Das libanesische Duo Snakeskin – Julia Sabra und Fadi Tabbal – widmet sich auf “We live in sand”, das größtenteils während einer Residenz in Bern produziert wurde, genau diesem Spannungsfeld. Entstanden im Oktober 2024, als die Eskalation des aktuellen Kriegens in der Region auch Beirut erreichte, markiert das Album den vielleicht radikalsten Punkt in ihrer bisherigen Arbeit. Schon der Auftakt “Ready” konfrontiert mit aufgewühltem, elektrifiziertem Rattern, das metallen vibriert und wie im Kontrapunkt zu der Genügsamkeit von Sabras entspannt-melancholischem Gesang steht. Bald mischen sich weitere Schichten darunter, flächige Sounds, die fast wie ein vorbeifliegendes Flugzeug wirken, ehe sich die Musik noch einmal überraschend melodisch öffnet.

“October sun” knüpft mit elektrifiziertem Hauchen und Summen daran an, getragen von einer monochromen Kulisse, die warm im Hintergrund liegt. Hier entfaltet sich eine Stimmung des Ausharrens, in der Sabras Stimme von verlorenen Orten und einem Himmel voller Drohnen singt. “This time there’s no escape”, heißt es und verweist auf die Unausweichlichkeit der Gegenwart, in der das Private untrennbar mit der politischen Situation verschränkt ist. Rhythmischer und beschwingter setzt “Blindsided” ein, doch unter den luftigen Takten liegt eine ambient geerdete Grundierung. Hier wird auch der zentrale Gedanke des Albums zwischen Verzweiflung und Beharren besonders eindringlich formuliert: “How to love in the face of this death”.

Mit “Olive groves” verändert sich die Stimmung spürbar. Feierliche Orgelklänge begleiten eine andächtige, fast schwebende Stimme, die in wenigen Worten jahrzehntelange Konflikte anruft. Auch “Black water” bleibt im Gestus reduziert, getragen von dumpfen Schlägen, folkig eingefärbten Saitenklängen und Bläsern, was der Komposition wie Musik für einen abgedunkelten Kurzfilm anmuten lässt. “The fear” dagegen klingt im Ansatz poppiger, mit klopfenden, rauschenden Texturen, hochtönendem Gesang und einem melodischen Brummen im Hintergrund – eine Eingängigkeit, die den bitteren Text umso deutlicher akzentuiert, in dem persönliche Erinnerungen an Kindheitsängste mit gegenwärtiger Bedrohung verschränkt. Ein wiederholtes Traume ist bekanntlich umso stärker in seiner Wirkung.

Im Titelstück schiebt sich ein metallisches Rasseln, Brummen und Bläserartiges in den Vordergrund, ehe Feedback und Kratzen die Klangfläche zerreißen. Der Gesang ist stark verfremdet, mal kaum verständlich, mal glasklar, und entwirft Bilder von Flammen, Steinen und einer “bloodied sun”. Der Abschluss “In the pines”, als einziges Stück außerhalb der Residency entstanden, führt schließlich in tiefe Melancholie. Bedächtige Pianolinien und verfremdete Stimmen verweben sich zu einem düsteren Duett. Zwischen Erinnerungsverlust, brennender Stadt und dem Ruf der Grillen entsteht eine Schwere, die keinen Ausweg mehr anbietet.

Von Anfang bis Ende ist “We live in sand”, trotz seiner voerdergründigen Zugänglichkeit, ein Album ohne beschönigende Zwischentöne. Während das selbstbetitelte Debüt noch von den Nachwirkungen der Beiruter Hafenexplosion geprägt war und “They Kept Our Photographs” im Schatten des beginnenden Kriegs entstand, ist die Gewalt hier endgültig im Alltag angekommen. Karl Matar, als Interbellum selbst Musiker, erfasst dies in den Liner Notes als Zeugnis ohne Fluchtpunkt: Wo frühere Werke Hoffnungsräume offenhielten, bleibt diesmal nur der entschlossene Realismus.

Am Ende bleibt ein Werk, das so bedrückend wie notwendig wirkt, eine fragile, aber klare Stimme aus der Mitte der Zerstörung. (U.S.)

Label: Ruptured Records / Beacon Sound

Trecka hat das Werk im Laufe eines Jahres in Zusammenarbeit mit Sam Skarstad (Yellow Eyes) aufgenommen und ein emotional aufgeladenes Soundgebilde geschaffen, das von Gastbeiträgen von Martin Courtney (Real Estate), Evan Hydzik (Pillars and Tongues) sowie hierzulande noch unbekannteren Leuten wie Andrew Petzold-Eley, Audra Wolowiec, Claire Deane, Sienna Blaw, Erin Landers und Jacki Calle Hernandez zusätzlich bereichert wird. Stilistisch, v.a. als Sänger, könnte man Treckas Signatur irgendwo im Überschneidungsbereich der Welten des David Bowie der Jahre um 1980, von Brendan Perry und dem späten Scott Walker lokalisieren. Aber das sollte nur als grober Wegweiser verstanden werden.

Der Opener “Utter Fallen Bloom Things” wirft den Hörer mit perkussivem Poltern und Pochen und rasselnden Klängen direkt in das Geschehen. Treckas entspannter Gesang ist begleitet von einem spannungsgeladenen Wechselspiel aus tribalistischen Drums und eindringlich an den Nerven zerrendem Gitarrenstrumming. Diese scheinbar zufälligen Elemente fügen sich zu einem reichhaltigen, vielschichtigen Sound zusammen, der einen von Anfang in den Bann zu ziehen versteht. “Staying Desire” beginnt ruhig, a cappella, bevor sich bedrohliche, brummende Soundlandschaften materialisieren. Hier baut sich eine düstere Atmosphäre auf, die von donnernden Detonationen und Treckas unnachgiebigem Gesang getragen wird. Trotz der dramatischen Soundentwicklung bleibt der Track zugänglich und offenbart gegen Ende fast poppige Strukturen.

“Clarity Demand” entfaltet mit pow-wow-artigen Trommeln und nostalgischen Synthies eine cinematische Aura, das Zusammenspiel von Percussion, Wummerbass und hochtönendem Gesang lässt einen hypnotischen Sog entstehen. Ein herausragender Moment des Albums ist „Epiphanic Crush“: Hier treffen tiefe Klaviertöne auf flüsternde Säufzer, die dunkle, filmische Atmosphäre weckte beim Rezensenten – vielleicht wegen des Säufzens – Erinnerungen an Argentos Suspiria. Doch trotz der gruseligen Stimmung entfaltet sich der Track im Verlauf eine berührende Melodik. Im Vergleich zur Andersweltlichkeit dieses Stücks wirkt das folgende, no-wavig schleppende “Wrestled to Regard” beinahe wie eine Studie in hell durchleuchtetem Realismus.

Mit „Go Through“, dem abschließenden Track, führt Trecka den Hörer in eine düstere Klangwelt aus dröhnenden Bässen, Velvet-Underground-Gitarren und einem gekonnt eingesetzten monoton-funkensprühenden Rhythmus. Die repetitiven Strukturen schaffen eine beklemmende Atmosphäre, die dieses in all seiner dunklen Vielgestaltig strahlende Album eindrucksvoll abschließt.

Trecka war die Sommermonate über kaum untätig, und so entstand neben einigen kleineren Veröffentlichungen bereits ein Album zusammen mit Cindytalk und seinem alten Weggefährten Mkl Anderson, wozu auf diesen Seiten bald mehr zu lesen sein wird.

Label: Beacon Sound

An den Aufnahmen beteiligt waren Matti Bye (Celesta, Synthies), Pekko Käppi (Jouhikko, eine in Finnland verbreitete Leier, die mit Bogen gestrichen wird), Hermanni Yli-Tepsa (Violine, Kontrabass), Topias Tiheäsalo (E-Gitarre) und Samuli Kosminen von Múm an verschiedenen Instrumenten. Inhaltlich dreht sich vieles in “Aphrilis” um den titelgebenden Monat April als eine Zeit des öffnens, was schon in der etymologischen Verwandtschaft des lateinischen Verbs “aperire” anklingt. “A fitting verb for the month of the year it is closely associated with — April”, heißt esi m Begleittext. “And while the images of plants and blossoms coming back to colorful life after a long, cold winter feels appropriate when listening to the rich and lustrous bloom of music on Aphrilis, another definition of open feels even more apt. For under the abundance lies the memory of times of austerity, the friction of hard choices, the acceptance that nothing is fixed and the future is unknown. This literal and metaphorical exploration of complexity and contradiction makes Aphrilis a multi-dimensional antidote for our troubled times, one that emphasizes the quiet and communal over noise and spectacle”. Das Album erscheint in verschiedenfarbigen Vinyl-Editionen und digital.

@ Fonal

Zu den melancholisch-weltentrückten Kompositionen mit ihrem insgesamt warmen Minimalismus heißt es bei Fonal Records und Beacon Sound, die das Album gemeinsam herausbringen: “The album shows yet another side of her singular musical universe, by turns aquatic and meditative, always pulsing with energy. [...] Composed and recorded at EMS over a period of five years, the title is a reference to the Buchla’s sequencer, which has five steps and four tracks, thus creating the characteristic five-beat tempo behind the compositions. The eight tracks that comprise 5 x 4 fluctuate between different moods: the contemplative hum of Isopoda; the coral-like tones and lush vocal melodies of lead single Sessilia; and the carbonated radiance of Hyperiidea and Amphipoda”.

Es gibt eine limitierte handnummerierte Edition mit Lau Naus Signatur, welche nur unter UV-Licht zu sehen ist. Auch das fluoreszierende Antwort der Künstlerin Ester Grossi entfaltet unter UV-Strahlen eine besondere Wirkung.

@ Fonal

“Starlight And Still Air” ist unverkennbar das Werk erfahrener Musiker, gleichwohl es heißt, dass Appleton nach einer längeren musikalischen Pause zunächst unsicher auf Uggeris Angebot einer gemeinsamen Arbeit reagierte und sich erst nach dem Zuspruch seines ehemaligen Bandkollegen und 4AD-Chefs Ivo Watts-Russell mit dem Gedanken an ein neues Album anfreundete. Auf einem elektronischen Fundament, das eine Bandbreite von ambient über experimentell bis poppig abdeckt, ereignen sich eine Vielzahl stilistischer, instrumenteller und stimmungsmäßiger Details, für die auch das elfköpfige Ensemble mehr als ein Shoutout verdient.

Es ist gar nicht so einfach, einzelne Höhepunkte herauszuheben. Da wäre “Afternoon Update”, ein spannungsgeladenener Auftakt mit Trommeln und Becken, durch den sich eine wehmütige Melodie zieht und fast schüchtern klingende Worte, denen bald ein Chor Verstärkung gibt; ferner der von einem rauschenden Jazzabend aus der Samplekiste durchzogene Triphop von “Empty City”, zu dem Appleton abgeklärte Verse über die Unvorhersehbarkeit alles Zwischenmenschlichen in fast heiterer Leichtigkeit deklamiert; dann der stockende Minimalismus von “Cold Sun”, der sich zu einer rührenden Pantomime über die Vergeblichkeit wandelt; oder ein gespenstisches Nachtstück wie „There Is No Crisis To Come“, das einem mit seinen unrbittlichen Loops wie Kälte in die Glieder kriecht und einen am Ende doch mit Trommelwirbeln weckt und alle Verhärtungen durchbricht.

Auch in der zweiten Hälfte des Albums haben die beiden ihre scharfe Munition noch nicht verschossen. Gekonnt verwandeln sich die klassischen Streicher und Klarinetten in “Looking for Clues” in den Score eines Hörspiels, in dem einsame Schritte über Kies ins Nirgendwo führen. Auch das epische “Look What We’ve Wasted” ist eine Hymne an die Verwandlung, bei der sakral-besinnliche Chöre in ein stürmisches Allegro führen. “Bloodlines”, das zum Abschluss noch in einem Remix von Pan American vorliegt, hält eine seltene Balance zwischen Spannung und meditativer Erdung.

Vielleicht ist es genau diese Klammer, die weite Teile des Albums zusammenhält und ihr ein besonderes atmosphärisches Gepräge gibt. Selbstredend sollte sich Appleton an seinem umtriebigen Partner ein Beispiel nehmen und sich wieder stärker der Musik zuwenden. Beispielsweise in einer festen Band namens Starlight Assembly.

Label: Beacon Sound