Mit seiner massiven One-Track-Struktur reiht sich “The Creep” in eine Tradition von Alben wie Sleep “Dopesmoker” oder Boris “Flood” ein. Die erste CDR-Edition erschien 2005 in kleiner Auflage auf Julian Copes Label und erlangte schnell Aufmerksamkeit, auch durch Fürsprecher wie SUNN O))), GNOD oder den legendären Plattenladen Aquarius. Nach einer CD-Veröffentlichung im Folgejahr rückte das Album zunehmend ins Bewusstsein einer Szene, die sich für Drone, Doom und experimentelle Langformen interessierte. Der Kritiker Joseph Stannard beschrieb “The Creep” einmal als ein von tieffrequentem Dröhnen getragenes Werk, das weniger mit klassischem Doom-Metal gemein hat als mit Brian Enos “On Land” – eine Musik, die das langsame Arbeiten von Naturprozessen hörbar macht und zugleich verborgene Räume der britischen Landschaft spürbar werden lässt. Dieses Moment des Unterschwelligen und Subterranen durchzieht das ganze Album. Stephen O’Malley nennt “The Creep” heute “a completely culty piece of oozing metastain”. Neben der limitierten LP ist das Album auch zum Download erhältlich.

Die Musik scheint dabei nicht nur auf bestimmte reale Orte zu verweisen, sondern lässt immer wieder neue akustische Räume entstehen, die sich überlagern, verschieben oder plötzlich auflösen. Nilsen führt mit diesen Wechseln gezielt eine Instabilität ein, die das Hören neu fokussiert und verändert. Das hat etwas Cinematisches – nicht im Sinne eines konkreten Films, sondern im Zusammenspiel von Atmosphäre, Zeit und Irritation. “Ich habe nie Musik gemacht, um jemandem eine bestimmte Geschichte zu erzählen”, sagt Nilsen selbst über seine Arbeit. “Mich interessiert, was passiert, wenn man wirklich hinhört”. “True than Nature” stellt, wie es beim label heißt, in diesem Sinn Fragen: Wie entstehen Klänge? Wo beginnen sie, wo hören sie auf? Und was macht unsere Aufmerksamkeit aus ihnen? Das Album erscheint bei Ideologic Organ in Zusammenarbeit mit Shelter Press.

“Bye Bye Bird” ist laut dem Elektroakustiker, Improvisationsmusiker und Kurator Arnaud Rivière “eine Summe musikalischer Stücke, die ein Ganzes ergeben und die Echos des Vergangenen, die Präsenz des Jetzt und die Hoffnung auf das Kommende hörbar machen”. Die Musik sei weder düster noch entrückt, sondern eine auf das Wesentliche konzentrierte Erforschung von Bewegung und Klang. Thurston Moore (Sonic Youth, Ecstatic Peace!) beschreibt Garcias Ansatz als “ernsthaft, radikal und völlig im Moment des kreativen Impulses verankert”. Mit diesem Album liefere sie ihre bislang eindrucksvollste Sammlung von Aufnahmen. Seit 2015 arbeitet Garcia an der Weiterentwicklung der E-Gitarre als klangliches Experimentierfeld und war in verschiedenen improvisatorischen und kollaborativen Projekten aktiv, unter anderem mit Stephen O’Malley, Fred Frith, Sophie Agnel und dem Feedback Ensemble von Luke Stewart und Leila Bordreuil. “Bye Bye Bird” dokumentiert eine eigenständige musikalische Sprache, in der Konzentration und Reduktion zu intensiven Hörerlebnissen führen. Es erscheint als LP und digital.

Das Album kombiniert hypnotische, durch eine Drone Box erzeugte Klangflächen mit aufs Wesentliche reduzierten Zitherklängen und einem eindringlichen, stellenweise liturgisch anmutenden Gesang. Die Drone Box, ein mechanisches Saiteninstrument, das an eine Drehleier erinnert, wurde laut Begleittext von dem französischen Instrumentenbauer Leo Maurel eigens für Jebane entwickelt und bildet die Grundlage ihrer musikalischen Architektur. Jebane, deren Arbeiten von ihrer Beschäftigung mit Poesie, Literatur, Mystik und der Ästhetik von Stille und Gewalt geprägt sind, beschreibt ihre musikalische Mixtur aus Avantgarde, Minimalismus und klassischen Elementen als “sacred experimental mussic”. Auf “Siamo tutti in pericolo” verarbeitet sie Pasolinis Themen von Schönheit, Mythologie und Grausamkeit als Formen poetischer Reflexion und erzählt davon, wie dessen Filme – wie etwa Accattone – sie seit ihrer Jugend geprägt haben. “Ich wollte nicht, dass sein Körper allein an diesem kalten Strand liegt”, sagt sie über die Intention hinter der Musik. Das Album erscheint mit Artwork des Künstlers Julien Langendorff.

Zum ersten Mal verzichtet Wooley hier vollständig auf seine Trompete und stellt stattdessen poetische Texte und geerdete Dröhnung in den Mittelpunkt. Die Grundlage bildet eine Sammlung von Fragmenten aus den Werken von Wendell Berry, John Berryman, Joseph Mitchell und Reiner Stach, die er zu einer konzisen Traumgeschichte verwoben hat. Diese verdichtete Erzählung, vorgetragen von Mat Maneri und Megan Schubert, trifft auf Soundmuster aus leicht verstimmten Vibraphonen, Klavieren und Blasinstrumenten, die eine sich stetig wandelnde harmonische Textur schaffen. Das Album erscheint auf Vinyl und digital, die physische Edition enthält ein zwölfseitiges Libretto mit Gedichten aus dem Werk.

“Intended as a late night listen that evokes the edge of consciousness, with Carlos getting as close as possible to a trance state during the actual recording and mixing, each of the eleven tracks transition into one another rather than being standalone discrete pieces, forming two side-long suites that proceed like stages of a dream”, beschreiben Ideologic Organ das vielfältig dröhnende und schabende Resultat, an dessen Produktion und Mastering Marhaug wiederum beteiligt war. “Dream Walker” erscheint am 26. April in den gängigen Formaten.

“Kali Malone composes with a rare clarity of vision. Her music is patient and focused, built on a foundation of evolving harmonic cycles that draw out latent emotional resonances. Time is a crucial factor: letting go of expectations of duration and breadth offers a chance to find a space of reflection and contemplation. In her hands, experimental reinterpretations of centuries-old polyphonic compositional methods become portals to new ways of perceiving sound, structure, and introspection. Though awe-inspiring in scope, the most remarkable thing about Malone’s music is the intimacy stirred by the close listening it encourages. [...] Over the course of twelve pieces, harmonic themes and patterns recur, presented in altered forms and for varied instrumentation. They emerge and reemerge like echoes of their former selves, making the familiar uncanny. Propelled by lungs and breath rather than bellows and oscillators, Malone’s compositions for choir and brass take on expressive qualities that complicate the austerity that has defined her work, introducing lyricism and the beauty of human fallibility into music that has been driven by mechanical processes. At the same time, the works for organ, performed by Malone with additional accompaniment by Stephen O’Malley on four different organs dating from the 15th to 17th centuries, underscore the mighty, spectral power that those rigorous operations can achieve. All Life Long simmers in an ever-shifting tension between repetition and variation. The pieces for brass, organ, and voice are alternated asymmetrically, providing nearly continuous timbral fluctuation across its 78-minute runtime even as thematic material reiterates. Each composition’s internal framework of fractal pattern permutations has the paradoxical effect of creating anticipated keystone moments of dramatic reverie and lulling the listener into believing in an illusory endlessness. On an even more granular level, the historical meantone tuning systems of each organ used, and the variable intonation of brass and voice, provide further points of emotional excavation within the harmony. [...] This is not music of praise, or of spiritual revelation, but it is an artistic enactment of translating the indescribable. It carries the gravity of liturgical chant, and its fixation on the infinite, but draws its weight from the earthly realm of human experience. A music that draws the listener into the present moment where they can discover themselves within the interwoven musical patterns that can come to resemble the passage of days, weeks, years, a lifetime”. (Ideologic Orgon / Bandcamp)

zugleich des offenen, ambitionierten Anfängertums – man darf sich darunter wohl (auch) so etwas wie (nicht zwangsläufig stilistisch zu verstehende) eine Rückkehr in die Anfangstage des Duos vorstellen, als O’Mallay und Anderson ihre ersten Konzerte im Alleingang spielten. Eröffnet wird der Abend von der in Stockholm lebenden amerikanischen Komponistin Kali Malone, an deren aktuellem Album “Does Spring Hide Its Joy” (Ideologic Organ 2023) u.a. auch O’Malley als Gitarrist mitwirkte. Das Konzert wird von CTM veranstaltet.

Mittwoch, 13.09.2023
Beginn 19 Uhr
Berghain / Panorama Bar
Am Wriezener Bahnhof
10243 Berlin

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hebt den Aspekt der Zeiterfahrung, speziell zu Beginn der Pandemie, hervor: “Like most of the world, my perception of time went through a significant transformation during the pandemic confinements of spring 2020. Unmarked by the familiar milestones of life, the days and months dripped by, instinctively blending with no end in sight. Time stood still until subtle shifts in the environment suggested there had been a passing. Memories blurred non-sequentially, the fabric of reality deteriorated, unforeseen kinships formed and disappeared, and all the while, the seasons changed and moved on without the ones we lost. Playing this music for hours on end was a profound way to digest the countless life transitions and hold time together”. Das Album erscheint als 3-LP und 3-CD sowie in allen digitalen Formaten. Die Vinyl-Edition ist beim Label bereits vergriffen, dürfte aber bei einigen Record Stores noch erhältlich sein.

“I have been fascinated by ancient ruins, prehistorical sites and monoliths for a long time. In the last decades, I visited many of these places around the world. I always felt this very particular fine physical energy among those ancient ruins, which interestingly opened my imagination and mind’s eye. Besides that, all these structures are footprints of a forgotten high advanced technology and civilisations. Moreover, these masses of stone often lie in alignment with astrological events and sacred geometry.
The Trilitons of Baalbek are extraordinarily special to me as they are pure evidence of technology from before the Roman period, a technology which could lift and transport blocks of stones, each weighing around approximately 900 tons (which equals approximately the weight of 900 VW Golfs, but in one piece!). To do that transportation itself today would be a huge challenge even with our cutting edge technology, if it’s possible at all.

There is a massive plateau in Baalbek made of these sized stones, on top of which the Romans built their famous Jupiter Temple, considered to be one of the largest Roman structures in the world.
Baalbek used to be called The City Of The Sun in ancient times, and I might have one theoretical question: could it be connected to the story of The Tower Of Babel?
There are many stories and theories around these mystical places. But, those stones have been just standing and waiting there in time and space throughout history. And they will be there till the end…
To make recordings as close as possible to these unique structures always triggered my mind.
When finally I could make a recording outdoor on the top of the “Stone of the South” in Baalbek, I fell into a trance kind of meditative state of mind, in that welcoming an enormous ancient energy which is present and is also captured on these recordings. Music is magical itself on many levels as it goes through all of our bodies, not only through the sensations of our ears.

As years passed, I researched Baalbek more. One of Hungary’s most significant painters, Csontváry Kosztka Tivadar (1853-1919), was also deeply touched by the same spot in Lebanon. When I dug more into Csontváry’s life story, I found many similarities between his and my personality and artistic philosophy. He was profoundly spiritual yet not religious. He was an apothecary and scientist who started to paint in his middle age only because of a transcendental impulse he received. He gave up his pharmacist career and, for the rest of his life, focused only on art and painting to fulfil his soul’s desires and not for any other earthly or egoistic reason. He never had an exhibition, and he never intended to sell any of his paintings. He became a vegetarian and an outsider of society. Towards the end of his life, he even wrote some advanced philosophical writings challenging the hidden hands behind the governments and world leaders. Unfortunately and typically, he was only recognised decades after his death. His paintings were forgotten and almost sold as canvas to cover trucks after WWII. Then, at the last minute of an auction, somebody recognised their artistic value, bought up and saved these priceless paintings, which was like a miracle itself. Csontváry is now considered to be one of the most critical and influential Hungarian painters of all time! Sometimes I wonder how much invaluable art might have disappeared through the dark times of our history.
Anyway, Csontváry Kosztka Tivadar and Baalbek gave me such deep inspiration that in 2012 I decided to travel back to Lebanon to the same ruins to Baalbek to create a ritualistic recording and try to capture that energy for myself and for forever.
I chose this rare painting from Csontváry called “Sacrificial Stone” for the album’s cover artwork. He painted this surrealistic painting in Baalbek too. No debt to me that he was inspired by “The Stone Of The South”, which became the “Sacrificial Stone” in his vision.
When I first saw that painting, I could not believe my eyes: in Void Ov Voices, I use blocks of sounds repeatedly to create a wall of sound. I could not visualise my music better than Csontváry on this beautiful painting.”

@ Ideologic Organ / @ Bandcamp