In “Ketuk”, dem aktuellen Longplayer des süditalienischen Duos Phlåss, wird genau diese ästhetische Anlage verfolgt. Das Duo, ein offenes Kollektiv um Pasquale Lomolino und Vincenzo Tattolo, versteht seine Arbeit als Dialog zwischen Musik und Nicht-Musik, zwischen strukturiertem Klang und offenem Geräusch. “Ketuk”, das den Untertitel “Ancient Rituals 1″ trägt, besteht aus zwei jeweils rund zwanzigminütigen Stücken und ist als zusammenhängende Arbeit angelegt. Geloopte, “ethnografisch” anmutende Klangfragmente treffen auf feine elektronische Texturen und zielen in ihrer hypnotisch-minimalistischen Gestalt auf eine Form selbstinduzierter Trance.

Aus dem Flirren des Soundmaterials schälen sich mit der Zeit vorsichtig Melodieansätze und andere fragile Konturen, und eines wird rasch deutlich: Es ist eine entrückte Welt, in die man hier hineingezogen wird. Je nach eigener Disposition durchmisst man sie eher eingelullt, in einer halb somnambulen Hypnotisiertheit, oder mit geschärfter Aufmerksamkeit, wach und beinahe meditativ gesammelt. Die Klänge wirken dabei weniger gesetzt als freigelegt und erscheinen wie Partikel eines bereits vorhandenen Kontinuums, das nur punktuell hörbar wird. Auffällig ist die Zurückhaltung, mit der das Material behandelt wird. Nichts drängt sich in den Vordergrund, nichts wird eindeutig fixiert. Die vermeintliche Monotonie entpuppt sich bei genauerem Hören als ein Geflecht aus feinen Verschiebungen, in dem kleinste Veränderungen an Gewicht gewinnen. Zeit verliert dabei ihre lineare Struktur und dehnt sich eher aus, als dass sie voranschreitet.

“Ketuk” ist sicher nicht die kompositorisch komplexeste Arbeit von Phlåss, doch sicher eine ihrer intensivsten. Wer nach klaren Entwicklungen oder markanten Höhepunkten sucht, wird hier wenig finden. Wer sich jedoch auf die subtilen Prozesse und die eigentümliche Schwebe des Ganzen einlässt, begegnet einer Musik, die weniger erzählt als einen Zustand erfahrbar macht. Vielleicht kann man ja angesichts des Untertitels auf eine interessante Fortsetzung gespannt sein. (U.S.)

Label: Backwards

Musikalisch entfaltet sich ein vielschichtiges, dabei stets fragmentarisch bleibendes Ambientstück: Flächige Synthies, entrückte melodische Tupfer, die ebenso gut von einem Klavier gespielt werden könnten, treffen auf Regenrauschen und schwer einzuordnende Geräuschschichten zwischen Field Recording und Bearbeitung. Kirchenglocken tauchen auf, ebenso wie kaum greifbare menschliche Stimmen, später deutlicher hervortretende Gesprächsfetzen. Abschnitte mit getragenen Klangflächen wechseln mit Momenten, in denen eine verwehte, weiblich anmutende Stimme aufscheint. Immer wieder durchbrechen schrillere, fast feedbackartige oder auch an verfremdete Vogelstimmen erinnernde Einsprengsel die ansonsten kontemplative Oberfläche. Gegen Ende treten sogar angedeutete rhythmische und perkussive Elemente hinzu – vieles bleibt skizzenhaft, offen und in steter in Bewegung. Das Release erscheint als streng limitierte Edition als einseitig bespielte 12″-Lathe-Cut, ergänzt um den exklusiven Siebdruck sowie ein kleines Insert. Die Auflage ist auf 22 Exemplare begrenzt, von denen aktuell nur noch wenige verfügbar sind. Darüber hinaus ist das release auch digital erhältlich.

Pasquale Lomolino und der auch als Architekt aktive Vincenzo Tattolo, die hinter Phlåss stehen und vor einiger Zeit bereits das Tape “Continuum” produziert hatten, verstehen ihr Projekt als eine Form kollektiver Klangforschung. Schon auf “Continuum” war das Interesse an flächigen Kompositionen zu hören, “Cut” jedoch denkt den Begriff der Fläche brüchiger, ohne dabei in bloße Fragmentierung zu kippen.

Fünf Stücke, aufgenommen an verschiedenen Orten in Italien zwischen Dezember und April, bilden das Material des Albums. Der eher kurze Einstieg “Chill” beginnt mit gemurmelten Stimmen und aufgewühlten Synthies, die glatt in Rhythm Noise übergehen könnten, doch dazu kommt es nicht. Stattdessen stören Lautstärkeschwankungen den Eindruck eines kontinuierlichen Flusses. Eine Art Rauschen liegt scheinbar über allem, unklar, ob es sich nicht doch nur um eine Fata Morgana handelt.

“Cave”, das zweite Stück, ist von anderer Natur. Naturgeräusche wie Seevögel und Wasserrauschen markieren hier nicht bloß ein Setting, sondern rahmen ein warm tönendes Drone, das sich allmählich ausbreitet. Eine dezente Melancholie schwingt mit, ohne sich zu sehr in den Vordergrund zu drängen, eine stille Genügsamkeit ist spürbar. Doch auch dieses Stück bleibt nicht im Zustand des Gleichgewichts: ein aufhellendes Zischeln und Rauschen tritt hinzu, als würde eine Tür geöffnet und Luft in einen zu dichten Raum gelassen. Trotz aller Schichtung wirkt das Stück am Ende fast beiläufig ausgeblendet, ein bewusster Verzicht auf einen Höhepunkt.

“Carom” ist strukturierter und beinahe hektisch. Helles elektronisches Rascheln, tupfende Sequenzen und ein vorsichtiges Dröhnen ergeben ein Bild, das sowohl wacher als auch transparenter ist als die vorangehenden Tracks. Der Titel, so lässt sich recherchieren, könnte lexikalisch auf das Abprallen eines Objekts bezogen sein, oder auch auf ein indisches Brettspiel. Beides scheint im übertragenen Sinn mitzuschwingen: das Stoßen und Zurückprallen ebenso wie eine verspielte, aber nicht ziellose Anordnung von Details. Die hellen, leicht schneidenden Synthies erinnern streckenweise entfernt an Coil in ihren verspielteren Momenten.

“Cable” dagegen brodelt und knackt zunächst eher vage vor sich hin. Es entsteht eine Bewegung, die sich nicht linear, sondern eher tastend fortsetzt. Ein metallischer, perkussiver Klang bringt etwas Struktur hinein, aber kein stabiles Gerüst. Auch hier ist es gerade das Uneindeutige, das dem Stück seine Signatur verleiht.

Im abschließenden “Chain” überlagern sich Schleifen aus Stimmen, Rauschen und metallisch perkussivem Klang. Ein aufgewühltes Moment zieht sich durch den Track, in dem sich verschiedene Elemente wie in einer letzten Verdichtung überlagern. Schließlich kippt das Stück in ein überraschend warmes Dröhnen mit aquatischer Textur. Die Illusion einer weiblichen Stimme scheint darin zu liegen oder ein Rohrblasinstrument wie die armenische Duduk oder die in anderen vorderasiatischen Ländern verbreitete Nej.

“Cut” ist ein leises, durchdachtes Album mit manchmal infernalischen Ausbrüchen. Der Titel, wie auch die Tracknamen, alle beginnend mit dem Buchstaben C” verweist möglicherweise auf eine formale Idee, vielleicht auch nur auf einen offenen Zusammenhang. Sicher ist: Was Phlåss hier vorlegen, ist keine bloße Etüde im Sounddesign, sondern eine konzentrierte und eigensinnige Auseinandersetzung mit Struktur, Fläche, Störung und Stimmung.

Label: Backwards Records

In “Per Quel Che Resta”, dem vorab veröffentlichten Track, verbinden sich schwebende Synthietupfer mit flächigen Sounds, die in ihrer Dichte fast orchestrale Qualitäten annehmen. Alles wirkt zugleich konkret und entrückt, rhythmisch angedeutet, aber nie dominant. Dabei entsteht eine Atmosphäre, die an frühe elektronische Avantgarden erinnert – nicht nur technisch, sondern auch in ihrer emotionalen Grundierung. Orsi gelingt es einmal mehr, aus vergleichsweise reduzierten Mitteln etwas vielschichtig Bewegendes zu formen. Die Musik entfaltet sich schrittweise, bleibt offen für Veränderungen, wirkt dabei aber nie beliebig. In ihrer melancholischen Zurückhaltung und ihrer strukturellen Klarheit knüpft sie an verschiedene Traditionen elektronischer Musik an, ohne nostalgisch zu sein – eher wie eine persönliche Fortführung dessen, was klanglich einmal möglich war und es immer noch ist.

Dröhnung. Beim Label heißt es “Let yourself get lost in the hypnotic sound waves of this album. phlass makes the purest form of music. Handle with care”. Das Release ist auf 75 Exemplare limitiert und darüber hinaus auch zum Download erhältllich.

“Storia Notturna is a collection of music written, produced and recorded mainly in September 2021, but its origins go back in time. As far back as my University studies in the early 90s. For one of the many extra-departmental courses that my study plan in Philosophy allowed, I chose Social History and found myself studying the seminal study by Carlo Ginzburg “I Benandanti: Stregoneria e culti agrari tra Cinquecento e Seicento” (Einaudi, 1966). It was a revelation. Ginzburg started from the analysis of a curious and widely documented Friulian fertility cult to show, on the one hand, how the Catholic inquisition overturned the perspective of the suspects, turning them from enemies of the witches for the defense of the crops into worshippers of the devil and, on the on the other hand, how some of the distinctive aspects of this cult had very ancient origins and, above all, traits common to traditions traceable in an enormous variety of times and places all over the world. In the following years, for pure personal pleasure, I continued to deepen my studies on these topics, and a couple of years ago my bookseller friend (and author of a beautiful book published by Utet) Giovanni Spadaccini got me a copy of the first edition of “Storia Notturna”, an essay from 1989 in which Carlo Ginzburg deepened and expanded the investigation on the themes already treated in I Benandanti. By the end of the book, something clicked in my head. Suddenly some of the many musical tracks that I continuously produce in my studio began to suggest a path that I hadn’t guessed before. I felt the urgency to immediately write and record other songs that would complete the picture that had by now outlined. In a few weeks I had an album, “a tale of Italian psychomagic in music”, as a friend defined it. I’d like to thank Giovanni Spadaccini not only for providing the book, but also for having been the very first listener and critic of my music, immediately followed by my bandmate and lifelong musical companion Nicola Caleffi. Their encouragement convinced me to overcome my chronic indecision, my well-founded self-criticism and to decide to publish this material. Pasquale Lomolino was equally encouraging and happy to release the album through his Backwards label. I’ve played, recorded and produced this music myself, with the help of some contributions from friends and family, often unaware of the use I would make of their voices. I thank them and I hope they’ll forgive me. I know they will”. (Luca Giovanardi)

Grundtenor voll filigraner Details – verteilt auf acht Tracks, die alle ihre eigenen Charakterzüge offenbaren. Die auf Komplementäres setzende Herangehensweise betrifft nicht nur die atmosphärische Seite des Albums, sondern auch die künstlerische Arbeitsteilung. Dazu heißt es: “The main feature of ‘Rote Um’ is its complementarity: Rosi’s analog experiments, imbued with low-fi and field-recording, are nestled in the endless digital landscapes, with cold hues and full of hypnagogic sensations, painted by TeZ”. Das Album erscheint auf 300 CDs, 100 Kassetten und zum Download.