Entrückte Synthesizer-Motive, monumentale Flächen, präzise pulsierende Sequenzen und chorartige Gesangsspuren verschmelzen mit italienischen Sprachsamples zu einer hypnotischen, bisweilen unheilvollen Atmosphäre. Gastbeiträge von Argento (Spite Extreme Wing), Laura Agerli, Labes C. Necrothytus, Alessandro Casoni und Beth P verleihen dem abwechslungsreichen Album zusätzliche Facetten zwischen cinematischer Spannung und dunkler Ambient-Ästhetik.

Die neuen Stücke leben von rauen, kreisenden Gitarren, treibenden Basslinien und einer bisweilen cinematischen Atmosphäre. Der kontrolliert wirkende Gesang lässt die darunterliegende Emotionalität immer wieder aufblitzen, während ekstatische Beckenschläge und dunkle Klangschichten für zusätzliche Dynamik sorgen. Gastbeiträge von Kriistal Ann und Yvette Winkler runden ein Album ab, das zwischen Melancholie, Intensität und vorsichtigem Aufbruch eine ganz eigene Balance findet.

weicht,.wie es vom Label heißt, v.a. mit seinen cinematischen Kompositionen deutlich von den drei Vorgängern ab. Als Referenzen werden Desiderii Marginis und sogar bestimmte Arbeiten von Coil genannt- letztere … Das Album ist auch zum Download erhältlich. 

Seit der Gründung 2017 tourten sie europaweit und standen unter anderem mit Wire und Clan of Xymox auf der Bühne. Nach drei verschobenen European Tours während der Pandemie widmeten sich die Musiker dem Studio und präsentieren nun ihr viertes Studioalbum, produziert diesmal von Pieter Kloos, dessen prominenteste Schützlinge bisher wohl Motorpsycho waren. Das Album erscheint als CD und zum Download. 

Der Berliner Fritz Hagal, bekannt von seinem Folkprojekt Sonne Hagal, und der Londoner Tony Wakeford, der mit Crisis, Sol Invictus, Orchestra Noir und solo bereits seine Spuren im Punk, Dark Folk und in kammermusikalischen Bereichen hinterlassen hat, haben vor anderthalb Jahren bereits eine EP mit zwei etwas längeren Soundscapes herausgebracht. Auf ihrem ersten gemeinsamen Longplayer widmen sie sich erstmals gemeinsam dem Songformat und lassen über elf Stücke hinweg ein Album entstehen. dass seine Spannung primär aus der beharrlichen Weigerung bezieht, Illusionen zu nähren. Vom stilistischen Rahmen her bewegt sich das Werk zwischen Folk Noir, Dark Jazz, Ambient, barocken Anklängen und einigem mehr, unterstützt werden die beiden von Matt Howden (Sieben), der mit seiner Geige deutliche Akzente setzt, Risa Hara (Inanis Yoake) am Klavier, Tonys altem Weggefährten Stephane Ruiz an der Flöte und Bo Rande (Blue Foundation), dessen Trompete den jazzigen Unterton mehrerer Stücke verstärkt. Fritz selbst ist mit “Idea and realisation” aufgeführt, was natürlich Unterschiedliches bedeuten kann.

“Man Overboard” eröffnet den Reigen mit knarrendem E-Bass, bevor helle, barock anmutende Gitarrenfiguren einsetzen, die gleich Tonys Handschrift erkennen lassen. Die tiefen, desolaten Vocals unterstreichen eine Stimmung der Resignation. Kurze Pianoeinsätze und Randes Trompete verweisen auf die jazzige Seite, die Tony bereits auf dem “Thrones”-Album ausgelebt hat, und im Hintergrund tauchen Sounds auf, die an Meeresrauschen denken lassen. Der Text bewegt sich zwischen dem Bild der Brandung, die alles fortträgt, und einer resignierten Akzeptanz, nur “ein weiterer Kiesel am Strand” zu sein, der irgendwann verschwindet. “Children’s Laughter” entwickelt einen spannungsvollen, cinematischen Sound, getragen von Piano, kratzigen Texturen, sperrigen Takten und Trompete. Der eigenwillige Groove steht dabei in deutlichem Kontrast zum Inhalt. Zwischen Kinderreimen und bitterer Ironie entfaltet sich ein Abgesang auf eine Welt, in der Kapitalismus und Gewalt Hand in Hand gehen. Zeilen wie “hear the sound of children’s laughter, as they tie nooses to the rafters” oder das entstellte Schlaflied “twinkle twinkle little star, show us how fucked we really are” verbinden makabren Humor mit radikaler Gesellschaftskritik, und wenn es heißt: “It’s easier to imagine the end of the world than the end of capitalism”, knüpfen Fritz and Tony bewusst an eine bereits kursierende Diagnose unserer Zeit an und geben ihr eine beklemmende musikalische Fassung.

“Blind” greift stärker auf vertraute Muster zurück: akustisches Gitarrenstrumming, das viele Fans mit Tony verbinden, dazu die anrührende Flöte von Stéphane Ruiz. Der Song entfaltet sich als Neofolk-Stück mit hymnischem Charakter, durchsetzt von psychedelischen Einsprengseln, perkussiven Akzenten und einer wabernden Orgel. Der Text stellt die Götter selbst als blind dar und verbindet metaphysische Zweifel mit persönlicher Verletzlichkeit. “Eden Olympia” wirkt wie eine düstere murder ballad in mediterranem Setting. Der verfremdete Gesang klingt, als käme er durch einen Telefonhörer, während Bass und Percussion knarrend dazwischenfahren. “I’m Sorry”, das erneut um einen seltsamen Mord zu kreisen scheint, eröffnet mit einem hochtönenden, fast verspielten Synthie, der an alte japanische Computerspiele erinnert. Darauf setzt Tony seine Stimme, extrem tief und rau verfremdet, bevor der Song in elektrifizierte, rhythmische Strukturen übergeht. Risa Hara und Matt Howden sind hier deutlich herauszuhören, die Mischung ergibt einen Song, der trotz seiner Schwere als einer der eingängigsten des Albums heraussticht.

Mit “The Night” kehrt eine dunkel-jazzige Atmosphäre zurück. Jazzbesen, Trompete und ein melancholischer Klagegesang zeichnen ein Bild der nächtlichen Großstadt, in der sich Einsamkeit und Geschichte überlagern. Anspielungen auf den großen Brand von London – 1666 looks like a small house fire – lassen das Stück in eine historische Tiefenschicht kippen. Der Text bewegt sich zwischen grotesken Übersteigerungen – ein unverbesserlicher Optimist, der sich am Ende mit Klaviersaiten erhängt – und bitteren Beobachtungen zur sozialen Realität: billiger Wohnraum existiert nur noch im Knast. “My Friend” zeigt Fritz and Tony in fast versöhnlicher Stimmung: melodisches Gitarrenpicking, metallophon klingende Begleitinstrumente und ein Gesang, der berührend wirkt. Doch die Worte verneinen den Trost: “The world is not your friend, my friend.”

“Rage” hebt das Tempo an, mit tremolierenden Geigenparts und einer dramatischen Szenerie. Der Satz “we are falling down” wird wie eine Beschwörung wiederholt, während die Musik zwischen folkiger Leichtigkeit und apokalyptischer Schwere oszilliert. Der Song lässt den Protest gegen einen Krieg anklingen und wirkt zugleich wie ein universelles Bild des Scheiterns. Das in seiner Intensität überragende “Harbour” schlägt den Bogen zwischen barockem Einschlag und Sea Shanty. Flöte, ornamentales Piano und Tonys fast cembaloartige Gitarre ergeben ein feierliches Stück, das mit Seefahrer-Metaphorik spielt und zugleich etwas Liturgisches ausstrahlt. Der Text greift maritime Bilder auf – “black velvet sails, masts of carved bone” – und verbindet sie mit einem Gefühl existenzieller Unausweichlichkeit. Wahrscheinlich ist es nur nerdig vom Rezensenten, sich eine Version mit der hellen Stimme Marc Almonds vorzustellen. Im Titelstück “The Party’s Over” dominieren monotones Gitarrenstrumming, Violine und Hintergrundgeräusche, die an Straßenlärm erinnern. Der Gesang klingt abgeklärt, fast illusionslos: “No reprives or pushing boulders. Crossing the Thames with a hangover. A single malt and a revolver.” Die Wiederholung wirkt wie ein Mantra der Resignation.

Zum Abschluss folgt eine zweite Version von “Man Overboard”, diesmal reduziert auf dröhnende, verfremdete Klänge, die wie ein unaufhaltsames Abschiedssignal wirken. Fast alle Instrumente verabschieden sich in ein “unhappy end”, das zugleich abgeklärt und verträumt wirkt. Semi-atonale Passagen lösen die letzten Strukturen auf – ein Ende, das keinen Trost mehr geben will. So vollendet sich ein Album, das mit Abgeklärtheit und Desillusionierung arbeitet, ohne je in theatralische Lamoryanz zu kippen. “The Party’s Over” ist eine Platte, die ihre eigene Endzeitstimmung nicht nur beschreibt, sondern in jeder Sekunde konsequent durchhält.

Label: Dark Vinyl

an Demones früheren Bandkollegen Rozz Williams und den mit Roessler befreundeten Darby Crash (The Germs), die durch Suizid ums Leben kamen. Die Texte, eventuell aber auch musikalische Motive setzen sich mit Dingen auseinander, die die beiden Künstler noch hätten erreichen können. Das Album erscheint als CD und zum Download bei Dark Vinyl. 

Gut zwei Jahre später steht nun der Nachfolger in den Regalen, und dieser ist insgesamt noch kollaborativer ausgefallen. Und da die diesmal mitwirkenden Künstler aus allen möglichen Ecken alternativer Undergroundmusik kommen, ist – trotz des erneut postpunkigen Schwerpunktes – eine gewisse Heterogenität Programm.

Das Album startet gleich mit einem Song, der so ein bisschen dass Inanis Yoake-Minimum zusammenfasst. Was mit einem Ambientdrone und einem leicht verfremdeten Piano startet, steigert sich immer mehr in einen 80slastige Wavesong mit der entsprechend pulsierenden Monotonie zu Kopfhänger-Pathos – eine Szenerie, in die sich noch eine Akustikgitarre als Neofolk-Referenz mischt. Bei “Nowhere”, das noch opulentere Keyboard-Passagen aufweist, steigert sich die Goth-angehauchte Stimmung zu einem Ohrwurm, bei dem am meisten der ernste Gesang Roberto Confortis im Gedächtnis hängen bleibt. Es gibt im Verlauf des Albums einige potenzielle Clubhits dieser Art, zum Teil (“Niente Resta” und “Miraggio”, bei dem Risas entrücktes Piano wie so oft den roten Faden bildet) in spanisch gesungen, was Assoziationen zu dem kraftvollen Elektropop von Comando Suzie erlaubt. Nach einem Auftakt aus melodischen Gitarren und erwartungsvollem Beckenrauschen erscheint “The Edge of Your Street” der dezent in den Hintergrund gemischte Gesang Tony Wakefords auf dem Plan, der hier auch den Bass beisteuert.

Sollte ich besondere Wegmarken benennen, dann wären es die Songs mit weiblichen Guestvocals. Neben “Abandoned”, das mit dem Gesang von Vivienne Cure fast etwas an eine tiefere Version von Eyeless in Gaza erinnert, sind das vor allem “The Abyss in You” und “In the Heart of Nothing”: hier übernimmt die Schlagzeugerin und Theaterfrau Emiko Ota neben einer verspielten Perkussion, die gelegentlich in entfesseltes Freakout mündet, auch den feierlich entrückten Gesang, der v.a. im Zusammenspiel mit der Violine von Matt Howden zu den Höhepunkten des Albums zählt. (U.S.)

Label: Dark Vinyl

Der Hamburger selbst schreibt über „Bleiche Brunnen“ nicht ganz unpassend: „Elektronische Musik von äußerster Abstraktion. Menschenferne Klänge und Geräusche aus bleichen, vergessenen Brunnen. Poröse Überreste in verlassenen Landschaften, kristalline Zeugnisse anorganischer Zustände von höchster Transparenz. Die Musik vermittelt Ruhe, lädt aber keinesfalls zur Kontemplation ein.“

Auf „Aus bleichen Brunnen“ meint man, ein durch leere Höhlen pfeifender Wind versuche ein Harmonium zu imitieren. „Monopteroi – nah und fern“ erinnert mit den tastenden, leicht hochtönigen Klängen an in Höhlen wachsende Kristalle. Auf „Seltsame Gegend“ tauchen einzelne Töne kurz auf, bevor sie verschwinden. „Ein Hauch von Ozon, lichtblau“ ist verglichen mit den anderen Stücken noch weniger greifbar, die Klänge scheinen sich zu verflüchtigen, so wie das titelgebende Gas. Auf „Die Froschkönigin“ fiept es unruhig, ganz so, als stehe ein jahrzehntealter Computer vor dem Kollaps. Am Ende des Stücks lassen die Töne kurzzeitig an eine im Äther verschindende Stimme denken. Was all den Stücken gemeinsam ist, dass sie durchaus einen (retro-)futuristischen Touch haben.

Vor einigen Jahrzehnten hieß es in einem philosophischen Traktat eines inzwischen emeritierten Anglisten, das das anthropofugale Denken zelebrierte: „Das Ziel der Geschichte – das ist das verwitterte Ruinenfeld. Der Sinn – das ist der durch die Augenhöhlen unter das Schädeldach geblasene, rieselnde Sand.“ Ganz so desolat manifestieren sich diese “[m]enschenferne[n] Klänge” nicht, aber einiges könnte man sich als alternative Soundtracks für „Solaris“ oder „Stalker“ vorstellen. Natürlich enthält auch dieses Album wieder ein obligatorisches Zitat von Cioran und zusätzlich den Hinweis „Eure Angst ist berechtigt“. (MG)

Label: Stille Andacht / Dark Vinyl

Als ich Controlled Bleeding Ende der 90er anlässlich ihres Auftritts im Berliner Knaack Club interviewte, erzählte Paul Lemos, dass SPKs Graeme Revell den Anstoß gegeben habe, Joe Papas opernhafte Stimme stärker einzusetzen, und „Headcrack“ beginnt dann auch mit dem passend betitelten „Vocal Chant 1“, auf dem Papas sakrale wortlose Intonation an einen gregorianischen Choral denken lässt. Auf einem Stück wie „Firelight“ wird eine simple Keyboardmelodie geloopt, während Papas Stimme im Hintergrund zu hören ist. „Letters To The Life Cycle Pt. 1” verknüpft flächige Keyboards mit Papas Gesang. Ein Stück wie „Music For Earth And Water“ nähert sich dem Ambient an. Auch die drei Teile des Titelstücks, das für „four guitars“ ausgelegt ist, oder das sphärische „Moonshards“, das mit einem Tongenerator namens The Muse aufgenommen wurde, sind melodisch und weit von den Dissonanzen früherer Aufnahmen entfernt. Neben diesen recht harmonischen Stücken gibt es aber auch Tracks wie etwa “Dry Lungs” – ein Titel, den Lemos für seine Reihe von  Zusammenstellungen von (Post) Industrial verwendete – , mit seiner stampfenden Perkussion und den Noiseschleifen, das ebenso wie das dissonante „Slithering Blade“ an frühere Aufnahmen denken lässt. Der das Album abschließende „Vocal Chant 2“ konzentriert sich zwar auch wie der Opener auf die Stimme, allerdings ist diese hier verfremdet und man muss etwas an frühe Current 93 denken. Die digitale Version der Wiederveröffentlichung enthält drei Bonustracks: Auf „Untitled 1“ verschwindet Papas Stimme inmitten von Noise und Perkussion. Das hysterisch-perkussive „Untitled 2“ antizipiert dann die Free(est) Jazz-Orgein, die Papa und Lemos als Breast Fed Yak einspielen sollten und „Untitled (The Missing Headcrack Piece – Remixed)“ ist eine verzerrte Noisenummer.

Erstmals ist „Headcrack“ nun wieder auf Vinyl erhältlich – in den 90ern erschien auf Dark Vinyl unter dem Titel „Songs From The Vault“ das Album mit einigen Bonustracks auf CD. Das Label Artoffact spricht davon, dieses Album sei „the most hopeful of Controlled Bleeding records“. Ob das tatsächlich so ist, sei dahingestellt, aber das Album enthält Momente dessen, was Lemos einmal als „semi-gothischen“ Stil bezeichnete und der auf Alben wie „Music For Gilded Chambers“ oder „Golgotha“ fortgeführt und perfektioniert wurde. (MG)

Label: Artoffact Records