On her first full album since 2016’s HOPELESSNESS, she explains the creative process was painstaking, yet also inspired, joyful, and intimate, a renewal and a renaming of her response to the world as she sees it. “Some of these songs respond to global and environmental concerns first voiced in popular music over 50 years ago.” (Secretly Canadian / Rough Trade)

“It Must Change”, die erste Single aus dem Album, ist gerade erschienen.

@ Bandcamp / @ Rough Trade

“Personally curated and overseen by Marc himself, the 10-CD ‘Trials Of Eyeliner’ box set is both the first and the definitive career overview of one of contemporary music’s best respected, most consistently inventive artists – from the huge pop success of Soft Cell to the tormented beauty of the Marc And The Mambas projects to a dazzling solo career that’s encompassed smash hits, cutting-edge electronica, torch songs, rock ‘n’ roll and much, much more. The 10-disc set is themed into three sections: the four-disc ‘History’ recounts Marc’s journey via his favourite and best-loved album tracks and B-sides; ‘Singles’ gathers together all of Marc’s official Soft Cell, Mambas and solo singles in (mainly) chronological order for the first time; finally the 3-disc section ‘Gems’ pulls together nuggets and rarities from fan-only releases, one-off collaborations, and soundtracks contributions and includes 18 tracks previously unreleased from Marc’s own collection.Beautifully presented with new artwork the box also comes with a 64-page hardback book packed with photos and featuring Marc in conversation with Alexis Petridis in an all-new career overview.”

CD 1

History

1. Soft Cell – The Girl With the Patent Leather Face
2. Marc and the Mambas – Fun City
3. Marc and the Mambas – Sleaze (Readers Wifes Club Edit)
4. Soft Cell – Sex Dwarf (original version)
5. Soft Cell – Youth
6. Soft Cell – Insecure Me (2002 edit)
7. Soft Cell – Loving You Hating Me
8. Soft Cell – Heat
9. Soft Cell – Meet Murder My Angel
10. Soft Cell – Surrender to a Stranger
11. Marc and the Mambas – Untitled
12. Marc and the Mambas – Big Louise
13. Marc and the Mambas – Torment
14. Marc and the Mambas – Catch a Fallen Star
15. Marc and the Mambas – A Million Manias
16. Marc Almond – Love Amongst The Ruined
17. Marc Almond and the Willing Sinners – Joey Demento

CD 2

History

1. Marc Almond and the Willing Sinners – Gutter Hearts
2. Marc Almond and the Willing Sinners – Crime Sublime
3. Marc Almond – Always
4. Marc Almond and the Willing Sinners – I Who Never
5. Marc Almond – Body Unknown
6. Marc Almond and the Willing Sinners – Saint Judy
7. Marc Almond and the Willing Sinners – The Hustler
8. Marc Almond and the Willing Sinners – There Is A Bed
9. Marc Almond and the Willing Sinners – Mother Fist
10. Marc Almond – The Devil (OKay) (Le diable (ça va))
11. Marc Almond – Lost Paradise (Le paradis perdu)
12. Marc Almond – The Stars We Are
13. Marc Almond – These My Dreams Are Yours
14. Marc Almond (featuring Nico) – Your Kisses Burn
15. Marc Almond- Toreador In The Rain
16. Marc Almond – The Sea Still Sings
17. Marc Almond – Meet Me in My Dream
18. Marc Almond – Champagne 

CD 3

History

1. Marc Almond – Vision (live)
2. Marc Almond – Night And No Morning
3. Marc Almond – Deadly Serenade
4. Marc Almond – The Edge Of Heartbreak
5. Marc Almond – Come In Sweet Assassin
6. Marc Almond – Lonely Go Go Dancer (Open All Night European version)
7. Marc Almond – Midnight Soul
8. Marc Almond -My Love (Dave Ball Remix)
9. Marc Almond featuring Siouxsie Sioux – Threat of Love (Neal X remix)
10. Marc Almond – One Big Soul
11. Soft Cell – Darker Times
12. Soft Cell – God Shaped Hole
13. Marc Almond – Under Your Wing
14. Marc Almond – Tantalise Me
15. Marc Almond – Lights
16. Marc Almond – Redeem Me (Beauty Will Redeem The World)
17. Marc Almond – The London Boys
18. Marc Almond – Stardom Road

CD 4

History

1. Marc Almond – Sleeping Beauty
2. Marc Almond – The Storks
3. Marc Almond with Aquarium – Gosudaryunia
4. Marc Almond featuring the Orchestra Rossiya – Pearly Night
5. Marc Almond – Friendship
6. Marc Almond and Michael Cashmore – Feasting With Panthers
7. Marc Almond and Michael Cashmore – The Man Condemned to Death
8. Marc Almond – Variety
9. Marc Almond – Lavender
10. Marc Almond – Trials Of Eyeliner
11. Marc Almond – Farewell
12. John Harle and Marc Almond – Ratcliffe Highway
13. Marc Almond with Jeremy Reed and Othon – The Green Fairy
14. Marc Almond and Carl Barat – Love Is Not On Trial
15. Marc Almond – The Dancing Marquis
16. Marc Almond – Tasmanian Tiger
17. Marc Almond featuring Danielz – Death of a Dandy
18. Marc Almond – Zipped Black Leather Jacket
19. Marc Almond – Life in My Own Way

CD 5

Singles

1. Soft Cell – Memorabilia
2. Soft Cell – Tainted Love
3. Soft Cell – Bedsitter
4. Soft Cell – Say Hello Wave Goodbye
5. Soft Cell – Torch
6. Soft Cell – What (mono mix)
7. Soft Cell – Where The Heart Is
8. Soft Cell – Numbers
9. Soft Cell – Soul Inside
10. Soft Cell – Down In The Subway
11. Marc and the Mambas – Black Heart
12. Marc Almond – The Boy Who Came Back
13. Marc Almond – You Have (full version)
14. Marc Almond – Tenderness Is A Weakness
15. Bronski Beat & Marc Almond – I Feel Love (Medley)
16. Marc Almond – Stories Of Johnny
17. Marc Almond – The House Is Haunted By The Echo Of Your Last Goodbye
18. Marc Almond – Love Letter
19. Marc Almond – Ruby Red
20. Marc Almond – Melancholy Rose

CD 6

Singles

1. Marc Almond – A Woman’s Story
2. Marc Almond – Tears Run Rings
3. Marc Almond with Gene Pitney – Something’s Gotten Hold Of My Heart
4. Marc Almond – Bitter Sweet
5. Marc Almond – Only The Moment
6. Marc Almond – A Lover Spurned
7. Marc Almond – The Desperate Hours
8. Marc Almond – Waifs and Strays
9. Marc Almond – What Makes a Man (Live)
10. Marc Almond – Jacky
11. Marc Almond – My Hand Over My Heart
12. Marc Almond – The Days Of Pearly Spencer
13. Marc Almond – The Idol (Part 1)
14. Marc Almond – Adored and Explored
15. Marc Almond – Out There
16. Marc Almond – Brilliant Creatures
17. Marc Almond – Child Star

CD 7

Singles

1. P J Proby and Marc Almond with My Life Story Orchestra – Yesterday Has Gone
2. Marc Almond – Black Kiss
3. Marc Almond – Tragedy (Take a Look and See)
4. Marc Almond with Mekon – Please Stay
5. Marc Almond – Glorious (radio edit)
6. Marc Almond – Gone But Not Forgotten
7. Rosenstolz with Marc Almond – Total Eclipse
8. Soft Cell – Monoculture
9. Soft Cell – The Night
10. Marc Almond with Sarah Cracknell – I Close My Eyes and Count to Ten
11. Starcluster with Marc Almond – Smoke and Mirrors (Original Version)
12. System F featuring Marc Almond -Soul on Soul (radio edit)
13. King Roc featuring Marc Almond – Prime Evil (Boris Dlugosch mix – edit) 3
14. T-Total featuring Marc Almond – Baby’s On Fire
15. Mark Schneider with Marc Almond – Perfect Honey (Temptation)
16. Marc Almond – Nijinsky Heart
17. Marc Almond – Burn Bright
18. Marc Almond – Scar
19. Marc Almond – Bad To Me
20. Marc Almond – Demon Lover

CD 8

Gems

1. Marc Almond – Oily Black Limousine
2. Marc Almond – Indigo Blue
3. The Burmoe Brothers featuring Marc Almond – Skin
4. Coil with Marc Almond – Dark Age of Love
5. Marc Almond – Amnesia Nights (demo)
6. Marc Almond with Mekon – Theatre of Dreams
7. Marc Almond – Demented, Deluded, Delirious (Mekon Remix)
8. Mekon featuring Marc Almond – Out of My Soul remix (edit)
9. Andrei Samsonov and Laska Omnia with Marc Almond – Passion and Pain
10. Andrei Samsonov and Laska Omnia with Marc Almond – The Guilt of My Secret (Original Version)
11. Marc Almond – Three Monkey Tango
12. Marc Almond – The Exhibitionist (original first demo)
13. Punx Soundcheck featuring Marc Almond – Vanity, Poverty, Revenge
14. Marc Almond – Fur (Jóhann Jóhannsson mix)
15. Marc Almond – Dead Eyed Child (remix)
16. Marc Almond – Black Satin (remix)
17. Marc Almond – Sequins and Stars
18. Othon featuring Marc Almond – Last Night I Paid to Close My Eyes
19. Marc Almond – Beautiful Losers
20. Marc Almond – City of Nights

CD 9

Gems

1. Marc Almond – Tale of a Tart (Hell)
2. Marc Almond – Urban Velvet (1997 demo)
3. Marc Almond – The Beautiful Light of Madness (demo)
4. Marc Almond – Suburban Opera (1997 demo)
5. Marc Almond – Life’s a Lonely Drag (But I’m Alive) (demo)
6. Marc Almond – Bluegate Fields (demo)*
7. Marc Almond – Someone Like Me (demo)*
8. Marc Almond – I’m Your Karma (demo)*
9. Marc Almond featuring Armen Ra –Kill Me or Make Me Beautiful*
10. Marc Almond – When Bad People Kiss
11. Marc Almond with Othon – The Tango Song
12. Marc Almond with the Rossiya Orchestra – The Sun Will Arise
13. Marc Almond with the Rossiya Orchestra – Tenderness
14. Marc Almond with Antony Hegarty and the Rossiya Orchestra – River of Sorrow
15. John Harle with Marc Almond – Angel Eyes
16. Marc Almond – Keep Back Your Tears
17. X-TG featuring Marc Almond – The Falconer
18. Marc Almond with the Gaslight Troubadours – Eros and Eye
19. Marc Almond with Brian Reitzell – Snake Charmer

CD 10

Gems

1. Marc Almond with Jools Holland & his Rhythm & Blues Orchestra – Cry
2. Marc Almond with Jools Holland & His Rhythm & Blues Orchestra – On My Soul (I Swear)
3. Marc Almond – Idiot Dancing
4. Marc Almond – Dark Is My World (Without Love)
5. Marc Almond – Kiss the Ghost Goodbye
6. Marc Almond – I Am No One (demo)
7. Marc Almond and Neal X – Criminal Lover
8. Marc Almond – The Crimson Diva
9. Marc Almond – Rhythm and Blues
10. Marc Almond – Suicide Saloon
11. Marc Almond – For Only You
12. Marc Almond – Brewer Street Blues
13. Marc Almond – Miss Urania
14. Marc Almond – The Perfumed Garden of Gulliver Smith (Afghan Candles version)
15. Marc Almond – Eyes (demo)
16. Marc Almond – Be Still (demo)
17. Marc Almond – Late Night
18. Marc Almond – Hurt Me (edit)
19. Marc Almond – When I Was A Young Man (live)
20. T. Rextasy with Marc Almond, Tony Visconti and the Dirty Pretty Strings –Teenage Dream (live)
21. Marc Almond – I Created Me

“Ein Teil der Ausstellung ist von Anohni selbst kuratiert, die Künstlerin führt hier Positionen zusammen, die für sie wichtig waren und immer noch sind. Das sind zunächst die Fotografien von Peter Hujar (1934 – 1987), der als der Fotograf der «Aids-Generation» im New York der späten 1970er- und 1980er-Jahre gilt und mit seinen Porträts von Künstlern, Tänzern und Intellektuellen dieser Zeit deren Persönlichkeiten vorstellt. Die Motive anderer Fotoserien Hujars können als Metaphern dieser komplexen Epoche gelesen werden. Die Zeichnungen und Skulpturen des amerikanischen Künstlers James Elaine, geboren 1950, werden erstmals in Europa gezeigt. James Elaine ist ein Künstler aus Kalifornien, der auf seine Weise Bilder von großer Melancholie geschaffen hat. Schließlich verweist Anohni auf den japanischen Butoh-Tänzer Kazuo Ono (auch Ohno geschrieben, er lebte von 1906 bis 2010), dessen Auftritte japanische Tanztradition mit europäischem Ausdruckstanz verbinden und maßgeblich Auftritte von Anohni geprägt haben. In der zweiten Etage der Kunsthalle Bielefeld werden die Werke von Anohni selbst gezeigt. Seit ca. 10 Jahren hat Anohni im Verborgenen ein bildnerisches Werk geschaffen, das von einem intensiven Sinn für haptische Qualitäten von Materialität zeugt. Es sind Collagen mit Fundstücken aus dem Alltag und Erinnerungsstücken ihrer Kindheit entstanden und Malerei in Enkaustik (also unter Verwendung von Wachs) geschaffen worden, die von der Materialität der Farbe erzählt. Bei aller Poetik des Materiellen setzt Anohni in der bildenden Kunst fort, was thematisch ihr künstlerisches Anliegen allgemein ist, ein Bewusstsein für die Zerstörung unserer Umwelt zu schaffen, namentlich durch den Klimawandel, und auf die Verantwortung jedes Einzelnen für diese Welt hinzuweisen.
Die Ausstellung wird gefördert von der Kulturstiftung des Bundes.”

Kunsthalle Bielefeld
Artur-Ladebeck-Straße 5
D-33602 Bielefeld

Anohni @ Kunsthalle Bielefeld

Dass Antonys Stil, sein Gesang und die Wahl seiner Themen und Mitmusiker stets dem Wandel unterlag und auch sein typischer Stil irgendwo zwischen balladesker amerikanischer Popmusik und dem romantischen Kunstlied keineswegs immer gleich klang, tröstet nur wenig über das Ende der Formation hinweg. Das heißt nicht, dass man deshalb Vorbehalte gegenüber seinem neuen Projekt, geschweige denn gegenüber seinem neuen persönlichen Selbstverständnis haben muss. Mit der musikalischen Seite seiner neuen Persona werden die vielleicht am schnellsten warm, denen die Zusammenarbeit mit Herkules And Love Affair gefallen hat.

Aus dem Sänger Antony, der von Freunden wohl schon länger als „she“ angesprochen wurde, wurde nun endgültig die Sängerin Anohni, und auch wenn der musikalische Wandel damit nicht direkt zusammenhängt, unterstreicht dieser umso mehr den Wendepunkt, das Zurücklassen von Altem. „Hopelessness“ ist ein druckvolles, elektronisches Album, das – so Anohni – musikalisch wie inhaltlich Zähne zeigen will und mit dem House-Electro von Herkules And Love Affair nur grob das Genre gemeinsam hat. Unter den Händen von Hudson Mohawke und Oneohtrix Point Never entstand eine geschliffene Producermusik, die klirrend klar und detailverliebt ist, und dennoch über starke Perkussion und enorme Bässe eine Monumentalität bekommt, die z.T. an These New Puritans erinnert.

Die Inhalte von „Hopelessness“ wurden medial schon ausgiebig durchgekaut: Anohnis Texte sind eine schonungslose Kampfansage an alle „imperialistischen“ Raubzüge der modernen Gesellschaft und vor allem des amerikanische geprägten Westens und die zwingenden Kollateralschäden an Mensch und Natur – ein Thema, dass im Kontext ihrer früheren Arbeiten, also seit „The Crying Light”, durchaus einen Schwerpunkt bildete, doch an die Stelle eines wehmütigen Trauerns ob der modernen Entfremdungstendenzen tritt ein unverblümtes Klartextreden, etwas kraftvoll Kämpferisches, wie man es bei den Johnsons selten – am ehesten vielleicht im rituellen „Shake That Devil – zu hören bekam. Und es geht hier mehr denn je um das große politische Panorama und weniger um subjektives Befinden.

Das auf einem spirituellen Einheitsverständnis mit der Natur aufbauende Anklagen ökologischer Missstände, bei Antony noch ein freundliches und recht allgemein gehaltenes Plädieren für eine wiedererwachte Liebe zur Mutter Erde, gestaltet sich bei Anohni konkret und unmissverständlich: „4 Degrees”, hier der Opener und in der Schlussphase der Johnsons schon Teil des Konzert-Repertoirs, wurde extra für den letztjährigen Klimagipfel in Paris geschrieben und kulminiert – nach einem ironischen Spiel mit den lächerlich klingenden 4 Grad Celsius, die sich die Erde „nur” erwärmen soll – in einer bitteren, von pochenden Beats und theatralischen Synthies vorangetriebenen Selbstanklage: Wir alle haben an der Verwüstung mitgearbeitet und somit unser Recht, die Augen zu verschließen, verwirkt – ein Pessimismus, der sich, ganz im Einklang mit dem Titel, wie ein roter Faden durch das ganze Album ziehen wird. Im Titelsong wird Anohni auf diese Involviertheit aller und die Absage an die selbstgerechte Illusion einer erhabenen Außenperspektive zurückkommen. Ein Stück wie das apokalyptische „Why Did You Separate Me from the Earth?“ erinnent vom Titel her noch etwas stärker an die milderen Reflexionen zu Zeiten der Johnsons, doch auch dieser Friede ist trügerisch.

Angesichts grauenhafter Populisten, die derzeit die Riege der sogenannten Klimaskeptiker mitprägen, ist der Auftakt erfrischend, auch bei aller Einfachheit seiner Botschaft. Ein ebenso zentrales, eventuell kontroverseres Thema, ist Anohnis Abrechnung mit Aspekten amerikanischer Außenpolitik und mit allem, was man einmal unter dem Schlagwort des „war on terror“ zu fassen suchte. Herausragend an der Stelle die zwischen Ambient und gebrochenen elektronischen Rhythmen changierenden Tracks „Obama“, „Crisis“ und das als Single ausgekoppelte „Drone Bomb Me“.

Man muss Anohni nicht, wie jüngst im Freitag geschehen, Antiamerikanismus und Betroffenheitsporno unterstellen. Die Kritik an der Todesstrafe in „Execution“ zieht einen deutlichen Vergleich mit nichtwestlichen Ländern, und ihre Abrechnung mit Obama, nach welchem sich gewiss viele, die ihn zurecht kritisieren, irgendwann zu zurücksehnen werden, ist sicher auch und v.a. eine Abrechnung mit eigenen enttäuschten Illusionen. Unheilvolle Samples und an den Nerven zerrende Rhythmen lassen keinen Zweifel daran, dass durch das Zunehmen geheimdienstlicher Überwachung (dazu noch eindringlicheres in „Watch Me“) und juristisch nicht legitimierter Tötung durch Drohnen naive Hoffnung zur titelgebenden Hoffnungslosigkeit wurde. Der Rolle amerikanischer Politik in Konflikten des Nahen und Mittleren Ostens sind zwei weitere Highlights gewidmet. „Crisis“ rechtfertigt sicher keinen jihadistischen Terror, in dem dieser auch als Folge westlicher Machtpolitik (zentrales Schlagwort Guantanamo) erklärt und das Fazit gezogen wird, dass man Opfer und Schuld nicht gegeneinander aufrechnen kann. Dass der Song streckenweise nach gängigen journalistischen Kommentaren klingt, kann man ihm freilich vorhalten.

„Drone Bomb Me“ greift das Motiv der Schuld aus „4 Degrees“ wieder auf, doch der Schuldkomplex des afghanischen Mädchens, dass seine Familie bei einem Drohnenangriff verlor und sich in einem eindringlichen Monolog für sein Überleben anklagt und den eigenen Tod ersehnt, trägt schwer an seiner bitteren Ironie, die durch den tanzbaren Upbeat noch verstärkt wird. Der Verzicht auf allzu catchy Ohrwurmqualität und die Performance einer in Tränen aufgelösten Naomi Campbell im Video wirken der spielerischen Rhetorik entgegen und hinterlassen einen flauen Eindruck. Irritierend und zugleich erfrischend ist auch die leidenschaftliche Wut, mit der Anohni zur Sache geht. Man mag sich fragen, wie das bei einer derart finsteren Bestandsaufnahme der Weltlage noch möglich ist, aber man kann es freilich auch genau andersherum betrachten – es gibt nichts zu verlieren und somit muss nichts und niemand geschont bleiben. Aber wer weiß, vielleicht schärft ja gerade das Vorrechnen der Ausweglosigkeit den Blick des einen oder anderen für subtile Wege zum Licht am Ende des Tunnels, und sei es nur im Kleinen.

Anohnis Debüt wird gerade in allen nennenswerten Kulturmedien gefeiert und gilt schon jetzt als eine der popkulturellen Sternstunden des noch jungen Jahres – nicht nur in musikalischer, sondern auch in gesellschaftskritischer Hinsicht. Spätestens mit dem Auftritt Campbells meldet sich zwangsläufig der von allerhand kritischen Theorien verkorkste Spielverderber und stellt den erwartbaren Fragenkatalog: Wie konnte man das (nach der Logik des Modebusiness natürlich etwas in die Jahre gekommene) Supermodel für ihren Auftritt bezahlen, oder hat sie tatsächlich aus Idealismus auf eine große Gage verzichtet? Anohni ist nach wie vor bei einem Indie-Label unter Vertrag. Steht das Eingebettetsein in die Welt des großen Kulturbusiness, trotz Oscar-Verzicht, nicht im Widerspruch zum kritischen Anspruch, der somit als Heuchelei entlarvt wird? Oder ist Anohnis perfekt vermarktbare Weltstandpauke gerade aufgrund ihrer trendy Gewandung und ihrer Tauglichkeit zum Hype der perfekt subversive Sand im Getriebe der materialistischen Maschinerie, die auch die Triebfeder all der apostrophierten Missstände ist? Ganz kann man solche Fragen wohl nie beantworten, aber weil mir ein schales “sowohl als auch” zu öde erscheint, entscheide ich mich spontan für die zweite, quasi “postmoderne” Variante – vielleicht weil ich in diesen Dingen ein unverbesserlicher Optimist bin und dem niederschmetternden Pessimismus Anohnis jeden Erfolg wünsche und zutraue. (U.S.)

Label: Secretly Canadian/Rough Trade

Der aus der Region um Birmingham stammende Cashmore begründete Nature and Organisation schon Jahre vor dieser Zeit. 1986 erschien ein Tape, auf dem er unter diesem Namen sowie als Bone Clinic noisige Kollagen herausbrachte, die im Kern vieles enthielten, was seine Musik bis heute ausmacht: Schöne, damals an spanische Folklore angelehnte Gitarrenmotive und eher harsche Sounds, die noch sehr in der Tradition der Industrial Culture standen; emotionaler Überschwang in Form eines heillosen Chaos, ebenso wie die zahlreichen Details zur Ruhe gezwungen durch eine fast bildhauerische Form, bei der kein Aspekt dem Zufall überlassen scheint. So ausbalanciert Cashmores Musik seit jeher anmutet, herrscht unter ihrer Oberfläche ein mühsam gebändigter Widerstreit, der sich – ob intendiert oder nicht – auch im Bandnamen spiegelt. Er scheint für eine Art asketischer Strenge zu stehen, die sich bis heute in Cashmores Arbeiten findet, auch wenn man sie oft nur vage hinter der sanften Schönheit seiner Musik erahnt.

Auf der bald erscheinenden 2CD „Snow Leopard Messiah“ sind diese Aufnahmen nicht enthalten, doch ihr Echo findet sich auch in den Werken, die in den 90ern im Dunstkreis der World Serpent-Family entstanden sind. Das 1994 erschienene und seit einer gefühlten Ewigkeit vergriffene „Beauty Reaps the Blood of Solitude“ gilt vielen als einer der Klassiker des Apokalyptik Folk, enthielt es doch die dramatische ebenso wie die wehmütige Seite dieser Musik in einer bemerkenswerten Ausgewogenheit, und mit David Tibet, Douglas P. und Rose McDowall sind einige der Protagonisten des vermeintlichen Genres beteiligt. Das Werk beginnt mit einem monumentalen Intro, das auf ein bedrohlich-apokalyptisches Szenario einstimmt. Wenn Rose die Hörer in der darauf folgenden Version des „Wickerman Song“ sanft in den Schlaf wiegt, ist alles wieder offen, denn bis dahin erinnert die atmosphärische Bandbreite an ein kleines Spagat.

Das Gros der Platte machen Stücke mit Texten und Gesang von Tibet aus, dessen Stimme damals auch in den rezitativeren Momenten noch Markanz bewies, ganz im Gegenteil leider zu den eher müden Endlosvorträgen von heute, an deren Saft- und Kraftlosigkeit auch die berühmtesten Folk-, Rock-, und Jazzmusiker der Welt nichts ändern. Das beliebte „Bloodstreamruns“, aber auch „Bonewhiteglory“, „Skeletontonguedworld“ und „Tears for an Eastern Girl“ hätten sich teilweise gut auf Current 93s „Of Ruin or Some Blazing Starre“ gemacht – die apokalyptischen Reiter, lachende und weinende Kinder, die London Bridge in Flammen und viele weitere Motive waren damals Current pur, ebenso Cashmores finger pickings und die durch all dies evozierte pastorale Besinnlichkeit. Es sind nicht nur die Streicher, die den Stücken etwas Eigenes verleihen, denn der Gesamteindruck wirkt in Ganzen konzentrierter als die vergleichsweise erratischen Werke von Tibets bekannterer Band. Einen Kontrapunkt zu den folkigen Stücken bilden zudem die weitgehend instrumental gehaltenen Interludien, die – besonders „Obsession Flowers as Torture“– recht martialisch anmuten, ebenso Pierce’ Beitrag „My Black Diaries“, das auch als DIJ-Track auf einem Sampler veröffentlicht wurde. Dier hier enthaltene Version ist die dynamischere.

Von den beiden Bonustracks, die die erste Seite abrunden, gehört nur „A Dozen Winters of Loneliness“ in diese Phase, das Brel/McKuen-Cover „To You“ (mit Gesang von Stephen Harry Mason eines der schönsten Stücke von Nature and Organisation) könnte man als Link zur Spätphase betrachten, die ganz im Zeichen des zweiten Albums steht. „Death in a Snow Leopard Winter“ ist ein Fragment geblieben, bei dem Cashmore am Piano von einem Streichquartett begleitet wird, ursprünglich waren Bläser, Gesang und einiges mehr vorgesehen. Man sollte das Wort Fragment aber Cashmores Bescheidenheit zuschreiben, denn ohne entsprechendes Wissen fällt die Unvollendetheit nur an wenigen Stellen auf. Die aus zwölf Sätzen bestehende Musik ist leitmotivisch aufgebaut, findet immer wieder ihren Ausgangspunkt bei zurückgenommenen Passagen, die beinahe in Stille übergehen. Ausgehend von diesen kontemplativen Momenten schwingt sich die Musik jedoch mit expressivem Streichereinsatz zu immer wieder neuen Höhen empor. Was die musikalischen Zutaten betrift, hat das Album nur wenig mit seinem Vorgänger gemein, und von der Musik her hätte es auch schon in die Zeit gepasst, als Cashmore unter seinem eigenen Namen veröffentlichte – man denke an die EP „The Snow Abides“ mit Antony und das aller (Melo-)Dramatik enthobene „Sleep England“.

In der meditativen Konzentriertheit des „Snow Leopard“-Albums oder des gerade genannten Soloalbums entdeckt man vieles, was sich etwas versteckter auch da findet, wo diverse Sänger den vorderen Bühnenraum einnehmen. Ein ganzer symbolischer Kosmos an Nature and Organisation-Motiven öffnet sich aber beim Blick auf Außermusikalisches wie Titelgebung und Artwork. In diesem Motivkomplex aus Vitalität und Vergänglichkeit, Begierde und Schmerz, Schönheit und Trauer – mit einer pathosgetränkten Bildwelt aus Rosen und Statuen, die oft mehr an Death in June als an Current 93 erinnert – steckt vieles, das gerade in den Kollagen des Coverartworks chaotisch durcheinander gewirbelt wird und seltsame Hybride aus Organik und Mechanik, aus Mensch, Tier und Kunstwerk bildet. Die Kollagen selbst wirken wie eine Momentaufnahme davon, wie die für ein Sekundenbruchteil eingefrorene Unruhe, in der all dies koexistiert. Auch hier, die Strenge und der Wunsch, alles in eine umfassende Form zu bringen. All dies bildet den Rahmen, der die Beiträge von Tibet und anderen so ganz anders kontextualisiert. Gerade das Pathos aber und die offene Brutalität dieses Symbolismus ist aus Cashmores späteren Arbeiten nahezu verschwunden. (U.S.)

Label: Trisol

Tibet hat in den Jahren öfter von seinem Wunsch nach Simplizität gesprochen, zumindest musikalisch ist das der Fall, denn trotz vieler Musiker (insgesamt 14 Personen waren an „I Am The Last Of All The Field That Fell“ beteiligt, wohingegen das Myrninerest-Album von Tibet lediglich zusammen mit James Blackshaw, der hier kurz am Bass zu hören ist, eingespielt wurde) sind die einzelnen Stücke primär um das Klavierspiel des neuen Pianisten Reinier van Houdt zentriert. Der verhältnismäßig ruhige Opener ist noch recht opulent instrumentiert: „The Invisible Church“ kombiniert Klavier mit dem Akustikgitarrenspiel von Groundhogs’ Tony Mc Phees (dessen „Sad Go Round“ Tibet auf der „Lucifer over London”-12′ gecovert hatte), Schlagzeug, an dem hier Carl Stokes zu hören ist und der Bassklarinette von Joe Seagrott (der nach der Reunion Rob Young bei Comus ersetzt hat). Die Backingvocals der scheinbar ewig jugendlichen Bobbie Watson erinnern an Rose Mc Dowall, deren Gesang auf früheren Current 93-Alben wiederum ohne Comus kaum denkbar gewesen wäre. Das darauf folgende„Those Flowers Grew“ ist dramatischer, hier hat Tibets Vortrag wie schon auf früheren Alben einen unglaublich intensiven, fast manischen Charakter, was durch John Zorns Saxophonspiel und Tony Mc Phees E-Gitarre noch unterstrichen wird. Diese Art des Vortragens wird auf „And Onto PickNickMagick“ noch deutlicher und dies macht ein Nebenbeihören und letztlich Indifferenz eigentlich unmöglich. „The Heart Full of Eyes“ hat einen etwas stärkeren Rockcharakter, hier stehen die Gitarrenriffs gleichberechtigt neben dem Klavier– etwas, das auch einigen der anderen Stücken bei der Aufführung des Albums in London gut zu Gesicht stand. „Spring Sand Dreamt Larks“ bekommt durch Zorns durchdringendes Saxophon ebenfalls etwas Unruhiges, Getriebenes. Zurückhaltender ist ein Stück wie das von melancholischem Klavierspiel bestimmte „With the Dromedaries“, das nur gegen Ende eruptive „Kings and Things“ oder aber das nachdenkliche „Why Did The Fox Bark?“. Etwas aus dem Rahmen fällt das beschwingte „I Remember The Berlin Boys“, das mit seinen knapp vier Minuten der kürzeste Track ist. Antony, dessen Arbeiten der letzten Jahre mir manchmal etwas zu glatt waren, beweist auf „Mourned Winter Then“ (lediglich von Klavier begleitet), warum der Legende nach Lou Reed geweint hat, als er ihn zum ersten Mal singen hörte. Wenn er manche der Zeilen fast atemlos vorträgt, dann meint man wahrlich, die im Text genannten „angelic yells“ zu hören. Abgeschlossen wird das Album von dem von Nick Cave gesungenen „I Could Not Shift The Shadow“, einer ruhigen Klavierballade, die das Album zurückhaltend ausklingen lässt. Zwischen einzelnen Stücken hört man immer wieder den für seine selbst so betitelten „apocalyptic visual parables” bekannten Dichter, Maler, outsider artist Norbert Cox.

Die Texte sind erneut eine Apotheose einer (Privat)Mythologie, deren Referenzen, Anspielungen und Bildlichkeit nur noch partiell zu dekodieren ist. Wie auch auf den Arbeiten der vergangenen Jahre findet sich eine Gegenüberstellung von Sakralem und Profanem: Gary Glitter, Strichcodes, Saulus, Paulus und das Jüngste Gericht treffen in „Those Flowers Grew“ alle aufeinander. In seiner Studie The Lyre of Orpheus postuliert Christopher Partridge in einem etwas anderen Zusammenhang, dass sich „[t]he sacred-profane ambiguity“ in den Arbeiten Current 93s zeige. Es finden sich auch immer wieder intertextuelle Referenzen auf die Alben der letzten Jahre: so tauchen „ships in the sky“ auf, der bellende Fuchs verweist auf „Aleph…“, man findet sich erneut im „Baalstorm“, während „SunFlower“ und „Queendom“ an den Vorgänger „Honeysuckle Æons“ erinnern. Ebenfalls wird wieder wie schon zuvor (ein frühes Beispiel wäre Nature and Organisations „Bloodstreamruns“) die eigene (als fehlerhaft) betrachtete Vergangenheit thematisiert. Auf „I Remember The Berlin Boys“ heißt es: „the Nodding God span webs/In the distance“, „The message is I ran evil“, „When I was young in body/But old in soul/Now older and in vice“.

Das Arbeiten mit partieller Homophonie („mews/noose“, „diseased and deceased“), das teils (vermeintlich) Assoziative, die Gegenüberstellung scheinbar konträrer Bilder und Themen weisen (literaturgeschichtlich gesehen) modernistische Züge auf. Ich habe früher schon auf Parallelen zum expressionistischen Reihenstil hingewiesen. Seine Erschaffung eines eigenen und eigenständigen mythologischen Systems erinnert aber auch natürlich an einen anderen Autoren, der konstatierte, er müsse (s)ein eigenes System schaffen, um nicht von einem anderen versklavt zu werden. Und wenn man Formulierungen wie „The field of bled woods“ oder „When we are naked as bone“ hört, entstehen Bilder, von denen man eigentlich nicht unberührt bleiben kann, die einen aufs Tiefste anrühren.

Ein Album von Current 93 ist oftmals eine Offenbarung – das kann, muss man aber nicht theologisch lesen – man kann es auch rein profan verstehen.

M.G.

Label: The Spheres

Der Hinweis auf den Unterwassercharakter des Stückes passt natürlich zu einem Künstler, dessen letzes, im Jahr 2009 veröffentlichte Album „Vivian and Ondine“ ein Stück enthielt, das dazu diente, das etwas auf sich warten lassende Kind seiner Schwägerin in/auf die Welt zu holen- vielleicht sollte der Kontrast zwischen Mutterleib und Welt eingeebnet werden: kein In-die-Welt-geworfen-werden sondern ein (sanftes) Hinübergleiten.

Das 2009 entstandene Stück „Trail of Tears“ wurde in Auszügen für die Robert Wilson-Oper „The Life and Times of Marina Abramovic“ (an der u.a. Antony beteiligt war) verwendet, ist etwas kürzer und von leicht anderer Stimmung: Auch hier finden sich zwar Pianoloops, die aber leicht verzögert werden. Zudem verlieren sich die Loops im Verlauf teilweise in einem dunklen Grundrauschen, wodurch das Stück eine etwas düstere Note bekommt – was vielleicht den Pfad der Tränen – ein Begriff, der nicht nur der indigenen Population der USA Tränen in die Augen treiben sollte – illustrieren mag.

M.G.

Label: 2062

Fasst man dies sehr weit, so findet man Ansätze dieser Art nicht nur beim knochentrockenen Trivialfeminismus, der die entsprechenden Eigenschaften ohnehin meist allzu moralingesäuert „den Männern“ und „den Frauen“ zuweist. Einen Hang zum Androgynen und eine Wertschätzung des Weiblichen als Antidot zu Militanz und Strebertum und einem allzu einseitigen Schwerpunkt auf dem Rationalen – das findet sich in der modernen Gegenkultur bereits in Zeiten von Décadence und Jugendstil, zieht sich über einige Schulen der Psychoanalyse durch das gesamte 20. Jahrhundert. Immer wieder auf den Tisch kommt die stets kontrovers diskutierte These matriarchaler Kulturen in frühgeschichtlicher Zeit. Nicht selten ist die Rede vom weiblichen Prinzip naturmystisch eingefärbt, und da bei den akademischen Konstrukteuren der offiziellen Kulturgeschichte nach wie vor entmystifizierende Diskurskritik hip ist, bildete sich in weniger offiziellen Bereichen der Kultur längst eine fast entgegengesetzte Art von Genderbewusstsein heraus, bei dem pagane Naturnähe und ein Hochhalten des Weiblichen Hand in Hand gehen.

Im musikalischen Bereich hat sich seit Dekaden eine Tradition herausgebildet, die mit populären Vorstellungen von Queerness nur wenig zu tun hat, man denke allem voran an die Moon Music von Coil oder an die immer noch als Geheimtipp gehandelte Verbindung von Musik und Malerei bei Val Denham. Antony and the Johnsons sind eine der Bands, die aufgrund ihrer Popularität vielleicht am meisten Gehör mit solchen Ideen finden. In Antonys Lyrics haben sich Leitmotive wie geschlechtliche Identität, Spiritualität und ökologisches Bewusstsein zuletzt immer mehr zu einem stimmigen Mosaik zusammengefügt.

In diesem Sinne ist das im letzten Jahr in Kopenhagen aufgenommene Album „Cut The World“, Antonys erste Live-CD seit der Split „Live at St. Olave’s Church“ mit Current 93, nicht nur ein klanglich hervorragendes Dokument, sondern auch ein kleines Manifest, dass die Botschaft der Gruppe recht präzise auf den Punkt bringt. Und das ist jetzt keineswegs eine übereifrige Auslegung von Texten und Gesten, denn im Zentrum der Aufnahme steht eine rund siebenminütige Ansprache, hier als „Future Feminism“ betitelt, bei der Hegarty seine Sicht in klaren Worten ausdrückt: Gegen eine monotheistische Himmelsreligion, deren drei Ausprägungen er für soziale Katastrophen und den ökologischen Kollaps unseres Planeten verantwortlich macht, bricht der katholisch erzogene Antony, längst auf Eigeninitiative „enttauft“, die Lanze für eine feminin konnotierte Erdverbundenheit, wünscht sich einen Switch hin zu einer Feminisierung von Religion und Politik und fordert den Mut ein, mentalitätsgeschichtlich gegen den Strom zu schwimmen. Er selbst macht es zweifelsohne schon an Ort und Stelle vor, mögen seine Symbole (Wasserquellen als Menstruation der Mutter Erde etc.) außer Kontext auch etwas angestaubt und seine Direktheit etwas didaktisch wirken.

Im eröffnenden Titelsong, Teil eines Musikdramas, dass Antony gerade zusammen mit Marina Abramovic und Robert Wilson auf die Bühne bringt, ist sehr viel von diesem Umkehrgedanken enthalten. Antony gibt nicht viel auf die bestehenden Verhältnisse, und schwere, angstbesetzte Erinnerungen kommen zu Wort: „My heart is a record of dangerous scenes“. Und doch ist das Stück von einer fast euphorischen Aufbruchstimmung durchdrungen, von der Hoffnung auf einen klaren Schnitt hin zu einem neuen Menschen. Das feinfühlige Spiel des Danish National Chamber Orchestra legt dazu ein dichtes Fundament. Der Rest der an zwei aufeinanderfolgenden Konzertabenden gespielten Stücke stammen aus sämtlichen Werkphasen, und alle fügen sich im Nachhinein in das stimmige Konzept ein. Da wäre „Another World“, wo das Loslassen und die Suche als hoffnungsfroher Aufbruch besungen werden – verbildlicht mit der Lichtmetapher, die bei „The Crying Light“ und beim elegischen „Swanlights“ eine deutlich mystische Komponente erhält. Die Abwesenheit des Lichts kommt im düsteren „Twilight“ zur Sprache, wenngleich ich das Ausbleiben des eruptiven Höhepunktes bedauere, der den Song ursprünglich zu dem machte, was ein sonst eher trocken formulierender Autor einmal voller Pathos die Axt für das gefrorene Meer nannte.

Das von Nico Muhly und den langjährigen Johnsons-Musikern Rob Moose und Maxim Moston dirigierte Orchester beweist sein Können auch gerade da, wo es sich zurückzunehmen versteht, was u.a. bei den leichtfüßigeren Stücken wie „Epilepsy Is Dancing“ und dem beschwingt verliebten „Kiss My Name“ gelingt, erst recht bei „I Fell In Love With A Dead Boy“, bei dem Streicher und Bläser, ganz anders als in der behutsameren Pianoversion, zu euphorischen Höhen auffahren um sich anschließend in feierlicher Stille zurücknehmen.

Wenngleich „Cut the World“ auch ein Querschnitt durch das Schaffen der Johnsons ist, ist es doch mehr ein Konzeptalbum als eine Compilation. Deutlich zelebriert die Band hier den Schnitt und den Neubeginn – auf eine Art, die man hier und da als predigend empfinden mag, aber bei Antony nimmt man das auch mal in Kauf. Eventuell ist all dies auch biografisch gemeint. Wie immer es mit Antony und seinen Musikern künftig weitergehen wird, werden sie das aktuelle Jahrzehnt sicher noch ebenso mitprägen wie das letzte.

Label: Rough Trade

Die Stücke „We Are On Fire” und „Tearz For Animals”, beide unter der Anleitung von Dave Sitek (TV On The Radio) produziert, sind aufgeweckte Electronica-Nummern und zeigen vor allem, dass bei CocoRosie mehr oder weniger alles beim alten ist. Der Sound ist gewohnt vielschichtig und wirkt von Aufnahmesession zu Aufnahmesession professioneller gestaltet, das Spielkistenhafte wurde über die Jahre nie komplett ausrangiert und wird es auch diesmal nicht, wirkt allerdings in dem seit “Ghosthorse and Stillborn” mehr oder weniger folkfreien Sound wie eine zitathafte Reminiszenz an früher, als die beiden als eines der mustergültigen Aushängeschilder eines hippen Hippietums aus der postmodernen Kulturretorte gehandelt wurden. Wollte man jemandem in möglichst kurzer Zeit an einem prägnanten Beispiel erklären, was man unter “weird” versteht, musste man ihm nur CocoRosie zeigen, denn bei ihnen verstand es wirklich jeder, selbst 2raumwohnung- und Sarah Kuttner-Fans en masse, die dann auch gleich auf den Geschmack kamen.

Die erste Seite enthält eine hinter mädchenhaften 90er Jahre-R’n'B-Sound versteckte Gothic Tale über eine Wiedergängerin, die nachts über einen Friedhof schwebt und sich danach sehnt, die Gestalt eines schwarzen Hundes anzunehmen, doch irgendwie nimmt man ihnen die Klischees nicht krumm, da solche Motive in ihrer Welt eher Ausnahmen sind, und auch mit Hiphop-Beats und dubbigen Halleffekten klingt das Stück nicht einmal nach Chill Wave und dergleichen. Die Überraschung des Tages allerdings findet sich auf Seite 2, denn seit seinem eher unspektakulären Stimmbeitrag bei Metallic Falcons tritt erstmals wieder Antony Hegarty im CocoRosie-Kosmos auf, hier in Form eines feurigen Duetts mit einer tremolierenden Bianca Casady. “Tearz for Animals” ist der positivere, aber auch der ernstere der beiden Songs, an Sternstunden wie das famose “Beautiful Boyz” will er jedoch nicht heranreichen, das Stück ist solide und nett.

Aufgrund ihrer poppigen Übermarkanz konnte ich CocoRosie immer nur bedingt etwas abgewinnen, ein paar Songs des Frühwerks bildeten eine Ausnahme. Die neueren Stücke sind sicher voller Ideenreichtum und technisch-kompositorisch virtuos, das kommende Album sollte man aber für eine Bewertung abwarten. Darauf und auf die angekündigte Tour sollten Fans aber gespannt sein, und wer die beiden in einem exquisiten Rahmen erleben will, dem sei ihr Auftritt auf dem von Antony kuratierte Meltdown-Festival in London empfohlen (u.a. mit Buffy Sainte-Marie, bekannt durch ihre etwas ernsthaftere Auseinandersetzung mit der Native American-Culture)

(U.S.)

Label: Touch And Go/Souterrain Transmissions

Zum Beispiel das Drosseln der eruptiven Song-Höhepunkte bei neueren Aufnahmen, was bei den letzten Konzerten sogar ein ursprünglich so emphatischer Song wie “Twilight” zu spüren bekam – als könnte man dem mittlerweile so großen Publikum ein bisschen eigenwilliges Pathos nicht mehr zumuten. Schließlich bekam die Fangemeinde durch die recht standardisierten Orchestersounds unter der Leitung von Nico Muhly genug Eingängiges serviert. Und überhaupt, könnte man sich nach Grönemeyer-Duett und Beyoncé-Cover, nach Prada und Lavazza eigentlich noch jemanden wie Baby Dee im Line-up der Band vorstellen? Oder den Gastauftritt eines gewissen David Michael, den der Sänger pflichtbewusst lobt, falls ihn denn noch mal jemand nach ihm fragt? Und warum wurde eigentlich “The Snow Abides”, Antonys Zusammenarbeit mit Michael Cashmore, die doch recht nah am Sound der Johnsons war, nicht etwas ausgiebiger beworben?

Zweifelsohne, Antony verdient seinen Erfolg, und nichts ist diesem Magazin fremder als subkultureller Purismus. Seit Antonys Name jedoch in aller Munde ist, skandieren diejenigen ihn am lautesten, denen die ursprünglichen Kontexte seiner Musik am Fremdesten sind. Meines Erachtens stehen aber gerade ihre Spuren immer noch symbolisch für vieles, was ihn aus dem großen Indie-Allerlei heraushebt, in dem viele seine Musik heute rubrizieren. Es wäre schade, wenn das immer mehr aus dem Fanbewusstsein verschwinden würde.

Zur Einstimmung auf das für Oktober angekündigte Album „Swanlights“ wurde jüngst die vorliegende EP veröffentlicht. Der Opener und Titelsong knüpft ein wenig an „Fistful of Love“ vom zweiten Album an – eine im Midtempo vorgebrachte Verneigung vor den klassischen Tagen des Soul, in denen Künstler wie James Brown das Genre bis in unsere Zeit neu definierten, und zugleich eine so herzliche wie nachdrückliche lyrische Liebeserklärung, deren Adressat wie bei so vielen Songs von Antony offen bleibt. “You Are the Treasure” zielt in die gleiche Kerbe, ohne allerdings mit der ansteckenden Euphorie des Openers mithalten zu können. Der eigentliche Höhepunkt findet sich aber in der Mitte der kleinen Veröffentlichung: “My Lord My Love” mit seiner schönen Gesangsmelodie und seinen auf viel Hall gestimmten Pianoparts erinnert an ältere Tage, war wohl auch ein Bonustrack bei einer besonderen Auflage des letzten Albums. Streicher wie Julia Kent und Maxim Moston tragen dazu bei, die Geborgenheit fühlen zu lassen, die hier gefeiert wird. Gegen Ende spürt man sogar ein wenig von der alten Exaltiertheit, nur ganz knapp angedeutet, so wie der ganze Song den Eindruck macht, nur einen Teil von dem zu offenbaren, was er in sich birgt.

Schon bei der letzten EP „Another World“ schienen die Songs um den Mittelteil zentriert zu sein. Damals bildete der Bluesrocksong „Shake That Devil“ den Höhepunkt und fiel gleichsam aus der ansonsten recht homogenen Soundgestaltung heraus. Diesmal trennt sozusagen ein Stück klassischer Johnsons-Kammermusik den einleitenden Soulpart von einem gitarrenorientierten Schlussteil, bestehend aus zwei recht originalgetreuen Coverversionen.

Bei der minimalistischen Interpretation von Bob Dylans “Pressing On” dachte ich, dass Antony schon enthusiastischere Coverversionen aufgenommen hatte, und dass klassischer Akustikfolk nicht unbedingt seine größte Stärke ist. Das Stück ist mit Vibraphon und punktuell eingesetzten Choreffekten ein netter Torch Song, der aber auch nicht zu den eindringlichsten Momenten der Band zählt. Überzeugender ist die Umsetzung von John Lennons berühmtem „Imagine“. Die Grundierung bietet hier William Basinski mit einem dronig-zittrigen Klangteppich, der nur vage zu hören ist unter der gezupften Gitarre und Antonys melancholischem Falsett, mit dem er den bekannten Lyrics über die Einheit und Gleichheit der Menschen einen trotz aller Hoffnung traurigen Beiklang verleiht. „Imagine all the people, living life in peace…“

Insgesamt würde ich „Thank You For Your Love“ sicher nicht als das Highlight unter den kleineren Veröffentlichungen der Gruppe bezeichnen, aber das ist das Urteil eines erklärten und nicht ganz unbefangenen Fans der ersten Jahre. Freunde des letzten Albums werden sicher auch das kommende lieben, das zusammen mit einem Bildband erscheinen wird, der Gemälde, Zeichnungen, Kollagen und Fotos von Antony enthalten wird. Auf einen Song wie „Cripple And The Starfish“ sollte man jedoch nicht allzu sehr hoffen. (U.S.)