“ unter der Hand von GO-QUALIA und ihren perkussiven Rock- und Metalzutaten bekommt dagegen eine fast infernalische Qualität.

RundSkipper hat etwas von einem Film ohne Ton, nur mit Musik, die einem die gezeigten Ereignisse umso bewusster macht. Der Hauptunterschied zu Hiranos Solosachen liegt vielleicht daran, dass man als Hörer häufiger wachgerüttelt wird und somit nur für kurze Momente im meditativen Mäandern versinkt. Befindet man sich bei Midori Hirano in einem Tagtraum, so hat man bei MimiCof die Gelegenheit, vielfältig bearbeitete Aufzeichnungen eines Tagtraumes aus der Ferne zu sehen. (U.S.)