B’ee beginnt den gut achtminütigen Song mit summender Stimme, im Chor mit sich selbst, während Orgelklänge hinzukommen und kurz darauf das rhythmisch-galoppierende Strumming der akustischen Gitarre einsetzt. Es trägt den Gesang durch Mollfarben, die eine Stimmung zwischen leiser Euphorie und melancholischer Versenkung erzeugen. Ein Glockenspiel verstärkt später den märchenhaften Charakter des Stücks. Trotz der pastoralen Grundhaltung bleibt die Musik in Bewegung – getragen von einer inneren Dynamik, die durch die irgendwann einsetzende Perkussion und die elektrische Gitarre noch gewinnt.

Der Text, so kann man auf Bandcamp nachlesen, basiert auf einem taoistischen Märchen, das der japanische Autor Okakura Kakuzō in The Book of Tea überliefert: Eine unbändig stolze Lyra verweigert sich allen Versuchen, sie zu stimmen, bis ein zurückhaltender Wanderer kommt, der sie nicht bändigt, sondern ihr zuhört. Er lässt sie selbst die Themen wählen: Natur, Liebe, Krieg – und verliert sich dabei in ihr, bis Musiker und Instrument zu einer untrennbaren Einheit verschmelzen. Hier herrscht kein Zwang, keine Dressur, keine Verdinglichung, stattdessen ist Hingabe das Gebot der Stunde.

Formal bleibt die unbeugsame, aber durch Empathie und Neugier zu gewinnende Lyra übrigens abwesend; akustische Gitarren, Orgel, Glockenspiel, Percussion und der Gesang zweier Stimmen schaffen stattdessen eine eigene, konzentrierte Symbolwelt, in der das Motiv des “Zuhörens” nicht nur erzählt, sondern musikalisch durchdekliniert wird.

“The Wondrous Stubborn Lyre” ist vielleicht das beeindruckendste In Gowan Ring-Stück der aktuellen Zeit und sei allen Bee-Fans der älteren und jüngeren Semester uneingeschränkt empfohlen. (U.S.)

Das einundzwanzigminütige “Sucking up Souls” basiert überwiegend auf dem Einsatz von (in der Mehrheit weiblichen) Stimmen, die zu einer unentwirrbar wirkenden Kollage montiert sind. Dabei ist die Vielfalt der Performance von Gesang über Spoken Words bis zu gespenstischem Flüstern beeindruckend: Den Auftakt macht ein liturgisch anmutender Sopran, der sich schon bald mit anderen klassischen Gesängen überlappt und mit ihnen zusammen verquere Ornamente entstehen lässt. Der Loop einer bellenden Männerstimme, die man als Reminiszenz der abgründigeren Vorgängeralben verstehen könnte, bringt etwas Kantiges ins Bild, bis sie von einem dröhnenden Rumoren gepackt und in den Hintergrund gezogen wird. Rasselnde Ketten lassen einen neuen Abschnitt beginnen, in dem verwaschene Chöre den Hintergrund bilden für eine kindliche Stimme, die einen lyrischen Text rezitiert, bis alles verschwimmt und die liturgischen Gesänge wieder an die Oberfläche dringen. All diese immer wieder abtauchenden und in der einen oder anderen Weise wieder auftauchenden Motive scheinen stets auf der Suche nach einer adäquaten Form zu sein und müssen doch immer wieder ihre Auflösung erleben, die hier in einer Feinsinnigkeit inszeniert wird, die damals wahrscheinlich Standards gesetzt hatte.

Das die zweite Seite füllende “To Feed the Moon” wirkt im herkömmlichen Sinne “musikalischer”: Was mit dunkler Dröhnung und hellen, entrückten Klangtupfern startet, wird schnell zum melodischen Fundament für einen fast den ganzen Track durchziehenden tribalen Trommelrhythmus, der – das ist der einzige Wermutstropfen – immer etwas aufgeklebt wirkt, und zwischen dessen leicht aus den Fugen geratenen Anschlägen sich dann auch wieder Stimmen nach oben schleichen. Neben der kindlichen Stimme (wahrscheinlich Ruby Wallis), die eine Art Kehrreim aufsagt, ist dann auch Tibet etwas deutlicher zu hören. Im Unterschied zum ersten Track ist das Stück veränderlicher und mündet nach einer Phase relativer Ruhe in ein fast rockiges Szenario, das mit etwas Fantasie wie eine Vorstufe zu einem Stück wie “Panzer Ruin” klingt.

Die Soundkollagen als eine Art Archiv geträumter (und gestorbener) Träume zu sehen, ist eine durchaus naheliegende Assoziation, die Tibets Ideen zu dem Album entspricht, während Stapleton die Sounds als Geräusche eines nächtlichen Sanatoriums verstand. Natürlich öffnen Album- und Tracktitel weitere Assoziationen. Über David Tibets Interesse am Menstruationszyklus ist viel geschrieben worden, und in der Tat tauchten damit verbundene Motive, auch in für Tibet typischer Verknüpfung mit anderen Themen, für lange Zeit immer wieder im Werk von Current 93 auf, und bis heute tragen Veröffentlichungen den Mond im Titel. Bei den beiden Stücken auf “In Menstrual Night”, in denen Seelen aufgesaugt und der Mond gefüttert wird, könnte man mutmaßen, dass eventuell G.I.Gurdjieff inspirierend war. In dessen kosmologischer Theorie gibt es die Vorstellung, dass der Mond, der wie alle Himmelskörper wie ein lebender Organismus beschrieben wird, in seinem Bestreben, selbst ein Planet zu werden, Energie aus der irdischen Biosphäre saugt. Besonders die Seelen der Menschen dienen ihm als Nahrung, und entziehen können diese sich dem Sog des Mondes nur durch einen enormen Fokus auf bestimmte esoterische Praktiken. Wer zu passiv und verführbar ist und dem hypnotischen Zauber des Trabanten erliegt, endet als Energiequelle für dessen Planetwerdung. Viele Interpreten haben diese Mythologie als Reflexion über feminine Energie gedeutet, was dann den Bogen zum Periodenzyklus schlägt – zur Frage, ob Tibet sich davon inspirieren ließ und wenn ja, wie tiefgehend, gibt es keine Belege. Wundern würde es nicht. 

“In Menstrual Night”, in dessen CD-Version noch der Nightmare Culture-Track “KillyKillKilly (A Fire Sermon)” enthalten war, eröffnet einen interessanten Seitenpfad in der Diskografie von Current 93, der seine spätere Fortführung in Releases wie “Faust” und in den v.a. mit Andrew Liles produzierten EPs wie “The Moons At your Door” finden sollte – einer Musik, die vielleicht eine viel zentralere Rolle gespielt hätte und noch einige elaborierte Resultate hervorgebracht hätte, wäre das folkig eingefärbte Songformat nicht dazwischen gekommen. Da dies so nicht gekommen ist, sticht “In Menstrual Night” noch deutlicher hervor. House of Mythology gehen nun zu den Ursprüngen zurück und bringen als HomAleph eine neue limitierte Picture Disc des Albums heraus.

Label: House of Mythology / HomAleph / SPKR

“A rogue wave from the past! ‘Fifteen Men on the Deadman’s Chest’ was a live staple circa end of 1990′s during our, uh Pirate Phase… …There was for sure an album’s worth of songs left scattered in the flotsam & jetsam, but evidently the parrot ran off with the booty… …anyway, I can promise you that this is the goriest song to be featured in the In Gowan Ring repertoire: hope you enjoy our live recording at Mizpah Chapel in Portland, Oregon from 1999.” (B’ee)

“B’ee and friends will be performing the music of In Gowan Ring inside the Zome Temple of Hilt California with a limited live audience in attendance. The set will touch upon our new and old albums along with selections from the ‘Moonlit Missives’ series and a token rendition from one of our favorite historical San Francisco musical acts. The symbolist folk music of In Gowan Ring channels stories of stones and angels through homemade instruments and human voice. Uncanny harmonies unearth a visionary sonic tapestry, engaging in mythic landscapes to weave the transcendental and the mundane. For the last 20 years B’ee has composed original acoustic music under the moniker ‘In Gowan Ring’. It has led him on an itinerant journey through peculiar landscapes of sound and sense; meeting with other musicians, traditions, and philosophies around the world while pursuing an unexampled, intimate art. With a revolving cast of compatriots and fellow travelers, In Gowan Ring have over a dozen albums of recorded work, and have performed in over 30 countries worldwide.” (San Francisco Free Folk Festival)

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“We left off at Volume III (‘A Hand Full of Days’) back in 2009 when I was toe-treading out on the West Coast, writing songs by the Columbia river, the beaches and oceansides of Oregon and California. It’s fitting somehow that I should be returning to north America as I resume this strain of music that I feel always was connected to the wild places of America and to my personal stories, history and ‘destiny’ as traveler, visioner and musician. So now after a good 8 years based in Germany I’m returning to the semi-nomadic life I used to know and in the moment I’m back in the West Coast USA, starting work on old projects once again. With your assistance, I’ll be equilibrizing my life trajectory in a non-local fashion with portable office which will include the basic tools required in order for me to continue work on the Birch Book from a rolling duffel bag—just add a desk and quiet room!  Though it may at times seem an intrepid, freewheeling way to go, at the moment it feels I’m free again – a kind of return to my ‘home without a house’ and I imagine to take at least a year before settling a base somewhere. The final release date for Birch Book IV is scheduled for Summer Solstice 2020.  Woven through many of these songs are themes revolving around the Sun – the love of sun, the mystery of Sun, the nurturing grace of Sun.” (B’ee)

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Dienstag, 23. Mai 2019
Beginn: 20 Uhr
MUT! Theater
Amandastraße 58
20357 Hamburg

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