Im Zentrum steht das vor einigen Jahren veröffentlichte Studioalbum “Burn” (Atlantic Curve 2021), dass Gerrard damals – fast zeitgleich zu ihrer Zusammenarbeit “The Empty Vessel Part II” mit Mark St. John Ellis - mit dem Dead Can Dance-Keyboarder Maxwell und mit Unterstützung des Produzenten James Chapman produziert hat, und auf das im folgenden Jahr ein weiteres Album (“One Night In Porto”) und eine Kollaboration mit Marcello de Francisci (“Exaudia”) folgten.

Tourdaten @ Linktree

A record that has been out of print on vinyl since its release in 1999, people have been asking for it to be repressed for long enough. Having been mastered at Abbey Road, fans will be delighted to hear that not only is Eye of the Hunter finally being reissued but that it’s also been expanded to include Live at the I.C.A. The single ‘Happy Time (Live at the I.C.A.)’, a Tim Buckley cover, is released today from the latter. A true collectible, this extra album has previously only been available on a rare as hen’s teeth promotional cassette, recorded during 4AD’s infamous 13 Year Itch residency at London’s Institute of Contemporary Arts in 1993. Chris Bigg’s fantastic art remains front and centre, upgraded to a gatefold sleeve for the LP with the coloured vinyl matching the album’s palette (Eye of the Hunter on transparent teal and Live at the I.C.A. on seafoam green). The reissue will also be available on CD. Signed vinyl copies will be available exclusively at the 4AD webstore.”

Brendan Perry
Eye of the Hunter / Live at the I.C.A 
October 20, 2023

Eye of the Hunter
A1. Saturday’s Child
A2. Voyage of Bran
A3. Medusa
A4. Sloth

B1. I Must Have Been Blind
B2. Captive Heart
B3. Death Will Be My Bride
B4. Archangel

Live at The I.C.A.
C1. Alone / American Dreaming
C2. Sarabande
C3. Sloth

D1. Chase The Blues
D2. Captive Heart
D3. Happy Time
D4. Don’t Fade Away

@ 4AD

Er berichtet von seiner ersten Begegnung mit dem sogenannten Rembetiko, einem Musikstil, der aus der Begegnung griechischer Volksmusik mit Musik aus der osmanischen Tradition entstanden ist: „I first heard, what only many years later I finally came to know as Rebetiko music, in the Greek cafes and tavernas of suburban Melbourne in the late seventies.These places were predominantly the local social hubs of Greek migrants who had been coming in successive waves to Australia since the late 19th century and during the day were often populated by groups of old men playing backgammon and sipping ouzo whilst listening to laika and rebetiko music. […] The fact that there has been virtually no recorded versions of Rebetiko songs sung in English was also a great surprise to me and was ultimately the prime motivator for me to share these songs with an English speaking audience as well as pique the curiosity of the die hard traditionalist.“

Gewidmet hat Perry das Album allen Flüchtlingen.

@ Bandcamp

Terminkalender und Vorverkauf @ Dead Can Dance

Prophecy Productions

Bandcamp

Wie sehr ist der Idee nun zu trauen? “Spiritchaser” stieß seinerzeit auf gemischte Reaktionen – nicht nur, weil es sich in seiner musikalischen Substanz gegen die in den Jahren zuvor geschaffenen Werke wie “Into The Labyrinth” und den Konzertmitschnitt “Towards The Within” (für Fans beinahe ein konzeptuelles Manifest der Band) nur mäßig behaupten konnte. Es hatte in den Augen vieler auch eine zu starke Schlagseite auf der tribalistisch-archaischen Seite des Bandkosmos, zuungunsten der eher sakralen, „abendländischen“ Seite ihrer Musik. Früheren Werken wie “Within the Realm of a Dying Sun” nachtrauernd suchten einige ihren Ersatz bei Gruppen wie Arcana, welche die Gothic- und Fantasy-Aspekte betonten, die sich im Werk Gerards und Perrys stets eher zufällig fanden. Eher übersehen wurden Künstler wie Ronan Quays, deren Weg entlang der Fußstapfen der Australier bei allem Nacheifern zumindest weniger trivial vonstatten ging. Dead Can Dance könnten nun eine ganze Reihe von Fehlern begehen. Sie könnten wieder eine ihrer beiden Hauptseiten betonen, auch könnten sie bei dem Versuch, an den letzten Stand der Dinge anzuknüpfen, etwas schaffen, dass zu sehr in den 90ern verhaftet ist. Die Vorstellung, dass das Gegenteil der Fall ist, dass die Musiker nach anderthalb Jahrzehnten mit einem derart großen Bruch aufwarten, dass man nur noch schwer den Bezug zu früher erkennt, ist fast noch naheliegender. Das Schöne an “Anastasis” ist, dass sich all diese Bedenken schon in den ersten Minuten als unberechtigt erweisen.

Inhaltlich – d.h. sowohl lyrisch als auch bezogen auf die musikalische Attitüde – sollte „Anastasis“ nichts für diejenigen sein, die sich unabhängig ihres genauen weltanschaulichen Standpunktes kein positiv konnotiertes Außerhalb eines von Ratio und Zivilisationsaspekten geprägten Raumes vorstellen können, denn von einer solchen Warte aus betrachtet muss vieles an dem Album regressiv erscheinen. Die spirituell grundierte Beschwörung eines maritimen Lebensursprungs, gar das Begehren, zu diesem Ursprung, zu „our ancestral home“ zurück zu kehren, gibt dem epischen Opener „Children of the Sun“ eine idyllische Note, die viele dank des „guten Sounds“ vermutlich nur als Gratiseskapismus für die Feierabendmuse zu konsumieren wissen. C.G. Jung-Leser indes könnten sich mit Ethnologiebegeisterten darauf einigen, dass der Song mit seinen feierlichen Bläsern und den fast jazzigen Snaredrums eine ernsthaftere Aufbruchstimmung verbreitet, auch wenn man sich an einigen Textstellen etwas weniger Hippiepathos gewünscht hätte – schließlich wurde die „vorübergehende Rückkehr ins Formlose, der eine neue Schöpfung, ein neues Leben oder ein ‘neuer Mensch’ folgen“ (Eliade) bereits auf das Niveau eines „Klümpchen[s] Schleim in einem warmen Moor“ herunter gebrochen und dabei nicht weniger eindringlich beschworen.

Bei „Anastasis“ ist vieles in Balance: Die männlichen und weiblichen Gesangsbeiträge, die an ausgewählten Stellen gekonnt in einander verwoben werden. Die Tendenz zum Song und der Hang zur reinen Lautpoesie. Die klassischen und die weltmusikalischen Bauformen. Letztlich auch vertrautes und neues. Novum, wenngleich kein demonstratives, ist eine hell klingende Blechperkussion, die in mehreren Songs vorkommt und den Kunstcharakter, das re-inszeniert Archaische, offenlegt. In Form ungewöhnlicher Rhythmen und mit Hall unterlegt interagiert sie mit Handclaps und diversen Feldaufnahmen, bis traditionelle Instrumente mediterraner oder orientalischer Herkunft hinzukommen. Selten gerät die Musik allzu bekömmlich, und wenn, dann scheint es gewollt: In „Opium“ feiert Perry die Erinnerung an ein (inneres) Paradies und veranschaulicht, wie nah verschiedene Grenzerfahrungen einander sind, mögen sie nun dem Rausch, der Psychose oder der religiösen Ekstase zugehören. Das sublime „Agape“, von Celloklängen und Lisas Gesang geprägt, ist über jede Betulichkeit erhaben. Es gibt auch beinahe harte, fatalistische Momente, wie im dezent rockigen „Amnesia“, das den unfreien, oft mediengesteuerten Verlauf (kollektiver) Erinnerungsprozesse kritisiert.

Dead Can Dance haben das wichtigste ihrer Musik in die Jetztzeit herüber gerettet: Ihre (sub-)tropische Atmosphäre, ihren virtuosen Multiinstrumentalismus und ihre kompositorische Stärke. Einige werden „Anastasis“ gewiss als reaktionäres Hippiewerk abtun. Dies nicht einmal zu Unrecht, aber das muss nichts per se schlechtes heißen. Ich wünsche der Band für ihren jetzigen Karriereabschnitt eine etwas ungruftigere Rezeption, die der Vielseitigkeit der vermeintlichen „Neoklassik“-Band gerecht wird.

Label: PIAS