“Barley Top” ist die lyrisch aufbereitete Geschichte eines Ortes, eines alten Bauernhofes im nordenglischen County Lancashire, der auch in frühen Jahren immer schon etwas abgewetzt ausgesehen haben muss. Der in den Gedichten zum Leben erweckte Zeitraum konzentriert sich auf die dreißiger Jahre des 20. Jh., und doch ist es ein Schauplatz, der auch in einem Roman des viktorianischen Zeitalters vorkommen könnte, ein Szenario zwischen Realismus und in die Jahre gekommener Romantik, wie nur Engländer es zustande bringen. Die Farm wurde von Vorfahren der Howdens aufgebaut und Keith verbrachte dort als Jugendlicher viel Zeit. Barley Top ist nicht der einzige Schauplatz der autobiographisch geprägten Lyrik, und doch symbolischer Fixpunkt, in dem sämtliche Erinnerungsstränge zusammenlaufen. Ohnehin sind es nicht nur äußere Ereignisse, die an dem Ort stattfinden, viel wichtiger noch erscheinen Eindrücke, Ideen und Reflexionen des jungen Dichter-Ich, die untrennbar mit dem Schauplatz verknüpft sind. Keith’ Schreibweise ist modern ohne betont artifiziell zu sein, im Ton unverblümt, illusionslos, bisweilen drastisch, stets begegnet man Wörtern wie “dry”, “barren”, “vanished” und “broken”. Doch das Beschwören der Erinnerung ist frei von jedem Lamento, und selbst dann, wenn der Verklärung Raum gewährt wird, geschieht dies auf die nur angedeutete, immer noch nüchterne Art bodenständiger Arbeiterlyrik. Ob Kunstgriff oder sein natürlicher Stil, die Unverquastheit macht gelegentliche Perspektivwechsel umso eindrucksvoller. In “For the Rector of Stiffkey”, das Stoff für ein ganzes Buch hätte, gelingt ihm ein imposanter Gegenzoom – aus dem lyrischen Nachruf auf einen Dorfpfarrer, der beim Predigen in einem Raubtierkäfig sein skurriles irdisches Ende fand, wird zunächst ein schlüpfig-ketzerischer Protestsong und zum Schluss ein drastisches Panorama der politischen Ereignisse zu Beginn des zweiten Weltkriegs.

Auch als Rezitator kann Howden sr. auf seine Kunst der Zurücknahme bauen. Vom recht unvermittelten Einstieg bis zum opulenten Schlussteil wird der Hörer von einer Stimme geleitet, die ebenso lebenserfahren wie genügsam anmutet, und trotz Verzicht auf Überschwang nie monoton wirkt. Ähnlichkeit mit Matts Vocals in weniger melodischen Sieben-Momenten sucht man natürlich und findet sie, ich musste aber gelegentlich auch an die Spoken Words-Stücke von Karl Blake denken, der schon als Jungspund wie ein viktorianischer Sage klang. Matt Howdens größte Stärke an der Violine ist das Balancehalten zwischen repetitiver Dynamik und einem verträumten, beinahe impressionistischen Verweilen – Momente, in denen die Musik die Zeitachse links liegen lässt und sich mehr und mehr im Raum ausbreitet. Ebenso ausgewogen das Verhältnis zwischen “romantischer” Gefühlsbetontheit und kraftvoller Passagen, die sein Spiel so kompatibel für Folkrock machen. Jeder Fan erkennt Matt bereits nach wenigen Tönen. Seine Musik zu “Barley Top” ist allem voran ein guter Hintergrundscore, nicht übermarkant, aber doch stark genug, dass es mehr als eine bloße Beigabe ist. Meist schlägt sich die Musik wie eine sanfte Hülle um die Verse, die wohl zuerst aufgenommen wurden, und bleibt dabei eher nüchtern zurückhaltend, nur in manchen Momenten wie in “Eden” gibt es Ansätze zu einem etwas exaltierteren Spiel. In besonders akzentuierten Momenten scheint sich das Verhältnis umzukehren und die Musik gibt den Ton vor, über die Keith seine Texte spricht.

Was Buch und CD unter anderem eint, ist ein besonderes Moment des Nachhaltigen, denn “Barley Top” ist bei weitem nicht so kompakt, wie es die Eingängigkeit von Wort und Ton suggeriert. Erst mit der Zeit entfalten spontane Brüche, Wechsel in Thema und Stimme sowie weitere Instrumente (Bratsche, Klaier, Orgel) ihre besondere Wirkung, die weit mehr sind als Schmuck und Auflockerung. Das Werk erscheint als Buch/eBook und CD sowie als Download und wird hoffentlich noch die eine oder andere Fortsetzung finden. (U.S.)

Label: Redroom

Im Zentrum stehen zwei Aufenthalte in Mexiko Ende der 90er, zu denen sie sich, wie es scheint, recht spontan entschieden hat, als es ihr im großstädtischen Amerika der Ostküste unbehaglich wurde: Das Leid von Freunden und diverse Zero Tolerance-Schikanen, dazu die vielen kleinen Sisyphos-Anforderungen des Alltags, die an David Bowies Zeile „always crashing in the same car“ denken lassen. Szenarien, über die Tom Waits ganze Alben und Harmony Korine eine Reihe an Drehbüchern hätte schreiben können, doch all dies zu beschreiben kann man getrost Annie selbst überlassen, der all dies ohne resignierte Abgeklärtheit gelingt. Was man bei all dem am meisten spürt, ist ein großes spirituelles Vakuum, dass danach schreit, mit Bedeutung gefüllt zu werden. In Mexiko, über das sie, wie sie schreibt, nicht viel mehr wusste als die gängigen Gemeinplätze, hatte sie dann gleich das Gefühl einer ganz merkwürdigen Heimkehr. Und dieses Gefühl seltsamer Vertrautheit durchzieht das ganze Buch, ob die Erzählerin nun in einem kleinen Fischerort am Golf weilt oder in der Millionenstadt, die der Europäer meist unter dem anglifizierten Namen „Mexico City“ kennt. Am deutlichsten wird dieses Gefühl, wenn sie den Anblick einer zufällig entdeckten Kirche beschreibt, die fast auf’s Haar dem Motiv eines ihrer Bilder gleicht. Zu einem zentralen Symbol wird das Gebäude auch deshalb, weil an der Stelle erstmals der (unorthodoxe) christliche Subtext deutlicher aufscheint, der sich im Laufe des Buches Epiphanie für Epiphanie entfalten wird.

Man könnte nun, angesichts der märchenhaften Farbenpracht des Schauplatzes, in dem alle Welt Bob Marley hört, ein prächtiges und im schlimmsten Fall auch etwas ethnokitschiges Idyll erwarten, aber Annie bleibt stets Realistin und denkt gar nicht daran, das Land ihrer Grand Tour, das „amerikanische Ägypten“, einseitig zu verklären und zur Projektionsfläche eines wie auch immer gearteten Zivilisationsüberdrusses zu machen. Mexiko ist auch das Land, in dem sie den ersten Wal-Mart gesehen hatte, obwohl sie dort gewiss nicht den American Way of Life gesucht hat. Zwischendrin geht sie hart mit der Geschichte des Landes ins Gericht, vergleicht den Eroberer und Tagedieb Hérnan Cortez mit Idi Amin und Milosevic, und der Tagtraum, in dem sie Cortez’ Schädel in der Hand hält und nicht wirklich stolz auf den Besitz der seltsamen Reliquie ist, gehört zu den humorigsten Passagen des Buches. Auch positive Klischees werden entlarvt, und diejenigen, die sie suchen – “Snug Hippies” und Pseudoaussteiger – stören eher.

Die Alchemie der persönlichen Verwandlung wird allerdings in vollen Zügen festgehalten und dabei natürlich auch das Land, dem sie ihren eigenen spirituellen und künstlerischen Neubeginn verdankt. Die Hauptstadt wird keineswegs zu einem exotischen Idyll verklärt, erscheint jedoch ebenso wenig als der oft beschworene Alptraum aus Chaos, Schmutz und Kriminalität, und ausgerechnet im vermeintlichen Moloch, durch die der Leser wie durch ein enormes Musikvideo geführt wird, erliegt sie vollends der Magie des heidnisch-katholischen Synkretismus und der Anziehungskraft des Indigenen. Eine ihrer literarischen Stärken ist es, dass der lyrischen Text mit seinen zahllosen Tempowechseln und seinen bunten Beschreibungen sowohl musikalisch als auch visuell gefangen nimmt – ist man erst einmal von Annies Erzählweise gebannt, so entsteht vor dem geistigen Auge des Lesers eine surreale Animation, die selbstredend auf ihren farbenfrohen Gemälden basiert, in denen kubistische Betonklötze, Gottesmütter und blühende Vegetation eine eigene Welt schaffen, die modern und archaisch, christlich und heidnisch zugleich ist.

Für Little Annie begann nach ihren Mexico-Reisen eine neue Phase künstlerischer Produktivität, deren Resultat einige Bilderzyklen und bislang drei Torch Song-Alben sind. Kurz nach ihrer Rückkehr nach New York ereignete sich auch das Attentat auf das World Trade Centre – auch dies wird nicht zugunsten eines albernen Happy Ends ausgespart, und es ist auch gar nicht nötig, um den positiven, lebensbejahenden Grundtenor des Buches aufrecht zu erhalten. Sollte man für „Sing Don’t Cry“ eine Stilbezeichnung finden, so würde ich ganz altbacken für den Magischen Realismus plädieren, eine Richtung, die sicher nicht aus Zufall in Lateinamerika ihre besten und bekanntesten Exponenten hervorgebracht hat. „I remember not remembering what I was runnig from“ lautet eine Zeile kurz vor Ende des Buches, die man als Fazit einer gelungenen Verwandlung verstehen kann. Wem das Buch ebensolche Freude bereitet hat wie mir, der darf sich schon auf Annies vollständige Autobiografie freuen, die für Ende des Jahres angekündigt ist, sowie auf das neue Album zusammen mit Baby Dee. (U.S.)

Verlag: Existencil Press