Die Aufnahme, die 2023 zunächst in einer rohen digitalen Fassung über Laswells Bandcampseite veröffentlicht wurde, liegt für diese LP-Ausgabe nun in einer neu abgemischten Version vor. Verantwortlich für den Mix ist Dirk Dresselhaus (Schneider TM), Mastering und Vinylschnitt übernahm Ruy Mariné. Musikalisch bewegt sich das Album durchgehend auf hohem Intensitätsniveau. Über sechs nicht betitelte Tracks entfaltet sich eine rohe, energetische Improvisation mit raschen Tempowechseln, funken­schlagenden Becken, kratzenden Saiten, schrillen Soli und eruptivem Schlagwerk. Keiji Haino prägt das Geschehen mit psychedelischen Gitarrensounds und gutturalem Gesang, der zwischen Shouts und Gurgeln changiert, ein Ausdruck, der sich auf das gesamte Klanggeschehen auswirkt. Rashied Alis perkussives Spiel – bekannt von Aufnahmen mit John und Alice Coltrane oder Pharoah Sanders – reicht hier von flüchtigen Gesten bis hin zu rhythmischer Dringlichkeit. Bill Laswell hält die Basis mit seinem charakteristisch dunklen Bassspiel und steuert gelegentlich akzentuierende Effekte bei. “The Stone” ergänzt also die bisherige, sehr schmale Diskographie der Formation um ein zentrales Dokument. Die Veröffentlichung ist als LP und zum Download erhältlich.

Das Album entfaltet eine Musik, die sowohl traditionelle japanische Elemente als auch improvisatorische Vielfalt aufgreift. In vielen Momenten wechseln sich beschwingte Passagen mit der hellen, durchdringenden Stimme der Shinobue ab, es entstehen dichte, spannungsgeladene Klangbilder. Die rhythmische Basis reicht von wuchtigen Drums bis hin zu flinker Handpercussion. Diese Aspekte wirken auf westliche Ohren oft cinematisch und lassen die Verbindung zu den bildhaften Qualitäten traditioneller japanischer Musik spüren. Fujiwara zeigt an vielen Stellen, wie sie Stimmungen zwischen Licht und Dunkelheit mit klar umrissenen, feinen Klangschichten gestaltet. Auch die Texte ihrer Lieder tragen dazu bei, indem sie von einer Welt erzählen, die zwischen Erinnerung und Erwartung schwebt.
Bill Laswell beschreibt die Aufnahmen als “Ichigo-Ichie: eine einmalige Klangbegegnung”, bei der alle Beteiligten ihre Erfahrungen aus unterschiedlichen musikalischen Kulturen einbrachten. Für diese Session wählte Laswell eine besondere achtsaitige Bassgitarre, um der Klangarchitektur zusätzliche harmonische Tiefe zu verleihen. Aus seiner Sicht transformierte die Gruppe alle vorhandenen Elemente in Klang – ein Prozess, der sich auf dem gesamten Album nachvollziehen lässt. Das Album erscheint bei Defkaz Records als LP, CD und zum Download.

Das Album erscheint als LP und digital auf Laswells Label M.O.D. Reloaded, die beiden Singles “Dub Sol” und “Interference” sind bereits streambar. Zu letzterem sagt Nevaris. “‘Interference’ was inspired by New York City and the energy of growing up there. As musicians mostly from this city, we really channeled that energy. We tracked the initial percussion, bass and drums live in the studio and added everything else on top of that. There was a good energy to the song from the very beginning. It’s an almost fully improvised track built in some layers. We wanted to give the rhythm section plenty of room to breathe”.

“The Gnawa are an ethnic minorityin today’s Morocco, descendents of slaves from West Africa who were brought to Morocco in the 16th century and who (although they quickly converted to Islam) nevertheless brought with them remnants of their animistic practices. The Gnawa perform a complex ceremony (called lila or derdeba) that over the duration of several hours recreates the genesis of the universe by the evocation of the seven main manifestations of the divine, represented by seven colours. Those ceremonies, led by a master or „maleem“, are still taking place today privately while Gnawa music in general has clearly been modernizing and thus become more profane, but witnessing a performance is still an astonishing experience. With the exception of a handful of recordings by PAUL BOWLES and PHILIP SCHUYLER (more ethnographic documents in a field recordings style), Gnawa music was barely heard outside of Morocco before 1990 – one of the first westerners to come and record the music was BILL LASWELL, back then running his AXIOM label that portrayed a wide range of ethnic music and musicians like THE MASTER MUSICIANS OF JAJOUKA or MALEEM MAHMOUD GHANIA, to name just two. „Night Spirit Masters“, recorded in the Medina of Marrakech, delivers soulful tracks of lead and group singers in call/ response mode, fired by sentirs, drums, hand clapping, and qrakechs, while others are drum features or sentir/ vocal pieces. Over 30 years after its initial release, this essential Gnawa album is finally available again – remastered and on 180gr audiophile vinyl!” (Zehra)

@ Sub Rosa

Es stand zu erwarten, dass die Subkulturen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts mit ihrem Verlangen nach ungekannter Spiritualität und ihrem Interesse an fremden Kulturen irgendwann auf diese Musik aufmerksam werden sollten. Angefangen von Beatniks (Burrows, Gysin, Bowles) bis hin zu Rock- und Undergroundgrößen wie Brian Jones, Ornette Coleman, Marianne Faithful oder Jane’s Addiction haben westliche Künstler die lokalen Sufi-Musiker kontaktiert, die fortan als Master Musicians Of Jajouka bekannt werden sollten – oder eben mit dem Zusatz, dass der Bandleader Bachir Attar heißt, als es zu einer Aufsplittung und quasi Verdopplung der Gruppe kam. Diese Inkarnation suchte Produzent Bill Laswell Anfang der 90er auf und schnitt eine der legendären Performances mit, die dann, kurz nachdem die Master Musicians auch in Cronenbergs Naked Lunch-Verfilmung zu hören waren, als “Apocalypse Across the Sky” erschien.

Bei den schrillen schalmaiartigen Bläsern und den ekstatischen Trommeln des ersten Stücks wird einmal mehr bewusst, wie sehr sich rituelle Musik anderer Kulturkreise vom feierlichen Pathos der meisten ihrer westlichen Formen unterscheiden kann: Die vorliegende Musik beginnt ungemein ausgelassen und erinnert an etwas räudigere Interpretationen von Tanzstücken wie dem Saltarello – und ganz nebenbei daran, wie vergleichsweise nah sich westliche und “orientalische” Alte Musik bis in die frühe Neuzeit noch standen. Solche Passagen, bei denen die Flöte schon mal die Intensität einer Alarmsirene bekommen kann, tauchen immer wieder auf, bei anderen steht ähnlich ekstatischer Gesang im Zentrum. Hier werden in Call- und Response-Gesängen zwischen Solisten und Chören repetitive, aber gleichsam mitreisende Melodien geformt, die den auf verschiedenen Saiteninstrumenten wie der Gimbri gespielten Tonfolgen in nichts nachstehen. Gelegentlich scheint der Solist im Chor aufzugehen, ragt aber bald wie eine Welle aus dem Meer der anderen Sänger wieder auf.

Verbindendes Element zwischen den einzelnen Strücken ist meist der einfache, aber extrem ins Bein gehende Rhythmus der handdrums, der sich in jede melodische Struktur einfügt. Doch gibt es auch weniger treibende Momente, am stärksten in “El Mehdahy”, dessen verwunschen durch die karge Landschaft wehenden Flöten schon den Score von Tarsem Singhs Film The Cell bereicherten. “Apocalypse Across the Sky” ist jüngst erstmals auf LP erschienen.

Label: Zehra

Sanders ist es auch, der die Musik mit hellen Strichen und Tupfern seines Instruments eröffnet, umschwirrt von Wortfetzen und anderen Geräuschen der Anwesenden, erst nach und nach kommen die klassischen Gnawa-Elemente hinzu: Der blecherne, ungemein tanzbare Takt einer Fasstrommel, Ghanias durchdringender Sologesang und ein Frauenchor im westafrikanischen Stil, der mit ihm einen Gesangsdialog in Call and Response-Manier anstimmt, wie man ihn auch vom Blues kennt, worauf Sanders mit wehklagender Einringlichkeit reagiert. Das tiefe Wummern der Guimbri-Saiten, das Laien an eine Oud erinnern könnten, kommt erst beim zweiten Stück zum Einsatz, begleitet vom rostigen Rasseln metallener Klappern. Wie gut sich das Saxophonspiel in die traditionelle Musik einfügt, ist beachtlich. Beim Sonny Sherrock gewidmeten „Peace in Essaouira“ stimmt es eine berührende Melodie zum sanften Regen der Rasseln an, im geradezu rasenden Furor von „Hamdouchi“ erinnert es fast an eine Schalmei, und immer wieder setzt die Guimbri ein und sorgt wie eine Bassgitarre für den entsprechenden Groove.

Dass solche Musik aus dem Kontext von Ritualen heilender und exorzierender Art stammt, ist kaum zu überhören, doch die eingängige Tanzbarkeit und die vitale Stimmung mussten irgendwann zu einer gewissen Popularisierung führen, und so trat auch Ghania, in dessen Familie die Gnawa-Musik generationenlang für Heilungszwecke praktiziert wurde, später auf internationalen Bühnen auf, teils im Zusammenarbeit mit Musikern wie Carlos Santana und Peter Brötzmann. Die Aufnahme mit Pharoah Sanders, die noch im selben Jahr unter dem Titel „The Trance of Seven Colours“ auf Laswells Axiom-Label herauskam, war für viele in den westlichen Ländern der Eintritt in den Gnawa-Kosmos und galt schnell als Klassiker. Nach fünfundzwanzig Jahren ist das Album nun in remasterter Form auf Vinyl erschienen. (U.S.)

Label: Zehra

Aus einem Guss, so kann man es nennen, wenn bei den beiden Versionen von „Parish of Tama“ alle drei Musiker gleichsam zu hören sind und immer wieder wie in einem guten Jam aufeinander reagieren. Was dabei herauskommt, ist vor allem bei der „Ossuary Dub“-Version äußerst dramatisch, und fast scheint es, als wäre die Bewegung selbst das eigentliche Thema des Stücks: Nach einem lärmigen Auftakt scheint die Bewegung, versteckt hinter Zorns jaulendem Tenor Sax, zunächst auf der Stelle zu treten, doch das vorsichtige Tasten geht langsam über in impulsives Gepolter und gerät immer mehr in den Fluss, in den auch Harris mit Blastbeats greift. Dann fast sakrale Stille. Viele der dezent im Hintergrund wirkenden Klangideen sind wohl primär Laswells Verdienst, ebenso die dubtypische Arbeit mit Hall und leeren Räumen.

Solcherlei hat seine größten Momente in „Morning of Balachaturdasi“, dem vielleicht zaghaftesten und zugleich zerfleddertsten Stück auf der Platte, bei dem allerlei Dubelemente verbraten werden, auf die Zorn mit einer soliden Roots-Melodie die Sahnehaube plaziert. Doch auch hier wieder der harmonisierende und alle Details integrierende Fluss von Harris gemächlichem Taktschlag. Die filmreife Düsternis der Ambient-Version von „Pashupatinath“ bildet zu all dem einen schicksalsschweren, dunkelgrollenden Kontrast – kein Dark Ambient, kein skandinavischer Death Industrial hätten dies besser (und klischeehafter) inszenieren können. Manche Stellen erinnern an tibetische Rituale, metallenes Scheppern sorgt für zusätzliches Kolorit, und wenn ich bei den langgezogenen Schreien am Ende an die frühen Current 93 denken musste, dann nicht nur, weil Zorn selbst diese Band schon mit solch sanften Saxophon-Strichen bereicherte, die auch dieses Stück abschließen.

An der Geschichte von PainKiller kann man exemplarisch nachvollziehen, wie drei recht unterschiedliche Musier ihre Beiträge immer mehr ineinander zu integrieren verstehen, so dass in Laufe von drei Studioalben ein relativ homogener Bandsound und -stil entstehen kann, und natürlich ist es auch ein bisschen bedauerlich, dass die folgenden Aktivitäten mit Gastmusikern wie Yamantaka Eye kein weiteres Studioalbum mehr hervorgebracht hatten. „Execution Ground“ jedenfalls ist jetzt wieder verfügbar, in neu gemasterter Form und erstmals auf LP, wobei eine weitere auf der ursprünglichen Doppel-CD vertretene Version von „Pashupatinath“ als Download erhältlich ist. (U.S.)

Label: Karlrecords