Die Stücke auf Transits, Volume 1 präsentieren eine beeindruckende Bandbreite: mal dramatisch, wuchtig und aufwühlend, mal luftig, verspielt und tastend, stets in unterschiedlichen klanglichen Schattierungen und mit wachsender Intensität. Das Album umfasst drei Werke: “Mharuva”, ein knapp dreißigminütiges Solo für Marimba, als Herzstück die “Seven Pieces for Three Percussionists” und das abschließende eine knappe Dreiviertelstunde dauernde “Continuum II”, eine meisterhafte Komposition für zwei Bassklarinetten, Perkussion und Elektronik. Mitwirkende sind unter anderem Sarah Hennies, die Klarinettistinnen Madison Greenstone und Katie Porter sowie das Bard College Conservatory Percussion Ensemble. “Transits, Volume 1″ erscheint als Doppel-CD und zum Download.

Immer wieder hört man im Hintergrund chaotisches Grollen, das der Gesamtästhetik eine unberechenbare Tiefe verleiht. Besonders eindrucksvoll ist die B-Seite mit dem zwanzigminütigen Stück “Asoko Ananda”. Diese ausgedehnte Komposition kombiniert kosmische Dröhnung, schnelle Filter-Sweeps, free-jazzige Pianoimprovisationen, Tabla-Drumming und experimentellen Gesang zu einem dynamischen Gesamtwerk, das auch auf Albumlänge funktioniert hätte. Mit Einflüssen aus Prog, Krautrock, moderner Komposition und Noise setzt Trust Masked Replicants die Tradition des in den 90er Jahren gegründeten Acid Mothers Temple fort, deren unermüdliche Kreativität und Virtuosität sie zu einer der produktivsten und interessantesten Bands der globalen Psychedelic- und Experimental-Szene gemacht haben.

Die Mitwirkenden sind:

Cotton Casino: Gesang, Astral Mama
Kawabata Makoto: Gitarren, Synthesizer, Keyboard, Speed Guru
Higashi Hiroshi: Synthesizer, Fishin’ God
Jyonson Tsu: Stimme, Midnight Whistler
Satoshima Nani: Schlagzeug, Another Dimension
Sawano Shozo: Bass, Hex Man
Jiji Lee: Tabla
Stoo Odom: Upright Bass, Melodica
Hello Skinny: Gesang

Das Album wurde in den Jahren 2021 und 2023 im Acid Mothers Temple aufgenommen, produziert, abgemischt und visuell gestaltet von Kawabata Makoto selbst. Es erscheint auf rotem Vinyl und zum Download.

alchemistisches Ritual durchgeführt und von Musiker und Studio-Legende Paul Beauchamp in zwei seitenfüllende Tracks verarbeitet wurde. Neben der Larsen-Performance standen spezielle Sound-Totems Sciaffaras sowie kulinarische Kreationen von Chefkoch Gabriele Gatti im Zentrum der Show. Als Instrumentalisten fungierten Fabrizio Modonese Palumbo, Marco “Il Bue” Schiavo, Paolo Dellapiana und Roberto Maria Clemente. “Golden Leaf” erscheint als CD und zum Download.

Weitere Informationen @ Important Records

@ Imprtant

“This album [...] demonstrates both the Toronto-based composer’s unique mastery of colour and her gift for breathing a tactile, organic quality into synthetic landscapes. Bolton’s distinctive sensibility is akin to that of a painter—every hue has been carefully mixed so as to imbue its accompanying gesture with its own life and personality. This tangible dimensionality her electronic work assumes, however, can be traced back to the work Bolton has been doing since the 1990′s. She has produced a large and varied catalogue of work that includes pieces for solo performers, chamber ensembles, orchestra, electronics, voice, and to accompany installations and films. [...] This quasi-instrumental vitality isn’t the only feature of The Lost Clock that reflects Bolton’s diverse artistic practice. It can also be heard within the structural realm. Each of the collection’s four tracks trace a patient unfolding and favour a certain roundness of timbre, even as finer details begin to fidget along the perimeter of the music. As with her writing for the concert hall, Bolton doesn’t shy away from the evocative here, yet she doesn’t pursue this poignancy through conventional, direct or quasi-narrative means. Her compositions lead the listener gradually through their impressionistic sonic scenery, but neither the path they take nor their ultimate destination are at all predictable. The ostensible gentleness each piece exudes dissolves as dissonances slowly insinuate themselves, obscure textures writhe just out of earshot, percussive lattice work materializes, or as the overall blend begins to exert a heavier weight. Her lucid-dream vision of form functions in tandem with her acute micro-level attentiveness to engender a vivid and elusive soundworld that resists classification.” (Cassauna/Important)

Rose Bolton @ Home

Man muss dazu sagen, dass die Angaben, die die Band um Fabrizio Modonese Palumbo über die Geschichte macht, nicht weit über diese kurze Zusammenfassung hinausgehen, aber das macht nichts, denn das musikalische Narrativ, das sie auf ihrem derzeit wieder rein instrumentalen Album entwerfen, lässt an emotionalem Reichtum kaum Wünsche offen. Am Ende fällt auf, dass man den ominösen Grog Vim ganz vergessen hat, aber irgendwie hat man zugleich das Gefühl, einiges über die Geschichte zu wissen.

Larsen, diesmal nur vom Swans-Drummer Thor Harris unterstützt, arbeiten mit vertrauten Mitteln, und es ist schön zu sehen, dass sie nach einer Zeit intensiver Kollaborationen mit Sängern wie zuletzt Little Annie, immer noch das können, was ihre klassischen Arbeiten ausmachte: Mit auf den ersten Eindruck recht einfachen Mitteln wie repetitiven Rockstrukturen, anrührenden Pianopassagen, spacigen Synthies und einer subtilen Steigerung von Fülle und Intensität eine Stimmung zu erzeugen, die nicht primär zur Konzentration einlädt, die aber eine fast meditative Wirkung erzeugt, wenn man die Konzentration aus eigenem Wunsch vornimmt.

In der Musik, die gerne ein bisschen wehmütig, doch nie klagend und immer genügsam rüberkommt, wirkt alles stimmig und jeder Ton scheint an der richtigen Stelle zu sitzen. Und doch gibt es eine Menge, über das man auf Grog Vims Reise von der Geburt zur finalen entgrenzten Mondfahrt stolpern kann: Treibende Snares und überraschend lärmendes Scheppern und Rauschen, zudem drängendes, disharmonisches Feedback, fast metallastige Passagen – viele Details, die die noisigen Anfänge der Band in Erinnerung rufen. Aber ebenso Schöngeistiges, das an traditionelle Instrumente aus verschiedenen Kulturen erinnert, manchmal sogar Einsprengsel, die wie das Summen menschlicher Stimmen klingen. Viele der musikalischen Motive werden auch eher „sanft“ angedeutet, wecken Assoziationen und verschwinden wieder im Fluss der weiterziehenden Musik, aber ähnlich wie bei Kafkas „Proceß“ bemerkt man das Fragmentarische nicht unmittelbar.

All dies ist schon deshalb erwähnenswert, weil es so gekonnt in den harmonischen Fluss der Musik eingebettet und auf die Reise mitgenommen wird, aber auch weil es den jeweiligen kleinen Wegstrecken, die die einzelnen Stücke darstellen, eine spezielle Kulisse mit eigenen Farben und Figuren gibt. Über den Helden muss man dabei nicht viel Worte verlieren, und Larsen haben ihm sicher nicht grundlos ein Instrumentalalbum gewidmet.

Übrigens gab ich früher immer den Alben bzw. Tracks den Vorzug, bei denen die Turiner mit Gastsänger(innen) arbeiteten. Während Larsen und David Tibet meines Erachtens nur bedingt funktionierten, überzeugten Jaboe etwa und Little Annie in diesem Kontext besonders gut, man denke nur an das Album „Le Fever Lit“ mit dem großartigen Song „Lefrac City Limits“. „Of Grog Vim“ lässt mich diesen Eindruck jedoch leicht korrigieren, nicht nur weil hier nichts fehlt, sondern auch weil die Band so ganz mit sich allein einen noch besseren Blick auf das Wesen ihrer Musik offenbart. (U.S.)

Label: Important Records

Van Wissems Kompositionen evozieren mit wenigen Handgriffen eine Aura starker Emotionalität, doch stets geht es dabei um Gefühle, die unbestimmt und andeutungshaft bleiben, die bei aller Intensität eher vage im Raum oszillieren. Wie bei vielen früheren Stücken muten die Songtitel wie lyrische Zeilen an. Zusammen mit der Musik lassen sie Ideen zu einer größeren imaginären Dichtung entstehen. Ist man der Wirkung der minimalen Akkordfolgen erst erlegen, strahlen Zeilen wie „How you must have suffered“ und „Where you lived and what you lived for“ eine von jeder Sentimentalität weit entfernte Würde aus, ebenso Titel wie „Patience in suffering is a living sacrifice“ oder das den Albumtitel übersetzende „Nothings stands between us“. Stets verschränken sich darin Zuversicht und Schmerz, Vertrauen und Leid, und zusammen entsteht der Eindruck ehrlicher Genügsamkeit, die Sinn und Erfüllung auch im düsteren Geschick findet. All dies findet sich auch in der simplen Hypnotik der Wiederholungsfiguren, die van Wissem seinem eigens für ihn gebauten Instrument entlockt.

Die Musik auf „Nihil Obstat“ darf nicht halbherzig im Hintergrund gehört werden, denn sie ist nicht heimelig und entspannend, ihre leise Schwermut ist von aufwühlender Natur und würde ohne die angebrachte Konzentration, ohne ein wirkliches Sich-Einlassen, zu einem nichtssagenden Plätschern verkommen. Gerade darin liegt das Unzeitgemäße von van Wissems Musik, die in ihrem ganzen Wesen konsequent Anti-PR ist und von einer aufgeschlossenen Hörerschaft gefunden werden will, statt sich marktschreierisch anzubiedern. Wer die entsprechende Bereitschaft aufbringt, kommt in den feierlichen Stimmung sogar in den Genuss einer fragilen Heiterkeit, die ganz dem Blake’schen Diktum „Freuden lachen nicht“ entspricht, oder lässt sich von der Aufbruchstimmung infizieren, die dem fast beschwingten „Apology“, meinem absoluter Favouriten, innewohnt.

Nihil obstat, nichts steht im Weg – ich will nicht pathetisch werden, aber ich halte van Wissems kleine Kostbarkeit wirklich für eine Musik, die Grenzen zu überwinden vermag. Und ganz nebenbei macht das Album gespannt auf seinen Score zu Jarmuschs Vampirfilm „Only Lovers Left Alive“. Dort ist van Wissem v.a. als Komponist beteiligt, und seine Ideen verschmelzen mit dem Sound ganz unterschiedlicher Interpreten.

Label: Important Records

Auf „My Only Warm Coals“ finden sich Aufnahmen, die seit Mitte der 90er in Amos’ Heimstudio entstanden sind und zunächst keinen Weg an die Öffentlichkeit fanden, bis das niederländische Morc-Label gut die Hälfte davon auf Lathe Cut 10” zugänglich machte. Mit seiner jüngst auf Important erschienenen CD-Neuauflage öffnet Amos die Archive erneut und erweitert die Sammlung um weitere neun Stücke. Aufnahmen, die spontan im Heimstudio mit geringem Aufwand entstehen, minimale Bearbeitung erfahren und nie wirklich zuende geführt werden, haben immer etwas von einem Einblick in die Arbeitsweise des Musikers, zeigen sie die Resultate doch in verschiedenen Stadien der Unvollständigkeit. Auch die hier veröffntlichten Stücke sind weit entfernt von dem Augenblick, an dem an so etwas wie Mastering überhaupt gedacht wird. Keine der neunzehn 4-Spur-Aufnahmen klingt soundmäßig besonders elaboriert, was zusammen mit der gedämpften Stimmung und der zum Teil etwas vernachlässigten Melodik einen trotzigen Loner assoziieren lässt, der verbumelt vor seinen Geräten abhängt und ein paar Regler bedient, wenn ihm danach ist. Wäre Ariel Pink nicht so ein Sonnyboy, dann gäbe es Holy Sons vielleicht zweimal. Die meisten Stücke sind recht kurz, was bei dem hypnotischen „Underdog Cringe“ durchaus schade ist. Dafür entschädigen die bislang unveröffentlichten Songs „Aged Wine“ und „Things on my Mind“ mit ungewohnt schrammeligem Morricone-Folk.

Raue Gitarren sorgen ansonsten momentweise für Doom-, Blues- oder Americana-Feeling, das stets in Andeutungen zum Zug kommt und durch den improvisierten DIY-Charakter eine deutliche Brechung erhält. Gelegentlich füllen zittrige Orgelspuren die Löcher des grobkörnigen Klangbildes, und Amos’ eigentliches Handwerk, die Drums, sind an manchen Stellen auffallend nach vorn gemischt und erscheinen beinahe wie ein ironischer Selbstkommentar. Sehr persönlich ist wohl die Auswahl an Filmsamples, wozu es hier einen ganzen Artikel gibt. Dem Titel entsprechend müssten Amos’ Achive jetzt leer sein. Doch Gerüchten zufolge existieren noch Unmengen an Outtakes, und sollte Amos ein weiteres mal ein so gutes Händchen beim Zusammenstellen beweisen, dann darf man – als passionierter High End-Verächter – weiterhin gespannt sein.

Label: Important Records

Da mir das Werk des in Kanada lebenden Melnyk nicht bekannt war, kann ich die Frage, welcher der beiden Musiker auf „The Watchers“ stärker präsent ist, nur unzureichend beantworten, allerdings hätte ich beim Hören mit verbundenen Augen sofort Blackshaw herausgehört und vermutlich erst nach einiger Zeit überlegt, ob es sich dabei um eine Kollaboration außer der Reihe handeln könnte. Das gewollt unakkurate und immer leicht versponnen wirkende Spiel des Briten, das meist etwas improvisierter wirkt als es ist, knüpft an den Faden seiner früheren Arbeiten an. Wieder, am stärksten vielleicht beim einleitenden „Taschenter“, entstehen in gewissen Abständen kratzige Droneeffekte, die der genügsamen, bisweilen traumartigen Stimmung nur scheinbare Dissonanzen entgegenhalten, mit der Zeit allerdings für ein Klangvolumen sorgen, das einen die Fata Morgana einer Band mit Streichern u.a. imaginieren lässt. Blackshaw Gitarre nimmt quantitativ den größten Raum ein, bildet mit seinen repetitiven Mustern Rahmen und Hintergrund. Auf dieser Grundlage setzt Melnyks Piano präzise Akzente, markiert einzelne Punkte von starker Deutlichkeit.

Bei „Venat“, das einige der dynamischsten Momente bereithält, steuert Blackshaw einen einlullenden, aber zugleich auch den beweglichsten und wandelbarsten Teil bei, während das Piano mit seiner zurückhaltenden Markanz eine Art Ruhepol darstellt. Darüber hinaus bringt es über die einfachen, in Ansätzen romantischen Melodien ein „songhaftes“ Moment ein, das jeder Abstraktheit entgegen wirkt. Dieses Spannungsgefüge bleibt unlösbar, auch im meditativen Charakter von „Sateis“ und im finalen „Haftorang“, das vielleicht aufgrund seiner weniger dynamischen Tonfolgen einen eher dunklen Ausklang bildet, fusionieren die beiden instrumentalen Stränge nie ganz. Dies hat seinen Reiz und muss dem Album keineswegs, wie an anderer Stelle etwas besserwisserisch an den Haaren herbeigezogen, als Nachteil angekreidet werden.

Label: Important Records

Es enthält sechs Songs in zyklischer Anordnung, bei der jeweils zwei verspielte Gitarrenstücke ihre Antwort in einer geerdeten Klavierkomposition finden, was erneut der schon vor Jahren gefallenen Entscheidung, das Instrumentarium in diverse Richtungen auszuweiten, Rechnung trägt. Im Unterschied zu den meisten früheren Aufnahmen verzichtet Blackshaw diesmal auf den markanten metallischen Klang der zwölfsaitigen Steel Guitar und greift bei den entsprechenden zwei Dritteln auf eine gängige sechssaitige Nylongitarre zurück, die einmal (vielleicht ganz passend zum Albumtitel) von Blackshaws Idol Robbie Basho als perfektes Instrument für Lovesongs bezeichnet wurde. Seinem im Bluegrass ebenso wie in der klassischen Minimal Music wurzelnden Fingerstyle ist er dabei aber weitgehend treu geblieben. Der mantraartige Minimalismus, der sämtliche Arbeiten des Künstlers zumindest vordergründig prägt, entfaltet sich auch hier bereits auf dem eröffnenden Titelstück und könnte schon in den ersten Minuten eine einlullende Hypnotik hervorrufen, wüsste Blackshaw dem nicht mit vielen Ungereimtheiten entgegen zu wirken, die sich permanent im Kleinen ereignen, und die das Stück letztlich so ambivalent und unklassifizierbar machen wie der von Aufbruch, Erfüllung und Endlichkeit zugleich kündenden Titel: kleine Tempuswechsel, bei denen sich die Bewegung des Songs kurz aufstaut, kurze Pausen bisweilen und sogar Atemgeräusche, die das vordergründig so sehr an der Struktur orientierte Klangbild konterkarieren.

Der folgende Titel „Her Smoke Rose Up Forever“ impliziert Großes, Episches, und der Song entpuppt sich als noch fließender und erfüllt sogar für Momente die in Erwartung gestellte Hypnotik, wie eine unendlich scheinende musikalische Reise durch krautiges Fingerpicking, für immer und doch im Perfekt, von einem Kollegen bereits als Übertritt in ein Jenseits gedeutet, als endlos dröhnendes Stirb und Werde. Besonders hier registriert man auch den Schatten des „UrShadow“, vielleicht der Song von Current 93, dem Blackshaw als einer der Gitarristen der Band am meisten seinen eigenen Stempel aufgedrückt hat. Sanfte Tupfer leiten über in das erste Pianostück, das sehr stimmig auf die beiden Opener reagiert, im Titel ebenfalls von einer Reise kündend, die, trotz oder wegen ihrer eher zufälligen Richtung, sogar ein Ziel anstrebt und erreicht. Vielleicht wirkt „And I Have Come Upon This Place By Lost Ways“ schon deshalb eher maßvoll und kontemplativ statt verspielt und hypnotisch. Das ist insofern interessant, da die Motive den Gitarrenkompositionen durchaus ähneln, bloß etwas verhaltender und konzentrierter gespielt werden. Nach einigen wortlosen Stimmbeiträgen auf früheren Aufnahmen ist der Einbezug von Lyrics hier ein richtiges Novum. Geneviève Beaulieu, selbst Sängerin in der Metalband Menace Ruin und im Akustik-Drone-Projekt Peterite, verwandelt das Stück durch ihre getragene Vortragsweise in einen wehmütigen Torch Song, der von der Melodie her an Musik der Renaissance erinnert. Wenn man will, kann man hier die Brücke zu Blackshaws unter dem Namen Brethren Of The Free Spirit erfolgte Zusammenarbeit mit dem Lautenspieler Jozef van Wissem sehen.

Mit „We Who Stole The Dream“ beginnt der Zyklus von neuem, der Fluss der verspielten Saiten durchquert Bereiche, die auf ihre traumwandlerische Art an rauschhafte spanische Gitarrenmusik erinnern, beim kürzeren, liedartigen „A Momentary Taste of Being“ schleichen sich hoffnungsfrohe Momente ein, gegen Ende begleitet von einer Orgel. Doch auch hier hört man den Musiker selbst, wenn seine Finger über die Saiten gleiten und das typische Geräusch von sich geben, das immer wie ein Versehen wirkt und einen denken lässt, man hören ihn live. “The Snows Are Melted, the Snows Are Gone” ist mit seinen sukzessive gesteigerten Figuren auf dem Flügel der perfekte Abspann – ernst und streng wirken die Akkorde, und doch lässt Blackshaw die kleinen aber markanten Melodiebögen immer wieder los, bis zum Schlusspunkt, der versöhnlich klingt, und doch ohne falsche Harmonieversprechen auskommt.

So wie literarische Referenzen immer die Rezeption einer Musik mitprägen, werden die Kompositionen Blackshaws nun sicher auch neue Assoziationsräume wecken, wenn ich mich demnächst einmal mit Alice B. Sheldon und ihren dystopischen Fantasien beschäftigen werde. Eine souveräne Abgeklärtheit und auch viel Raum für Schönes könnte ihnen durch einen solchen Score beigegeben werden. Aber das ist im wahrsten Wortsinne Zukunftsmusik.

Label: Important Records