France de Griessen ist eine Künstlerin, die ihre Arbeit nicht als Berufung im klassischen Sinn versteht, sondern als etwas, das von Anfang an da war – versteckt in den Nischen dessen, das man gemeinhin Persönlichkeit nennt und wartend auf den Moment des Durchbruchs und der Entfaltung. Auch im Titel ihres neuen Albums, das Anlass zu einem ausführlichen Gespräch gab, klingt dieses Durchbrechen und Lospreschen an, in den von Stimme, Gitarre und sorgsam eingesetzten weiteren Klangquellen geprägten Strukturen offenbart sich dies in den unterschiedlichsten Zusammenhängen. In unserem Interview spricht sie weniger über Karriere oder Strategien als über Haltungen meditativer Präsenz und innere Notwendigkeiten, und in der Erwähnung anderer Musikerinnen und Musiker ist eine große Wertschätzung zu spüren. Früh geprägt von Figuren wie Sarah Bernhardt und fasziniert von der Möglichkeit, viele Leben zugleich zu denken, begreift sie künstlerische Praxis als Offenheit gegenüber Verwandlung und Ambivalenz. Musik erscheint ihr dabei nicht primär als Form der Mitteilung, sondern als Ritual, als Beschwörung, als ein Moment intensiver Präsenz. Immer wieder kommen Motive von Mehrdeutigkeit, aber auch von Zärtlichkeit und Widerstand zur Sprache. 

English Version

Da es in deutschsprachigen Ländern noch nicht viel über dich zu lesen gibt (wir arbeiten daran, das zu ändern), würdest du unseren Lesern ein paar Dinge über dich, deine Arbeit und deine Anfänge als multidisziplinärer Künstler erzählen? Gab es frühe Einflüsse, die deine künstlerische Motivation geweckt haben?

Danke!
Ich habe nie bewusst entschieden, Künstlerin zu werden. Schon in meiner Kindheit war mir klar, dass es meine Natur und mein Weg ist. Mit fünf oder sechs Jahren sah ich ein Buch, das mein Leben veränderte: Sarah Bernhardt, fotografiert von Nadar. Die Fotos zeigten sie in aufwendigen Bühnenkostümen. Sie war mal Frau, mal Mann, jung, alt oder irgendetwas dazwischen – es war ihr egal, ob die Rolle für eine Jungfrau, einen jungen Mann, einen Alten oder eine Femme Fatale geschrieben war: Wenn sie Hamlet spielen wollte, war das für sie irrelevant. Mir schien, als führe sie so viele verschiedene Leben in sich. Die wunderbare Tilda Swinton erinnert mich sehr an sie. Wenn es um Kreativität geht, frage ich mich nicht: „Kann ich das?“, sondern: „Wie kann ich das mit dem, was ich bin und was ich lernen kann, umsetzen?“

Du hast gerade dein viertes Album „Dawn Breakers“ veröffentlicht. Der Titel weckt poetische Assoziationen von Wandel und Transformation. Wann wusstest du, dass dieser Titel den Kern des Albums perfekt einfängt?

Als ich ihn sah! „Dawn Breakers“ stand auf dem Etikett eines Vintage-Shirts. Es war der perfekte Titel, nach dem ich gesucht hatte, um auszudrücken, worum es in diesem Album geht. Liebe zum Detail und Offenheit für das, was sie uns offenbaren können, gehören zum Künstlerdasein. Mein Motto lautet: „Lass ein bisschen Raum für Magie.“

Viele der Lieder wirken klanglich reduziert: Gitarre, Gesang, einige wenige andere Instrumente sparsam eingesetzt. Was ermöglicht dir diese formale Schlichtheit, das in opulenteren Arrangements verloren gegangen wäre?

Manchmal ist mehr mehr, manchmal weniger. Ich hatte das Bedürfnis, mich so auszudrücken, meine Seele in traumhafter Weise zu offenbaren. Die Lyrics und die Atmosphäre von Depeche Modes „Stripped“ haben mich schon immer inspiriert. Für mich verkörpern sie die Verbindung zwischen Nacktheit und Erotik, die über jedes Musikgenre hinausgeht.
Ich spiele Gitarre, weil man sie, wie Eric Clapton sagte, „wie einen Begleiter überallhin mitnehmen kann (…) sie ist zugleich ursprünglich und raffiniert“.

Du hast das Album mit einer Handvoll anderer Musiker aufgenommen. Kannst du diese kurz vorstellen und uns ein paar Dinge über eure Zusammenarbeit erzählen?

Nicht nur eine Handvoll. 
Da wären zum einen Cannonball Statman, der aus der New Yorker Antifolk-Szene stammt und weithin als „König des modernen Antifolk“ bezeichnet wird, obwohl seine Musik nicht ausschließlich diesem Genre zuzuordnen ist. Wir waren zusammen auf Tourn, und er lud mich ein, auf seinem Album zu singen und Instrumente zu spielen. Ein paar Monate später tat ich dasselbe. Es war eine sehr bereichernde Erfahrung. Musik ist künstlerische Harmonie und menschliche Verbindung. Lachen, Spaß haben und auch mal albern sein – besonders bei emotionaler Musik, die viel Konzentration erfordert – ist unerlässlich. Zum anderen ist da Nicolas Laureau (Prohibition, NLF3, R/A/D, Shane Aspegren / Nicolas Laureau / Jérôme Lorichon / Quentin Rollet Quartet, Don Nino…), der auf „High Strung Master“ Schlagzeug spielte. Prohibited Records wurde 1995 von Nicolas und seinem Bruder Fabrice Laureau gegründet. Ich fühle mich unglaublich geehrt und gesegnet, so großartige Künstler an Bord zu haben! Wir teilen viele Ideen, wenn es um Musik, Schönheit und die Schaffung bedeutungsvoller Kunst geht. Cannonball Statman ist auch Filmemacher und Dichter, Nicolas malt, dreht Videos und arbeitet viel als Grafikdesigner für Prohibited Records. Beide verstehen also einen interdisziplinären Ansatz und Lebensstil.
Ich möchte natürlich auch über Ben Scott Turner sprechen, der das Album in den Axe & Trap Studios aufgenommen und produziert hat. Ich habe ihn durch Cannonball kennengelernt, als er mich einlud, auf seinem Album zu singen und Instrumente zu spielen. Mir war sofort klar, dass er der Richtige für die Zusammenarbeit war – sowohl was sein Können und Talent als auch seine musikalischen Referenzen und seine Persönlichkeit angeht. Ich sage immer, er ist der englische Rick Rubin, denn er hat etwas an sich, das es ermöglicht, das Beste aus der eigenen Kreativität herauszuholen! Außerdem blühe ich in angespannten oder wettbewerbsorientierten Atmosphären nicht auf, und davon gab es hier nichts. Dadurch konnten wir viel erreichen und großartige Erinnerungen sammeln.

Du beschreibst deine Arbeit als eine Form von Ritual oder Beschwörung. Wo beginnt für dich der Übergang vom Gesang zur „magischen Formel“?

Ich zitiere Leonora Carrington: „Ich habe mich stets geweigert, diese wunderbare, geheimnisvolle Kraft in mir aufzugeben, die sich manifestiert, wenn ich in harmonischer Verbindung mit einem anderen inspirierten Wesen stehe.“ Musik ist meine Verbindung zu dieser geheimnisvollen Kraft und zu anderen inspirierten Wesen.

Die Aufnahmen entstanden in Somerset, England, in ländlicher Umgebung. Glaubst du, dass dieser Ort einen konkreten Einfluss auf die Lieder hatte, oder wirkte er sich eher subtil auf dein innere Verfassung während des Schreibens und Aufnehmens aus?

Ich habe die Lieder nicht in Somerset geschrieben. Die Aufnahmen dort hatten aber definitiv einen sehr positiven Einfluss. Ich fühlte mich emotional und körperlich stabil, was wunderbar war, da ich damit in meinem Leben oft zu kämpfen hatte. Es ist ein wunderschöner, bezaubernder Ort. Dort gibt es außerdem unglaublich knackige, saftige Äpfel und leckere Erdbeeren, die ich sehr genossen habe. Und viele vegane Restaurants, kleine Antiquitätenläden und lokale Geschäfte. Und die Natur ist natürlich atemberaubend!

Stimmen, Geister und innere Dialoge tauchen häufig in Ihren Texten auf, beispielsweise im Lied „July“. Wie unterscheiden Sie zwischen Fantasie, Erinnerung und etwas, das sich eher wie eine Botschaft aus einer transzendenten Welt anfühlt?

Das gelingt mir nicht immer sofort. Ich muss Worte und Situationen sich entwickeln lassen, um es zu verstehen. Manchmal ist das Dazwischen sehr schmerzhaft, als wäre ich für immer in der Dunkelheit gefangen. Ich handle und entscheide sehr instinktiv, oft jenseits der Logik und kann sie nicht durch diese Brille erklären. Manchmal dauert es eine Weile, bis sie Sinn ergeben, bis sie zu einer neuen, greifbaren Realität werden.

Manche Lieder wirken auf den ersten Blick sanft und besinnlich, und ich würde sagen, das ist definitiv ein wesentlicher Aspekt deiner Musik. Doch schnell merkt man, dass da auch etwas Drängendes, Kämpferisches, manchmal vielleicht sogar Dramatisches mitschwingt. Das zeigt sich besonders deutlich im Opener „Punch Me“, und ich denke da auch an die trotzige Kampfeslust in „You Can Keep“ oder die eindringliche und hypnotische Stimmung in „Where Have You Been, My Friend?“, trotz des Inhalts. Sind solche Ambivalenzen beabsichtigt, und wenn ja, was macht ihren besonderen Reiz für dich aus?

Ich bin tatsächlich sehr von Mehrdeutigkeit fasziniert. Von Zuständen, Gefühlen und Emotionen, die sich mit Worten allein weder beschreiben noch erklären lassen, oder die widersprüchlich erscheinen, obwohl sie in Wirklichkeit miteinander verwoben sind. Von Zärtlichkeit und Gewalt, von der Komplexität der Bindungen zwischen Lebewesen. Donovan sagt, seine Musik verkörpere das Konzept der „hoffnungsvollen Melancholie“. Er ist einer meiner Lieblingskünstler, und das berührt mich zutiefst.

Siehst kreative Tätigkeit auch als einen Akt der Selbstbehauptung (im nicht-egozentrischen Sinne) an, und falls ja, sind die im Zusammenhang mit dem Album erwähnten Einflüsse des Punk, die eine der Inspirationsquellen darstellen, auch eine Art Ventil für die Umsetzung dieser Ermächtigung?

So habe ich das noch nie betrachtet! Was ich sagen kann, ist, dass die Punkkultur großartige Ideen der Selbstakzeptanz und Selbstliebe für diejenigen mit sich brachte, die sich damit identifizieren: Mach die Dinge auf deine Art, mit dem, was du hast, und während du alle Schichten abstreifst, die nicht wirklich zu dir gehören, wirst du etwas erschaffen, das nur du erschaffen kannst.

Die Liner Notes des neuen Albums erwähnen eine Art Hyperpräsenz als Quelle des Lichts und des Ausdrucks. Wie würdest du diesen Zustand beschreiben und wie erreichst du ihn im Idealfall, z. B. beim Songwriting, im Studio oder auf der Bühne?

Es bedeutet, ganz im gegenwärtigen Moment präsent zu sein, verbunden mit sich selbst, der Umgebung und anderen. Es ist viel mehr als nur „Flow“. Es ist ein Zustand, den man aktiv und bewusst herbeiführen muss. Er hängt jedoch nicht allein von einem selbst ab. Umgebung, Umstände, das Leben … alles spielt eine Rolle. Ich glaube fest daran, dass sich unsere Welt mit unseren Perspektiven verändert, doch niemand ist allmächtig!

Du scheinst nicht zu den Künstlern zu gehören, die jedes Jahr ein neues Album und zwischendurch ein paar kleinere Veröffentlichungen herausbringen; stattdessen lässt du meist einige Jahre zwischen den Veröffentlichungen verstreichen. Genießt du diese gewisse Distanz zu deinen früheren Werken, eine Art Tabula-rasa-Situation, die es deiner Kunst ermöglicht, neu aufzublühen?

Es ist nicht beabsichtigt. Wenn ich könnte, würde ich mehr und öfter Musik veröffentlichen. Kunst bedeutet für mich, Emotionen zu transzendieren und basiert daher sowohl auf dem Leben als auch auf der Fantasie. Es geht nicht um Abgabetermine, sondern darum, was man zu sagen hat.

Das Cover-Artwork deines Albums „Saint Sebastien“ ist auf Discogs nicht verfügbar, zumindest nicht in unserem Land. Kannst du uns die Geschichte dahinter erzählen?

Das Cover von „Saint Sebastien“ ist eine wunderschöne, aussagekräftige Fotografie des französischen Fotografen Richard Dumas. „Saint Sebastien“ ist eine Sammlung von Liedern, inspiriert von meiner Leidenschaft für Giallo – ein italienisches Thriller-Genre, das Mitte der 1960er-Jahre entstand und Spannung, Horror und Erotik vereint – und von Sinnlichkeit als Mittel zur Überwindung von Schmerz. Daher auch der Albumtitel: Saint-Sebastien, halbnackt, ist an mehreren Stellen verwundet. Er strahlt eine erotische Kraft und eine magnetische Aura aus. Er ist verwundet, aber nicht machtlos. Als Richard mich fotografierte, erinnere ich mich, dass ich atmete, als ich spürte, wie das richtige Bild einfach „passierte“. Ein kleiner Teil meiner Brustwarze war auf dem Foto zu sehen. Es war genau der Ausdruck dessen. Richard ist Künstler, und ich sah dieses Bild als ein kraftvolles künstlerisches Statement. Mir kam nicht eine Sekunde in den Sinn, dass es online zensiert werden würde. Aber genau das ist passiert. In dieser unglaublich sexistischen Online-Welt ist es in Ordnung, Grausamkeit, Gewalt, Hass und männliche Brustwarzen darzustellen … aber weibliche Brustwarzen sind in der Kunstfotografie tabu. Die Welt braucht dringend mehr Liebe, und Kunst ist eine Form der Liebe.

Deine Referenzen reichen von Johnny Thunders bis Nico und, wie bereits erwähnt, Punk, von romantischer Lyrik bis zum klassischen italienischen Autorenkino. Wie fließen diese Inspirationen in deine eigene Bildsprache ein?

Wir sind ein Flickenteppich aus all dem, was wir lieben, nicht wahr? Wenn ich mir alles ansehe, womit ich mich verbunden fühle, weisen diese Dinge immer eines oder mehrere dieser Merkmale auf: Geheimnis, Zärtlichkeit, Erotik, Romantik, magischer Realismus – Kunst, die eine realistische Weltsicht präsentiert und gleichzeitig magische Elemente einfließen lässt und die Grenzen verwischt –, Spiritualität, Gewalt, Schönheit und Liebe. Alles, was die Fantasie anregt, kann poetisch sein. Ich finde auch in allem, was ich liebe, eine zeitlose Qualität, die nichts mit Trends zu tun hat. Ich interessiere mich nicht dafür. Das zu tun, was alle anderen tun, ist langweilig.

Vor nicht allzu langer Zeit hast du zusammen mit Pacôme Genty eine berührende Coverversion von John Prines „All the Best“ aufgenommen. Habt ihr jemals über weitere gemeinsame Projekte dieser Art nachgedacht?

Vielen Dank für eure positive Resonanz auf unser Cover!
Ich liebe es, mit anderen Künstlern zu singen, Musik zu machen und aufzunehmen. Es gibt viele, mit denen ich in Zukunft gerne zusammenarbeiten würde. Es muss aber auch künstlerisch harmonieren. Manchmal mögen beide Künstler die Musik des anderen, aber eine Zusammenarbeit funktioniert einfach nicht. Und manchmal passt es ganz natürlich und klappt sofort.

Wir waren sehr beeindruckt vom Kurzfilm zum Song „Blue Snow“. Was kann Film für dein Musik leisten, was Musik allein nicht kann?

Film ist eine Sprache, genau wie Musik. Es sind zwei unterschiedliche Sprachen, die einen bedeutungsvollen Dialog ermöglichen. Und dieser Dialog unterscheidet sich von Musik oder Film allein.

Du verstehst dich als interdisziplinäre Künstlerin und bewegst dich zwischen Musik, Bild, Text und Performance. Gibt es eine Kunstform, die für dich den Ausgangspunkt bildet, oder entstehen diese Komponenten in der Regel gleichzeitig?

Ganz gleich, wo man anfängt, die einzelnen Bestandteile verschmelzen am Ende immer auf die eine oder andere Weise. Das liegt in meiner Natur. Manchmal ist es schwierig, so zu sein; es ist Fluch und Segen zugleich.

Deine Lieder wirken intim und ausdrucksstark, persönlich und universell zugleich. Für wen schreibst du in erster Linie: für dich selbst, für jemand anderen oder für etwas, das über ein bestimmtes Publikum hinausgeht?

Diese Frage habe ich mir nie gestellt! Ich glaube, Musik und Kunst sind zum Teilen da, also würde ich sagen, sie trifft auf all das oben Genannte zu. Eines ist sicher: Je persönlicher wir sind, desto universeller wird es. Denn wenn wir das Bedürfnis loslassen, anderen zu gefallen und dazuzugehören, liegt hier unser wahres Menschsein. Die Art unseres Ausdrucks wird nicht jedem gefallen – wer es allen recht machen will, wird von niemandem wirklich geliebt –, aber für diejenigen, die sich damit verbunden fühlen, wird es universell sein.

Das mag eine Standardfrage sein, aber gibt es schon Ideen in der Entwicklung, auf die wir uns freuen können?

Ja, ich werde mit meinem Album auf Tournee gehen!
Vielen Dank für die Gelegenheit, so tolle Fragen zu meiner Arbeit zu beantworten. Ich bin dankbar für dieses schöne Gespräch.

Danke ebenfalls!

Interview: U.S., Fotos: Catherine James

France de Griessen @ Home | Soundcloud | YouTube | Bandcamp | Instagram

France de Griessen is an artist who doesn’t see her work as a calling in the classical sense, but rather as something that was there from the very beginning—hidden in the recesses of what we commonly call personality, waiting for the moment of breakthrough and unfolding. This breaking through and bursting forth is also reflected in the title of her new album, which prompted an extensive conversation. In the structures shaped by voice, guitar, and carefully selected additional sound sources, this is revealed in a wide variety of contexts. In our interview, she speaks less about career or strategies than about states of being, presence, attitudes, and inner necessities. Influenced early on by figures like Sarah Bernhardt and fascinated by the possibility of contemplating many lives simultaneously, she understands artistic practice as an openness to transformation and ambivalence. For her, music appears not primarily as a form of communication, but as a ritual, an incantation, a moment of intense presence. Themes of ambiguity, but also of tenderness and resistance, repeatedly emerge.

German Version

Since there isn’t much to read about you in German-speaking countries yet (we’re working on changing that), would you tell our readers a few things about yourself, your work and your beginnings as a multidisciplinary artist? Were there any early influences that sparked your artistic motivation?

Thanks !
I never chose or decided to be an artist, it was very clear to me very early on in my childhood that it was my nature and my path. When I was 5 or 6 I saw a book that changed my life: Sarah Bernhardt photographed by Nadar. The photographs captured her in elaborate stage costumes. She was either a woman or a man, young, old or anything in between – she did not care if the role was written for a maiden, a man,  an elder or a femme fatale : if she wanted to play Hamlet, she thought it was an irrelevant question -, and to me it seemed that she had so many different lives in one. The wonderful Tilda Swinton reminds me very much of her. When it comes to creativity, I don’t ask myself “Can I do this?” but “How can I do this with who I am and what I am able to learn ?”.

You’ve just released your fourth album, Dawn Breakers. The title evokes a poetic image of change and transformation. When did you know that this title captured the inner core of the album?

When I saw it! “Dawn Breakers” was written on the label of a vintage shirt. It was the perfect title I had been looking for to express what this album is about. Attention to detail and being open to what they can reveal to us is part of being an artist. My motto is “leave a little room for magic”.

Many of the songs seem reduced in terms of their sonic breadth: guitar, vocals, a few other instruments used sparingly. What does this formal simplicity allow you to achieve that might have been lost in more opulent arrangements?

In some cases more is more, and in some cases less is more. I felt the need to express myself in that way. To bare my soul in an oneiric way. I have always been inspired by the lyrics and atmosphere of Depeche Mode’s “Stripped”, which to me, evokes the connection between bareness and eroticism, that goes beyond any musical genre.
I love playing guitar because, as Eric Clapton said “you can take it everywhere with you like a companion (…) it is both primitive and sophisticated”.

You recorded the album with a handful of other musicians. Can you briefly introduce them and tell us a few things about how you work together?

Not a handful. There are two
First there is Cannonball Statman, who comes from the New-York Antifolk scene, and has been widely described as “The King of Modern Antifolk”, even though his music does not belong solely to this one specific genre. We had been touring together and he invited me to sing and play instruments on his album, and I did the same a few months later. It has been a very rewarding experience. Music is about artistic compatibility and human alchemy. Good laughs and good times, being stupid, especially when recording music that is very emotional and requires a lot of focus and concentration is essential. Then there is Nicolas Laureau (Prohibition, NLF3, R/A/D, Shane Aspegren / Nicolas Laureau / Jérôme Lorichon / Quentin Rollet Quartet, Don Nino…) who played drums on “High Strung Master”. Prohibited Records was founded in 1995 by Nicolas & his brother Fabrice Laureau. I feel very blessed and honored to have such great artists on board! We share a lot of ideas when it comes to music, beauty, and creating meaningful art. Cannonball Statman is also a filmmaker and a poet, Nicolas also paints, directs videos and does a lot of graphic design for Prohibited Records, so they both who fully grasp an interdisciplinary approach and way of life.
I also of course want to talk about Ben Scott Turner, who recorded and produced the album at Axe & Trap Studios. I met him through Cannonball when he invited me to sing and play instruments on his album. I knew very quickly that he was the right person to work with, in terms of mastery and talent, musical references and personality. I always say he is the English Rick Rubin, because there is something about him that allows access to the best of one’s creativity ! Also, I don’t thrive in tense or competitive atmospheres, and there was nothing like that. It allowed us to accomplish a lot, and to share great memories.

You describe your work as a form of ritual or incantation. Where does the transition from song to ‘magic formula’ begin for you?

I will quote Leonora Carrington “I have always refused to give up that wonderful strange power I have inside me that becomes manifested when I am in harmonious communication with some other inspired being”. Music is my connection to that strange power and to other inspired beings.

The recordings were made in Somerset, England, in a rural setting. Do you think this location had a concrete influence on the songs, or did it have a more subtle effect on your inner state while writing and recording?

I did not write the songs in Somerset. However, recording there had a very positive impact for sure. I felt emotionally and physically stable, which was wonderful because it is something I have struggled a lot with in my life. It’s a very beautiful, charming place. They also happen to have incredible crisp, juicy apples and tasty strawberries there, which I enjoyed a lot. And lots of vegan-friendly options to eat, small antiques shops, local businesses. And nature is outstanding of course !

Voices, spirits and inner dialogues often appear in your lyrics, for example in the song “July”. How do you distinguish between imagination, memory and something that feels more like a message from a transcendent world?

I am not always able to do that immediately. I have to let words and situations unfold to know. Sometimes the in-between can be very painful, like being stuck in a dark place forever. I take actions and decisions that are very instinctive, that very often do not belong to the realm of logic, and cannot be explained though this lens. In some cases, it can take a while for them to make sense, to become a new, tangible reality.

Some of the songs seem gentle and contemplative at first glance, and I would say that this is definitely an essential aspect of your music, but you quickly realise that there is also something urgent, combative, sometimes perhaps dramatic about it. This is particularly evident in the opener ‘Punch Me’, and I’m also thinking of the combative defiance in ‘You Can Keep’ or the very unique, evocative and hypnotic mood in ‘Where Have You Been, My Friend?’, despite its content. Are such ambiguities intentional, and if so, what is the special appeal of them for you?

I am very inspired by ambiguity indeed. By states, feelings and emotions that words alone cannot describe nor explain, or that seem contradictory when they are in fact intertwined. By tenderness and violence, by the complexity of bonds between living beings. Donovan says his music embodies the concept of “hopeful melancholy”. He is one of my favorite artists and this resonates very deeply with me.

Do you also see creative activity as an act of self-assertion (in a non-egocentric sense), and if so, are the legacies of punk, which are mentioned in the context of the album as one of the sources of inspiration, also a kind of outlet for implementing this?

I never thought of it that way ! What I can say is that punk culture brought great notions of self-acceptance and self-love to people who resonate with it: do things you way, with what you have, and as you peel off any layers that are not truly yours, you will create something that only you could create.

The liner notes to the new album mention a kind of hyper-presence as a source of light and expression. How would you describe this state and how do you achieve it in the best case scenario, e.g. in writing, in the studio or on stage?

It is to be fully present in the current moment, connected to oneself and to one’s surroundings as well as to others. It is much more than “flow”. It’s a state you have to want to be in, actively, assertively. However, it does not depend solely on you. Surroundings, circumstances, life…everything plays a part. I do believe that our world change as our perspectives change, nobody is omnipotent though !

You don’t seem to be one of those artists who release a new album every year and a few smaller releases in between; instead, you tend to leave a few years between releases. Do you enjoy a certain distance from your past work, a kind of tabula rasa situation that allows your work to blossom anew?

It is not intentional. If I could, I would release more music and more often. I want to add that to me art is a way to transcend emotions, so it is based both on life and imagination. It’s not about deadlines, but about what one has to say.

The cover artwork of your album ‘Saint Sebastien’ is not available on Discogs, at least not in our country. What can you tell us about the story behind this?

The cover artwork of Saint Sebastien is a very beautiful, meaningful photography by French photographer Richard Dumas. Saint Sebastien is a collection of song inspired by my passion for Giallo – which is an Italian genre of thriller films that emerged in the mid-1960s, blending suspense, horror, and eroticism – and by sensuality as a way to transcend pain. Hence the title of the album: Saint-Sebastien, half-naked, is wounded in multiple places. There is also an erotic power and a magnetic aura about him. He is wounded, but not powerless. When Richard was taking photos of me, I remember I was breathing when I felt the right image just “happened”. There was a tiny part of my nipple showing in that photo. It was exactly the expression of that. Richard is an artist, and I saw this image as a powerful art statement. It did not occur to me for one second that it would be censored online. But this is what happened. In this incredibly sexist online world, it’s ok to show cruelty, violence, hate, male nipples…but no female nipples in fine-art photography. The world really needs more love and art is a form of love.

Your references range from Johnny Thunders to Nico and, as I said, punk, from romantic poetry to classic Italian auteur cinema. How do these inspirations become part of your own language?

We are a patchwork of everything we love aren’t we ? If I look at everything I feel connected to, they always have one or several of these characteristics: mystery, tenderness, eroticism, romanticism, magical realism – art that presents a realistic view of the world while incorporating magical elements and blurring the lines -
, spirituality, violence, beauty and love. Anything that awakens the imagination can be poetic. I also find a timeless quality in everything I love, that is not about trends of any kind. I have no interest in them. Doing what everybody is doing is boring.

Not long ago, you recorded a touching cover version of John Prine’s ‘All the Best’ together with Pacôme Genty. Have you ever thought about further joint adventures of this kind?

Thank you for your appreciation of our cover !
I love to sing, play and record with other artists. There are plenty of people I’d love to collaborate with in the future. It has also to be a good artistic match. Sometimes both artists like what the other does but it does not work to collaborate. And sometimes it’s natural and it works immediately.

We were very impressed by the short film for the song ‘Blue Snow’. What can film do for your music that music alone cannot?

Film is a language, like music is. They are two different languages that can create a meaningful conversation. And this conversation is different than music alone or film alone.

You see yourself as an interdisciplinary artist and move naturally between music, image, text and performance. Is there one art form that forms the starting point for you, or do these components usually emerge simultaneously?

No matter the starting point, the components always end up merging in one way or another. It’s my nature. It’s sometimes difficult to be that way, it’s my cross and my crown at the same time.

Your songs seem intimate and evocative, personal and universal at the same time. Who do you write for primarily: yourself, someone else, or something beyond any specific audience?

I never asked myself that question! I think music and art is meant to be shared, so I would say it’s for all of the above. One thing I am sure of is that the more personal we are, the more universal it gets. Because if we let go of the need to appeal to others and to fit in, here is our human essence. The genre of our expression won’t appeal to everyone – to please everyone is to be truly loved by none -, but for those who connect with it, it will be universal.

This may be a standard question, but are there any ideas in the pipeline that we can look forward to?

Yes : I will be touring with my album !
Thank you for the opportunity to answer such great questions about my work, I am grateful for this beautiful conversation.

Interview: U.S., Fotos: Catherine James

France de Griessen @ Home | Soundcloud | YouTube | Bandcamp | Instagram

Die Songs bewegen sich, wie es in den Liner Notes von Emmanuel Dosda sinngemäß heißt, zwischen Lied und Beschwörung und greifen Einflüsse aus Folk, Underground-Pop und einer akustischem Idee von Punk auf, ebenso Anklänge an chansonhafte Formen und reduzierte, mantraartige Strukturen. Bezüge zu so unterschiedlichen Acts wie Nico, Donovan oder Marie Laforêt werden ebenso deutlich wie ein Interesse an Dichtung und symbolisch aufgeladenen Texten generell. France de Griessen, so heißt es weiterhin, versteht Musik als Zustand intensiver Gegenwärtigkeit und sagt: “Music, along with theater, is the most cathartic art form. It’s not about seeking a confession, but about a state of hyper-presence”. Begleitend zur Veröffentlichung der Vorab-Single “Blue Snow” entstand unter der Regie von Cannonball Statman ein kurzer Musikfilm in der Tradition des klassischen italienischen Kinos. Das Album erscheint als LP und zum Download.