Die Kompositionen bewegen sich zwischen Marsch, Experiment und, wie es im Begleittext heiß, Motivarbeit, oft in polyphonen Strukturen mit Anklängen an das Orff-Schulwerk. Einige der ursprünglich längeren Stücke tragen Titel wie “Flammende Zeit”, “Raumstunde Vera Skoronel” oder “Kreuzzug der Maschine” und spiegeln sowohl die Ideenwelt der frühen Arbeiterbewegung als auch die technologische Aufbruchsstimmung der Zwischenkriegszeit wider.  Für Kubin war von Beginn an klar, dass seine Musik “rhythmisch fesselnd, abstrakt und mechanisch” sein müsse. Zugleich zielt das Album ihm zufolge nicht auf Rekonstruktion, sondern auf eine heutige Auseinandersetzung mit der Frage, was kollektive Bewegung im politischen wie im körperlichen Sinne heute bedeuten kann. LIGNA sprechen in diesem Zusammenhang von einem “Tanz aller Beziehungen”. Neben Felix Kubin (Komposition, Mix) sind Jonathan Shapiro (Perkussion), Martin Posegga (Blasinstrumente) und Christiane Meyer-Rogge-Turner (Stimme) an den Aufnahmen beteiligt. Das beiliegende Booklet enthält historische Dokumente, kinetische Zeichnungen aus dem Umfeld von Laban sowie begleitende Texte von Ole Frahm.

Die fünf Tracks, die aus zahlreichen Live-Aufnahmen gefiltert und von dem Warschauer Soundingenieur Jan Wroński neu abgemischt wurden, transportieren die rohe Energie und das improvisierte Chaos ihrer Konzerte. Beim Label heißt es: “Die Ausdruckskraft dieser Aufnahmen zeigt sich nicht nur in ihrer ungebändigten Live-Energie, die sich kaum im Studio reproduzieren lässt, sondern auch in einer musikalischen Nervosität, die sich von der aktuellen Wellness-Folklore der Modular-Community abhebt. Die Stücke sammeln in ihrer DNA das paranoide Plasma kultureller Unruhe, Chaos und Umbruch”.

Unter den Tracks befinden sich Laut Label polyrhythmische Zuckungen, Gameboy Punk-Momente, markante realdystopische Gesangsparts, atmosphärische Soundtracks und Referenzen an den Sci-Fi-Klassiker The Andromeda Strain im Titelstück, das, wie es heißt, “die steigende Panik einer Forschungsgruppe schildert, die gegen einen versehentlich ausgelösten Selbstzerstörungsmechanismus kämpft”. Das Release erscheint mit Artwork von Macio Moretti auf Vinyl und zum Download.

Fotos © Pedro Maia

Die in Hamburg ansässige Organisation Afghan Women’s Association hat es sich zur Aufgabe gemacht, über all diese Probleme nicht nur aufzuklären, sondern ihnen v.a. im Bereich der Bildung entgegenzutreten und Homeschooling, Online-Unterricht und einiges mehr für Mädchen aktiv zu fördern. Jüngst ist in Zusammenarbeit mit der Musikplattform Underground Institute, die auch als Label fungiert, die vorliegende Compilation entstanden, auf der 25 Acts (bzw mehr, wenn man in Betracht zieht, dass es sich zum Teil um Kollaborationen handelt) in anderthalb Stunden ihren Teil zum Fundraising beitragen. Das Gros der Musik kommt aus experimentelleren Richtungen, doch mit Beitragenden wie Xiu Xiu, Julia Kent, Felix Kubin und Gudrun Gut sind auch einige bekannte Namen dabei, deren Reichweite den Rahmen avantgardistischer Nischen sprengen.

Um mit einer Compilation Aufmerksamkeit und Einnahmen aufzutreiben, muss man dem anvisierten Publikum natürlich etwas bieten, und wenn man Kriterien wie Qualität, Innovation und Variationsbreite Rechnung tragen will, ist Underground Institute definitiv keine schlechte Adresse. Vor allem beim Punkt Vielseitigkeit beeindruckt die Auswahl, auch wenn sich ein gewisser Avantgarde-Faktor wie eine Klammer um die vertretenden Beiträge legt. Einen Teil dieser kann man unter dem Rahmen atmosphärischer Soundscapes fassen, ein Beispiel dafür ist das berührende Cellostück “Clouds Light the Night” von Julia Kent. Kommen zunächst dunkel wirkende Wolken auf einen zu und umhüllen einen immer mehr und schaben und kratzen an allem was sie berühren, so verströmen sie doch auch etwas warmes, beruhigendes. Irgendwann jedoch bemerkt man, wie sehr sich helles Licht über die hohen Cellosaiten im Raum verbreitet. Was die Wolken angeht hatte ich ein kleines DejaVu beim Beitrag von Laure Boer, deren kurzes Stück die Soundwellen wie Wolken vorbeiziehen lässt und zwischendrin Klänge anklingen lässt, die an eine elektrifizierte Doppelblattflöte erinnern. Ähnlich soundscapig der Beitrag von DJ Flugvel Og Geimskip, der an eine kindliche, leicht asiatisch klingende Spieluhr erinnert. Hektischer geben sich die gebrochenen Rhythmen von Phtalo, oder die von einem fließenden Takt getragene Klanglandschaft von Ka Baird, ganz schön monströs das tremolierende Vokalstück von Audrey Chen und Mary Ocher und der verzerrte (und gleichzeitig melodische) Flüsternoise von Meira Asher und Uri Frost. “My Own Pace” von Eve Maret überblendet zwei Gangarten zu einem Ambienttrack der schnelleren Art.

Viele der vertreteren Acts arbeiten mit dem Medium Text und steuern rezitative oder hörspielartige Tracks bei. Auch hier wirken Sprache und Stimme bisweilen wie ein weiterer Teil des Soundmosaiks (z.B. bei der vielschichtigen Überblendung von Elektronik, Polizesirenen, Rap und einem ausgedienten US-Prädidenten), was im fisseligen Mouse of Mars-Remix von Ya Tosiba natürlich auch an der dem Rezensenten nicht vertrauten Sprache liegen kann. Bei einigen Stücken ist ein Bezug zum Thema des Samplers gegeben, wie im kämpferischen “Hypnotizing Powerful People” von No Bra oder der provokanten “Feier” betont nicht-afghanischer Luxusprobleme bei The Mad Express. Bei anderen könnte man den Bezug vielleicht an den Haaren herbeiziehen (z.B. Felix Kubins electroclashig untermalte Interpretation von Kant, Locke und Freud).

Im Verlauf der Sammlung häufen sich mit der Zeit songorientierte Beiträge, unter denen einige mitreisende Ohrwürmer sind, so “The Lighthouse” von Ana da Silva, die mit ihrem fulminanten Popsopran eine spannende Geschichte erzählt. Von ähnlich sanfter Eingängigkeit ist “Incantation” von Nina Hines. Ungleich psychedelischer und zugleich in der Nähe eines Girlie Pop aus der Mitte des 20 Jahrhunderts ist der Song von Rita Braga, während Manu Louis’ Beitrag wie eine Rockballade mit atmosphärischen Gitarrengeschrammel und energischem französischen Gesang daherkommt. Der vielleicht am meisten zum Mitsingen animierende Song ist der wehmütige und zugleich ein bisschen euphorische Polka-Chanson “Goodbye my Dictator” von Michelle Gurewich. Während Les Trucs mit ihrem dadaistischen Elektropop ein Stück über den Alltag von Klaviertransportern zum Besten geben und M Lamar sein Falsett über eine stimmungsvolle Pianospur schickt, liefert Gloria de Oliveira einen ambient grundierten, beinahe gehauchten Wavesong ab, der auf sanften Schritten daherkommt. Xiu Xiu überraschen mit einem semiakustischen Stück mit gemischtem Gesang, der nostalgische Erinnerungen an Echo and the Bunnymen aufkommen lässt. Gudrun Guts treibendes “Baby I Can Drive My Car” ist natürlich doppelt referenziell und nimmt mit Groove und rauer Stimme ironisch Bezug auf die aufoktroyierte Unselbständigkeit von Frauen selbst im Straßenverkehr.

Fast etwas schade ist es, dass nicht mehr Musiker aus der Region um Afghanistan vertreten sind – im Land selbst ist es nun schwierig überhaupt populäre Musik zu veröffentlichen. Aus dem arabischen Raum stammt die Combo El Khat, deren mitreißend stimmungsvolles “La sama” wie ein psychedelischer Marionettenanz mit Blechgeklapper und leidenschaftlichem arabischen Gesang anmutet. Das ganze hat einen Hauch vom Surfrock eines Link Wray, aber eben durch den kulturellen Fleischwolf einer ganz anderen Musiktradition gedreht. Ein besonderer Stargast ist die konsequent verschleierte Burka Band, über deren Mitglieder, die tatsächlich weiblich sind und aus Afghanistan stammen, immer wieder spekuliert wurde. Ihr Song “I care for you” ist groovige Psychedelia in girly style, aber dies ist nur das Vehikel für einen ernsthaften Text der die Unsichtbarkeit afghanischer Frauen, die wohl durch nichts mehr als durch die Burka symbolisiert wird.

Dass es sich bei der aufwendigen Zusammenstellung und der großen Bandbreite der Beiträge letztlich um einen kleinen Baustein im wahrscheinlich noch lange unfertigen Gebäude der Rechte afghanischer Frauen handelt, sollte niemanden einschüchtern und zur Resignation verleiten, denn jender Schritt ist besser als keiner – v.a. wenn man bedenkt, wie sehr das Thema zuletzt wieder im Sumpf des medialen Allerlei versunken ist. Und allen die sich gerne polarisieren lassen sei gesagt, dass man auch bei aller zum Teil berechtigten Kritik an Aspekten westlicher Afghanistanpolitik die Augen vor der beschriebenen Situation nicht verschließen muss. Dass die Compilation aber sowieso nichts für Klischeedenker ist, zeigt schon die bei aller Stimmigkeit doch äußerst vielgestaltige Musikauswahl.

Label: Underground Institute

Die Hematic Sunsets-LP ist voller kurioser und zum Teil natürlich durchaus „catchy“ Tracks: Da gibt es die skurril-zerhäckselte Stimme auf „Zum Geleit“, das in TOPY-Diktion betitelte „Thee Church Ov Aroma“ mit seltsamen Stimmen und unheinlichen Flächen, das fast schon zu düster für dieses Album ist. Auf „Ungesungene Tanzrückstände“ hört man monotone hochrfrequente Loops. Es gibt das großartig betitelte „Stuhlwasser“ mit Billigorgel oder die seltsamen Kirmesstimmen bei „Der im Keller“. „Liebelei“ mit cheesy Streichern und Gesang hätte den einen oder anderen Partykeller in den 70ern beschallen können. Auf „Schrittbinder“ hört man kuriose Schellen, „Fiasko“ wäre in einem Paralleluniversum vielleicht ein Soundtrack zu einer Krimiserie gewesen, zu einer Zeit, als es nur zwei Fernsehprogramme gab. Interessanterweise hätte man ein Stück wie „Dem Morgen graut“ durchaus auch auf einer reinen Tietchens-Veröffentlichung der letzten Jahre finden können. Das lapidar betitelte „Das war’s dann“ schließt die erste LP ab.

Chestnut Ameis eröffnet das zweite Album mit der seltsamen Kirmesmusik von „Speckpumpe“. Otto Bekkers lässt den Hörenden bei „Peyote-Melodie“ zu Bontempiorgel schunkeln, Unknown Singing Objects, die bisher ein paar Singles veröffentlicht haben, steuern eine seltsame Ballade voll “Blut” und “Knochenmark” bei. Auf “Phantomschmerz” ist Felix Kubin mit Retroscifi Lounge zu hören. Sehr schön ist “Martellato” des 2013 verstorbenen Heinz Funk. Jetztmann „endet lo-fi mit dementen Vocals.

Im beiliegenden Blatt wird die Geschichte des Aroma Clubs augenzwinkernd dargelegt. Höhepunke waren etwa „Mikadotanz-Abende“, „Kriechkeller-Parties“ und „Hodenbaden unter der fachkundigen Observanz von Dr. Kurt Euler“ – ob die Liedertafel Margot Honecker dabei Lieder schmetterte, bleibt unerwähnt. (MG)

Label: Auf Abwegen

 

Auf der ersten Seite befinden sich acht bisher unveröffentliche Stücke von Euler-Donnersperg, bei denen sich das Ausgangsmaterial, was bearbeitet wurde, nur erahnen lässt: „Krebs im Schlafrock“ beginnt mit einem ratterndem Loop, man hört zerhäckselte Stimmen.  Einem Teil der Stücke haftet etwas Fragementiertes an. So auch bei „Kleiner Irrtum“ mit den hektischen Wassersounds, flirrenden Tönen und dann so etwas, das sich wie ein Echolot anhört. Auf „Mit geknickten Dichterschwingen“ hört man einen Loop, der an Jahrmarktsmusik erinnert, auf „Ein letzter großer Seher“ muss man zwischenzeitlich an Vogelkreischen denken. Die drei dann folgenden Stücke nehmen das Hektisch-Fragentierte zurück: „Verlangen, den Regenbogen zu fangen“ ist von ruhigen, kristallinen, flächigen Sounds durchzogen, die teilweise an ein Theremin denken lassen. Auf „Verknausertes Korn“ dröhnt und knistert es. Bei „Angenehm müde“ meint man das  Ticken eines Metronoms zu hören, am Ende scheint eine bearbeitete Stimme aufzutauchen.

Kubins Beitrag ist ein langes Stück, das als neuer Soundtrack für den 1924 entstandenen Stummfilm “Entr’acte” von René Clair konzipiert ist. Bei dem Film wirkten damals Erik Satie, Francis Picabia und Marcel Duchamp mit und gerade durch Clairs Einsatz von Effekten wie Zeitlupe und Überblendungen (ein Gesicht starrt einen aus dem Wasser an, ein Papierboot durchpflügt die Dächer von Paris) erzeugt Clair eine durchaus kurios-absurde Atmosphäre  (Puppen verlieren ihre Köpfe, der Rock einer Tänzerin scheint eine Blume zu sein, ein Zauberer entsteigt einem Sarg). Der Track beginnt mit kuriosen Knarzen, Brummen, Loops, Fiepen, am Ende meint man ein Sample aus Coils “Things Happen” zu hören – in Passagen ist das durchaus nicht so weit entfernt von manchen Arbeiten Steven Stapletons und von der Stimmung und Herangehensweise ist das ein mehr als passender Soundtrack zu “Entr’acte”. (MG)

Label: 90% Wasser

Tellavision spielt eine Art von Pop, wie man ihn mit einem etwas anderen Sound schon in den frühen Nullerjahren hätte gebrauchen können, bevor die neue deutsche Schmollmundfraktion in den Ikeamöbelsound für Zweiraumappartments gekippt ist, und könnte außerdem als ein Hamburger Pendant zu Genre-Verächtern wie Fatima al Quadiri oder Future Brown in die Annalen von was auch immer eingehen. Was gleich zu Beginn auffällt, ist ihr Faible für plastische Sounds, die mit vielen dub-typischen Leerräumen arbeiten und auch in den verzerrt noisigen oder basslastig dröhnenden Passagen nichts von ihrer bildhauerischen Qualität verlieren.

Ihre ausgesprochen schöne Stimme nach Art eines klassischen Pop-Sopran, der stellenweise auch zu amerikanischem Girlie-Pop gepasst hätte, die es aber auch in MC-Variante gibt, wirkt dem gegenüber zunächst recht gegensätzlich, doch mit der Zeit verschmilzt das immer mehr miteinander. An dem genervten Stöhnen, in das ihr Gesang fast leitmotivisch an wiederkehrenden Stellen kippt, und bei dem man nicht immer genau weiß, ob sie das mit der Stimme oder mittels digitaler Tempo-Spielereien macht, liegt das sicher nicht allein. Die meisten Songs sind in einem soliden, aber stets auf stylischen Rhythmen dahintrabendem Midtempo gestrickt, und was Tellavision von den oben genannten Acts unterschiedet, ist ihr Hang zu gewollt simplen, nur leicht angeschliffenen Arrangements.

Manche Stücke wie „Hypocritiques“ sind von einer fast skelettierten Klanggestalt, bei anderen wie „Libido da Ooze“ steht ein fast urig-warmer Sound im Vordergrund, mein persönlicher Anspieltipp wäre „Hide and Look“, bei dem sie wie durch einen gallertartigen Film ihre schmachtvollen Popzitate in ein bluesiges Szenario hineinsingt. Die beiden Vorgängeralben sind mir bisher entgangen, aber „The Third Eye“ ist in jedem Fall eine gute Einstiegsplatte für alle, die keine Aversion gegen einen derart liebevoll-respektlosen Umgang mit Genre-Versatzstücken haben. (U.S.)

Label: Karlrecords

Laurent Perrier, der nur zufällig wie eine berühmte Champagnermarke heißt, ist seit seinen Anfangstagen ein begeisterter Kollaborateur, hat solo, unter Pseudonymen und im Bandkontext immer wieder das Einverleiben von Fremdmaterial praktiziert. In seiner gerade begonnenen „Plateforme“-Reihe macht er dies zum Programm. Das Konzept ist so konsequent wie simpel: Perrier fragt jeweils drei Musiker, ihm eigenes Rohmaterial zu schicken, das er durch eine Vielzahl an Umformungen zu drei fertigen Stücken Elektroakustik vollendet. Der Unterschied zum Remix ist dabei weniger technischer Natur als eine Frage des Status der jeweiligen Bearbeitungsstufen, denn hier ist das sekundäre Medium das eigentliche Werk, während das nie veröffentlichte „Original“ wie die unterste Schicht eines Palimpsestes nur noch vage erkennbar ist und Anlass zum Spekulieren gibt. Wie um diese liebevoll anmaßende Haltung gegegenüber den Urhebern zu unterstreichen, werden die Kollaborateure auf den Status von Tracktiteln reduziert. Liebevoll ist das Ganze schon deshalb, weil es fraglos auch Züge einer Hommage hat.

Ergebnisoffenen war das Anliegen beim ersten Teil schon insofern, dass die drei Mitwirkenden – Felix Kubin, Lawrence English und Gianluca Becuzzi – sich nicht nur untereinander stark unterscheiden, sondern auch selbst auf ein jeweils sehr heterogenes Werk zurückblicken. Für Felix Kubin und Gianluca Becuzzi gilt, dass beide über die Jahre sowohl im Soundart- und Multimedia-Bereich als auch im Wave und seinen sperrigeren Spielarten aktiv waren. An manchen Stellen des ersten Stücks meint man, die leicht dadaistischen SciFi-Züge zu erahnen, die man v.a. mit Kubins Frühwerk(en) assoziiert. Was sich in jedem Fall den Weg ins Resultat bahnen konnte, ist seine Vorliebe für Analoges und seinen weiten, für allerlei Unberechenbarkeiten offenen Horizont. In den mal montierten, mal durchmischten Geräuschfragmenten steckt eine Bandbreite, die für einige Ambient- und Noisestücke gereicht hätte. In den unruhigen Mikrokosmos des von Perrier bearbeiteten Materials gibt es kaum Wegweiser, und doch stellt sich nie das Gefühl ein, einem reinen Klangpanorama zuzuhören.

Gianluca Becuzzi, bekannt durch seine Post Punk-Arbeiten mit Limbo und Noise Trade Company, steuert das atmosphärisch düsterste Material bei – ambiente Klangsequenzen, durchsetzt mit (Perriers?) Spiel mit Feedback. Aus den Hochfrequenzen kristallisiert sich mit der Zeit ein Klingeln und Bimmeln heraus, das sich immer mehr verdichtet und der Brachialität des ersten Stückes eine ebenso kraftvolle Konzentriertheit entgegensetzt. Das nach Lawrence English benannte Stück hält die introvertiertesten Momente bereit. Mehrere Drone-Schichten liegen nie ganz passgenau übereinander, generieren an den Schnittstellen knisternde Soundpartikel und Zufallsperkussionen.

Wer am Ende das Perrier’sche Minimum sucht, findet es am ehesten in seiner Kunst, etwas Wesentliches aus dem Material herauszuholen, ohne sich selbst zu sehr in den Vordergrund zu drängen, und so gilt selbst in diesen Dekonstruktionen noch das Blake’sche Teufelsdiktum: „Die erhabenste Tat ist es, einen anderen vor sich zu setzen“. Man darf gespannt sein, wie er das beim nächsten Teil mit Francisco Lopez und anderen machen wird. (U.S.)

Label: Bascaru