Dabei entstehen vielschichtige Arrangements, in denen jeder Ton eine eigene Identität entfaltet – von tiefen Schichten und Obertönen bis zu dichten, teils dissonanten Strukturen. In den vergangenen Jahren hat sich sein Ansatz von minimalistischen und ambienthaften Stücken zunehmend hin zu roheren, noisigeren Ausdrucksformen verschoben. Makoto Sakamoto arbeitet mit einer Palette, die von Synthesizer über Klavier bis zu weiteren Klangquellen reicht.

Sein Zugang beschreibt sich weniger über festgelegte Formen als über ein Verständnis von Klang als Raum und Textur als Sprache. Aus diesem Denken heraus entstehen Drone- und Dark-Ambient-Stücke, die ihre Intensität aus feinen Verschiebungen und einer sehr eigenen Vorstellung von musikalischer Tiefe beziehen.

Montag, 25.08.2025
Beginn 21 Uhr
Madame Claude
Lübbener Straße 19
10997 Berlin

Artwork: Lashamenna

Wilma Sävström (Stimme, Installation) und Daniel Bryden (Elektronik) arbeiten an einer offenen Struktur, die Sprache, räumliche Klänge und elektronische Modulationen zu einem dichten akustischen Gefüge verbindet. In der zweiten Konstellation treffen Nicole Oike, die mit Objekten und modularem Synthesizer arbeitet, und Eugenio Petrarca a.k.a. Acrartep und auch bekannt als eine Hälfte von Ab Uno, ebenfalls am Modularsystem, aufeinander. Ihre gemeinsame Arbeit entwickelt sich aus der direkten Reaktion auf klangliche Impulse und räumliche Resonanzen an Bord. Der Abend ist Teil eines kontinuierlichen Programms bei Hošek Contemporary, das sich experimentellen und improvisierten Formaten widmet jenseits fester stilistischer oder institutioneller Rahmungen.

Mittwoch, 25.06.2025
Beginn 19 Uhr
Hošek Contemporary
Motor Ship HEIMATLAND
Märkisches Ufer 1Z
10179 Berlin

@ Facebook 

Sein im Herbst erschienenes Tape “Lateral Journey” zeigt diese Arbeitsweise exemplarisch. Im Rahmen einer stillen Listening Session in der Migas-Bar in Berlin-Wedding präsentiert Acrartep nun aktuelle Arbeiten sowie ausgewählte Stücke aus dem bestehenden Material. Gespielt wird in Stille – das heißt: ohne Gespräch, ohne Performance, ohne Ablenkung. Der Fokus liegt auf dem reinen Hören selbst. Die Sitzung beginnt pünktlich, auch wer später kommt, ist willkommen – solange die Atmosphäre respektvoll, also rumpel- und schnatterfrei, gewahrt bleibt.

Donnerstag, 12.06.2025
Beginn 20 Uhr
Migas – A Listening Bar
Lindower Straße 19
13347 Berlin

@ Migas 

Acrartep ist das Soloprojekt des Klangkünstlers Eugenio Petrarca, u.a. bekannt als Mitglied des Duos Ab Uno, einem Projekt, das sich längst einen Namen mit modularen Synthies und ethnographischen Klangdokumentationen gemacht hat. Mit Acrartep erweitert Petrarca sein künstlerisches Repertoire seit Jahren, seit Oktober liegt nun über Brutal Forms ein erster physischer Tonträger vor. “Lateral Journey” trägt die Handschrift eines Künstlers, der es versteht, Klang als narrative Kraft zu nutzen.

Das Motto des Albums – „Before you arrive, a monk must dream of an anchor, a tiger must die in Sumatra, nine men must die in Borneo.“ – könnte der Ausgangspunkt eines mysteriösen Thrillers sein. In ihrer reizvollen Unklarheit geben diese Andeutungen dem Werk eine zusätzliche Schicht von Rätselhaftigkeit. Musikalisch ist das Album geprägt von einer rohen und radikalen Herangehensweise, bei der dichte, dröhnende Klanglandschaften auf verzerrte Noisetexturen treffen, die eine hypnotische und bisweilen verstörende Atmosphäre schaffen. “It is Just a Memory from a Previous Life” beginnt mit zitternden, unruhigen Sounds, die in eine rauschende Hülle gepackt sind. Das “just” im Titel mag angesichts des Themas ironisch wirken, aber nicht nur aufgrund seiner relativen Kürze offenbart der Track durchaus eine gewisse lakonische Beiläufigkeit, welche die irritierenden Wirkung des leicht noisige Klang abmildert, und mit der Zeit entfaltet sich ohnehin eine eigentümliche Schönheit in den Vibrationen. Die repetitiven Muster scheinen beruhigend, doch plötzlich drängt sich der Klang stärker auf, wird fordernder und vielseitiger und intensiviert sein Spiel mit Wahrnehmung und Erwartung.

Mit “Placid Foam” kehrt Acrartep einer subtileren Klangästhetik zurück. Wellenförmige Summtöne und repetitives Rumoren verweben sich zu einer vielschichtigen Interaktion zwischen verschiedenen Zeitebenen: Langsame und schnellere Bewegungen laufen parallel und beeinflussen einander. In dieser dichten Struktur aus rauschenden, brummenden und knarrenden Sounds verbirgt sich eine ebenso bemerkenswerte Wärme, bevor auch dieses Stück sich zunehmend zu einem fast infernalischen Crescendo steigert. Mit “A Silence You Don’t Want to Hear” bietet Acrartep eine verstörende Perspektive auf den Begriff der Stille. Das Stück hätte, wäre es eine Minute länger, gut auf dieses John-Cage-Tribut gepasst, doch es hat auch die ernsthafte, bedrohliche Qualität, die auch einer unbehaglichen, unwillkommenen Stille zueigen ist. Die hektischen Klangdetails sind dünn, fast spitz, und rufen eine unterschwellige Spannung hervor. Schrilles und propellerartiges Rauschen mischen sich mit gebrochen rhythmischen Elementen, während verzerrte, stimmenähnliche Fragmente durch das Klangbild huschen und eine verstörende Illusion entfachen.

Das infernalische “Transition” hält die vielleicht heftigsten Momente des Albums bereit. Aquatische Blubbertöne verschmelzen mit brodelndem, rauchartigem Sound und stimmenähnlichen Details zu einer unentwirrbaren Einheit. Der Titel ist Programm: Übergänge sind selten einfach, und das Stück spiegelt diese Komplexität wider. Gegen Ende wird klar, dass gesampelte Stimmen aus einer medialen Aufnahme tatsächlich eine Rolle spielen. Das abschließende “No One Knocked on Your Door” beginnt warm und hypnotisch, ein Brummen legt den Grundton, während schmatzende, kratzende und rumpelnde Sounds sich dazwischen schieben. Doch auch diese Sounds entfalten, haben sie sich erst mal in der Komposition eingerichtet, einen diffuse Bedrohlichkeit, bis das Album abrupt in schrillen Grenzfrequenzen endet – eine offene Frage, die die Bewegung ohne klare Antworten beschließt. Selbstredend steckt in diesem plötzlichen Finale das potenzial für mindestens ein weiteres Album.

Diese Schlussgebung als Opera Aperta passt gut zum Rest, denn so sehr “Lateral Journey” durch seine Klanggestalt(und) überzeugt, begeistert es mehr noch durch seine narrativen Andeutungen, die immer wieder neu herausfordern, in die Tiefe der hier entworfenen Parallelwelt einzutauchen und sich von ihrer Mehrdeutigkeit tragen zu lassen. (U.S.)

Label: Brutal Forms

(Modularer Synthie, bekannt u.a. von seinem anderen Duo Ab Uno). Das Hošek Contemporary ist eine multidisziplinär ausgerichtete Galerie in den Räumen des Schiffs Heimatland, das in einem Spreearm Nähe der Fischerinsel in Berlin-Mitte vor Anker liegt, die nächsten U-Bahn-Stationen sind Spittelsmarkt und Märkisches Museum.

Mittwoch, 31.07.2024
Beginn 19 Uhr
MS Heimatland
Nähe Fischerinsel Park
10179 Berlin-Mitte
+49 1525 7486496

@ Hošek Contemporary | Facebook

Erstmals erinnert man sich an die Stilistik Ab Unos, des aus Eugenio Petrarca und Roberto Di Ciaccio bestehenden Duos mit seinem Sound, der meist “im weiten Feld zwischen ethnographischen Feldaufnahmen und modularen Synthies oszilliert” und immer wieder von der Suche nach “etwas Urtümlichem, Archaischem” angetrieben scheint, “das sie an verschiedenen geografischen wie imaginären Orten der Welt aufspüren” – so schrieben wir vor etwas über einem Jahr in der Einleitung unseres Interviews.

Die zwei rund halbstündigen Ambienttracks, die das koreanische vurt.-Label jüngst auf einer Kassette herausbrachte, sind das Ergebnis einer Montage mehrerer Studioaufnahmen, die Ab Uno in den vergangenen Jahren an verschiedenen Orten auf der Basis von Stimme, Orgel, Field Recordings und v.a. modularen Gerätschaften aufgenommen haben. Was vom Label als “monolithische Drones mit modularen Melodiesequenzen” beschrieben wird, offenbart sich als bisweilen düsterer, rauschhaft-somnambuler Trip durch verwunschene Grenzregionen, die sich – je nach Glaubensentscheidung – ebenso in den Tiefen unseres Unbewussten als auch in den Weiten des Kosmos befinden können.

Im Laufe des die erste Kassettenseite ausfüllenden Stücks wird die Musik fließender, doch auch ein stetigerer Rhythmus hat sich längst aus den schon vorhandenen perkussiven Details herauskristallisiert, doch alles bleibt, bislang zumindest, dezent und verhalten, was – auch gerade im Zusammenspiel mit einer durchaus monumentalen Halllastigkeit – stark zum spannungsvollen, cinematischen Zug der Musik beiträgt. Immer wieder scheinen Reminiszenzen an die untrschiedlichten Eckdaten der Musikgeschichte anzuklingen, sogar Soli auf der Gitarre, die natürlich keine sind, und vermutlich ist all dies ohnehin primär eine Projektion des längst angefixten Rezensenten. Gangart, Fülle und Klangfarben verändern sich bis zum eher aufgewühlten Abschluss des Tracks noch das eine oder andere Mal, doch der spannungsvolle Zug

Singvögel und heitere Kinderstimmen leiten über in den zweiten Track, der – auf Basis von zunächst dröhnenden Synthiesounds – generell etwas mimentischer ausgerichtet scheint, raue, leicht kratzige Sounds erinnern an einen leichten Regen auf einem Blechdach, was keineswegs heißt, dass tatsächlich solche Geräusche verwendet worden sind. Dann wandelt sich die offensichtlicher elektronische Seite der Musik aber nach einigen Minuten in eine melodische Reise in vergangene Zeiten elektronischer Avantgarde, fast fühlt man sich auch an Moon Musick erinnert.

Im Laufe der halben Stunde entpuppt das Stück sich als episodisch, statischere Passagen und solche von einer verzückten Dynamik wechseln sich ebenso ab wie füllige Szenarien mit Momenten offener Weite. Einer der roten Fäden, die das ganze Szenario wie eine halb ausgeschilderter Weg durchziehen, ist die fast rauschhafte mollastige Entrücktheit, die einen derartigen Suchtfaktor entwickelt, dass man die hier gestaltete Welt kaum mehr verlassen will. (U.S.)

Label: Vurt.

extempore arrangements of modular synthesizer patches, featuring long and sustained drones, slow progressions, rhythmic shifts, and repetitions, carrying the listener in an immersive and meditative sonic journey and crafting soundscapes with a ritualistic approach”. Die raue Dröhnung der von Betreibern von Lichtenberg Syndrome und Desert Drone begründeten Le Syndrome du Desert ist “an experimental sound exploration project inspired by the nihilist strengh of empty horizons. Blinded by liminal visions, dressed with and by mirages, LSDD is looking for naked skies, for the unreal hot wind, dreaming water utopias for the sake of cybernetic psychoacoustics”. Abgerundet wird der Abend mit einem Set von Sam Davies a.k.a. DJ Telegram Sam, der eine bunte Mischung aus Punk’n'Wave, Psychedelic, Soul und 60s RNB auflegen wird.

Samstag, 06.01.2024
Beginn 21 Uhr
Madame Claude Berlin
Lübbener Straße 19
10997 Berlin

Foto: Gotland Fünf

@ Facebook

Das weitgereiste Duo Ab Uno wurde Mitte des vorigen Jahrzehnts von den Klangkünstlern Eugenio Petrarca und Roberto Di Ciaccio in Rom gegründet und wurde mit seinem Sound, der im weiten Feld zwischen ethnographischen Feldaufnahmen und modularen Synthies oszilliert, schnell zu einer festen Größe im Bereich experimenteller, semi-elektronischer Musik. Ein roter Faden, der sich durch all ihre Aufnahmen zieht, ist die Suche und oftmals auch das Echo von etwas Urtümlichem, Archaischem, das sie an verschiedenen geografischen wie imaginären Orten der Welt aufspüren. Auf ihrem im vorigen Jahr erschienenen Album “Les Gens de Mogador“, dessen Ideen und Sounds sich einem Aufenthalt in Marokko verdanken, halten sich diese Aspekte vielleicht mehr denn je die Waage. Mit diesem Material im Gepäck konnten sie jüngst auch als Opener für die musikalisch recht anders ausgerichteten Savage Republic das Publikum für sich einnehmen. Im kurz darauf geführten Interview ging es um die vielfältigen ästhetischen, spirituellen und kulturellen Hintergründe ihrer Musik.

English Version

Soweit ich weiß existieren Ab Uno jetzt seit ungefähr sieben Jahren. Was könnt ihr uns über die beteiligten Personen und eure Hintergründe erzählen?

(E) Unsere Reise begann in Rom, als wir beide am Saint Louis College of Music Klangkunst studierten. Unsere musikalischen Vorlieben trafen sich und verschmolzen sofort, und bald fanden wir uns in unserem Heimstudio wieder, um Drones und Cluster mit der ersten Hardware aufzunehmen, die wir uns leisten konnten. Schon früh erkannten wir, dass die Ästhetik unseres Sounds eine gemeinsame Richtung haben könnte, und wir begannen, die ersten aufgenommenen Takes zu arrangieren und in Form von Klangcollagen neu zu kombinieren. Diese frühen Experimente bildeten später die Grundlage für ein Live-Set, das wir auf einem lokalen Festival für experimentelle Musik aufführten. Zu diesem Zeitpunkt war Ab Uno bereits konzipiert.

Gab es vorher irgendwelche Musik- oder Kunstprojekte, die irgendwie zu dem führten, was Ab Uno wurde, wenn man sie aus heutiger Sicht betrachtet?

(E) Wir hatten beide unabhängig voneinander begonnen, uns mit elektronischer minimalistischer Musik aus den 70er Jahren zu beschäftigen, und unser Studium hat uns ein besseres Verständnis für dieses Phänomen vermittelt. Die Inspiration kam aber wahrscheinlich von viel weiter her.

Ihr arbeitet mit einer ganzen Reihe von Klangmaterialien, seien es Field Recordings, modulare Synthesizer-Kompositionen oder auch Kombinationen aus beidem. Wenn ihr mit diesen Sounds im Studio arbeitet und sie zu euren endgültigen Tracks kombiniert, gibt es da eine bestimmte Art und Weise, wie ihr arbeitet? Arbeitet ihr immer gemeinsam an euren Tracks, oder eher jeder für sich und teilt die Ergebnisse dann nach einiger Zeit?

(R) Nun, der Prozess ist niemals gleich.

(E) In dieser kreativen Phase gibt es keine klar definierten Schritte. Was du über die Verwendung einer Kombination aus natürlichen und synthetischen Klängen sagst, ist richtig, aber ich weiß nicht, in welcher Reihenfolge der Prozess abläuft.

(R) Manchmal finden wir originelles “rohes” Audiomaterial, das wir vor Ort aufgenommen haben und das uns inspiriert; wir fangen an, es zu bearbeiten, um die Grundlage für einen Track zu schaffen. Manchmal fällt uns aber auch einfach ein interessanter modularer Patch ein, den wir spontan im Studio aufgenommen haben, während wir zusammen improvisierten oder jammten, und die Feldaufnahmen sind “Farben” für eine komplexe synthetische Klanglandschaft. Und ich kann dir sagen, dass der kreative Ansatz zwischen uns auch ziemlich flexibel und spontan ist. Da wir jetzt in verschiedenen Städten leben, hat sich das mit der Zeit auch geändert. Sehr oft tauschen wir Dateien aus und machen Overdubs, bis wir den Track fertig haben. Aber wir versuchen immer, einige Zeit zusammen im Studio zu verbringen, um das Projekt gemeinsam fertig zu stellen.

Betrachtet ihr euch selbst eher als Komponisten oder als Improvisationsmusiker?

(E) Meistens starten wir als Improvisationsmusiker, entpuppen uns aber am Ende als Komponisten.

Wie stark ist euer Bezug zu den verschiedenen Technologien, die ihr benutzt?

(R) Heutzutage ist Technologie allgegenwärtig und hat einen tiefgreifenden Einfluss auf die Kunst der Musik, die geschaffen wird. Aber eigentlich ist das schon immer so gewesen, seit den Anfängen der Aufnahmetechnik. Die Art und Weise, wie Musik gehört, komponiert und aufgeführt wird, war schon immer von der Technologie geprägt. Das Produzieren und Aufführen von Musik mit modularen Synthesizern war für uns von grundlegender Bedeutung und hat sicherlich unseren Stil und letztlich auch unser musikalisches Resultat beeinflusst. Man entwickelt eine Art gegenseitige Beziehung zu den Werkzeugen, die man benutzt. Im Gegensatz zu den unendlichen Möglichkeiten, die der Computer bietet, haben wir immer nach Einschränkungen und nach einer Art Fehlerhaftigkeit gesucht. Es ist eine Möglichkeit, einen Teil der Kontrolle zu verlieren, uns für glückliche Zufälle zu öffnen und diesen “Moment” einzufangen. Man muss diesen Strom, der ständig von den Maschinen ausgeht, wirklich aufzeichnen, sonst verliert man ihn für immer. Und das überträgt sich natürlich auch auf unsere Kompositionen, sowohl was den Sound als auch was die Erzählung angeht.

Der Name Ab Uno bedeutet soviel wie Vom Einen. Falls ihr darüber diskutieren möchtet: Worauf bezieht sich der Name (bzw worauf spielt er an)?

(E) Der Name kommt aus dem Lateinischen und ist inspiriert von einer alchemistischen Darstellung der Trennung zwischen Makrokosmos und Mikrokosmos. Ausgehend von dem Einen wird alles entsprechend lebendig, als Kette von Metallen, Bäumen und schließlich Menschen. Im Grunde genommen inspiriert dieser Weg oft auch unsere Musik, indem wir von einer zerbrechlichen Essenz ausgehen, um dann eine komplexere Natur zu entwickeln.

Ihr wart kürzlich in Mogador, Marokko, und habt dort anthropologische Klangstudien durchgeführt, die unter anderem zu dem Album “Les Gens de Mogador” geführt haben. Wie kam es zu diesem Abenteuer und wie habt ihr eure Zeit dort erlebt? Was sind Ihre stärksten Erinnerungen?

(E) Marokko ist für uns ein sehr wichtiger Ort. Wir haben dieses Land schon oft besucht, und auf einer unserer letzten Reisen konnten wir einige Zeit in Essaouira (dem alten Mogador) verbringen, um sowohl im akustischen als auch im visuellen Bereich zu forschen. Wir haben das Glück, Freunde zu haben, die dort leben und uns beim Sammeln des gesamten Materials für unsere letzte Platte unterstützt haben. Les Gens De Mogador ist eine echte Hommage an diese Zeit und an die Menschen, die uns inspiriert haben.

Inwieweit ist das Alte und Angestammte, das ihr in euren Projekten (und auch in Mogador) oft sucht, in der Lebenswirklichkeit der Menschen vor Ort noch spürbar?

(E) Das hängt wirklich von der jeweiligen Situation ab. Erlebnisse wie das in Kolumbien sind im Grunde genommen Zeitreisen. Wir könnten fast in der Altsteinzeit gewesen sein. Aber es kommt auf den Einzelfall an. Im Allgemeinen ist die Auswahl der Orte, die wir besuchen, nie zufällig. Wir haben uns immer zu Orten hingezogen gefühlt, die in irgendeiner Weise den Geist der Vorfahren bewahren. Sogar in Marokko und Indonesien haben wir viele Volksmusikaufführungen und in einigen Fällen auch wirklich beeindruckende Rituale erlebt. Ich denke, dass Orte, die weniger in ein hochkapitalistisches System eingebunden sind, eine stärkere Verbindung zu ihrer Vergangenheit, ihren Ursprüngen und Traditionen haben. Das ist etwas, was wir in unseren Breitengraden verlieren, und so wird es (zumindest für uns) irgendwie notwendig, sich von anderen bestimmten Kulturen inspirieren zu lassen.

Was könnt ihr uns über eure Kollaboration mit der Waxaw Ethno Roots-Gruppe erzählen?

(R) Es war eine gemeinsame Arbeit, die vor einigen Jahren in Essaouira, Marokko, stattfand. Wir waren dort für eine Artist Residency. Am Ende sammelten wir stundenlanges Videomaterial zusammen mit vielen ‘gefundenen’ Sounds. Die Leute dort waren so gut in der Lage, unglaubliche Aufnahmen an sehr authentischen, versteckten Orten und in ländlichen Ökosystemen zu machen. Und sie haben uns auch erlaubt, ganz besondere Feldaufnahmen zu machen. Dieses unglaubliche Material inspirierte unseren kreativen Prozess sowohl dort als auch im Studio bei der Fertigstellung des Albums.

Auf welche Geometrien referiert der Titel “Vanishing Desert Geometries”?

(R) Nun, das ist die Geometrie der natürlichen und menschlichen Welt, die du in der Wüste vorfindst. Denk nur an die sich ständig verändernde Form der Dünen. Wenn du morgens aufwachst, kann die Landschaft ganz anders aussehen. Alles scheint verschwunden zu sein, unabhängig von deiner Anwesenheit. Aber es geht auch um die Architektur, die so organisch mit der natürlichen Landschaft verschmilzt und immer neue, sehr inspirierende Geometrien schafft.

Würdet ihr sagen, dass es immer so etwas wie einen Genius Loci eines Ortes gibt (den ihr vielleicht nicht unbedingt aufspürt, den ihr aber die Hörer durch die gefundenen und selbst produzierten Klänge zumindest spüren lassen könnt)?

(E) Wann immer wir einen Ort und eine Umgebung aufsuchen, achten wir sorgfältig auf den wesentlichen Kern seiner klanglichen Landschaft. Wir versuchen dann, unsere eigene Interpretation der Bilder zu geben, die uns begegnen. Unsere Absicht ist es jedoch nicht, ausschließlich die reine Essenz eines bestimmten Gebiets wiederzugeben, sondern eine Konstellation von Bezügen, Bedeutungen und – warum nicht – Erinnerungen zu eröffnen und anzuregen, die untrennbar mit der persönlichen Erfahrung unserer Zuhörer verbunden sind.

Während “Les Gens de Mogador” oft wie ein umfassendes Panorama der von euch besuchten Orte wirkt, hat “La linea negra”, das auf eurer Reise in die kolumbianische Sierra Nevada basiert, eine bisweilen recht intime Aura. Man könnte sich wirklich wie ein Gast dort fühlen, wenn man das Album hört. Würdest ihr dem zustimmen, und wenn ja, wie spontan sind diese Unterschiede entstanden?

(R) Ja, das ist ganz richtig. Aber es war ein sehr spontanes Resultat. Wenn wir einen neuen Ort besuchen und ortsspezifisches Material sammeln, haben wir keine klare Vorstellung davon, was wir finden können. Es sind der Ort und das Material, die unsere Arbeit bestimmen und formen. In La linea Negra waren alle Klänge so unverwechselbar und ‘intim’, dass sie sich perfekt für eine immersive und gleichzeitig respektvolle Erzählung eigneten, wir wollten den Zuhörern wirklich die Möglichkeit geben, einen richtigen Ritus zu erleben, eine Ganzkörpererfahrung. Wie du sagst, ein Gast mitten im Wald in den Bergen der Sierra Nevada.

Die meisten der Orte, an denen ihr spezifische Klänge sammelt, liegen weit entfernt auf anderen Kontinenten – könnte ihr euch auch vorstellen, vergleichbare Klangstudien an Orten durchzuführen, an denen ihr lebt oder aufgewachsen seid?

(E) Im Moment konzentrieren wir uns mehr darauf, die Aufmerksamkeit auf exotische Geografien zu lenken, die uns in gewisser Weise ganz andere Einblicke gewähren als die, die eine städtische Atmosphäre hervorrufen könnte. Dennoch schließen wir nicht aus, dass wir in Zukunft auch an den Orten, aus denen wir kommen, eine umfangreiche und fundierte Forschung betreiben können. Vielleicht in einem eher institutionellen Rahmen.

Wie entscheider ihr, ob ihr die ursprünglichen Klänge eines Ortes mehr für sich sprechen lässt oder ob ihr eure Wahrnehmung eines Ortes mehr durch eigene Sounds ausdrückt? In “La Linea Negra” zum Beispiel oder in dem Stück “Medewi” scheinen die Originalklänge einen größeren Raum einzunehmen als in “Les Gens de Mogador”, wo viele modulare Synthie-Drones im Vordergrund stehen…

(R) Das stimmt. Bei Les Gens de Mogador sind die Feldaufnahmen weniger offensichtlich, aber sie sind eindeutig vorhanden. Es ist der Hintergrund, den man beim Hören einiger Tracks wahrnehmen kann, aber es ist auch das, was den ganzen Prozess wirklich inspiriert hat. Nach mehreren reinen Field-Recordings wollten wir dieses Mal wirklich ein mehr elektronisch/synth-orientiertes Album produzieren. Die Idee war, eine Art Kommunikation zwischen der Sprache unserer Maschinen und dem in Marokko gesammelten Video- und Audiomaterial zu entwickeln.

Andererseits basieren Alben wie “Metaforma” oder “Regressive Repetition” weit weniger auf gefundenen Klängen, sondern eher auf selbst produzierten Stimmungen, aber sie beziehen sich auf ihre eigene Art und Weise auch auf das Ursprüngliche und Angestammte, so dass sie vielleicht sogar irgendwie dazu gemacht sind, “auf der Suche nach Antworten in der Vergangenheit die Zukunft zu finden”, wie es in einer Beschreibung heißt. Entstehen sie aus sehr unterschiedlichen Ideen? Kommen die Inspirationen in diesen Fällen eher aus euren inneren Erfahrungen?

(E) Metaforma war das erste Werk, das als eigenständiges Album konzipiert war und von Mahorka produziert wurde, einem der aktivsten Labels in der bulgarischen Experimental-Szene. Dieses Werk hatte einen eher studioorientierten Ansatz und nur wenige Field-Recordings-Elemente, doch die Absicht, eine Verbindung zu einer bestimmten “Ästhetik” aufrechtzuerhalten, blieb bestehen (wie du auch richtig bemerkt hast). Was Regressive Repetition angeht, so würde ich sagen, dass dieses Werk viel elektronischer (auf die traditionellste Art und Weise) und auf modularer Synthese basiert. Vom kompositorischen Standpunkt aus ist es das Ergebnis eines minimalistischen Ansatzes. Bis zur Erschöpfung wiederholte Muster und aufdringliche Sequenzen kennzeichnen die gesamte von Transferans Records veröffentlichte EP. Obwohl unsere Veröffentlichungen so viele verschiedene Nuancen aufweisen, sehen wir doch einen gemeinsamen Weg, und das alles im Namen einer bestimmten Ästhetik.

Welche Dinge stehen bei euch als nächstes auf dem Plan?

(E) Wir wollen diesen anregenden Moment mit neuen Kollaborationen weihen.

(R) Wir denken, es ist Zeit, über ein Album mit neuen Musikern und Kollaborationen nachzudenken.

(E) Dafür gibt es mehrere Gründe: Wir haben auf unserer Recherchereise so viele interessante Künstler kennengelernt, mit denen wir gerne eine Zusammenarbeit beginnen würden, und wir wollen uns neuen experimentellen Möglichkeiten öffnen. Und wer weiß, wenn etwas Unerwartetes an unsere Tür klopft, werden wir bereit sein, es zu begrüßen.

Interview und Übersetzung: U.S.

Concert Foto © Venus Fatale

Ab Uno @ Bandcamp | Facebook | Soundcloud | Youtube | Instagram

The well-travelled duo Ab Uno was founded in the middle of the last decade by the sound artists Eugenio Petrarca and Roberto Di Ciaccio in the Rome metropolitan area, and with their sound, which oscillates in the broad field between ethnographic field recordings and modular synths, quickly became a permanent fixture in the field of experimental, semi-electronic music. A common thread running through all their recordings is the search for, and often the echo of, something primal, archaic, which they track down in various geographical and imaginary places around the world. On their album “Les Gens de Mogador”, released last year, whose ideas and sounds owe their existence to a stay in Morocco, these aspects are perhaps more in balance than ever. With this material in their luggage, they were recently able to win over the audience as openers for the musically quite differently oriented Savage Republic. The interview that followed shortly afterwards dealt with the diverse aesthetic, spiritual and cultural backgrounds of their music.

German Version

As far as I know, your duo Ab Uno exists for about 7 years now. What can you tell us about the persons behind and your musical background?

(E) Our journey began in Rome while studying sonic arts at Saint Louis College Of Music. Our musical tastes met and merged immediately and soon we found ourselves holed up in our home studio recording drones and clusters with the first hardware we could afford. We early realised how the aesthetics of our sound could have a common direction and we began arranging and recombining in the form of sound collages the first recorded takes. These early experiments later became the foundation of a live set we performed at a local experimental music festival. At that time Ab Uno was already conceived.

Were there any previous music or art projects before, that somehow lead to what became Ab Uno, if you perceive them from today’s perspective?

(E) We had both independently started diving into electronic minimalist music from the 70s, and our studies gave us a better understanding of that phenomenon. The inspiration either way probably came from much further back.

You work with quite a variety of sound materials, be it field recordings, modular synthesizer compositions or also combinations of both. If you work with these sounds in the studio and combine them to your final tracks, is there a specific way how you work? Do you always work on your tracks together, or rather each one on his own and then share results after some time?

(R) Well, the process is never the same.

(E) There are no clearly defined steps at this creative stage. What you say about using a combination of natural and synthetic sounds is correct, however, I don’t know in which order the process occurs. (R) Sometimes we find ourselves with some original ‘raw’ audio material we recorded on location that inspires us; we start processing it to create the foundation of a track. Sometimes instead we simply come up with an interesting modular patch recorded on the fly in the studio while improvising or jamming together and the field recordings are ‘colours’ on a complex synthesised soundscape. And I’d tell you, the creative approach between us is also quite flexible and spontaneous. As we are now based in different cities, this has also changed over time. Very often we exchange files and do overdubs until we shape the track. But we always try to spend some time together in the studio to finalise the project together.

Would you see yourselves more as composers or as improvisers?

(E) We always start as improvisers but we almost always end up as composers.

How strong is your connection to the various forms of technology that you use?

(R) Nowadays technology is ubiquitous and has a profound influence on the art of music which is being created. But that’s actually how it’s always been since the early days of recording. The way music is heard, composed and performed has been always shaped by technology.

Producing and performing music through modular synths has been fundamental for us, and has certainly influenced our style and ultimately our musical outcome. You develop some sort of mutual relationship with the tools you use. As opposed to the endless possibilities offered by computers, we’ve always looked for restrictions and some kind of failure. It’s a way of losing some part of control, of opening ourselves to happy accidents, to capture that ‘moment. You really have to record that stream of current that is constantly coming out from your machines, or you’re gonna lose it forever. And of course, this translates to our compositions both in terms of sound and storytelling.

The name Ab Uno means Of One or From One. In case that’s something you like to discuss, where does the name refer (or allude) to?

(E) The name comes from Latin and is inspired by an alchemical representation of the detachment between the macrocosm and the microcosm. By starting from the One everything come to life accordingly, as a chain of metals, trees and finally men. Basically, this pathway inspires quite often much of the creation of our music as well—starting from a fragile essence to develop a more complex nature after.

You’ve been to Mogador, Marocco, recently and did anthropological sound studies that, among other experiences, led to the album “Les Gens de Mogador”. How did this adventure come about and how did you experience your time there? What are your strongest memories?

(E) Morocco is a very dear place to us. We have frequently visited this reality and during one of our last trips, we were able to spend some time in Essaouira (ancient Mogador) to do some research in both the sound and visual fields. We are so lucky to have friends who live there and who supported us in collecting all the material related to our last record. Les Gens De Mogador is our genuine tribute to those days and to the people who inspired us.

How much is the old and the ancestral, that you often search for in your projects (and also in Mogador) still noticable in the life realities of the local people?

(E) It really depends on the situation. Experiences such as the one in Colombia are basically time travels. We could almost have been in the Paleolithic Era. But it depends on the cases. Generally, the choice of places we visit is never randomique. We have always been attracted to places which in some way preserve this ancestral spirit.

Even in Morocco and Indonesia we witnessed many folk music performances and in some cases also really impressive rituals. On a biggest scale, I think places less involved in a highly capitalistic system have a stronger connection with their past, origins and traditions. This is something we are losing in our neck of the woods and so somehow (at least for us) it becomes necessary to be inspired by other certain cultures.

What can you tell us about your collaboration with the Waxaw Ethno Roots group?

(R) It’s been a mutual collaboration which took place in Essaouira, Morocco a few years ago. We went there for an artistic residency. We ended up collecting hours of video material along with many ‘found’ sounds. The guys there were so part of that realm to be able to shoot incredible footage in very authentic, hidden places and rural ecosystems. And also allowed us to record very particular field recordings. This incredible material inspired our creative process both there and also in the studio while finalizing the album.

To which geometries do you refer in the title “Vanishing Desert Geometries”?

(R) Well, that’s the geometry of both the natural and human world you can find in the desert. Try to consider the constantly changing shape of the dunes. You wake up in the morning and the landscape can be completely different. Everything seems to have vanished regardless of your presence there. But it’s also about the architecture that so organically merges with the natural landscape, creating always new, very inspiring geometries.

Would you say that there is always something like a genius loci of a place (that you might not necessarily detect, but that you can at least make the listeners feel though the found and self-produced sounds)?

(E) Whenever we visit a place and circumstance we always pay careful attention towards its essential core sonic landscape. We then try to give our own interpretation of the images we are visited by. However, our intention is not exclusively to tell the pure essence of a specific area, but to open up and stimulate a constellation of references, meanings and why not memories, that are inextricably linked to the personal experience of our listeners.

While “Les Gens de Mogador” often appears like a broader panorama of places you visited, “La linea negra”, which is based on your journey to the Columbian Sierra Nevada, has a sometimes quite intimate aura. One could really feel like a guest there, while listening to the album. Would you agree, and if yes, how spontaneous did those differences come about?

(R) Yeah, that’s quite correct. But It’s been a very spontaneous result. When we visit a new place and collect site-specific material we don’t have a clear idea of what can be found. It’s the place and material that inform and shape our work. In La linea Negra all the sounds were so distinctive and ‘intimate’ that turned out to be perfect for an immersive and also respectful storytelling, we really wanted to allow the listener to experience a proper rite, a full-body experience. Like you said a guest in the middle of the forest in the mountains of Sierra Nevada.

Most of the places you collected specific sounds are far away on other continents – could you also imagine to do comparable sound studies in places you live or where you grew up?

(E) At the moment we are more focused on holding the attention towards exotic geographies, which somehow gives us insights radically different from those that an urban atmosphere could induce. Yet, we do not exclude the future possibility of a huge sound research on the places we come from as well. Perhaps, in a more institutional setting.

How do you decide, whether you let the original sounds of a place speak more for themselves or if you express your perception of a place more by your own sounds? In “La Linea Negra” for instance or in the track “Medewi”, the original sounds seem to have a larger space than in “Les Gens de Mogador”, where a lot of modular synth drones are in the foreground..

(R) That’s true, In Les Gens de Mogador the field recording is less evident, but it’s clearly there. It’s the background that can be perceived while listening to some of the tracks, but it’s also what truly inspired the whole process. This time we really wanted to produce a more electronic/synth-oriented album, after several pure field-recordings works. The idea was to develop a sort of communication between the language of our machines and the video and audio material collected in Morocco.

On the other hand, albums like “Metaforma” or “Regressive Repetition” are far less based on found sounds but more self produced ambiences, but in their own way they also refer to the primordial and the ancestral, so maybe even they are somehow made to “looking for answers in the past we can find the future”, as it’s called in a description. Do they emerge from very different ideas? Do the inspirations in these cases come more from your inner experiences?

(E) Metaforma was the first work conceived as a separate track album, produced by Mahorka which is one of the most active labels in the Bulgarian experimental scene. This work had away more studio oriented approach and just few field recordings elements, yet the intention to maintain a connection with a certain “aesthetic” remains (as you also rightly pointed out). As for Regressive Repetition, on the other hand, I would say that this work is much more electronic (in the most traditional way) and modular synthesis based. It’s the result of a minimalist approach from a compositional point of view. Patterns repeated to the point of exhaustion and pushy sequences characterize the whole EP released by Transferans Records. In any case, even though our releases have so many different nuances, we currently perceive that there is a common path and all in the name of a certain specific aesthetic.

What are the next important things on your schedule?

(E) We want to consecrate this stimulus-filled moment with new collaborations.

(R) We think it’s time to start thinking about a record involving new musicians and collaborations.

(E) There are several reasons behind this: we have met so many compelling artists we would like to start a collaboration with during our research journey and also because we want to open ourselves up to new experimental possibilities. And who knows, if anything unexpected will happen to knock at our door, we will be ready to welcome it.

Interview: U.S.

Concert Foto © Venus Fatale

Ab Uno @ Bandcamp | Facebook | Soundcloud | Youtube | Instagram

Wenn erst die Äußerungen von Menschen ins Zentrum rücken, hat man sich als Höhrer in der Szenerie bereits heimisch gemacht: Eine hauchzarte Frauenstimme, bedächtige Schritte, gackernde Hühner, dann geschäftiges Hantieren bringen ein realistisches Moment ein in die Szene, die weitaus romantisch hätte ausfallen können. Wenn helle Kinderstimmen all dies aus demDämmerlicht in die pralle Morgensonne holen und dabei spöttisch feixen, taucht auch die Dröhnung wieder auf, als helle, hochtönende Version ihrer selbst.

Eugenio Petrarca und Roberto di Ciaccio von Ab Uno verbrachten im vorigen Jahr einige Zeit in der kolumbianischen Sierra Nevada und lebten dort bei einer Familie des Aruacho-Stammes, die die Besucher mit dem Land am nordwestlichen Rand des Amazonasgebietes und den Bräuchen seiner Einwohner vertraut machte. Ab Uno wollen mit der vorliegenden Aufnahme. den Ort selbst mit seinen typischen Sounds zu Wort kommen lassen und dabei die Schönheit eines Ökosystems aufzeichnen, dessen Fortbestand nicht erst durch die Bolzonaros dieser Welt bedroht ist.

Ihr eigener Beitrag besteht primär in der Auswahl, Bearbeitung und Zusammensetzung der Feldaufnahmen, des weiteren natürlich in zusätzlichen kompositorischen Details, die als Bindemittel und Untermalung in Dienste der Geräusche stehen und doch weit mehr als bloßes Beiwerk sind: Rasselnd klingende Hochtöner und meditativ wirkende Ambientsound treten mit Vogelstimmen und Radiosamples in den Dialog, und halten sich bei besonders dramatischen Ereignissen vornehm zurück. Dann dringt eine mystische Flötenmelodie ins Zentrum des vorderen Bühnenrandes, die man nicht sofort den Musikern oder aber den Geräuschpool der Sierra Nevada zuordnen kann.

Label: Lantano Series / Rohs! Records