Als eine Hälfte des Duos 700 Bliss (mit Moor Mother) sowie als Solokünstlerin hat sie sich auf internationalen Bühnen einen Namen gemacht, von Berghain bis Boiler Room, von Roskilde bis Unsound. Mit im Gepäck: ihr Albumdebüt “Beside Myself” (Hyperdub), eine tief persönliche, poetische und wütende Auseinandersetzung mit Entfremdung, Verlust, Widerstand und Zugehörigkeit.

Tourdaten :

13.09.2025 – By:Larm Festival, Oslo, NO

03.10.2025 – Opium, Dublin, IE

04.10.2025 – St Lukes, Glasgow, UK

05.10.2025 – Belgrave Music Hall, Leeds, UK

07.10.2025 – Strange Brew, Bristol, UK

08.10.2025 – Globe, Cardiff, UK

09.10.2025 – Scala, London, UK

10.10.2025 – Robot Festival, Bologna, IT

11.10.2025 – Unsound, Krakau, PL

29.10.2025 – Cave12, Genf, CH

30.10.2025 – Badaboum, Paris, FR

31.10.2025 – ZDB, Lissabon, PT

01.11.2025 – Casa Montjuïc, Barcelona, ES

03.11.2025 – KSET, Zagreb, HR

07.11.2025 – Le Guess Who?, Utrecht, NL

08.11.2025 – Murmur, Amsterdam, NL

Poster: DJ Haram & Sultana Bambino

Immer wieder tauchen Tamburine, Darbukas, Violine, wuchtige Synthies und gebrochene Basslinien auf und bilden zusammen eine durchaus konflikthafte, aber präzise formulierte musikalische Sprache. Zentral bleibt Harams eigene Stimme als Poetin, Producerin und politische Künstlerin. Ihr lyrischer Vortrag ist geprägt von emotionaler Direktheit und gedanklicher Schärfe. Inspiration bezieht sie u.a. aus den Texten von Denkerinnen wie Audre Lorde und Nawal El Saadawi, deren Worte auf dem Album selbst zu hören sind. Der Titel “Besides Myself” passt auch sehr gut zur kollaborativen Ausrichtung des Albums, an dem diverse Gäste wie Armand Hammer, Moor Mother, Bbymutha, August Fanon, El Kontessa und Aquiles Navarro in unterschiedlichen Funktionen mitgewirkt haben. DJ Haram formuliert ihren Anspruch deutlich: “Ich mache die Musik, die ich brauche. Keine Musik hat mich bisher geheilt. Keine Musik hat die Welt geheilt.” Das Album erscheint in allen gängigen Formaten: LP, CD, Kassette und Download.

“After Guerrilla, and in the early throes of a new and important romance, Nazar was hit by Covid and with a weakened immune system, the latent tuberculosis he’d incubated while living in Angola, took over his body and left him seriously ill for a year”, heißt es beim Label. “Reckoning with mortality and the flowering of new love are the two things that motivated this album, turning the ‘rough kuduro’ of Guerrilla inside out”. Statt Field Recordings und weiterer dokumentarischer Elemente setzt Nazar auf eine fast surreale Ästhetik, er nennt klassische Cyberpunk-Anime wie “Ghost in the Shell” als Inspiration. Die Produktion ist präzise und nuanciert, die Tracks bewegen sich in einem schwer greifbaren Raum zwischen Härte und Intensität. Das Album erscheint als CD und zum Download.

Die Doppel-LP, gepresst auf zwei 180-Gramm-Schallplatten (gelb und schwarz), vereint historische Aufnahmen, darunter Tonmaterial aus dem sogenannten Lautsprecherkrieg (1961–1965 an der Grenze zwischen Ost- und Westdeutschland), mit Nowaks eigenem Sounddesign. Die narrative Ebene des Essays wird von Jessica Edwards, auch bekannt als Ms. Haptic, geprägt, unterstützt von Infinite Livez. Das 88seitige Begleitbuch, das von Konstantin Tschechow und Moritz Stumm mitentwickelt wurde, enthält 129 Abbildungen aus Nowaks interdisziplinärer Installation “Schizo Sonics” und bietet tiefere Einblicke in die Entstehung und den Kontext des Werks. “A War of Decibels” ist ab sofort als Doppel-LP im Schuber mit dem Buch in Deutsch und Englisch erhältlich und ist eine kraftvolle Erkundung der klanglichen Seite der Ideologie und der politischen Spaltung.

@ Nik Nowak | Flatlines

“South East London’s Tim Reaper and Kloke from Victoria, Australia are two big guns from the new wave of junglists. On Reaper’s relentlessly hyperactive label Future Retro and DJ sets, a torrent of releases by himself and fellow time travellers have helped provide the ammunition to rejuvenate that most precious of pirate radio and sound system styles, Jungle from the period 1993-5, that abstracted elements from dub reggae through to techno, riveted onto a finely chopped and accelerated breakbeat undercarriage. In Full Effect is the intention and the album title. It’s energetic, exciting and extremely fun. On its 8 tracks, it provides a window onto some of their recent collaborations that precision tool and mix up the best ideas from the period for a new generation of ravers. For those there the first time around, this album is flush with moments of deja vu”.  (Hyperdub)

Iceboy erinnert sich: “Ich erinnere mich liebevoll an ihre Höhen und dokumentiere ihre Tiefen, versuche sie positiv zu verarbeiten und zu reflektieren und endete dann mit dem ekstatischen, aber unheilvollen Funken neuer Liebe”. Vom Label heißt es: “Zusammen haben sie ein Album gemacht, das magisch, intim und herzlich ist, manchmal voller Angst, aber letztendlich wieder bezaubernd. Iceboy und Nueen bewunderten gegenseitig ihren gleichgesinnten Ansatz, Ambient-Musik auf ihren jüngsten Solo-Veröffentlichungen zu machen, und begannen, Ideen für eine Zusammenarbeit auszutauschen. Nueen schickte Beats mit einer fast überwältigenden Geschwindigkeit, die der Geschwindigkeit und Schärfe von Iceboys Emotionen entsprach, während sie das Ende der oben erwähnten Beziehung verarbeiteten, und schuf Songs, die ihnen halfen, den mentalen Nebel zu verarbeiten und durch ihn zu navigieren. Die Gleise wurden fertiggestellt, wobei Iceboy heranzoomte und die Details meißelte, und das alles in drei Monaten. Nueens Musik antwortet mit einer nebligen, aber detailreichen, körnigen Produktion. Es gibt verschwommene, durchbohrte Beats, die mit geronnenen, spiralförmigen Akkorden kontrastieren, und manchmal scheint er Elemente aus Burials Palette zu isolieren und sie zu intensivieren, wie das feuerartige Knistern von SM FID. Zu anderen Zeiten erzeugt er eine böswillige Atmosphäre, die sich elementar und beunruhigend anfühlt [...]“. Auch Gastauftritte gibt es mehrere: “Freunde und Kollegen haben einige dieser Songs ausgetauscht, wobei die Künstlerin Harriet Morley die erste Stimme auf dem Album war und Dawuna ihren rauen, seidigen Hintergrundgesang zu Stills Beschreibungen von schwarzen Haarflechten und eng miteinander verflochtenen Leben hinzufügte. Der letzte Titel des Albums, „Kiss Me Again“, ist mit dem Auftritt des jungen Manchester-Sängers Bennett gesegnet, der als mildernder Kontrast zu Iceboys roher Verzückung fungiert”. Das Album ist auch digital erhältlich. 

Laut Label knüpft das Album an die melodischen Synthie-Arrangenents des Vorgängers an und entwickelt diese gleichzeitig weiter in eine aufgeweckte Richtung, die mit synästhetischen Metaphern beschrieben wird: “2022’s ‘Audio Assault’ EP on Hyperdub restarted his musical journey with some synth-driven, melodic footwork, but Unleash goes much further into audio world-building with a fresh, spongy and citrusy sound palette and rich, bright chord sequences. It’s minimal, airy, balancing light and dark, sometimes breezy and sometimes clinical. Rhythmically, it’s dance floor ready,  using footwork’s 160 template as a springboard for building new drum sounds to express these rhythms. It’s also marked out by transforming footwork’s classic commanding chants into personal mantras and declarations – ‘it’s time for something different’, ‘Unleash the Freak’. ‘Make It Work’, with no time for unspecified enemies. At times, it seems to draw from R&B, rap, jazz and grime, with a sprinkling of bitter-sweet vintage Detroit techno and a resonance with ‘Pretty Ugly’ Era Scratcha DVA, but with the up-to-date palette and FXs you might hear from friends and contemporaries such as Fractal Fantasy and Suzi Analog. It’s clear that Heavee has upped his production game for Unleash and he cites studying physical modelling, modulation, and other forms of synthesis along with discussions and collaborative jams with peers that fed into the process. The album takes footworks ‘eats all’ approach to music, taking it in a fresh direction with a freedom of spirit. It’s a strong addition to the footwork cannon and shows that experiments in dance music can be fun”. Das Album erscheint als LP, CD und Download, die digitale Single “Make it Work” ist bereits erhältlich. 

Bei Hyperdub, die das Minialbum über ihre Plattformen veröffentlichen, heißt es: “Here the atmosphere is almost cartoon-like, calm airy chords underpin a kind of automatic, spontaneous approach to composition and perhaps most oddly, Takahide sings in what he calls an ‘old man’ voice on two songs, which he first used as a voice actor for an animation. This naive feel is reflected in the childlike artwork too. Takahide says it’s an attempt to apply a kind of unconscious ‘free’ way of making music which accepts whatever comes out, which he shapes later”.

@ Hyperdub

“Acella is informed and inspired by seemingly unconnected work; the concepts and sound design of the late 90′s cyberpunk anime Lain, from which it takes its title and also uses as a sample source and James Joyce‘s experimental novel Finnegan’s Wake. Here they draw away from pop and delve into the language of dreams and digital realities, through surreal and mind-bending scenarios, rendering a splintered yet rhythmically elastic, intense body of work laced with melody. Taking the concept of collaboration to extremes the release delves into the idea of ‘Idioglossia’, inspired by Finnegan’s Wake where a private language is developed and spoken by a small group of people, in this case, Lila and Sin who chatter away throughout the release. You’re unlikely to find another release this year of this detail and roller coaster intensity.” (Hyperdub) 

Etwas schwer greifbar “Linkshändiges”, das sowohl mit Rausch und Leidenschaft, als auch mit verzweifelten Gefühlen verknüpft sein kann, zeichnet sich aber wie ein vager roter Faden ab, wenn man tiefer in die Materie dringt. In Marc Almonds mehrwürdig bilingual betiteltem Song “Madame de la Luna” wird der “dilirious moon” zum Symbol des Außer-sich-Seins in verschiedener Form, zu einem bittersüßen Opiat, das dem Wahn, der Hoffnung und der Todessehnsucht Nahrung gibt. Das freilich sind – auch im Fall des erwähnten Lexikonartikels – Beispiele aus dem westlichen Kulturraum, doch wenn man einen Blick über den entsprechenden Tellerrand wagt, könnte man vielleicht den Eindruck einer gewissen Universalität bekommen.

Auch die aus Kuweit stammende Musikerin Fatima Al Qadiri hat ihre neue 10″-EP nach dem Mond benannt, der im Arabischen oder zumindest in der Variante der Golfregion Gumar heißt. Gumar ist in dem Zusammenhang auch der Name einer Jugendfreundin der Künstlerin, die einen in der lokalen Tradition verwurzelten Klangegesang studiert hat und auf “Gumar” erstmals als Vokalistin mit Al Qadiri zusammenarbeitet. Auch wenn beide letztlich ganz unterschiedliche musikalische Wege eingeschlagen haben, verband sie doch eine gemeinsame Leidenschaft zu dieser Art des Singens, was nun endlich zu einem gemeinsamen Projekt geführt hat. Der Titel ist allerdings nicht nur eine Hommage an die Freundin, denn die symbolische Ambiguität des mysteriösen Erdtabanten ist auch in den wenigen Worten, die auf dieser Veröffentlichung ihren Raum haben, omnipräsent.

Allein in der musikalischen Form der vier Songs ist diese Ambiguität zwischen leidenschaftlicher Hingabe und einer tiefen Verzweiflung zu spüren. Der Gesang, der in jedem der Songs wie vom Wind verweht durch den Raum schwebt und doch immer klar und deutlich wahrzunehmen ist, und die vermutlich auf gut bearbeiteten Synthies basierende, vordergründig ambiente Musik bilden dabei eine miteinander halb verschmolzene Einheit, wobei man das Wort “halb” durchaus unterstreichen kann, denn beides hat immer deutliche eigene Konturen. Der Opener und Titelsong stimmt darauf ein mit orgelartigen Hintergrundsounds und einer niemals transparenten, sondern prachtvoll schwebenden Stimme, die in nur zwei mehrfach wiederholten Fragesätzen den Mond direkt aufruft und ihn sehnsuchtsvoll nach seinem Verbleiben fragt.

In “Fidetik” werden einfache melodische Tonfolgen wie Nebelwellen immer wieder in den Raum gestoßen, während der Gesang aus verschiedenen Richtungen des Raumes eine fast trancehafte Klage anstimmt. Auch all dies klingt, gleichwehl der Himmelkörper nicht direkt erwähnt wird, nach einer “moon music in the light of the moon”. Die wenigen Worte, die hier fallen, drücken absolute Hingabe aus. Ich lege mein Leben für dich nieder, heißt der einzige, stetig wiederholte Satz des Textes, und der Ausspruch wurde wohl traditionell als Ausdruck der Ergebenheit gegenüber einem Stammeshäuptling geäußert, metaphorisch allerdings ist er auch so etwas wie ein Ausdruck einer absolut hingebungsvollen Liebe. In regelmäßigen Abständen ertönen lautere, aufschreckende Sounds, doch auch ohne die hätte die Musik hier durchaus eine gewisse Wucht.

“Mojik” ist eine textlich ebenso knapp gehaltene Anrede an die Wellen, in denen das lyrische Ich ertrinkt. Dieses Stück lässt im Klang Erinnerungen an kosmische Musik und die elektronische Avantgarde der frühen 80er aufkommen, doch es ist in seinen lauten Dröhnwellen auch noch um einiges dramatischer als die vorangegangenen Stücke. “Meriem” greift eines der typischen Song- und Lyrikthemen der arabischen Tradition auf, die unerwiderte Liebe. “Warum hast du mich verlassen?”, erklingt es entsprechend auf arabisch, und wenn gegen Ende der Satz noch einmal mit einer verfremdeten, maskulin klingenden Stimme wiederholt wird, scheint das fast der Tatsache der geschlechterübergreifenden Universalität des Themas Rechnung zu tragen.

Der mitunter diffusen Ungreifbarkeit des Themas entspricht das durchgehend nur andeutungshafte Surfen auf Motiven und atmosphärischen Nuancen, das keineswegs die Ausdruckskraft schmälert, sondern diese vielmehr mit einer enormen Weite bereichert. Schade, dass kein Album daraus geworden ist. (U.S. )

Label: Hyperdub