Auf dem neuen Tape widmet das Duo sich erstmals konzeptuell dem Thema Italien und folgt dabei den Spuren des hierzulande nur Spezialisten bekannten Anthropologen und Religionsforschers Ernesto de Martino (1908-1965), dessen Themen von antiken Kulten bis hin zu volkstümlichen Bräuchen und den mythisch-religiösen Subtexten des modernen italienischen Lebens reichen. “Canicola” ist nach eigenen Angaben der Sonne, dem Aberglauben und dem gelbgoldenen Korn Italiens gewidmet und macht schon im ersten Stück klar, dass die Hitze hier siedend ist und die porträtierte Kultur einen obsessiven, wahnhaften Unterton aufweist. Beim Titelstück, das die erste Seite komplett ausfüllt, offenbaren sich Heroin in Tahiti erst mit der Zeit, wenn sie irgendwann nach diversen Breaks mit doomigen Zeitlupenriffs und den vertrauten WahWahs jeden Zweifel ausräumen, dass sie es sind. Weite Strecken des Stücks jedoch bedienen einen Computersound mit 80er Jahre-Charme, den man vielleicht noch eher beim Kollegen Mai Mai Mai erwartet hätte. Im groben Soundbrei der kreisenden Elektronik erscheint die Sonne kaum lichtspendend, die Hitze, die sie verbreitet, hat eher etwas von drückender Schwüle als von maritimer Frische, und die einzigen unmissverständlich italienisch anmutenden Details scheinen die versteckten Giallosounds zu sein, die sich zwischen Dröhnen und funkigen Einsprengseln finden (oder überhört werden). Willkommen also in einem modernen Italien, das einem hier keinesfalls auf dem Serviertablett des Fremdenverkehrs präsentiert wird. Etwas mehr Abwechslung tut sich in den kurzen Fragmenten der zweiten Tapeseite auf. Eine verfremdete Spieluhr greift die cineastischen Assoziationen des ersten Teils auf und kombiniert sie mit nicht weniger filmisch konnotierbaren Desert Rock-Gitarren. Ihr fatalistische Picking taucht an einigen Stellen erneut auf, verschmilzt mit nervigen Vögeln und allerhand noisigem Dröhnen, in “La Madonna” verwandelt es sich vollens in eine Klangwand, die zusammen mit einer gesampleten Arie und einem monoton-schleppenden Rhythmus den größten Kracher des Tapes hervorbringt.

Nach dem Longplayer-Debüt “Death Surf” (Boring Machines), dem Split mit Ensemble Economique (No=Fi) und der Single auf Yerevan Tapes demonstrieren Heroin in Tahiti mit “Canicola” erneut ohne Pause, dass sie sich kaum auf ihreen Lorbeeren ausruhen und ihren Sound v.a. zu variieren wissen. Der leicht hörspielartige Grundtenor des Tapes gelingt ebenso gut wie die Evokation eines für viele ungewöhnlichen, mythischen Italiens. Sollte demnächst wieder ein rockiger Slow Tempo-Nachfolger von “Death Surf” auf dem Plan stehen, wäre das dennoch zu begrüßen. (U.S.)

Label: No=Fi

Wenn sich Musiker eine LP teilen, kann das in vielfacher Weise schief gehen, der Stil der jeweiligen Beiträge kann zu nah beieinander liegen, oder eben bezugslos wirken, wobei sehr unterschiedlich geartete LP-Seiten auch einen reizvollen Kontrast bilden können. Heroin in Tahiti und Ensemble Economique ähneln sich vom Stil, bei beiden groovt es düster, und beide haben offensichtlich einen äußerst kreativen Zugang zu älterer, psychedelisch konnotierter Musik und zu nerdigem Kino jenseits der großen Filmtheater. Doch die Stücke sind im Aufbau und von der Stimmung her unterschiedlich genug, um eigene Handschriften herauszuhören. Das bringt natürlich mit sich, dass man sie aneinander misst. Heroin in Tahiti sind mit einer längeren Komposition vertreten. Das Stück ist in mehrere Abschnitte unterteilt, deren Aufbau die fiktive Reise in ein düsteres Südsee-Setting widergibt. Die “Black Vacation” beginnt unter dem Titel “Departure” am einem Flughafen, dessen Geräusche neugierig machen, bis spontane Lärmattacken, die einen fast so sehr erschecken wie der schwarze Mann bei “Mulholland Drive”, der kurzen “Music for Airports” ein jähes Ende bereiten. “Welcome to Paradise Island” heißt es nun, doch die Kitsch-Möven sind so trügerisch wie die derweil noch smoothe Musik, werden bald lauter und bedrohlicher und geleiten einen an die “Edge of the Jungle”, wo drogengeschwängerte Surfmelodien und skurrile Ethnobeats mit einem Klangteppich aus verzerrten Schreien verschmilzen. Vielleicht sind dies die “Whispers from the Quicksand”, die einen in ihren Bann schlagen, bevor unter dem Motto “Blood before Dawn” groovige Rhythmen und futuristische Sounds der Geschichte ein ungewisses Ende bereiten.

Ensemble Economique steuert drei Stücke bei, die insgesamt wie aus einem Guss wirken. Zusammen sind sie weit weniger auf einem Verlauf hin ausgerichtet, vielmehr fokussieren sie den besonderen Moment und ziehen ihn so sehr in die Länge, wie es eine LP-Seite zulässt. Das hat definitiv seinen Reiz, vor allem wenn man die drei Stücke unabhängig von der ersten Seite hört, doch ist man erst einmal der Dynamik des römischen Kopfkinos erlegen, kann einem der atmosphärische Wechsel ziemlich ausbremsen. Insgesamt sind Pyles Beiträge härter, perkussiver und von der Wirkweise her direkter, zudem wirken gelegentliche Stimmbeiträge zusammen mit exotischen Instrumentaleinlagen jeder Abstraktheit entgegen. Bewegung gibt es also auch hier, aber sie ist eher rhythmisch als narrativ. Zur finalen Entgrenzung kommt es dann im dritten Stück “Désir, DESIRE”, wenn spacige Synthis der elektronischen Avantgarde huldigen und auch diese Seite im Ungewissen enden lassen.

Schön dass es solche Musik gibt, und dass sie sich auch optisch zu präsentieren weiß. Die Hommage an die Südsee, den Twang und das klassische Pinup-Girl wird sicher weiter gehen, diesmal warten 500 schwarze Scheiben auf den geneigten Vinyl-Fetischisten.

Label: Sound of Cobra/No=Fi

Vom Label wird vor allem Ennio Morricones frühe Filmmusik als Haupteinfluss auf die Band angegeben, was ich mal eher auf den Gestus, die musikalische Unerschrockenheit und das Interesse an früheren Dekaden der Popgeschichte beziehe – eher jedenfalls als auf den Stil des Duos. Ich überblicke das Morricone-Werk nicht vollends, kenne neben den folklastigen Westernscores die Easy Tempo-Untermalung einiger Giallofilme und den grandiosen Freejazz-Score des Ausnahmethrillers “Cold Eyes of Fear”. Eventuell hat der Meister auch Surfiges gemacht, aber mich würde das wundern, denn seine Schaffensphase begann, als die letzten Ausläufer des ursprünglichen Rock’n'Roll durch neue Strömungen abgelöst respektive weiterentwickelt wurden. Was sich beim eröffnenden Titelstück langsam aber stetig aus dem abgründigen Drone (das selbst glatt von Bohren stammen könnte) herausschält, erinnert eher an die Zombieversion eines Link Wray-Stücks, dessen Twangs sich zunächst noch etwas verhalten gegen die verrauschte Schwere behaupten, kurz darauf jedeoch zusammen mit einem ungewöhnlichen Downer-Groove ganz klar die Richtung zu erkennen geben. Shoegazer Surfrock? Nun aber mal genug der Phrasen, zumal hier null Indieattitüde vorhanden ist und verkopfte My Bloody Valentine-Gymnasiasten sicher immer noch einen Kulturschock bekämen aufgrund des gar nicht langweiligen Vitalismus der Musik. Aber ich muss gestehen, dass der Ausklang des Stücks, der alles in Rauchschwaden auflöst, nicht die einzige Stelle war, bei der mir dieser Begriff auf den Schirm kam.

Reverb- und Tremolo-Effekte und massig Hall sind neben dem Downtempo und den allgegenwärtigen Twangs die wichtigsten Roten Fäden, die sich durch das ganze rein instrumental gehaltene Album ziehen, und die einzelnen Songs, die alle ihre ganz eigenen cineastischen Assoziationen heraufbeschwören, zusammen halten. “Spaghetti Wasteland” könnte einen sozialkritischen Thriller auf der Höhe der Zeit untermalen, der eine Menge an Zitaten aus klassischen italienischen Polizeifilmen verbrät. Oder aus Klassikern des Neorealismus. Es gibt eine Tumblr-Seite zu dem Song, die einige Ideen zur Visualisierung in petto hat. “Sartana” mit seiner einleitenden Totenglocke hätte zu einem imaginären Horrorgenre gepasst, das seine Stoffe aus sinistren modernen Südseemythen zieht, die sich die Popkultur hat entgehen lassen, vielleicht nur, weil der Pazifik stets als rein positive Projektionsfläche ausgebucht war. Vielleicht hätte Mario Bava ja so einen Film gedreht. “Campomorto” ist wieder tageslichttauglicher, diesseitiger, aber nicht weniger spannend. Mit seinen klappernden Stakkatos und seinem infernalischen Dröhnen vielleicht das experimentellste Stück des Albums. “Ex Giants on Dope” mit seinen einschneidenden Gitarrensoli ist Sci Fi pur. Jack Arnold in Maunakea?

Eine der Stärken von “Death Surf” ist, dass man das Verhältnis von Hommage und Ironie, von Fun und ernsthaftem Statement nie genau bestimmen kann. Dass entspricht dann auch der musikalischen Wirkung, die sowohl irritiert als auch Spaß macht. Die wegretouschierten Gesichter der Südseeschönheiten auf dem Cover lassen die Traurigen Tropen jedenfalls nicht als Touri-Idyll erscheinen, und doch nehmen die offensichtlichen Brüche dem Szenario nichts von seinem Reiz. Alles ist abgedroschen und falsch, also feiern wir es, ohne uns etwas vorzumachen. Nach “Death Surf” werd’ ich sogar mal wieder einen Daiquiri trinken.

A. Kaudaht

Label: Boring Machines