Aus ambientem Gitarreneinsatz, Effektbearbeitungen und experimentellen Techniken entstehen vielschichtige, immer leicht melancholisch eingefärbte Stücke, in denen, wie es sinngemäß vom Label heißt, Melancholie, Schönheit und Zerrissenheit nebeneinanderstehen und das Verhältnis von Ort, Erinnerung und Verlust reflektieren. Das Album versteht sich, wie es ferner heißt, als Dokument von Entwurzelung und innerer Verbundenheit, das die Erfahrung des Beobachtens aus der Ferne in eine konzentrierte musikalische Form überführt.

Nandha selbst beschreibt “Tear” als “eine Entwicklung von Idealen, eine Übung im Design und eine Erforschung der Elastizität von Form”. Aus vertrauten Klangmaterialien entwickelt er extrem verfeinerte Gebilde, die an die Grenze ihrer Erkennbarkeit geführt und anschließend neu gerahmt und resampled werden. Dadurch entstehen feine Verschiebungen zwischen Dissonanz und Zusammenhalt, die sich erst im genauen Hören erschließen. Weitere Informationen dazu finden sich auf Bandcamp.

Aus diesem Material entwickelte Dominick Schofield (Yorkshire Modular Society) eine intuitive Klangwelt, die sich durch behutsames Loopen, Strecken und Formen auszeichnet. Das Ergebnis sind meditativ eingefärbte Stücke, die mit Bansuri-Flöten, modularen Synthies, gesampelten Klangobjekten und minimalen Nachbearbeitungen eine Atmosphäre schaffen, die sich nie ganz zwischen Klarheit und Traum festlegen will. Besonders hervorgehoben wird die Verwendung von Feldaufnahmen, die in einem Prozess des bewussten Loslassens und Entdeckens zu einer vielschichtigen Soundarbeit verschmelzen. Das Album ist, wie ferner aus dem Begleittext hervorgeht, eine Einladung, in eine Welt des stillen Hörens einzutauchen, in der Resonanz und Klang zu einer gemeinsamen Sprache werden. Es erscheint digital sowie auf Vinyl und ist ab sofort auf Bandcamp verfügbar.

Fairless überträgt diesen Vorgang ins Studio: Überhörte Gespräche, Field Recordings und digitale Verzerrungen werden durch Methoden wie Delay, Re-Sequenzierung und, laut Label, klangliche “Verschmierung” bearbeitet und neu arrangiert. Dabei entsteht kein lineares Narrativ, sondern ein akustisches System, das aufzeigt, wie leicht sich Bedeutung verschiebt, sobald der Kontext brüchig wird. “Keep Talking to Me” beschäftigt sich, wie es ferner heißt, mit der Frage, wie Kommunikation heute funktioniert und scheitert. In einer Welt, in der Sprache und technologische Vermittlung zunehmend ineinandergreifen, reflektiert Fairless das Verhältnis von Information und Interpretation, von Signal und Rauschen. Trotz der Vielzahl an meist feinsinnigen Klangereignissen wirkt nichts überladen. Die Geräusche sind oft eingebettet in dunkle, fließende Soundflächen, die wie schwerelose Bewegungen durch hallende Räume gleiten. Manchmal scheint alles klar, dann wieder entzieht sich das Gehörte einem eindeutigen Zusammenhang. “Keep Talking to Me” lässt diese Ambivalenz bewusst bestehen. Es erscheint als digitales Release.

“Amid the ethereal layers of Fiery the Angels Fell, there lies a haunting beauty — melancholic melodies that echo the depths of the human experience. Each sombre chord carries the weight of personal sorrow, intertwined with the artist’s journey through the shadowy corridors of grief. For Yorkshire Modular Society, Fiery the Angels Fell is more than just an exploration of sound; it’s a testament to the human experience. Guided by the artist’s own life experience, these melodies are imbued with the echoes of love and loss, resonating with a raw emotional intensity.” (Dragon’s Eye)

“As the cityscape pulses with electric fervor, oscillations emerge like whispers in the rain-soaked streets. LFOs, like elusive shadows, guide the listener through a maze of sonic intrigue, each modulation a glimpse into a world of mystery. Within the depths of digital tape modules, time unravels and reconstitutes, casting a veil of uncertainty over the sonic landscape. Reverb and delay wash over the senses like urban decay, adding depth to the sonic architecture that surrounds”. (Yorkshire Modular Society)

Gesamplete Sound unterschiedlichster Objekte und in verschiedenen Graden der Bearbeitung stellen einen großen Teil des Klangmaterials dar, wozu auch eine Reihe traditioneller Instrumente zählen, ferner eine ganze Reihe an Klängen, deren Herkunft unklar bleibt und deren Konturen verschwimmen, während ihre Schönheit bestehen bleibt. Auch die menschliche Stimme spielt – neben gelegentlichen Tierstimmen – eine wesentliche Rolle als intim anmutendes Flüstern, als geloopte, multiplizierte Form des Dialogs mit sich selbst sowie als vordergründig nüchtern klingende Rezitation, die sich nicht selten wie eine weitere Komponente in den Kontext einfügt. “The pandemic claimed so much”, betont Hojo in den Liner Notes, “and for a time, touch fell victim. In the album Touch, Alexandra Spense, KMRU, Viv Corringham, Myriam Van Imschoot and Federico Protto, Tomoko Hojo, and Melissa Pons prod at means of non-tactile touching. They explore spaces where touch is only a memory, a recording, something missing to find replacements. In assembling this six-piece collection, artist Tomoko Hojo recalls Yoko Ono’s 1964 event which invited attendees to “watch the sky and touch”. Over the course of Touch, the listener is an attendee, witnessing sonic reconstructions of haptic happenings”.

Neben Kuratorin Tomoko Hojo selbst haben, die jüngst mit ihrem “Grass Eater Diary”-Soundwalk zusammen mit Rahel Kraft von sich reden machte, tauchen einge bekannte Namen im Tracklisting auf, so die auf Bezüge zwischen Raum, Sound, Publikum und Objekte fokusierte Künstlerin Alexandra Spense und der in Berlin lebende Sound- und Improv-Künstler Joseph Kamaru aka KMRU. Ferner die Vokalistin und Soundperformerin Viv Corringham, das Performance-Duo Myriam Van Imschoot und Federico Protto, und die Sounddesignerin Melissa Pons mit ihrem guten Händchen für ungewöhnliche Field Recordings. Die Sammlung entstand mit Unterstützung der Ogasawara Toshiaki Memorial Foundation und der Agency for Cultural Affairs, Government of Japan, entstand, erscheint zum Download mit umfangreichem Textmaterial.

@ Dragon’s Eye