Daniel Brandt stellt im Anschluss “Without Us” als audiovisuelles Live-Set vor, das mit einem gleichnamigen Film verwoben ist und sich mit kollektiver Angst, ökologischer Zerrüttung und der Frage nach individueller Handlungsmacht befasst, getragen von perkussiven Strukturen, elektronischen Texturen und verschiedenen Feldaufnahmen. Am folgenden Abend wird die Reihe am selben Ort mit der Veranstaltung “Cadence of Shadows” mit Sam Slater, Lukas Feigelfeld, Theresa Baumgartner, Maria W Horn, Hildur Guðnadóttir, Hilary Jeffery, Cavid Dhen und Emma Ruth Rundle fortgesetzt, die weitere aktuelle Positionen zwischen experimenteller Musik, Performance und elektronischer Komposition zusammenführt. Mehr dazu und auch zu allen weiteren Veranstaltungen der diesjährigen CTM (Radialsystem, DAAD-Galerie, Hebbel am Ufer etc.) findet sich über zwei oder drei Ecken auf den Link weiter unten.

Samstag, 31.01.2026
Beginn 20:00 Uhr
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Linienstraße 227
10178 Berlin

Sonntag, 01.02.2026
Beginn 20:00 Uhr
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Linienstraße 227
10178 Berlin

@ CTM 

@ Milan Records

29./30.01.2020
Beginn jeweils 19 Uhr
Silent Green
Gerichtstraße 35
13347 Berlin

Event @ Facebook

Es gibt – nicht nur im Ambientbereich, aber besonders dort – eine Reihe an Musikern, deren Aufnahmen derart erzählerische und zugleich visuelle Assoziationen hervorrufen, dass sie für die Komposition von Filmmusik entweder ein besonderes Händchen haben, oder eben besonders ungeeignet sind. Der Isländer Jóhannsson, der nach eigenen Aussagen jeden Klang visuell imaginiert und als Welle im Raum begreift, zählt zur ersten Kategorie, denn das wohl wichtigste Kriterium dafür, die Subtilität, ist bei ihm eine hohe Kunst. Jóhannsson versteht es, zentrale Motive so feinfühlig an den richtigen Stellen zu wiederholen, dass sich die repetitive Struktur erst mit der Zeit bemerkbar macht. Entwirft er poetische, bisweilen besinnlich anmutende Klanglandschaften, dann erweckt die Abwesenheit sentimentaler Schwere nie den Eindruck eines angestrengten Verzichts. Spannungsmomente, die auch in seinen rein musikalischen Arbeiten reichlich vorkommen, zielen nie auf den reißerischen Effekt ab, Düsteres bleibt sorgsam dosiert.

Gerade die Aussöhnung des Gegensatzes von Spannung und Meditation ist eine der Stärken der vorliegenden Kompositionen, bei denen dezente Stimmungen und intensive Höhepunkte freilich ihre Momente haben. An einzelnen Abschnitten, die auf Platte unter Titeln wie „I can’t find them“ und „Surveillance Video“ rangieren, lässt sich erkennen, wie er verschiedene Stimmungkomponenten an unterschiedliche Instrumente und deren Zusammenspiel delegiert: Meist sind es Streicher, die Ruhe und Besinnung einbringen, Holzbläser wiederum versehen einzelne Passagen mit einem Eindruck von Stabilität. Je dunkler es grummelt, je unberechenbarer mit feinen Sounds gespielt wird, desto mehr Elektronik ist im Spiel. Diese ist Teil einer präzisen nachträglichen Studioarbeit, bei der Jóhannsson zusammen mit Musikern wie Hildur Gudnadottir, Thomas Bloch (u.a. Daft Punk, Radiohead) und Erik Skodvin (Svarte Greiner) die Orchesteraufnahmen ergänzt.

Mit Jóhannssons „Prisoners“ begibt man sich in eine Welt subtiler Stimmungsnuancen, in der nur gelegentlich die psychischen Verstrickungen an die Oberfläche dringen, die gut verpackt den Kern auch der musikalischen Narration ausmachen. Zwangsläufig ist dies eine andere Geschichte als die des Films, bei dem man – sollte man erst durch die Musik neugierig geworden sein – auf den Effekt gefasst sein sollte, der sich bei vielen Romanverfilmungen einstellt.

A. Kaudaht

Label: NTOV/Watertower Music

Auf deutsch bedeutete der Titel „Leyfðu Ljósinu“ sinngemäß das Erlauben oder Zulassen des Lichtes. Mit diesem Titel im Hinterkopf begab sich die Künstlerin Anfang des Jahres ins Music Research Centre der University of York, um dort im Rahmen eines Workshops ein rund vierzigminütiges Set einzuspielen und aufzunehmen. Zur Verfügung standen ihr das Cello, ihre Stimme, drei Mikrophone und ein rudimentäres Set an Effektgeräten wie etwa das obligatorische Looppedal. Live im Studio einer musikwissenschaftlichen Veranstaltung, das klingt erst einmal nach improvisiert und theorielastig, erfreulicherweise ist aber beides nicht der Fall.

Das Ergebnis ihres Experiments ist ein langes, in sich abgerundetes Stück mit deutlicher Spannnungskurve, sowie ein kurzes einleitendes Vorspiel, welches die einzigen Momente enthält, denen man den improvisierten Charakter der Darbietung noch anhört. Es klingt wie ein vorbereitendes Warmspielen, überwiegend auf den tiefen Saiten mit ihrem warmen Klang, den man so gerne mit dem Cello assoziiert. Doch das Stück stimmt den Hörer nicht nur ein, es enthält auch bereits einen Großteil des Rohmaterials, das im Hauptstück verwendet wird. Dieses beginnt zunächst ruhig und unaufgeregt, im Vordergrund steht zu Beginn, was ungewohnt ist, ihre Stimme. Auf der Basis tiefer Klänge wiederholt sie den Titel in schlichter und zugleich sakral anmutender Weise, wie ein Mantra, das sich irgendwann in den verwunschenen Klangwelten verliert. Dem Klischee nach ist „Leyfðu Ljósinu“ aller Lichtmetaphorik zum Trotz Musik für den Herbst. Die impressionistische Verschwommenheit, die Hildurs Musik so sehr von den klareren Kompositionen Julia Kents unterscheidet, hat eine verwunschene Natur und eine triste Färbung, auch wenn sie durchaus Freude zulässt von der Art, die nach William Blake „nicht lacht“. Im Großen mag die anfangs noch etwas mäandernde Musik in einem stetigen Fluss begriffen sein, auf den vielen kleinen Binnenebenen jedoch wird das dramatische Ringen und die vielen kleinen Rückschläge angedeutet, welche das Hereinlassen des Hellen mit sich bringt: Momente reiner Statik, kurze Verzerrungen, bedrohliches Dröhnen, kleine schrille Ekstasen und durch perkussive Striche erzeugte Stakkatos.

Was für einen spirituellen Vorgang Hildur auch immer mit der Lichtmetapher umschreiben mag, es handelt sich dabei keineswegs um eine einfache, belanglose Gratiserleuchtung, wie sie vermutlich zahllose Buchcover aus der Esoecke suggerieren, sondern um eine innere Auseinandersetzung, deren Dramatik offenkundig wird, sobald man Zugang zu den Klängen gefunden hat. Nur Antony konnte etwas Themennahes mit „Daylight and the Sun“ ähnlich kraftvoll ausdrücken, und in beiden Fällen kommt die Offenheit, der Andeutungscharakter des Motivs dem Charisma der Musik zugute.

Label: Touch