welchem sie – erst recht nachdem sie zu einer festen Combo herangewachsen waren – mit treibenden Uptempo-Songs und den fast an Oi erinnernden Shouts eher die punkige Seite betonten und vielleicht auch den Weg für Gruppen wie Dune Messiah ebneten. In Berlin teilten sie sich bereits die Bühne mit Mueran Humanos. Eröffnet wird der Abend von dem schwedischen Power Electronics- und Post Industrial-Künstler Kristian Olsson (Alfarmania, Survival Unit u.a.) mit einem Solo-Auftritt.

Samstag  04.11.2023
Beginn 20:30 Uhr
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Roter Salon
Linienstraße 227
10178 Berlin

Scouts Markenzeichen neben den buschigen Brauen und dem akuraten Pony ist ihr leierndes Stimmorgan, das zwar auf wundersame Weise jeden Ton trifft, dabei aber bei weitem nicht den Geschmack aller Hörer. Wenn die Sängerin, die man ausnahmsweise wirklich Sirene nennen darf, richtig loslegt, klingt das, als wäre Kate Bush oder vielleicht auch Joan Baez für eine forsche Rolle in der Dreigroschenoper gecastet worden, und in der Manier tremoliert sie sich gleich in ihrem Opener “Coldest Blue” schrill und zugleich kraftvoll in ungeahnte Höhen empor. Die Dramatik, mit der sie klagt und schmachtet, findet sich auch in der begleitenden Musik, und der holprige Walzertakt, der diesem Stück mit ebenso wackligem Neofolkgeschrammel eine altbackene Zirkusathmosphäre verleiht, trägt ein bisschen mehr zum Eindruck des Wahnhaften bei, der hier – natürlich nur spielerisch – inszeniert wird.

Spielerisch, das soll nicht heißen, dass “Heed the Call” ein ironisches Machwerk nach bekanntem Schema wäre, die schrille Exaltiertheit und der neurotische Charme der Inszenierung geben den durchaus ernsten Texten lediglich den wohltuenden Touch des Ungewöhnlichen. Meist handeln sie von unerfüllten und vielleicht unerfüllbaren Begierden, vom Warten und Schmachten und dem Gefühl, im sterilen weißen Würfel des eigenen Mikrokosmos gefangen zu sein, vom Versuch, Einsamkeit und Kälte zu trotzen. Ob Rollenspiel oder personality show – stets sind es solche Ängste, die im valiumgedämpften Punk des Titelsongs, im verknoteten 60s-Folk von “It won’t be long” und im rabiaten Cult of Youth-Style von “All I wanted” vor den verschiedensten Kulissen ausagiert werden.

Fraglos werden einige den Stil der Sängerin als Katzengejammer abtun oder zumindest auf Albumlänge anstrengend finden. Mit einer gewissen Vorliebe für puppenhaften Retro-Charme jedoch könnte man diese zwielichtige femme fragile samt ihrer Musik ins Herz schließen. Sarah June nannte ihren verhuschten Folk einmal Attic Core, um das spukhaft Verstaubte ihrer Musik hervorzuheben. Auch zu Scout Paré-Phillips’ musikalischer Rumpelkammer passt der Begriff ganz gut.

Label: Dais Records

Ihr gerade erschienener zweiter Longplayer ist nach Eigenangabe ganz der Hinfälligkeit des menschlichen Körpers gewidmet, der laut Thomas Bernhard zuverlässig die hehrsten Pläne durchkreuzt und Chardiet in Form einer OP und eines Klinikaufenthalts zwang, ihre Europatour abzusagen. Das Album, das stattdessen und im Schatten dessen entstand, beginnt mit erschöpftem Keuchen, das zwischendrin als Husten wiederkehrt, und erreicht seine stärksten Momente tatsächlich dann, wenn sie sich stimmlich verausgabt. „Intent or Instinct“ ist so ein erster achteinhalbminütiger Höhepunkt, dessen kreisende Noisesequenzen und rhythmisches Pulsieren von einem brachialen Geschrei übertönt wird, das mehr leidend als böse klingt und gelegentlich ins Jammern zu kippen droht. Bei „Autoimmune“ würde sich der monotone Beat ohne den dominanten Plärrgesang sicher irgendwann totlaufen.

Scheinen diese Stücke reine Körpersprache zu sein, so verschafft sich bei anderen auch die psychische Seite von Krankheit und Schmerz Ausdruck. In ihren Angaben zum Hintergrund des Albums erzählt sie von der schrittweisen Entfremdung von ihrem Körper, der sich im kranken Zustand mehr und mehr ihrer Kontrolle entzog und wie eine fremde Person agierte (wer Alfred Döblin kennt, fühlt sich vielleicht an „Die Tänzerin und der Leib“ erinnert, wo die Titelfigur die Kontrolle über ihre Glieder verliert und jedes Körperteil als je eigene widerspenstige Wesen wahrnimmt, von denen sie nur noch der Tod scheiden konnte).

„Body Betrays Itself“ heißt das schwerfälligste und schleppendste Stück des Albums und verweist vom Titel her auf den Körper als etwas der „eigentlichen Person“ äußerliches, ähnlich der als faszinierend wahrgenommenen organischen Strukturen auf einem Röntgenbild, die in den Lyrics zur Sprache kommen. In diesem Stück erkennt man auch zum ersten Mal ihre Stimme als weiblich. Das ist ansonsten nur noch im Titelsong der Fall, wo sich der zunächst noch ordinäre Sprechgesang aber mit der Zeit in nur noch wahnsinniges Lallen und Lachen verwandelt, um gegen Ende in einen hektischen Chor aus verrückten Stimmen (im Kopf?) zu münden. Das hat schon eine gewisse Intensität – ob sie damit jedoch die im Schnitt eher abgehärtete Swans-Gemeinde auf der bald beginnenden gemeinsamen Tour in den Wahnsinn zu treiben vermag, ist eher fraglich.

„Bestial Burden“, das übrigens in Zusammenarbeit mit Sean Rogan von Cult of Youth entstanden ist, ist ein gutes Album weitgehend ohne Längen, dass man nicht einmal extra anpreisen müsste, da Pharmakon von einem Label mit guten szeneübergreifenden Kontakten verlegt wird und somit längst ein Selbstläufer in Sachen Publicity ist. Wäre schön, wenn die Popularität den Spot auch auf einige andere Noiserinnen lenken würde, aber erfahrungsgemäß bleibt so etwas leider aus. (U.S.)

Label: Sacred Bones

Ihr viertes Album „Final Days“ wartet mit einigen Neuerungen auf, zu denen neben einem erneuerten Line-up auch ein noch stärkerer Fokus auf tribale Rhythmen gehört, der sich natürlich auch den schon angedeuteten Knochentrommeln verdankt. Beim Opener „Todestrieb“ klingen die endzeitlichen Rhythmen noch nach einem trunkenen Landsknecht, eine kaputte Trompete ruft schnell die frühen DIJ in Erinnerung. Wie auf vorigen Alben gibt es Songs, auf denen Cult of Youth ihr Stilrepertoire ausweiten, „Empty Faction“ zitiert mit seiner kreischenden Leadgitarre ausgiebig Gothic – hier wird der Einfluss von Gitarrist Christian Kouns anderer Band The Hunt deutlich. Die vielen „Fuckyous“im Text, die allerhand heiligen Kühen entgegen geschmettert werden, wirken dann wieder eher ungruftig, aber das Zusammenfügen von scheinbar weit Entferntem mochte man bei Cult of Youth ja schon immer. Die stärksten Momente des Albums sind allerdings auch die typischen, und die leben primär vom monotonen Geschrammel auf der Lagerfeuergitarre, die in den furiosesten Augenblicken jeder Romantik entledigt wird und voller Schmiss nach vorn prescht, während das Schlagwerk rumpelt, als gelte es, Theatre of Hate in einer schnellebigeren Zeit wiederzubeleben. Ebenso begegnet einem die Klampfe im morricone’schen Easy Tempo, wobei die darüber jaulende Slide Guitar und das Glockenspiel in „Dragon Rouge“ fast schon etwas zu viel an heimeligem Kontrast zu Rogans monotonem Krächzen bereithält.

Das Label nennt „Final Days“ das opus magnum der Band, ich würde es etwas bescheidener als gelungen bezeichnen und dabei noch die eine oder andere Länge anführen. Dies bei einer Musik, die so entschieden mit dem Mittel der Monotonie arbeitet, zu vermeiden, ist auch wirklich kein leichtes Unterfangen. (U.S.)

Label: Sacred Bones

Wenn die Künstlerin ihre Arbeit mit einem Exorzismus vergleicht, so ist das erst einmal wenig originell, gefühlt jeder zweite Künstler, der musikalische und ästhetische Grenzen sprengt bzw. zu sprengen versucht, verkündet ähnliches und die Idee von Katharsis ist nun auch nicht mehr ganz so frisch. Davon einmal abgesehen ist „Abandon“ aber sicher ein besonders vitales und gelungenes Beispiel aggressiver elektronischer Musik, bei dem Chardiet im Studio am Mischpult von Sean Ragon (Cult of Youth) unterstützt wurde.

„Milkweed/It hangs Heavy“, der erste Track des Albums, wird von einem markerschütternden Schrei eröffnet, zu dem sich extrem verzerrte Stimmen gesellen; die musikalische Gestaltung erinnert an Death Industrial, Brighter Death Now schauen kurz um die Ecke. Dann taucht immer wieder der Schreigesang Chardiets auf, während die Elektronik wie ein Herzschlag pocht. Oft hat man den Eindruck, dass bei extremem weiblichen Gesang immer die gleiche (griechischstämmige) Künstlerin als Referenzpunkt herhalten muss, egal ob es nun passt oder nicht. So auch hier, wobei der Vergleich nur bedingt zutrifft. „Ache“ zeigt zweierlei: Zum einen, dass der Vergleich mit Diamanda Galás zu kurz gefasst ist, zum anderen, dass jüngere Künstler kaum noch Berührungsängste zwischen Stilen haben, denn hier klingt der Gesang Chardiets so, als wolle sie Scott Conner Konkurrenz machen. Dazu dröhnt die Elektronik rabiat. In der zweiten Hälfte wird das Brachiale zurückgefahren und das Stück bekommt fast kontemplativen Charakter. „Pitted“ erinnert mit seinem schleppenden Rhythmus an frühe Swans, der Gesang ist aber anfangs der melodischste des gesamten Albums und lässt vermuten, dass auch Gothic ein Einfluss auf die New Yorkerin gewesen sein mag. „Crawling On Bruised Knees“ erinnert mit dem verzerrten Gesang zwar noch am ehesten an konventionelle Power Electronics, das Stück ist aber unglaublich wuchtig und man nimmt Chardiets die Aggression jede Sekunde ab.

Was das Album weit aus der Masse anderer Veröffentlichungen herausragen lässt, liegt an vielerlei (musikalischen wie außermusikalischen) Gründen: Zum einen ist der Klang überaus klar, überhaupt nicht matschig und breiig, wie das sonst oft der Fall ist. Zum anderen ist das Album -wie aus dem Vorherigen deutlich geworden sein sollte- sehr variantenreich. Außerdem verabreicht die Künstlerin dem Hörer die richtige Menge, die richtige Dosis, was bei ihrem Projektnamen nicht unbedeutend ist („Within the infant rind of this small flower/Poison hath residence and medicine power“ heißt es bei Shakespeare). Einen außermusikalischen Aspekt sollte man aber nicht vergessen: Man kann fragen, wie die mediale Resonanz ausgefallen wäre, wäre „Abandon“ nicht beim momentan so angesagten Label Sacred Bones erschienen, sondern auf einem traditionellen Power Electronics-Label, z.B. BloodLust!, auf dem vor einigen Jahren eine EP von Pharmakon veröffentlicht worden ist. Das sagt etwas über Rezeptionsmechanismen aus, sollte aber keinesfalls als Einwand gegen dieses wirklich gute Album verstanden werden, das dem Rezensenten dann tatsächlich doch einige kathartische Momente beschert hat.

M.G.

Label: Sacred Bones

Spricht man von Cult of Youth, kommt man an der berüchtigten Frage nach Einflüssen und Querbezügen nicht vorbei, denn ihr Stil ist nun mal – ob man ihn mag oder nicht – ein großes Mosaik an Referenzen. Vor allem englische Combos der 80er klingen an, zwei Kapellen, die sich in ihrer besten Zeit sicher nicht riechen konnten, bieten die größten Vergleichsmomente: Cult Of Youth erinnern zum Teil recht stark an frühe New Model Army, bloß ohne die friedensbewegte Attitüde zwischen Batik und Birkenstock. Ebenso – paradoxerweise – an Death in June, bloß akustischer als das frühe, fetziger als das mittlere und frischer als das aktuelle Werk des Alt-Punks aus Fort Nada. Das sind nur zwei besonders augenfällige Beispiele, aber was die New Yorker von diesen und wohl allen anderen häufig genannten Referenzgruppen unterscheidet, ist eine markige, unverquaste Working Class-Art, eine Street Credibility, die so manches Idol als feinen Pinkel erscheinen lässt, ungeachtet ob man diesem nun musikalisch das Wasser reichen kann oder nicht. Ihr eigenes Terrain eines Oi-Neofolk teilen sie sich bislang nur mit den etwas lascheren australischen Lakes. Auf den Alben kommt das leider nur halb so gut zur Geltung und das Schlagzeug rumpelt längst nicht so sehr wie auf Konzerten, wo es wie ein mit zwei Hämmern malträtierter Pappkarton klingt – zugunsten filigraner Soundschnipsel, die hier und da einen Song einleiten wie zum Beispiel „Man and Man’s Ruin“, den Opener des aktuellen Albums. Hier erinnern nicht nur diese Geräusche an apokalytischen UK-Folk, sondern auch die monotonen Akkorde und die Fanfare sprechen eine klare Sprache: Nicht einverstanden mit dem was statt hat, rebelliert man, ohne zu moralisieren und sich verlogen bunten Hoffnungen hinzugeben, bleibt kühl, aber nicht beherrscht, bloß skeptisch und gibt sich ein bisschen reaktionär. „Golden Age“ ist schon poppiger, eine im Grunde graue, aber dennoch schmissige englische Herbstmusik, die an eine Band wie die Housemartins denken lässt. Selbst der amerikanische Akzent hält sich, vielleicht dem Nordosten geschuldet, in Grenzen und ist eine Art Gegenstück zum „mid atlantic accent“ englischer Sixties-Sternchen, die das Britische stilvoll mit einem amerikanischen „r“ versahen, wie es später nur noch Rose McDowall hinbekam.

Doch genug des Namedroppings, zumal Cult Of Youth sich mit der Zeit wirklich zu behaupten wissen mit einer eigenen Charakteristik, die sich stark aus der Diskrepanz zwischen aggressivem Postpunk und martialischer Kälte speist. Ist dies erst einmal richtig angekommen, hat sogar amerikanische Lässigkeit ihre kurzen Momente. „Prince of Peace“, die ironische Beschwörung eines Messias, ist ein Hauch von Texmex beigemischt, „A New Way“ ist vielleicht das amerikanischste Stück: Piano, Doomjazz u.s.w., bis gewohntes Parolengröhlen die typische Cult Of Youth-Stimmung zurückbringt.

Um nochmal auf Neofolk zurück zu kommen: Ich tu mich mit dieser Verortung im Grunde schwer, weil sie vorschnell ist und den vielfältigen Bezügen nicht gerecht wird, dennoch spielen die New Yorker eine Musik, die frischen Wind in diese untote Szene bringen könnte. Als vor Jahren „richtiger Folk“ in war, hatte er viel von dem, was die Darkfolker immer für sich beanspruchten: Schrägheit, Exzentrik, Tradition, skurrile Nostalgie ohne Idyll. Dennoch gab es selten Berührungen, denn dem Weird-Folk und vergleichbarem fehlte einfach das Verhaftetsein in bürgerlichen Strukturen, um vom etwas strengeren großen Bruder wahrgenommen zu werden. Erst die Wave 2.0-Phänomene ein halbes Jahrzehnt später, die vor rund zwei Jahren mit Witchhouse sämtliche Ecken der hippen Subkulturen erreichten, konnten auch diesem ein paar frische Zellen verabreichen. Neben King Dude, dem Tarantino des Neofolk, sind vor allem Cult Of Youth zu nennen, die sicher auch das Zeug haben, ihr “Klingt wie dies, klingt wie das”-Image abzustreifen.

Label: Sacred Bones

Cult Of Youth werden gelegentlich als Band aus dem Neofolk-Spektrum gehandelt. Würde das im engeren Sinne zutreffen, dann müsste man wohl nicht viele Worte über sie verlieren, denn zu dem Genre ist seit Jahren alles wesentliche gesagt. Erwähnenswert sind eher Musiker, die den Rahmen sprengen und ihn gleichsam noch im Hintergrund erkennen lassen. Im Falle der Brookliner ist die offenkundige Neofolk-Reminiszenz mittlerweile derart reduziert, dass man sie nur noch mit entsprechendem Vorwissen zur Kenntnis nimmt. Im Vordergrund ihrer Musik steht das Zusammenwirken von kantigem Bass und kraftvoller Perkussion, und wenn bei „New West“ dann noch liebliche Keyboards hinzukommen war meine erste Assoziation so etwas wie „THEATRE OF HATE treffen auf Morricone“ (bezogen auf dessen bekannteste Westernscores). An manchen Stellen, in denen sich das Drumming aus dem Songzusammenhang löst, erscheinen Cult of Youth für Momente wie Enkelkinder von SAVAGE REPUBLIC, und wenn in Songs wie „The Dead Sea“ und „Cold Black Earth“ auch akustische Gitarren zum stimmungsvollen Strumming ansetzen, kommen so unterschiedliche Briten wie ECHO AND THE BUNNYMEN und NEW MODEL ARMY in Erinnerung – alles jedoch in einem viel aggressiveren und martialischeren Tonfall. Einzelne Songs fallen auf unterschiedliche Art aus dem perkussiv postpunkigen Rahmen, so die etwas rührselige Ballade „Lorelei“, aber vor allem das gelungene Sea Shanty „Monsters“ oder der Popsong „Through The Fear“, zwei Stücke, die an die mittlerweile aufgelösten NAEVUS erinnern. Und so könnte man mit dem Namedropping noch eine ganze Weile fortfahren, könnte auf Andrew King und Patrick Leagas verweisen, um den kehligen Gesang in der kämpferischen Ballade „Casting Thorns“ zu umschreiben u.s.w. Denn Cult of Youth sind eine Band, die bewusst oder unbewusst sehr viel zitiert und dabei das eigene stilistische Minimum leider etwas zu kurz kommen lässt. Nicht dass es überhaupt nicht vorhanden wäre – in der aggressiven Überbietung so mancher subkultureller Geste liegt eine Menge Potential verborgen, und die Verknüpfung von martialischer Strenge und punkigem Rebellengeist ist eine ästhetische Sprache, welche die Band wie wenige andere beherrscht. Genau da sollten künftige Ambitionen ansetzen.

Cult of Youth stehen im Ruf, eine ausgezeichnete Liveband zu sein, und in ihrer Heimat teilten sie sich die Bühnen bereits mit Labelkollegin ZOLA JESUS und einer ganzen Reihe bekannter Namen, die fast schon das Who is Who der amerikanischen Gegenkultur ausmachen. Ich bin gespannt, wann es sie in unsere Breiten verschlägt (U.S.)