Auf den darauf folgenden Alben sollte Wilder mit einer Reihe von Gastsängern – und -sängerinnen zusamenspielen (u.a. Douglas McCarthy von Nitzer Ebb, Carla Trevaskis, Diamanda Galás, Joe Richardson, Siobhan Lynch ) und sich insbesondere seit dem 1997 erschienenen Album „Unsound Methods“ stärker dem Song annähern.

Über die einzelnen Alben heißt es von Labelseite:  “Unsound Methods” war Wilders viertes Album unter dem Moniker Recoil und seine erste Veröffentlichung nach der Bekanntgabe seines Ausstiegs bei Depeche Mode im Jahr 1995. Für “Unsound Methods”, das er in seinem Studio in Sussex aufnahm, arbeitete er mit vier sehr unterschiedlichen Personen zusammen – Douglas McCarthy von Nitzer Ebb, der New Yorker Spoken-Word-Künstlerin Maggie Estep und den Sängerinnen Siobhan Lynch und Hildia Campbell -, um eine Welt dunkler Dub-infizierter Landschaften zu erschaffen, die von zitternden Klavieren, verführerischen Streichern und einem tiefen elektronischen Pulsschlag widerhallen.

“Liquid” folgte im Jahr 2000, diesmal in Zusammenarbeit mit unter anderen Diamanda Galás, Nicole Blackman, Samantha Coerbell, Rosa Torras, The Golden Gate Jubilee Quartet – ein Album für die nicht ganz so gelassene Kontemplation in Gesellschaft der eigenen dunklen Seite.

“subHuman” entstand nach einer siebenjährigen Pause, in der Wilder mit der Sängerin Carla Trevaskis und dem Louisiana-Bluesman Joe Richardson zusammenarbeitete, dessen Stimme durch Gitarren- und Mundharmonikaeinlagen ergänzt wird. Darin eingeschlossen sind die Erfahrungen von Jahren auf der eher düsteren Seite des Lebens in New Orleans, ein Kommentar zu einer ganzen Reihe an Konflikten, Religion, Inhaftierung und persönlichen Kämpfen. “subHuman” fordert uns auf, in uns selbst zu gehen und die Essenz dessen zu finden, was uns menschlich macht – und fragt, wer oder was zum Teufel uns eigentlich erlaubt, in einem Akt der Anmaßung andere Menschen zu unterdrücken, manchmal mit den brutalsten Konsequenzen: We are all subHuman in somebody’s eyes.”

„Unsound Methods“, „Liquid“, „subHuman“ werden als Download, CD sowie auf farbigem Vinyl erhältlich sein.

Die ersten drei Recoilveröffentlichungen (“1+2″, “Hydrology” und “Bloodline”) werden gerade remastered und sollen zu einem späteren Zeitpunkt veröffentlicht werden.

@ Mute Records

Es ist also eine amüsante Koinzidenz, dass ausgerechnet kurz vor Veröffentlichung des 14. Studioalbums Richard Spencer behauptete, Depeche Mode sei die offizielle Band der Alt-Right, ist „Spirit“ doch das politischste Album, das die Band seit oben genanntem veröffentlicht hat und es lässt sich als Kritik an all den Entwicklungen verstehen, die ihre offensichtlichste Manifestation in dem Präsident mit den kleinen Händen gefunden haben (auch wenn das Album schon früher geschrieben wurde). Gahan betitelte Spencer dann auch bezeichnenderweise als „educated cunt“.

Der Opener „Going Backwards“ beklagt die zunehmende Regression, die Rückkehr des Homo sapiens zu einer „cavemen mentality“ (der von Teilen der Alt-Right geschätzte Jack Donovan wird diese Entwicklung sicher begrüßen). Die vorab veröffentlichte Single „Where’s the Revolution“ kritisiert die „patriotic junkies“, die ihre Entscheidungen von ihren Regierungen und ihrer Religion treffen lassen. Gahan fordert dann dazu auf, den Zug der Revolution zu besteigen. Zum Teil mag es Gores schon immer vorhandener Orientierung an traditionellen Reimschemata geschuldet sein, dass sich die (sicher wohlgemeinten) Texte anhören, als seien sie der Feder eines Zehntklässlers entsprungen (und nicht der eines Mittfünfzigers): „Once there were solutions/Now we have no excuses/They got lost in confusion/So we’re preparing the nooses“ heißt es (völlig ironiefrei) auf „The Worst Crime“. Bei Dave Gahan, der insgesmt vier Songs dieses Albums (mit)geschrieben hat, klingt das auch nicht überzeugender: „Hey, there’s no news/Poor man still got the blues/He’s walking around in worn out shoes/With nothing to lose“, singt er auf dem bluesigen „Poorman“. Auf dem von Gore gesungenen „Eternal“ wird die nukleare Apokalypse beschworen: “And when the black cloud rises/And the radiation falls/I will look you in the eye/And kiss you”. Anne Clark machte schon 1983 auf „Poem For a Nuclear Romance“ deutlich, dass angesichts der nuklearen Vernichtung Zwischenmenschliches zur Bedeutungslosigkeit verdammt ist: “your marble flesh will soon be raw and burning /and kissing will reduce my lips to a pulp”. Trotz Gores sich auf “Eternal” offenbarender Naivität ist das gerade einmal zwei Minuten lange Stück, das klingt, als habe er auf eine seiner analogen Synthminiaturen seines unter dem lapidaren Namen MG veröffentlichten Soloalbums zurückgegriffen, vielleicht das ergreifendste Stück des Albums.

Dabei geht es auf „Spirit“ natürlich nicht nur um Politisches, auch Sex wird abgehandelt: “If you give me something that you and I can play/Let me ring your bell/I don’t need you, I don’t need your ball and chain/There’s no water in that well/But I like the way you move/I like the way you move for me tonight”, heißt es auf “You Move”. Metaphorisch origineller wurde so etwas auf “World In My Eyes” thematisiert. Das treibende „So Much Love“ spielt musikalisch an „A Question of Time“ an, die bearbeiteten Vocals auf “Scum” lassen an “Barrel of a Gun” denken.

Das größte Problem des Albums sind weniger diese (vielleicht) selbstreferenziellen Zitate, sondern die Tatsache, dass sich das Album auf weiten Strecken wie eine Bricolage der eigenen musikalischen Biographie anhört. Der Band scheint etwas der Esprit zu fehlen, was vielleicht nach 36 Jahren nicht unbedingt überraschend ist. “Oh, we’ve failed” singt Gore auf dem letzten Stück des Albums – natürlich in einem anderen Kontext. Dass dieses Versagen dennoch hörbarer ist als das, was andere Künstler nach so langer Zeit zustande bringen, mag vielleicht ein kleiner Trost sein. (MG)

Label: Columbia

Andere wiederum sahen in dem (damaligen) Quartett nur eine gelackte Teeniekapelle, wobei sich Prolls und elitäre Auskenner oft aufallend wenig in der Wortwahl unterschieden. Tatsache ist, dass Depeche Mode in ihren frühen Jahren atmosphärisch wie soundmäßig durchaus Dinge geschaffen hatten, die wenig mit dem Synthiepop ihrer zahlreichen Epigonen zu tun hatten, man denke nur an mysteriöse Samplekollagen wie “Pipeline” oder urige Semigoth-Nummern wie “More than a Party”, beide vom “Construction Time Again”-Album. Tatsache jedoch ist außerdem, dass Depeche Mode immer eine Affinität zu allzu gefälligen Refrains hatten und Martin L. Gores frühe Texte in ihrer bemühten Tiefsinnigkeit oft an das Dr. Sommer-Team einer verschrienen Postille erinnerten. Ganz schlimm wurde es, wenn dann auch noch Gesellschaftskritik mit ins Spiel kam.

Erst in der zweiten Hälfte der 80er veränderten sich das Auftreten und das musikalische Image der Band. Waren sie zuvor etwas, dass man mit heutigen Begrifen, wenn auch unter Vorbehalt, als Hipster bezeichnen könnte (ein damals üblicher Begriff wie Popper hätte aufgrund ihrer ständigen Hinwendung zu subkulturellen Motiven kaum gepasst), so wandelten sie sich schrittweise über Alben wie “Black Celebration”, “Music for the Masses” und “Violator” in ein Rockstar-Gebilde. Man täte ihnen jedoch Unrecht, würde man das als reinen Qualitätsschwund abtun, denn obwohl die “kultigen” Elemente mehr und mehr verschwanden, gestaltete sich der Sound immer virtuoser ohne je ins Glatte und nur noch Kitschige zu kippen. Die wichtigste Entwicklung in dieser Zeit war textlicher Natur, denn irgendwann wurden die Lyrics poetischer, Interaktionen mit einem lyrischen Gegenüber standen stärker im Vordergrund. Wortungetüme wie “situations” reimten sich nicht mehr auf “diplomatic relations” und die Hörer bekamen auch keine Weisheiten wie “be flexible” oder “get the balance right” mehr aufgezwungen. Der Grundstein war gelegt für die Depeche Mode der 90er, die trotz Dave Gahans narzisstischer Selbstdarstellung zu den anspruchsvollsten Popacts ihrer Zeit wurden bei immer noch bestehendem Interesse an kleinen Experimenten.

Es mag nicht von ungefähr kommen, dass Sylvain Chauveau, den man ansonsten von beeindruckend verstörenden Werken wie dem von Robert Kurz inspirierten “Black Book of Capitalism” her kennt, überwiegend Stücke aus dieser mittleren Schaffensphase aussuchte, als er vor zehn Jahren seine persönliche Hommage an die Gruppe schuf. Chauveaux arbeitet hier ganz als Minimalist, versucht die elf Songs auf ihr wesentliches Minimum bzw. seine Idee davon herunterzubrechen und spielt darauf schon im Titel an – „down to the bone“, ein Zitat aus dem hier eröffnenden Song „Stripped“ von 1986, referiert nicht nur auf die Skellettiertheit der Interpretationen, sondern auch – ganz im Einklang mit dem symbolischen Subtext des Songs – auf etwas, das man wesentlich nennen könnte. Dass das Ganze sehr unspektakulär in Szene gesetzt wurde, trägt definitiv dazu bei.

Die meisten Versionen basieren auf Klavier und Streicher, stimmen wie das eröffnende „Stripped“ einen fast meditative Ton an und holen doch aus dem Melodien alle Emotionalität heraus. In Songs wie „The Things You Said“, das mit mehreren Gesangsspuren arbeitet, kommen anheimelde Holzblasinstrumente dazu, und stets ist es eine gewisse Genügsamkeit, die die Versionen vor jeder Schwülstigkeit bewahrt. Besonders überzeugend ist in der Hinsicht die kammermusikalische Umsetzung von „In your Room“, einer Hymne an eine sadomasochistisch eingefärbte Liebe, die so stark ist, dass sie den Liebenden zum lustvollen Verschwinden bringt.

Einige der Hits der Band werden hier im Schnitt ähnlich radiotauglich, doch stets eine Spur dezenter umgesetzt: „Blasphemous Rumours“ als einzig älteres DM-Stück, beliebte Songs wie „Enjoy the Silence“, das gleich zweimal vertreten ist, einmal allerdings als wenige Sekunden andauernde Stille. Als Sänger ist Chauveau vielleicht nicht der stärkste, aber in einem Martin Gore-Stück wie „Home“ kommt er der Stimmung des Originals recht nahe. „Policy of Truth“ ist fast amerikanische Singer Songwriter-Musik, und genau diese rettet das Stück, das über die Jahre von zu vielen Sekretärinnen und Bankangestellten mit Fitness-Abo zutodegeliebt wurde. Eine kleine Wegmarke ist „Death’s Door“, das Gore damals im Alleingang für Wenders’ Film „Paris, Texas“ aufnahmen – ein verstaubt klingendes Stück Desert Pop, das hier mit schmetternden Akustikgitarren und fatalistischem Gesang zur Kenntlichkeit entstellt wird.

Es gibt zwei Hörergruppen, an die sich das jüngst bei Ici d’ailleurs wiederveröffentlichte Album nicht in erster Linie richtet: zum einen an die überzeugten Fans von Chauveaus wesentlich amstrakterem Frühwerk, zum anderen an unbeirrbare Depeche Mode-Fanatiker. Wer sich dem Album jedoch ohne Scheuklappen nähert, den erwartet ein besinnlicher Songzyklus, der nicht zuletzt auch dadurch überzeugt, dass er – im Unterschied zahlloser weiterer Tributalben für diese Band – nicht ihre schlagerhafte Seite in den Vordergrund stellt. (U.S.)

Label: Ici d’ailleurs

Jüngst findet sich in fast jeder Besprechung des neuen Albuns „Delta Machine“ – so wie nun auch hier – der Hinweis auf die inzwischen 100 Millionen verkaufter Tonträger. Das ist insofern interessant, als ein Merkmal Depeche Modes ist, dass trotz dieses immensen kommerziellen Erfolgs, von dem inzwischen nicht mehr Mute Records sondern der Major Columbia profitiert, die Band bei manchen immer noch der Nimbus des Avantgardistischen, des Außenseitertums anhaftet, das Fansein also auch immer (noch) ein gewisser Distinktionsgewinn sein kann. Und natürlich: Wer sich anschaut in der Nachbarschaft welcher Künstler sich die erste (nicht sonderlich aufregende) Single „Heaven“ in den aktuellen Singlecharts befindet, dann wundern solche Einschätzungen nicht. Der Verfasser dieser Zeilen erinnert sich noch, wie ihm jemand sagte, er sei DJ und lege in Dorfsdicocs auf und Depeche Mode könne er einfach nicht spielen, denn die seien zu extrem und schräg. Tatsächlich wird ein an Helene Fischer und den Böhsen Onkelz sozialisiertes Publikum die drei Briten auch nur bedingt goutieren können. Das sagt aber dennoch erst einmal mehr über die Hörer als über die Musik aus und ich wage zu behaupten, dass sich unter den Bürokaufmännern und -Frauen, die die fast wöchentlich stattfindenden Depeche Mode-Partys besuchen, wenige finden, die sich eher für experimentelle Musik als für die Ergüsse stumpfer Depeche Mode-Epigonen interessieren. Will sagen: Ane One finden sich sicher eher im CD-Spieler des durchschnittlichen Depeche Mode-Fans als ein Album von Throbbing Gristle.

Aber zum Album an sich: Ob es sinnvoll war, im Vorfeld das Album in nahe Verwandtschaft zu „Violator“ (dem noch immer kommerziell erfolgreichsten Album der Band) und „Songs of Faith and Devotion“ (dem letzten Album mit Alan Wilder, dessen Hand und Ohr für Klänge nicht nur ewiggestrige Fans vermissen) zu stellen, sei dahingestellt, denn zum einen werden damit (zu hohe) Erwartungen geweckt, zum anderen wird die Rezeption in eine Richtung gelenkt, die nur bedingt durch die Musik auf „Delta Machine“ erfüllt wird. Thematisch knüpft das von sperrigen Sounds eröffnete und das Album einleitende „Welcome to my World“ durchaus an „World in my Eyes“ (von „Violator“) an: „And if you stay a while/I’ll penetrate your soul/I’ll bleed into your dreams/You’ll want to lose control“. Da manifestiert sich wieder der Wunsch nach einer abgeschotteten Welt, einem Hortus conclusus, in dem der Sexus re(a)giert und man fast transzendentale Ekstase erfährt (das ist Bataille light). An diesen Wunsch nach Kontrolle eines überschaubaren Raums knüpft das minimalistische, nur von repetetiven technoiden Passagen untermalte „My Little Universe“ an. Auf dem bluesigen „Angel“ inszeniert sich Gahan als jemand, den der „angel of love“ aus dem Ruder wirft. „Lord I felt so small/The legs beneath me weakened/And I began to crawl“ – aber am Ende findet der „Sünder“ den lang ersehnten Frieden. Dieses Stück ist vielleicht paradigmatisch für die von Gore bevorzugte Metaphorik und die großen Geschichten von Leiden und Erlösung, die das Werk der Band seit Jahrzehnten prägen und die (auch) immer wieder von Rezipientenseite mit Gahans schon lange überwundenem Drogenabusus verknüpft werden. Würde man eine tag cloud erstellen , so entstünde ein Wust aus „shame“, „guilt“ („Should be Higher“), „God“ („Secret to the End“), „sinners“ („Angel“) und im Zentrum stünde die „Seele“ („The Child Inside“, „Alone“, „Soothe my Soul“, „Goodbye“). Gores fast schon katholische Metaphorik wirft die Frage auf, ob das nächste Video der Band nicht von Abel Ferrara inszeniert werden sollte.

Der Blues, auf den der Titel des Albums anspielt, findet sich auf „Heaven“, „Angel“, „Slow“ (ein Titel, auf dem die Entschleunigung des Geschlechtsakts zelebriert wird) und dem Abschluss „Goodbye“. Musikalisch anders ausgerichtet ist der Stadionklopper „Soft Touch/Raw Nerve“, den man sich auch in einer Großraumdisco leider nur allzu gut vorstellen kann, oder auch das treibende als Vergewaltigungsphantasie lesbare „Soothe My Soul“, das als zweite Single ausgekoppelt werden wird. Es finden sich aber auch klare Rückbezüge auf die 80er: „Broken“ könnte von „Music for the Masses“ stammen und auch „Secret to the End“ oder „Should Be Higher“ (eine von drei Gahan-Kompositionen) verweisen auf die Vergangenheit – ohne aber allzu nostalgisch zu klingen. Auf der regulären Albumedition findet sich mit „The Child Inside“ die einzige von Martin Gore gesungene Nummer . Die immer wiederkehrenden Themen und Topoi (Liebe und Sex) sind für sich genommen kein Problem, viele (große) Künstler in allen Genres arbeiten sich jahrzehntelang an immer wiederkehrenden Themen ab, allerdings schießen die Texte manchmal über das Ziel hinaus, aus Pathos wird dann Bathos: „It was you that took my sould/Threw it in the fire/Tamed it in the rapture/Filled me with desire“. („Goodbye“).

Dennoch: Trotz der angesprochenen Schwächen, die sich in der einen oder anderen Form auch auf anderen Tonträgern der Band fanden, ist „Delta Machine“ ein Beispiel für großartige Popmusik, die vielleicht – um auf den Anfang zurückzukommen – aus der Sicht mancher kaum avantgardistisch sein dürfte, die aber nicht nur graduell besser ist als der Großteil dessen, was die Charts bevölkert und davon einmal abgesehen gibt es Künstler, die weitaus schlechter altern und nach 30 Jahren nur noch Schatten ihrer selbst sind. Insofern spricht nichts dagegen, die im Eröffnungstrack besungene Welt zu betreten.

M.G.

Label: Columbia

Band: Depeche Mode