“With concentration, or elevated tension as he has called it, Akio Suzuki enters completely into the substance of sound, its emergence and its passing. What he does with sound may propose a rarefied world to many people, and yet it possesses a persuasive quality of rightness. One of the most difficult aspects of music and soundwork to explain is the concept of ‘right action’. How is that music can be evaluated almost immediately, just as quickly as a fire alarm or a baby’s cry? When Akio performs, certain qualities (grace, warmth, a quiet authority of mind and action, an engagement with the vessel of nothingness through which sound can emerge) are evident as presences, as soon as he begins. He begins from a state we call silence, by listening, yet at the same time raises questions about our ideas of what this silence might be.
Time passes; fixity gives way to destruction; visual perfection is relinquished within the faintest of sound fields. As for the work, this ceremony returns us to nothing, ‘to the feeling of not knowing exactly what is before us’, so to the uncanny, to the shell-like ear found by the sea, the ‘ungraspable phantom of life’, the record of a haunting, time regained. The sound is a parabola, a finger tracing on skin, a brush point, bird in flight.” (David Toop)

@ Akio Suzuki

“I first met David Toop some 20 years ago. I think we were in touch shortly before that, but our first meeting took place when I invited him to Australia to perform and to speak as part of REV, a festival held at Brisbane Powerhouse. It was a memorable meeting, I vividly remember his solo performance and the edition A Picturesque View, Ignored, documents an improvised meeting during that time. Over the years, David and I have shared an interest in both the material and immaterial implications of sound (amongst other things). Moreover we’ve connected many times on matters which lies at the fringes of how we might choose to think about audition, our interests seeking in the affective realm that haunts, rather than describes, experience. The Shell That Speaks The Sea very much resonates from this shared fascination. I’m not exactly sure when we first mooted this duet, but I sense its initial trace is now more than a decade ago. I tend to live by the motto of ‘right place, right time’ and I believe David likely also subscribes to this methodology. A couple of years ago, David and I reignited the duet conversation and began exchanging materials. As a jumping off point, I explored a series of field recordings that, for me at least, captured something of this affective haunting that I mentioned previously. One such recording was of a Tawny Frogmouth at Nugum (White Rock) on the lands of the Yugarabul people. The frogmouth is an utterly elusive creature whose voice is like a modulating low frequency oscillator. They are a magical bird, and like the Potoo, have captivated David and I at various points if our lives. The recording seemed to suggest a whole way of approaching sound and, for me at least, it opened an entirely new range of sound worlds which are present in the final version of this recording. This edition is the product of spontaneous burst of exchanges, buffered by periods of tempered silence. A patient work, charged with unexpected dynamics”. (Lawrence English) 

Gongs have played an integral role in the mythogeography of Asia. This is not music that aligns with national borders or ideas of homogenous populations, let alone racial stereotypes and exotic clichés. What connects all of these tracks is a simultaneous feeling of entrancement and social cohesion. Communal and collaborative, its form is hypnotically repetitious, melodies and rhythms spread out among the players using the technique of hocketing in which a flowing line is distributed among all the musicians. The effect is mesmerising, immediately intoxicating to anybody who loves Chicago footwork, free improvisation, Sun Ra or young hip hop producer Jetsonmade. The music is simple yet mysterious and enveloping, a sound world in which to disappear. A theory exists but this is not explained. (David Toop)

@ Sub Rosa

“I am ceaselessly fascinated by how memory operates and, I’m regularly struck by how individually subjective a collective experience can be when recalled by its participants. Lynch’s Lost Highway comes to mind here, specifically Bill Pullman’s character Fred Madison who says “I like to remember things my own way. How I remembered them, not necessarily the way they happened.” Like Madison, I can’t help but sense that memory takes shape through an accumulative process that reflects how each of us have lived (and maybe even wanted to live) up to that point in time. Going back to listen again to these recordings of which I was a part with David and Akio, I was surprised by what elements had stayed with me and what others had slipped into the eternal greying of my mind. I have vivid recollections of listening to a Lyre bird before recording the pieces together at Witches Falls. I remember both Akio and David finding musicality in decaying palm fronds. I remember Akio’s voice, amplified through his Analpos, bouncing off the stones and trees. I remember David’s flute, so quiet in the pitch black of the night forest as to appear like a hushed tone of wind or a distant animal calling. I also remember trying to match my modest hand held electronics with the pulsing and pitching of the insects around me.

Reading David’s text, which is included in the book published alongside this edition, he recounts several things I had forgotten. Conversations about memory, ironically enough, had vanished from my mind until reading his words. I also didn’t really remember my role as tick surgeon, removing a living insect from David’s ear. I do remember his cooking though, as does Akio (captured aptly in his drawings), no doubt a testament to David’s improvisational culinary expertise. Breathing Spirit Forms represents a distinctive exchange between friends and collaborators. Tamborine commands a special presence and encourages a deep patience from those who are willing to give time to its varied environments. For the three of us, we were fortunate to share these moments together, fleeting in our lives as they might be, to sense the mountain’s unique qualities, to respond to them through our exchanges and to form memories (as disparate as they might be) we carry forward with us in time.” (Lawrence English)

große Bandbreite internationaler Klangkunst zwischen improvisierter Elektronik, Fieldrecordings, ambienter Soundart, Noiseansätzen und mehr vertreten. Die Compilation erscheint in den gängigen analogen und digitalen Formaten bei Ana Ott.

@ Mexappeal

Daniel Blumberg @ Mute

Essay von David Toop

Das Werk entstand in den frühen 70ern, als Roché nach einem längeren Aufenthalt in der Karibik das Land bereiste und mit seinen Aufnahmegeräten ausgedehnte Urwaldtrips unternahm. Was er dabei fand, wurde, wie über hundert andere seiner Tondokumente, auf Platte herausgebracht und ist jetzt erstmals – mit neuen Liner Notes von David Toop – wieder erhältlich.

Bei den fünf Abschnitten, die nach geografischen Orten eingeteilt sind, stehen die Vögel im Vordergrund, aber die restliche Natur des Landes spielt immer wieder eine Rolle und fungiert nicht selten als Hintergrundkulisse, vor deren Quaken, Summer, Zirpen, Plätschern, Rumpeln und Rauschen sich die beeindruckenden Vogelstimmen oft kontrastiv abzeichnen. Vieles klingt zunächst einmal vertraut: das Insektenzirpen zu Beginn von “Ocumare”, das liebliche Zwitschern und Trillern der Singvögel, die lauten Schreie ihrer vermutlich etwas größeren Nachbarn und das an Haushühner erinnernde Gackern in vielen der einzelnen Aufnahmen. Doch stets brechen fremdartige, bizarre Geräusche ins vertraut wirkende Bild – schrille Hochtöner, die nicht nur aufgrund ihrer rhythmischen Wiederholung an Synthies erinnern, und die man kaum für Tierstimmen halten würde, wenn man es nicht wüsste, wechseln sich ab mit der Illusion eines Flötentones und kratzigen Details, die klingen, als justiere jemand am Regler seines Radios bei schlechtem Empfang. Manchmal meint man, menschliche Stimmen zu hören.

Kurz darauf wähnt man sich wieder in einer geradezu mitteleuroäischen Vogelwelt, und immer wieder spannt der Zufall (oder die innere Logik der sonoren Fauna) geradezu symphonische Bögen vom Vertrauten zur Exotik und zurück. Exotisch muten auch die ultrahohen Pfiffe an einem Ort namens Gran Sabana an, die mit der Zeit auf eine Art zu eiern und tremolieren beginnen, die komisch wirkt und etwas an einen Kuckuk erinnert.

So sehr die Klangfolgen, Harmonien und Melodieansätze auch ihrem ganz natürlichen Vorhandensein und im Detail auch immer dem Zufall zu verdanken sind, steckt in der vorliegenden Aufnahme dennoch auch eine individuell menschliche Handschrift insofern, dass Roché in der Wahl seiner Aufnahmen und erst recht in der Auswahl dessen, was auf die Platte kam, keine willkürlichen Entscheidungen getroffen hat, auch wenn diese ursprünglich nicht als Kunst gedacht sein müssen. Und so bleibt nichts anderes, als beides, die Fülle der Klänge des tropischen Landes und seiner Vögel und das gute Ohr des Ornithologen gleichsam zu bewundern. (U.S.)

Label: Sub Rosa

Johnson und Mayer besuchten verschiedene Ortschaften nahe des Ramu-Flusses in der Region Mandang und untersuchten im komparatistischen Vergleich die unterschiedlichen Bau- und Spielweisen der Instrumente und ersuchten die Künstler um Darbietungen in orts- und anlasstypischer Art.

Selbstredend muss man einigermaßen vertraut sein mit der Musik Papua Neuguieas, um die Unterschiede in den verschiedenen Performances festzustellen. Konzentriert man sich auf die gemeinsamen Merkmale, so fällt als erstes ein trancehafter und zugleich ausgesprochen spröder Zug auf, der jedoch nach einer gewissen Gewöhnungszeit den Reiz dieser Musik ausmacht. Oft werden über eine gewisse Strecke lediglich zwei Töne gespielt, in größeren Abständen kommt es zu Brüchen in der minimalen Melodieführung oder im Tempo, und erst nach einer Weile differenziert sich die Struktur etwas deutlicher aus: erst jetzt gestaltet sich die Musik weniger rhythmisch, Melodien entfalten sich über längere Tonfolgen, schlichte Perkussion kommt hinzu.

Bei anderen Beiträgen ist das Tempo nie vollends greifbar da einem permanenten stufenlosen Wandlungsprozess unterzogen, geheimnisvoll wirkendes hölzernes Schaben ertönt, Rasseln und Feldaufnahmen aus der Umgebung und dann irgendwann auch Solo- oder Chorgesang – immer mehr wird die Flöte zu einem Leitmotiv anstelle eines alles bestimmenden Instruments. Stellenweise verflechten sich Gesänge und Flötenklänge derart eng miteinander, dass ein scheinbar homogener Klang entsteht. Mit der Zeit verdeutlicht sich die vielfältige Palette an Möglichkeiten, die in der Spielweise und natürlich den Kombinationsmöglichkeiten des schlichten Instruments steckt, und einige der etwas tieferen Töne wecken dann sogar Erinnerungen an romantisierende Exotica, die angesichts des eher trockenen Klangs der Flöten jedoch selten sind und ganz sicher ähnlich zufällig entstehen wie die z.T. komischen Effekte, die auch von Zeit zu Zeit auftreten.

Solche Projektionen stellen sich ganz automatisch ein, wenn man mit kulturellen Ausdrucksformen konfrontiert ist, deren Systemik einem unbekannt ist, doch dies sollte einem die Neugier und das ästhtische Vergnügen nicht verbaut, ebenso wie die Tatsache, dass Tonkonserven nur einen Teil dessen wiederzugeben vermögen, was diese Musik ausmacht. Was gefragt ist, ist ein Bewusstsein für den (zwangsläufigen) Fragmentcharakter solcher Aufnahmen und ein gewisses Maß an Fantasie.

Die Aufnahmen erschienen 1977 zuerst in einer von David Toop und Evan Parker in Form gebrachten Version und wurden jüngst von Dave Hunt digitalisiert sowie von Rashad Becker neu gemastert. In dieser Version erschien sie vor kurzem als 2LP und 2CD auf Stephen O’Malleys Ideologic Organ-Label.

Label: Ideologic Organ / Editions Mego

Die Backingvocals von Rose McDowall und Danielle Dax, die E-Gitarre von Karl Blake, die Congas, die Tony Uter spielt,  David Toops (dem einzigen, der neben Finn auch am Debüt beteiligt war) oder Joolie Woods zahlreiche Beiträge  – all diese Elemente geben dem Album einen fertigeren Charakter als dem Vorgänger und man hört das Geld, das in die Produktion gesteckt wurde, gleichzeitig wird auch bei jedem einzelnen Song deutlich, dass es hier primär um Simon Finns Stimme und sein Gitarrenspiel geht und natürlich um seine oft beeindruckenden Texte (es finden sich großartige Zeilen wie “Without memories I’m blind“ oder “He was lonelier than Cain before his fall“, um nur zwei von vielen zu nennen). Das ist (natürlich!) kein Neofolk oder Weird Folk oder was auch immer man für ein Präfix hinzufügen möchte, sondern einfach nur Folk, der zeitlos ist und der deutlich macht, dass Folk auch ohne eine weitere Qualifizierung noch spannend sein kann. Das Cover mag an die James Bond-Anfangssequenz erinnern, aber den Songs fehlt natürlich das Physische, ungebrochen Maskuline, der Sprecher erkennt, dass er “Deeply Flawed“ ist, was man von dem Album nicht gerade behaupten kann. (M.G.)