Parallel zur Compilation veröffentlicht der Berliner Ventil Verlag Wolfgang Seidels Buch “Krautrock Eruption”, eine englische Fassung seiner im gleichen Verlag erschienenen Monografie “Wir müssen hier raus! Krautrock, Free Beat, Reeducation” von 2016. Der Band bietet eine alternative Perspektive auf die deutsche Undergroundszene der 1960er und 70er Jahre bietet. Seidel, selbst Musiker und als Drummer u.a. Mitbegründer von Ton Steine Scherben, schildert die Verbindungen zwischen politischem Aufbruch, musikalischer Avantgarde und neuen Produktionsweisen. Ergänzt wird das Buch durch eine kommentierte Diskografie über fünfzig prägende Alben dieser Epoche von Holger Adam. Beide Veröffentlichungen erscheinen am 21. März. Weitere Informationen finden sich auf den Seiten des Labels und des Verlags.

@ Bureau B | Ventil Verlag

“Call-and-Response: Die acht Stücke entstanden über einen Zeitraum von drei Tagen in 30 kurzen Studio-Sessions kurz vor dem ersten Lockdown im Jahr 2020. Während dieser intimen Sessions, in denen sich das Duo pro Session einem Track widmete, waren die beiden Pianisten oben Alle hörten einander beim Spielen zu. Oft war es Hans-Joachim Roedelius, der mit seinen aphoristischen Klavierminiaturen begann oder „sprach“, auf die Arnold Kasar dann mit äußerst reduzierten, minimalistischen Gegenmelodien aus feinfühlig ausbalancierten, elektronischen Klanglandschaften „antwortete“. Es ist wichtig, diese Methode zunächst zu erklären, da sie der Schlüssel zu einem kleinen Wunder ist. Zwei Musiker, die niemandem mehr irgendetwas beweisen mussten, die aber im Laufe ihrer Karriere mit der Erwartung konfrontiert waren, avantgardistische oder bahnbrechende Kompositionen zu liefern, entschieden sich bewusst, ihr Ego für die Aufnahme von Zensibility in den Hintergrund zu rücken, um erst einmal zuzuhören miteinander spielen, um dann erst das musikalisch Fehlende hinzuzufügen. Im Kern handelt es sich hierbei um einen Filmmusik-Ansatz, der in seiner Sogwirkung teilweise an Vangelis‘ Blade Runner-Soundtrack erinnert” (7K!)

Once again, Christopher Chaplin breaks genre boundaries and managed to condense experimental and colorful electronics in chamber music in a unique way, transporting the listener into mental and spatiotemporal intermediate states. A completely unique musical microcosm that can also be experienced in his powerful solo live performances”. Der vorliegende Mitschnitt, der konzeptuell der Genealogie und so auch der Reihenfolge der Studioversionen folgt, ist auch als Teaser seiner aktuellen Konzerttour gedacht, bei denen noch drei Shows – Ambient Festival Gorlice (08.07.), BulwArt, Dom Utopii, Krakau (09.07.) und Cafe Oto, London, zusammen mit Hans-Joachim Roedelius und Tim Story (27.07.) – auf dem Programm stehen. Roedelius ist auch auf “Patriarchs Live” zu hören.

@ Fabrique

“Patriarchs refer to the ten antediluvian Patriarchs, the ten pre-Flood patriarchs listed in the genealogy of Genesis V – from Adam to Noah. The album is about the lineage of these patriarchs and their journey from the darkness of the Fall towards enlightenment. It’s a progressive uprooting from a dark and confused world to a world with more light and consciousness. In musical terms, it’s a struggle from dense, slow-moving textures to more dynamic and structured ones. Language is also present in the first eight tracks, starting with distorted bits of words and phrases tuning into clearer and more defined sentences and eventually verses as the tracks progress. The last two tracks: Lamech and Noah incorporate the sounds of a crow and a dove, respectively, hinting at the coming and passing of the Flood.“ (Christopher Chaplin)

Coverfoto © Carmen Alt-Chaplin, Artwork und Design © Petulia Mattioli

@ Fabrique Records

Nach seinem Solodebüt “Je suis le Ténébreux”, auf dem er das gleichnamige Gedicht Gerard de Nervals und das “Rätsel von Bologna”, einen ananymen Text der italienischen Renaissance adaptierte, hat er sich in “Paradise Lost” an das berühmte Epos John Miltons herangewagt – ein Wagnis schon deshalb, weil man sich dem vielzitierten Text über den Höllensturz der gefallenen Engel und das Wirken Satans, der zudem über ein gewisses Klischeepotenzial verfügt, nicht beliebig nähern sollte.

In den drei längeren Stücken erweist sich Chaplin als hervorragender Dramaturg: Ein Ensemble aus Glocken und Bläsern, aus Streichern, Trommeln und Klaviertupfern verbreitet zu Beginn eine diffuse Stimmung, in der tastenden Vorwärtsbewegungen in alle möglichen Ecken deuten und jede Menge Spannung entsteht. Erst der Gesang eines Tenors zeigt eine Richtung an. Mit dessen Verschwinden kehrt Unruhe ein, spätestens jetzt ist die Dramatik spürbar, die sich hier zusammenbraut. Doch unter dem Klimax aus federnden Metallteilen und schellenden Glöckchen, tief unter dem entfesselten Chaos kaum noch erkennbarer Instrumente, entfaltet sich ein ambienter Wohlklang, der immer mehr Raum einnimmt, und alles in einer tief traurigen Harmonie umfängt.

Erschöpftes Stöhnen, himmlische Chöre, ein Stimmvortrag, der entfernt an Genesis P-Orridge erinnert, kurz aufspielende Streicher, ein undefinierbarer Sternschnuppenregen – auch in den folgenden Stücken findet sich Kleinteiliges in Hülle und Fülle, und gerne koollidiert der beschwörende Gesang Nathan Vales und Leslie Winers, der ausgewählte Stellen aus Miltons Text wiedergibt, mit orchestraler Wucht und mechanischer Atonalität, und zusammen entfalten diese z.T. gegensätzlichen Komponenten eine Stimmung, die so eindringlich ist, dass das Gefühl der Gefallenheit auch dann spürbar wäre, wenn man keine Silbe des Textes verstünde.

Label: Fabrique Records

Die verschiedenen Zutaten, die einen breites Spektrum zwischen zeitgemäßer und retronostalgischer Elektronik ebenso abdecken wie sie alle Register zwischen gleitend und tanzbar ziehen, sind recht gleichmäßig verteilt, und jede Facette hat ihre speziellen Momente – schon deshalb muss jeder Einstieg hier irreführend sein. Die an Ethnobeats mit dem Gummiknüppel erinnernden Takte, die den Opener “Kurhaus Skinnydip” einleiten, stimmen auf geschliffene elektronische Tanzmusik ein, die schon bald durch vollkommen anders ausgerichtete Ambienttracks und Stücke mit akustischem Schwerpunkt abgelöst werden, die sich als nicht weniger wesentlich in dem Soundmosaik von “Uni Bene” erweisen werden. In seiner Kombinatorik aus minimalen Takten und einer ansonsten satten und eher warmen Klangfülle verspricht der erste Track jedoch nicht zu viel, denn dies erweist sich schnell als ein unterschwelliges Leitmotiv. Im von einem melancholischen Jazzpiano geprägten “She Had Always Loved Vienna” kombinieren Roedelius und Muraglia sogar Hall und Dichte zu einer scheinbar paradoxen Struktur.

In Laufe der zwölf Kompositionen, in denen entrückte Flächensounds auf Rauschorgien, fast postrockige Piano- und Gitarrenpassagen und verzerrtes Brummen treffen, entsteht immer mehr der Eindruck, dass das eigentlich verbindende Element in einer entspannten Genügsamkeit zu finden ist, die sich nicht nur atmosphärisch durch das komplette Album zieht, sondern die unterschiedlichsten Elemente erst miteinander zu integrieren vermag – ubi bene heißt im Lateinischen so viel wie “Wo es gut ist”, und das passt tatsächlich ganz gut zu dieser Eigenschaft. Titel wie “Cloud Iridescence”, “A Nostalgia for Lollipops” oder “Surfaces that appear to change”, die mit symbolischen Assoziationen ein reichhaltiges Setting entstehen lassen, tun ihr übriges. Das Stück erscheint in einer Auflage von 750 Doppel-LPs inklusive DL-Code. (U.S.)

Label: Passus Records