Die beteiligten Komponisten mit unterschiedlichen musikalischen und regionalen Hintergründen zeigen jeweils eigene Ansätze innerhalb eines Rahmens, der als post-orientalistisch beschrieben wird. Das reicht von komplexen Mustern, die verfremdet wie Glocken klingen und sich ständig neu ordnen, über sich wandelnde, dröhnende Klangflächen mit hohen Obertönen bis hin zu Passagen, die an harsh noise erinnern oder auf bearbeiteten Aufnahmen von Umgebungsgeräuschen beruhen. Jedes Werk ist so nicht nur ein abgeschlossenes Stück, sondern der Entwurf einer eigenen Klangwelt, die durch die Gegenüberstellung neue Perspektiven gewinnt. “Opus Five Vol. 1″ erscheint am 20. Dezember als Download.

Aufnahmen von Kinderstimmen vor undefinierbarer Geräuschkulisse, das Rattern von Aufzügen oder Bahnverkehr, Vogelzwitschern und andere Tierlaute, metallische Klänge, Regenprasseln, das Quietschen von Türen, Schlüsselgeräusche, rhythmischer Lärm, pubähnliche Gesprächsfetzen neben jazzartigen Pianosequenzen, Radiosamples mit Musik und Straßenverkehr, keuchender Atem – viele der verwendeten Klänge lassen sich nicht klar zuordnen und entfalten gerade dadurch eine eigene Form von Intensität. Manches erinnert in seiner Struktur und Wirkung an Filmszenen, ohne konkret auf visuelle Bilder bezogen zu sein. Im Unterschied zur akustischen Ökologie, die Umweltklänge typologisch ordnet und analysiert, interessiert sich Sonitus für das Unmittelbare, das noch nicht durch Begriff oder Funktion gerahmte. Das Projekt ist Ausdruck einer Praxis, die sich weder über Herkunft noch Genre definiert, sondern über das, was Klänge im Moment ihrer Erscheinung sind. Das Cover von “Sonitus Vol. 2″ zeigt eine über 51.000 Jahre alte Höhlenzeichnung aus Sulawesi, die eine Interaktion zwischen Mensch und Tier darstellt. Auch sie verweist auf eine Geschichte nichtsprachlicher Ausdrucksformen, die bis in unsere Gegenwart reicht und das Verständnis von Sonitus als Offenbarung eines Geschehens prägt – vor aller Einordnung, vor aller Sprache. Die Anthologie erscheint digital.

Zu den ersten bereits verfügbaren Beiträgen zählen etwa Dave Seidels “Penumbral”, das auf einem mikrotonalen Tonsystem nach La Monte Young basiert, sowie das jazznahe Piano-Stück “The Emerald Path to Redemption” von Joseph Benzola. Weitere Werke sind bereits erschienen, darunter Soheil Shirangis ernst und zurückhaltend gespieltes “Solo Piano No.1″, die vielschichtige Komposition “9880.98 km” von Deniz Tafaghodi, in der Kamancheh, Percussion und Elektronik ineinandergreifen, und das von aquatischen Sounds getragene Audiostück “Nowruz: Things or Event?” von Nik Masoo mit einem dramatischen Text von Ehsan Saboohi. Auch der dreiteilige Beitrag von Hubert Heathertoes fällt auf – eine dichte, hörspielartige Arbeit mit starken Kontrasten, lärmigen Elementen und hörbaren Brüchen. Abtin Golfam alias T-Noll steuert einen eindringlichen Track bei, der zwischen eruptivem Rhythm Noise und elektronischer Raffinesse oszilliert. Verzerrte Texturen, brodelnde Klangschichten und plötzliche Brüche formen ein Stück, das trotz seiner Schärfe eine eigentümliche Geschmeidigkeit bewahrt und sich mit jeder Minute wandelt.Einen anderen Zugang wählt das von Zwillingen gegründete Duo Zaher mit z.T. heiteren Interpretationen klassischer Gitarrenstücke, etwa von Mario Castelnuovo-Tedesco oder Manuel Ponce. PuppeTwin – alias Dear Wakabayashi – steuert eine kurze vokal-perkussive Arbeit bei, deren Text über das Wiedererwachen von Leben in der Dunkelheit sinnt. Ehsan Saboohis eigener Beitrag “Who is Time” stellt die gewohnte Vorstellung von Zeit als linearem Konzept infrage und fragt nach einer ontologischen Selbstständigkeit zeitlicher Erfahrung. Ein verrauschter Tumult mit zahlreichen Detonationen von RDKPL, drei recht unterschiedliche geartete Soundartstücke von cinematischer Eindringlichkeit von Ali Araab, und ein ultraverzerrtes Noisebrett von Elektr0bath runden die Sammlung ab, die Beiträge von Kimia Koochakzadeh-Yazdi und Bruce Hamilton erscheinen noch in Kürze. Insgesamt entsteht eine Sammlung, die sich nicht durch stilistische Einheit definiert, sondern durch eine bewusste Offenheit in Form und Ästhetik. Die vollständige digitale Veröffentlichung ist für den 25. Mai vorgesehen.

Recht bald schwillt der einleitende Sound sanft an, wird minimal lauter, bleibt jedoch dezent, übertritt nie die Grenze zum Überwältigenden. Über dieser tiefen Basis tauchen nach und nach obertonartiges Singeln und Sirren auf, später Klänge, die an das Pfeifen einer Orgel erinnern. Die Stimmung des Stücks ist schwer zu greifen: Vielleicht eher gedrückt als gelöst und schwebend, lässt sie eine Umgebung entstehen, die sich langsam zu bewegen scheint und bei genauerem Hinhören subtile Veränderungen zulässt. Ein besonderes Merkmal des Stücks ist die Mehrschichtigkeit der Vibrationen und der Eindruck, dass sich die Klänge über längere Zeiträume wiederholen. Die Lautstärke und Fülle der Klänge schwellen leicht, aber kontinuierlich an und ab und gelegentlich tritt ein plötzliches Knarren oder sanftes Knirschen aus dem Hintergrund hervor, wie ein unerwartetes Geräusch in einem ansonsten stillen Raum.

Laut Seidels Begleittext besteht das Stück aus fünf Zyklen, die durch das Stapeln von Akkorden aus La Monte Youngs “Well-Tuned Piano” gebildet werden. Diese Akkorde werden allerdings nie direkt hörbar, sondern sind als harmonische Aggregate erweitert. Seidel nutzt dafür mathematische Operationen, um aus jedem Ton zwei bis elf neue Töne zu erzeugen. Mit jedem Zyklus werden diese Klangaggregate dichter und komplexer, bis am Ende die zugrunde liegende Tonika hörbar wird – ein Prozess, der das Gefühl von stetigem, fast organischem Wachstum vermittelt.

Label: Post Orientalism Music

“I used a modular synth to create a system that takes incoming audio and transforms it with waveshaping and other means, and then uses the transformed signal to hard sync to two digital oscillators, each of which is effected and modulated in multiple ways. All the modulation sources in the system are running independently or are cross-modulated, with no synchronization, mostly originating from random and/or chaotic signal generators. The result takes Ehsan’s austere monophony and transforms it into a distorted and ragged three-voice chorale. The mangled version of the original audio is heard in the center of the stereo field, and the two resultant voices are panned left and right. To make this recording, I played back the entire playlist of the original Black Sine Wave tracks from my phone into the system, and recorded the output directly to stereo in a single continuous take with no intervention from me (except for one track that needed to be re-recorded due to a computer issue). I mixed and mastered the recording with some added reverb, then broke it up into individual tracks” (Dave Seidel)