durchmischte Stilpanorama, bei dem Bates’ ornamentaler und nicht selten weltentrückt anmutender Gesang und die traumhafte Atmosphäre der Tracks immer wieder andere musikalische Gewandungen – von synthiedominierten Wavestücken über basslastigen Postpunk bis hin zu experimentierfreudigen Kompositionen und ersten Ansätzen der später so wichtigen folkigen Tendenzen – anlegen. Verstärkt wird diese Qualität durch einzelne Gastbeiträge und den gelegentlich zu hörenden Gesang 8Elisabeth S. Auf diese Weise gibt die Compilation auch einen guten Einblick in die Bandbreite der ersten Abschnitte der Bandkarriere. “Orange Ice & Wax Crayons” ist über die Plattformen der Band erhältlich.

Auf “The Boatman On The Downs”, das geografisch auf ein Marschland im Süden Englands referiert, inszenieren Martyn Bates und Alan Trench eine geheimnisvolle, initiatisch wirkende Reise durch die Nacht, bei der einem bei dunklen Folkklängen Gefühle des Begehrens, aber auch der Trauer und das besondere Lebensgefühl am Übergang vom Frühling zum Sommer auf eine ganz ungewohnte Weise bewusst werden.

Mit “Comely” startet das Album in einer verzaubert märchenhaften Abendstunde und lässt Bates mit mit seiner unverkennbar feierlichen Stimme vor einer glitzernden Ambientkulisse etwas Geliebtes beschwören und damit zugleich den Frühling mit all seinen Düften. Tiefer in der Nacht spielt die Handlung von “A Frankish Casket”, das in einer von Efeu umrankten und nach Weihrauch duftenden Szenerie, in der die Eule schreit und eine Orgel für Feierlichkeit sorgt, die Geschichte von Wieland dem Schmied und dem bleichen Gott zum neuen Leben erweckt.

Dominierten in den ersten Tracks eher leicht angefolkte Ambientklänge, setzen die für Twelve Thousand Days typischen Akustikgitarren in dem bekannten irischen Folksong “Arthur McBride” ein. Das zunächst ebenfalls mit einem erwartungsvoll spannenden Dröhnen beginnende Stück beschreibt einen angstgeplagten Fiebertraum, in welchem die beklemmende Furcht vor diffusen Gefahren Regie führt. Im Hintergrund rumort es bedrohlich, Gerumpel und Trenchs typische E-Gitarre verschlucken die Stimme fast und geben dem Song etwas zerfleddertes. “Tale from a Silver City”, das auf einem Text von John Masefield basiert, findet ebenfalls in einer somnambulen Traumrealität statt, doch die von pastoralem Gitarrenpicking und einem gelegentlichen Glöckchenanschlag begleitete Geschichte einer Heiligen Stadt hat diesmal etwas hell kristallines. Doch die vermeintlich heile Welt täuscht hier, denn auch dieser Song entpuppt sich im weiteren Verlauf als Diskurs über die Vergänglichkeit, und das ganze Leben am Ende als die Geschichte eines Reisenden in einem Traum.

Eine wahre Sinnenfeier ist “The Summer Tree”, von dessen Entwurf Bates wohl anfangs gar nicht so begeistert war, doch Trench bestand darauf diesen Song mit auf das Album zu nehmen und lud sogar den griechischen Kontrabassisten Petros Lampridis mit ins Studio. Hier riecht man geradezu den harzig-verrauchten Duft von Birkenteer, wenn man wie mit einer Drohnenkamerafahrt durch die nächtlichen Downs fährt und die von anfangs pastoralen, später energischen Akustikgitarren und dem erdenden Bass begleitete Geschichte hört, die nur wenig mehr als ein impressionistisches Stillleben ist. Der leicht experimentelle Grundton, der sich schon länger dezent andeutet, entfaltet sich vollends in dem von unerhörten Wundern kündenden “The Emerald Tablet”: dieses Stück, das auch auf ein Temple Music-Album gepasst hätte, klingt wie nach links gedreht mit seinen verdrehten Stimmen und seinen im Hintergrund tobenden Gitarren und anderen klingelnden Objekten.

Die dunkelsten Momente ereignen sich wie so oft in den Abschnitten kurz vor dem Licht am Ende des Tunnels. “Under What Scars” ist die melodisch rauschende, kratzende und dröhnende Hommage an einen verstorbenen Freund und hat trotz der einfachen, fast spröden Gitarrenarbeit etwas feierliches, das auch zu einem Weihnachtslied gepasst hätte. Dann “The Boatman”: So spannend und endzeitlich ist kein Moment dieses Albums, auch wenn sich die dunklen Motive, bei denen sich Lieblichkeit und düsteres Rauschen und Rumpeln die Hand geben, in der einen oder anderen Art durch das Album ziehen. Etwas, dass an eine Jahrmarktsorgel erinnert und schreiende Möven beenden diesen Song. Dann ist Zeit für die morgendliche Sonne und das Licht des Frühlings, für das auf einem aus Lesbos stammenden A Capella-Song basierende “As the Sun”, in dessen mediterranes Setting ganz geschickt das Kinderlied “Early One Morning” verwoben ist – und letztlich für die erwachenden “Brides of May”, die diesmal von Alans Gesang in einem idyllischen Tableau beschworen werden, dessen entspannte Euphorie durch das unaufgeräumte Instrumentenspiel genau den richtigen Grad an Tiefe erlangt und auch beim harmonischen Schluss nicht in die Falle des nur noch Schönen tappt.

“The Boatman on the Downs” ist ein Album mit doppeltem Boden: Es enthält einige Stücke, die als Ideen oder manchmal auch Entwürfe schon eine Weile in den Schubladen von Bates und Trench lagen und klingt doch vergleichsweise wie aus einem Guss. In seiner Bildlichkeit der Schwelle und des nächtlich unternommenen Transits in eine morbide Unterwelt stellt es düsteres in Aussicht, das durchaus nicht auf sich warten lässt. Trotzdem ist die frühlingshafte Sinnlichkeit ebenso greifbar. Eindeutig ist, dass es die beinahe perfekte Platte für die aktuelle Jahreszeit ist.

Label: Final Muzik

Die Vielgestaltigkeit des Resultats kam auch für Bates eher überraschend: “Turned out to feel pretty psychedelic, pretty damn folk-punky, overall. Also, to my surprise all this music, and all these melodies, they came out a lot ‘richer’, the whole thing presenting itself as quite the expressive/romantic animal throughout”. Die Diskrepanzen zwischen der inneren und der äußeren Welt sind ein wesentlichen Thema, das sich auch in den Texten der Songs niederschlägt. “Listening back, I can also see that both music & lyrics could well be said to be about the will, the actualizing of events & energies. It would seem to be all about FOCUS/fixing the picture, making good the reality: leaning to know/learning to become conversant with & learn something essential about the self”.

Auch zusammenfassend äußert er seine eigene Überraschung: “Altogether I have to say – this music is a hell of a lot gentler than I imagined it be when I was writing & recording the thing. Yes, that’s it: this is an album offering SONGS & SOUNDS of unashamedly LOW-FI, INDUSTRIAL-PSYCHEDELIC SOUNDSCAPING – with a whole other thing happening as well”. Es erscheint am 6. Januar auf CD und im Download bin Hive-Arc Recordings.

Die acht Stücke, zu denen ein beinahe a capella intonierten Intro und ein Reprise zählen, basieren auf eigens eingespielten Piano-, Orgel- und Bassparts und dem Einsatz einer hawaiianischen Gitarre und offenbaren auch in ihren monumentaleren Momenten stets Spuren des Folk, Tony Dale zog in seiner Besprechung in Ptolomaic Terrascope Vergleiche zu überwiegend weiblichen Acts der vorausgegangenen Generation: Martin Carthy, June Tabor, Anne Briggs, Shirley Collins. Weitere Spuren hinterlassen seine langjährige Gefährtin Elisabeth S., die auf zwei Stücken zusätzliche Vocals beisteuert, sein Weggefährte aus Eyeless in Gaza-Zeiten Peter Becker, der im Studio zur Hand war, sowie James Joyce, aus dessen Lyrik zitiert wird. Ganz im Zentrum allerdings steht Bates’ aufwühlend deklamatorischer Gesang, der in diesen Songs wie so oft bereits nach wenigen Versen die volle Aufmerksamkeit der Hörer auf sich zieht. Das Album ist über Bandcamp erhältlich.

Besprechungen, unterirdischster Art allerdings, gab es im deutschsprachigen Raum interessanterweise v.a. im Metalbereich, wo u.a. stand, Bates’ Gesang klänge wie jeder andere beliebige Sänger – und weitere Unbegründbarkeiten, bei denen den Experten nicht klar zu sein schien, dass sie sich auf ungewohnten Terrain befanden (bei Interesse bitte selbst recherchieren). Ab “The Devil In The Grain” war klar, dass Twelve Thousand Days kein kurzlebiges Seitenprojekt sein sollten, sondern dabei waren, sich als feste Band zu etablieren. Ihr neues Album “The Boatman on the Downs” wird in den nächsten Wochen erscheinen. 

Was zu Beginn wie ein stoisch gestimmter Vorspann heraufdämmert, ist die traditionelle schottische Murder Ballad “The Cruel Brother”, die die Geschichte eines tödlich endenden Familienzwistes erzählt – wobei sie genau genommen erst mit den Auswirkungen eines Fluchs endet. Vor einer Kulisse hypnotisierender Gitarren beschwört Bates’ strahlende Kopfstimme den grausamen Stoff als fast biblisch anmutendes Narrativ und lässt die Ornamente seines sanft exaltierten Gesangs wie die Gesten einer Pantomime ihre Akzente setzen.

Rückgriffe auf Vergangenes bilden einen zentralen Schwerpunkt des Albums, und nicht immer muss es sich dabei um Traditionals handeln. “The Fair Of St. Botolph” beschwört mit seinem galoppierenden Strumming und der von einer Winböe durch den Raum gewehten Stimme die besseren Tage der englischen Kleinstadt Boston und ihres legendären Hawk Fair. Der aufgeweckte Esprit im Zusammenhang mit der surrealen Entrücktheit gibt dem Song eine besondere Exzentrik und macht ihn zu einem Höhepunkt des Albums. Das im Duett gesungene “Taile Of A Charme” huldigt einer archaischen Volksmagie und klingt wie aus einem geheimnisvollen Fantasieland herübergeweht, und am Ende fragt man sich, ob die märchenhafte Stimmung lediglich einem Traum entsprungen sind.

Ähnliches gilt für urige, von entrückten Flöten begleitete Folksongs wie “The Hare” und natürlich für “Two Ravens”, ein schottisches, auch unter dem Titel “Twa Corbies” bekanntes Traditional, bei dem die Erkenntnis, dass des einen Tod des anderen Brot ist, in eine derbe Fabel transponiert wird. Die seltsame, “weirde” Fremdheit in solchen Songs trägt viel zum nicht-nur-schönen, z.T. avantgardistisch anmutenden Unterton von Twelve Thousand Days bei, hier findet diese sich weniger im Duett der hellen und dunklen Stimmen wieder, sondern im wahnhaft trillernden Spiel der Flöte.

Es finden sich aber auch getragenere Momente auf “The Birds Sing As Bells”, ansatzweise in dem auf Ben Jonson referierenden, ihn aber nicht zitierenden “Drink, Drink To Me, Only With Thine Eye”, in dem zaghaft um ein Glas Wasser geschmachtet wird, und nicht zuletzt in der abschließenden “Winter Suite”, in der das Land, in dem die Vögel wie Glocken singen, in einem epischen Gegenzoom in ein die Unwirklichkeit verschwindet.

Twelve Thousand Days müssen keine klar definierten Konzeptalben produzieren um ein musikalisches Statement zu setzen. Ihre Musik selbst ist Statement genug, ein vielleicht diffuses, doch wem auffällt, wie oft Begriffe wie ornamental, verweht, entrückt und andere in (nicht nur) dieser Besprechung fallen, kann sich darunter schon etwas ausreichendes vorstellen.

Label: Final Muzik

Ein solches Album ist, so will es die Redensart, keine leichte Geburt, und so beginnt “Gather Love” wie ein Donnerschlag mit dem heftigen “Misborn”, bei dem die Sängerin inmitten einer lärmenden Karambolage aus Drums, Noiserockgitarren und anderen Instrumenten beschwörende Verse anstimmt, während kleine Melodiefragmente auch hier bereits die Sanftheit ahnen lassen, die im weiteren Verlauf immer deutlicher in den Vordergrund treten wird. Alles dreht sich um den titelgebenden Begriff, und es scheint, als wollten Gesang und Lärm durch eine unsichtbare Wand dringen. Hinter der verbirgt sich vielleicht die gelöste, sehnsuchtsvolle Trauer, in die das darauffolgende “Will Your Love” getaucht ist – dieser vielleicht eingängigste Song des Albums, dessen eindringliches Gitarrenspiel und feuriger Gesang die Energie des Folkrevivals der 70er channelt, stellt die Frage nach einer Liebe, die den Tod überdauert. Alles in diesem Stück scheint dem Schmerz abgerungen und ist dabei frei von jeder lieblichen Romantik.

Die zwölf Stücke, in denen die oftmals verschwimmenden Klänge von Gitarre, Piano, Melodica, dezenter Elektronik und Streichern den Sound prägen, drehen sich immer wieder um Themen des Verlusts und des Vermissens und strahlen dabei eine große Zärtlichkeit aus, die mehr als alles andere die Wertschätzung des Verlorenen deutlich macht. Der Journalist Lee Henderson, der einiges über die persönlichen Hintergründe des Albums weiß, erwähnt den Bezug einiger der Songs auf die Familie der Sängerin. So enthält das verweht dröhnende “The Carter Girl” eine Tape-Aufnahme, die Elizabeth als Kind von ihrer Mutter, einer Opernsängerin, machte, die später an Alzheimer erkrankte. Andere Songs wie das so entrückte wie exaltierte “Weathered Life” erzählen in ihren Texten von den Herausforderungen, mit denen der Sängerin nahestehende Personen leben und kämpfen mussten.

Was die Opulenz der Stücke betrifft, die in ihrem unklaren Ort zwischen dunklen Folkballaden und abstrakteren Soundscapes immer wieder auch an Elizabeths Stammband erinnern, könnte “Gather Love” durchaus das Werk einer Band sein. Und doch bleibt stets der Eindruck einer persönlichen, autobiografischen Stimme, wie sie nur in wirklichen Soloarbeiten sprechen kann – ganz gleich, ob die Sängerin sich dabei wie in dem schleppenden, fast an No Wave erinnernden “No Rain” oder im gemächlich rauschenden “The Long Farewell” eher zurücknimmt und den Instrumenten den vorderen Platz überlässt, oder ob sie auch gesanglich wie in “The Hill” oder dem monumentalen “Measured Greed” alle Barrieren durchbricht und sich in fast wahnhafter Ekstatik Ausdruck verschafft.

Zu den gemächlicheren Stücken zählt auch das Mason Williams-Cover “Wanderlove”, bei dem mit Alan Trench (Temple Music, 12 Thousand Days u.v.a.) und Ehemann Martyn Bates auch Gäste mit Drones und begleitendem Gesang zu Wort kommen. In das sanfte Dröhnen mischt sich etwas unruhig drängendes, das sich durch die emotionale Grund-DNA des ganzen Albums zieht, eine sich heftig aufbäumende Eruption, die gleichermaßen rastlos und konzentriert, magisch und kathartisch ist. Erst im kurzen Abspann von “To” glätten sich die Wogen – wie auf der letzten, versöhnlichen Seite einer autobiografischen Erzählung. Zweifelsohne ein mehr als gelungenes Debüt. (U.S.)

Label: Klanggalerie

“YOU MIGHT SAY that all of this is my very own reading of Swift As The Wind or perhaps the pre-lapasarian worlds which Dylan Thomas inhabited – an attempt to convey what may or may not have once been seen by myself with the complete eye of innocence. Born late 1957, it’s a picture of a child’s world, maybe – that of the Post-War Baby, still so – even in the early 1960’s, with a mix of lingering austerity painlessly clashing with the bright optimism in the (still!) post-war air… it is the giant world of imagination, armed with a handful of books – glimpsed within the nascent spiritual world of the child).” (Martyn Bates)

Eingängige, pastorale Folkballaden, für die der Stil des Duos eigentlich wie geschaffen scheint, machen nur einen Teil der Tracks aus, und selbst diese liefern zuverlässig Brechungen des nur Schönen mit: Im stimmungsvoll geschrammelten “Coral” schwimmt Bates’ Gesang durch einen tiefen See und taucht in gemächlichen Intervallen an die Oberfläche, und stets herrscht der Eindruck, hier werde Unerhörtes auf besonders sanfte Weise besungen, so dass es sich durch die versteckten Hintereingänge ins Bewusstsein der Hörer schleichen kann. In manchen Tracks wie “Drakestones” zeigt sich die Stimmarbeit weniger existiert und vor allem tiefer als gewohnt, lässt dasSetting weniger “präraffaelitisch anmuten, doch es sind die abstrakt wirkenden Samples, die das Stück nicht allzu leicht runterspülen. Gerade die weniger zugänglichen Momente dieser Musik setzen einen Anker in der Erinnerung und erschaffen das, was man gerne Wiedererkennungswert nennt. Ähnlich zwiespältig im besten Sinne sind Folknummern wie das von Alan gesungene und mit einer lieblichen Spieluhr begleitete “Black Mountain Side” und das wie ein Showdown anmutende Titelstück.

Oft ist es ein mysteriöses Rumoren im Hintergrund, dass den Songs eine gewisse raue Erdung verpasst und sie so quasi zur Kenntlichkeit entstellt. Die rauschende Dröhnung unter sanften Saitenanschlägen in “Wistman’s Wood” wirkt da ähnlich wie das mysteriöse Schaben in den untersten Schichten von “Adam and the Beasts”. Das Alasdair Clayre-Cover (es wurden außerdem Vashti Bunyan und Bob Pegg von Mr. Fox interpretiert!) kommt weitaus schwermütiger daher als das beinahe kämpferische Original. Zu dem Text über die ersten Menschen, die nach ihrem Platz in der Schöpfung fragen und von den weniger harmlosen Seiten ihrer Spezies erfahren, mag beides passen. Andere Tracks wie “More” steigern sich in lupenreinen Lärm.

Ich habe den Opener, das Black Sabbath-Cover “Planet Carava”, schon deshalb nicht als erstes genannt, um den viel strapazierten Begriff Psychedelic etwas zurück zu halten, aber er bietet sich natürlich an, und das Stück ist gleich eines der Highlights von “Field’s End”: Das gemächliche Tempo des entspannt ethnolastigen Originals beibehaltend wurde, sicher z.T. durch die hauchdünn hämmernden Takte, ein drängendes Moment hinzu gebracht, dass die im Text angedeutete Reise zu einem weitaus dringlicheren Unterfangen macht. Eine mehrstündige Version, wie sie ein passionierter Fan vom Original erstellte, wäre hier eine echte Herausforderung, und genau die stellt “Field’s End” auch im Ganzen dar, so sanft seine Klänge, mit denen es sich einschmeichelt, auf den ersten Blick auch sind. (U.S.)

Label: Final Muzik

Wie man es von früheren Aufnahmen her kennt, wechseln sich schmissige, fast frohsinnige Folksongs ab mit verträumt melancholischen Klageliedern und geheimnisvollen ambienten Soundscapes, und zusammen mit Bates’ unverkennbarer Stimme, die so klar und jugendlich wie eh und je klingt, kreiert die Musik ein verzaubertes Setting, das an ein langsam vor dem Auge verschwimmendes Jugenstilgemälde erinnert.

„Death Went Fishing“ und „Invoce Hecate“ zählen zu den eingängigen Folkstücken, die mit feurigem Geschrammel und ekstatischen Rasseln nach vorn galoppieren – mystische oder makabre Töne schleichen sich über sanft gesungene Textzeilen in die Szenerie und bilden mit der harmonischen Musik eine heikle Mischung, und schon mit den allerorts spürbaren heidnischen Untertönen sind die Stücke vor jedem Indie- und Pop-Appeal gefeit. Impressionistische Tableaus wie „Mad as the Mist“, dessen anfangs noch ziellos umhertastendes Gitarrenspiel sich erst nach und nach zu einem anmutigen Stimmungsbild zusammensetzt, bilden einen Gegenpol dazu, ebenfalls das aus einer balladesken Märchenwelt herübergewehte „Old Ladies as Birds“ und das mit Knacken und Knistern leicht verfremdete Zwischenspiel „Night Harmonium“ – beide Stücke gewinnen noch an Charisma durch Alans berührendes Flötenspiel.

In einigen dieser Tracks sind aber auch räudige Psych Rock-Elemente zuhören, die der Musik eine Kantigkeit verleihen, die in den klassischen Zeiten des englischen Folk nichts ungewöhnliches gewesen wären – zünftige E-Gitarrensoli und dröhnende Riffs, die die Folkmelodien, die sie spielen, gleichsam zerschreddern, als wären sie eine nationalhymne in Woodstock. Weder Eyeless in Gaza noch Orchis waren frei von solch rauen Beigaben, doch hier hat sich v.a. die Sprache jüngerer Temple Music in die Stilpalette geschlichen und gibt dem naturverbundenen Sound eine deutliche Prise Realismus.

Es gäbe einiges, das sich in den einzelnen Songs hervorheben ließ, die anrührende Melodie in „Errant Desires“, die cinematischen Verfremdungseffekte in „Red and Golden Fire“ und der melierte Orgelsound in „Descent“, der in ein verwehtes Sample des Liedes „Hail the Conquering Hero!“ (im Deutschen die Melodie von „Tochter Zion, freue dich“) übergeht, sind nur einige davon, doch alles in allem funktioniert „Insect Silence“ am besten als zusammenhängendes Werk, das mit mehrmaligem Hören immer mehr zu verzaubern weiß. (U.S.)

Label: Final Muzik