Weite des als eher ungeordnet erlebten Meeres zu erfahen. Die Komposition, in ihren klassischen wie experimentierfreudigen Ausprägungen meisterhaft interpretiert von Sanna, spiegelt die Energie und den Optimismus einer Wanderung entlang der rauen Küstenlandschaft wider, wobei sich die Atmosphäre auf verschiedene Orte ähnlichen Namens in Galicien, der Bretagne oder Cornwalls übertragen lässt. Die Stücke wurden an verschiedenen Orten und für unterschiedliche Anlässe komponiert, darunter “Wordsworth’s Daffodils” und das in mehrere Abschnitte unterteilte “Green Sea”, das zu Ehren von Terry Rileys 80. Geburtstag entstand. Das Album ist auch digital erhältlich.

@ col legno

Peter Herbert, dessen Wurzeln im Jazz liegen, trifft hier auf Wolfgang Mitterer, der sich virtuos zwischen klassischer Musik, Elektronik, Improvisation und experimenteller Klangkunst bewegt. Die musikalische Chemie der beiden zeigt sich in einer fesselnden Mischung aus akustischem Bass, präpariertem Klavier und subtil eingesetzter Elektronik. Das Ergebnis ist ein Album, das melancholische Stimmungen, improvisierte Leichtigkeit und strukturauflösende Experimente zu einem stimmigen Ganzen verbindet. Neben dem sechsteiligen Titeltrack und zwei rahmenden Stücken enthält das Album auch eine Version von “Someday My Prince Will Come”, einem von zahlreichen Interpretationen – Adriana Caselotti, Miles Davis, Bill Evans, Keith Jarrett, Cassandra Wilson u.v.m. – her bekannten Klassiker, der in neuem, unverbrauchten Glanz erstrahlt. “Quiet Riots” erscheint als CD und zum Download.

Die Musik ist verspielt, experimentierfreudig und manchmal bewusst chaotisch, ohne sich auf ein Genre oder ähnliches auch nur annähernd festlegen zu lassen, das dem Manifest “Xenofeminism: A Politics for Alienation” entlehnte Motto: “If nature is unjust, change nature!” und betont u.a. den Akt der Selbstermächtigung. Vom Label heißt es: “Xenotopia, the debut album of Simon Öggl, explores a musical landscape oscillating between affiliation and alienation. The composer and producer’s unique sound language results from the recontextualisation of acoustic and electronic compositional techniques and sounds. By continuously questioning the nature of sound, the distinction between traditional and innovative sound production becomes obsolete”. Jeder Klang und jedes Pattern erscheint somit neu und ungewohnt, trotz subtiler Referenzen, die wie flüchtige Fata Morganas aufblitzen. Das Album vereint eine Vielzahl an Stilen: mal perkussiv und rhythmisch, mal verträumt und klassisch, dann wieder mit einer energetischen Wucht, die an Electroclash erinnert. Mit einer beeindruckenden Palette an Instrumenten, von Flöte und Cello bis hin zu Trompete, Gitarre und Synthesizer (die Namen der Beitragenden finden sich in den Tags), entsteht ein lebendiges Wechselspiel zwischen analoger und digitaler Klangwelt.

Simon Öggl, bekannt für seine Arbeit mit der Elektronik-Band Drahthaus und als Komponist für Ensembles wie Klangforum Wien, schafft mit “Xenotopia” einen einzigartigen Raum für klangliche Erkundungen. Es erscheint als CD und zum Download.

Foto: Col Legno

“Doorways #09″, das erste Stück, ist ein auditives Porträt eines Ortes im Wald und basiert auf einem grafischen Score der Komponistin. In Zusammenarbeit mit dem Streich und Blasinstrumente sowie Piano einsetzenden Black Page Orchestra entstand eine fast hörspielartige Klanglandschaft, die stark, aber keineswegs ausschließlich durch verfremdete Field Recordings getragen wird. Hier sind anfangs nur bearbeitete, beinahe abstrakte Klänge zu hören – rauschende Texturen, rückwärts abgespielte Fragmente, sporadische Klaviertupfer und hohe Sinustöne. Diese Geräuschwelt entwickelt sich kontinuierlich weiter und wird durch tropfende und zwitschernde Deteils ergänzt, bis sie in ein ruhiges, verregnetes Szenario abklingt. Der Wechsel hin zu organisch anmutenden Klängen, in denen Vogelzwitschern und die besinnlichen Töne einer Orgel durchscheinen, schafft ein geerdetes Klangbild. Doch “Doorways #09″ bleibt unvorhersehbar und driftet schließlich in eine dunklere, dramatischere Stimmung, die vielleicht ein wenig an die Klangästhetik eines Stummfilms erinnert und sich am Ende in einer wuchtigen Dröhnung auflöst. Hier zeigt Osojnik die transformative Kraft des Klangs und fordert heraus, aktiv und aufmerksam zuzuhören – ein “Kino für die Ohren”, das durch ganz unterschiedliche Klangschichten und Stimmungen navigiert.

Mit “Blende #01″ betritt das Album eine neue Ebene. In dieser Komposition, die von Cellistin Maiken Beer mitgetragen wird, entfalten sich repetitiv kreisende, tief klingende Cello-Phrasen, die von subtilen Veränderungen und einer anfangs scheinbar ziellosen, aber spannungsgeladenen Struktur durchzogen sind. Harmonische Streicherpassagen und leise, fast verhallende Klänge treten in ein interessantes Wechselspiel. Die Musik scheint immer wieder an die Schwelle des Auflösens zu kommen, nur um sich erneut zusammenzusetzen – wie ein Organismus, der zwischen Lebendigsein und Zerfall schwankt. Der Einsatz der menschlichen Stimme verleiht dem Ende des Stücks eine fast wehmütige Schönheit, die einen zurücklässt mit dem Eindruck, an einem intimen Akt der Verwandlung teilgenommen zu haben.

“Doorways” zeigt sich als herausfordernde, poetische Hommage an die Praxis des “Deep Listening” und zugleich als so etwas wie deren Resultat. Osojnik richtet den Fokus auf das bewusste Zuhören und die Art, wie wir akustische Umgebungen in all ihren Dynamiken und zum Teil unerwarteten Veränderungen wahrnehmen und auf sie reagieren. Die Kompositionen lassen Raum für stille Reflexionen und laden dazu ein, mit einer unvoreingenommenen Aufmerksamkeit zu hören. Das Album ist eine akustische Reise, die durch ihre komplexe Schichtung von Naturgeräuschen, Instrumenten und elektronischen Elementen eine fragile Balance zwischen Realität und Abstraktion herstellt.

Label: Mamka Records / Col-Legno

In zwei “Bildern” entfaltet sich die Geschichte, die sich graduell von einer vermeintlichen Utopie zur Dystopie wandelt: Der erste Teil weckt immer wieder nostalgische Sci-Fi-Erinnerungen und erzeugt mit Lo-Fi-Elementen und funkigen Grooves eine retro-futuristische Atmosphäre. Der zweite Teil dagegen verdichtet sich zu einer düsteren, industriellen Klanglandschaft, welche die Sackgasse der modernen Zivilisation aufzeigt. Beim label heißt es: “The future follows the present and is coming towards us. It is a horizon of possibilities: aimed at, conceived in the present, it challenges us to set the right tone. It is fleeting: once the future has become real, it vanishes in the blink of an eye. Teleport Collective’s A Monolith’s Dream is a musical portrait in two pictures. The first explores a posthuman world in which human beings have become obsolete.

The music is based on a pre-composed score; it has a nostalgic touch, occasionally verging on kitsch. Hinting at sci-fi movie scores, it weaves together grooves and lo-fi elements to create a (retro-)futuristic fabric. [...] The second picture focuses on the blind alley human civilisation is heading into; amid the throbbing cycle of production and consumption, disaster is looming. The dark industrial moods of the mostly improvised pieces emphasise the oppressive atmosphere”. Das Album ist auch digital erhältlich.

Foto: Seva Mazurika

“Songs express sensitivities. They tell us about love and pain, about success or failure, give expression to forms of protest, are “serious” or “entertaining”, folkloric or a pop-cultural phenomenon. In late medieval and Renaissance Italy, the so-called “Canzonieri” spread. They mostly contain sonnets, canzoni, or ballads and – since they deal with love in all its facets – are accompanied by sheet music. Michele Marco Rossi makes use of this literary-musical genre and presents eight pieces by Georges Aperghis, Noriko Baba, Francesco Filidei, Bernhard Gander, Filippo Perocco and Enno Poppe in his “Canzoniere”, some pieces were composed for Rossi and all of them are approaches to the art form of the song. However, these are songs in which the focus is not on vocals qua vocals, but rather on the unique soundscape created by the violoncello and the interaction of the instrumentalist. However, these are songs in which the focus lies not upon singing, but rather on the tonal similarity of the cello and the human voice. The interaction between the artist’s virtuosity and the tonal diversity of the instrument truly creates “music as if already in the future” (Ivano Fossati)

@ col legno