dieses unklassifizierbaren und zeitlosen Avantgardekünstlers werfen. In der drücken sich rumpelnde Detonationen, tief brummende Saiten, um Atem ringendes Hecheln, aufgeweckte elektronische Takte, coole Rezitation, und natürlich die je nach (un)passender Gelegenheit smoothen oder hektischen Striche, die der Meister mit seiner Trompete über fast jede Szenerei malt, die Klinke in die Hand. Das Werk wurde von Vincent Epplay abgemischt. Es gibt außerdem die Möglichkeit “Boîte Boîte” in einem Bündel mit “Zilveli Villa”, einer drei Tracks beinhaltenden 7″-Single, die Berrocal zusammen mit Epplay und David Fenech produziert hat, zu bestellen.

ebenso wie ein Stück aus “Transcodex” des Trios Jac Berrocal, Vincent Epplay, David Fenech. Ferner ein Auszug aus dem Arkaoda-Album von Damo Suzuki & Spiritczualic Enhancement Center sowie ein Stück aus “One Butoh” von Fuji-Yuki. Weiter Acts sind Kadef Abki, Ega Faune, Tasos Stamou, Evan Crankshaw & The Dead Mauriacs und Dada Black Sheep.

Wieder erkennt man den Stil des Trios, die leicht gedubbte, cool-verspielte Mixtur aus straightem Punk’n'Wave und angejazzter Improvisationsmusik schnell, auch wenn die erneut von Studiolegende Noel Summerville gemasterten Tracks diesmal noch ein gutes Stück eingängiger vor sich hingrooven. Auch wenn das Verhältnis aus eingängigem Popcharakter und verqueren Details kein Versteckspiel ist, machen die doppelten Böden der kompakten Stücke doch Spaß. Meist sind sie durch straighte Rhythmen in einen klaren Rahmen gepackt, der Platz lässt für manch wilde Entgrenzungen.

Im Opener “Going Nowhere” ist dies v.a. die leicht elektrifizierte Verzerrtheit ins Surreale, die dem bouncing Takt und der schallgedämpften Trompete einen verqueren Subtext verpasst, nicht unähnlich dem verdrehten Lounge-Vibe auf Nurse With Wounds “Huffin’ Rag Blues”. Im Titelsong, der von pochenden Beats und orientalisch anmutenden Bläserparts in Bewegung gehalten wird, sind es verhunzte Stimmen und untergründiges Rumpeln in allen erdenklichen Klangfarben, und wenn irgendwann eher plötzlich die Trompete mit hellen Klecksen in die Szenerie grätscht, wird klar, dass der Song voller Fragezeichen steckt. In anderen Tracks kollidiert murmelnder, unheilverheisender Sprechgesang mit der smoothen Trompete oder kratzige Gitarren mit entrückten Synthies.

Entgegen der verbreiteten Gewohnheit wurden die besten Stücke nicht gleich an den Anfang gepackt, und so finden sich ab der Mitte des Albums einige Perlen. Die können noch recht dezent rüberkommen wie der spannungsgeladenene Ambienttrack “Officer”, bei dem die Trompete bezeichnenderweise wie eine Polizeisirene klingt, oder wie “Vetiver”, dessen Falsettgesang und postpunkige Loops so trocken und spröde sind wie das grausig riechende Harz, das dem Song den Namen gab.

Sie können aber auch zu echten Krachern geraten. Die ethnolastigen Handdrums in “Chiroptera” beginnen recht lässig und steigern sich zu einem polyrhythmischen Kraftakt. Das eigentliche Highlight ist allerdings “Fuis Le Feu”, das wie eine schweißtreibende Hommage an die Cramps und Link Wray klingt, bei der sich Meister Berrocal in einen flüsternden und krächzenden Legendary Stardust Cowboy verwandelt. “Exterior Lux” ist auch eine launige Feier der wildesten Stilzitate.

Wenn Berrocal im abschließenden “Je Me Suis Endormi” mit ruhiger Stimme eindringliche Worte spricht für die, deren Französisch die Feinheiten erfassen kann, ist das ein durchaus freundlicher, aber auch nicht zu gefälliger Ausklang, den ich gerne als weiteren Cliffhanger betrachte.

Label: Klanggalerie / Akuphone

“Ice Exposure” setzt da an, wo die drei vor fünf Jahren mit “Antigravity” einen vorläufigen Endpunkt setzten: Nächtlich anmutende Klangsettings, oft wuchtig und feinsinnig gleichermaßen, bilden die Kulisse für Berrocals schallgedämpfte Trompete, die oft wehklagend, bisweilen rasend und auch immer mal in besinnlichen Tönen sämtliche Register ihres Repertoires zieht.

In einem Stück wie “Lisiere Island” lässt ihr abgeklärtes Spiel eine fast heimelige Desolatheit entstehen, wenn sie mit dem Hauch einer weiblich klingenden Stimme verschmilzt. Doch verhindern das Dröhnen des Feedbacks und das Zischen der malträtierten Becken jedes eskapistische Abdriften in der abgedunkelten Hörspielwelt. In “Car Havana Midi”, in dem Berrocal mit hallunterlegter Stimme einen Text über Oldtimer-Autos vorträgt, bei dem Pathos und Inhalt kontrastieren, sorgen pfeifende Hochfrequenzen dafür, dass man die beschriebene Welt nicht für allzu wirklich hält. In der bissigen Satire “Blanche de Blanc” treibt eine elektronische Lärmlawine den Text über eine weißgewaschene Welt vor sich her, während Affengelächter das Ganze passend kommentiert. In manchen Tracks kulminiert die Musik in puren Noise. Mal ist es das schrille Fanal der Trompete (“Equivoque”), mal ein Strudel durcheinander gewirbelter Sounds (“Why”, “Check Sound Check”).

Doch das ist nur eine Art, wie Berrocal, Fenech und Epplay auf die titelgebende Eiseskälte reagieren, denn “Ice Exposure” hat mehr als genug feinfühlige Momente: Der verspielt-melancholische Texmexsound zur sentimental klagenden Melodie in “Salta Girls” ist beinahe so berührend wie Berrocals erschöpfte “Welcome to my destruction”-Shouts im rumpeligen Post Punk von “Sound Check”. Fast unscheinbar bildet die Interpretation von Ornette Colemans “Lonely Woman” den Höhepunkt, bei dem selbst berstendes Glas das sanfte Lamento nicht von seinem Weg abbringt.

“Ice Exposure” erschien vor einigen Monaten als LP bei Blackest Ever Black und ist nun als CD mit zwei Extra-Tracks über Klanggalerie erhältlich.

Label: Klanggalerie

Mit Klos im Hals brüllt und grummelt sich Emmanuel Hubaut durch kratzige Hörspielszenarien aus knarrenden Bässen und launigen Twangs, durch brummende Motoren, rückwärts gespielte Passagen und Springteufel in Form einer jungen Dame namens Carolin Popenberg, die etwas über Insekten ins Mikro schreit – und kommentiert all dies mit einem nonchalanten „C’est deluxe“. Dabei ist alles drecking genug, um nicht trendy verhipstert rüberzukommen. Suicide, Bauhaus, Link Wray, die Cramps und die Long Tall Texans scheinen gleichermaßen Pate gestanden zu haben, doch ganz sicher ist man sich dabei nie, denn immer, wenn man glaubt, auf vertrautem Boden zu stehen, wird einem dieser unter den Füßen weggezogen, und alles ist wieder offen, unsicher und viel verheißend.

Keine Frage, dass die Hubauts ein ausreichendes Maß an Liebe für den Rock aufbringen, den sie hier nach Herzenslust zersägen und zergrunzen, weshalb sich all die schrägen Arrangements – statisch zombifizierte Surfrockmotive kombiniert mit nervigem Computerkitsch, nach NDW-Art gehauchtes „eins, zwei, drei“ und „alles klar“ vor einer schwülheißen Rockabilly-Kulisse und überhaupt: Spoken words und Rock’n'Roll – nicht abnutzen und, nachdem die Wirkung der (zumindest halben) Persiflage abgeflaut ist, immer noch als gute Musik funktionieren. Und so scheint die Message in dem berühmten dramatischen Monolog, um den der Titelsong gebaut ist, nämlich dass letztlich alles möglich ist, auch hier Programm zu sein – „a rock’n roll session is a session where we can do what we want to do“.

Auch wenn die Erschöpftheit des Gesangs bisweilen ansteckend wirkt, sollte das Album all denen gefallen, die bei Wörtern wie Lofi, Mashup, Postpunk, Retrofuturismus und der gleichen keinen Ausschlag bekommen. Wer sich das Ganze etwas elektronischer vorstellen kann, dem sei die Bonus-CD ans Herz gelegt, auf der Plateau Repas, Margritte Jaco SPAAM, Oberst Panizza, Dear Deer, The Hollow Man und andere Freunde der Band ihre Lieblingstücke nach eigenem Gusto interpretieren. (U.S.)

Label: Meidosem Records / Cleopatra Records

Die Doppel-LP ist allerdings weder eine Best of, noch ein Konzertmitschnitt oder eine Sammlung von exotischen Versionen einzelner Stücke, sondern etwas, das ein bisschen was von all dem und mehr beinhaltet – „Dark Fat“ ist eine opulente Bricolage aus unzähligen Mitschnitten, die Waldron über Jahre hinweg bei Konzerten und im Studio, beim Komponieren und Improvisieren, beim Plaudern und Probehören aufgezeichnet hat. Schön ist, dass das Endprodukt – im Unterschied etwa zu Current 93s „The Great in the Small“, das einer verwandten Idee entsprang und mehr ein akustisches Suchbild darstellte – durchaus als eigenständiges Album durchgehen kann. Auf diesem sind dann auch zahlreiche Gastmusiker zu hören, u.a. reichen sich Stephen O’Malley, David Tibet und Attila Csihar das Mikro in die Hand, und selbst jemand wie der in den letzten Jahren wenig zu hörende Andrew MacKenzie ist zu hören – alle natürlich ohne nachträglichen Einfluss auf die finale Gestalt als weiteres Soundmaterial mit verwurstet.

Da die einzelnen Versatzstücke meist im provisorischen Stadium aufgezeichnet wurden und auf Konzerten von NWW ohnehin nicht einfach Album-Tracks runtergespielt werden, ist auch für den Kenner nicht alles bekannt und das Bekannte längst nicht einfach zu erkennen. Was jedoch durchweg erkennbar ist, ist die typische Handschrift der beteiligten Musiker, allem voran natürlich Stapleton, dessen von grotesker Komik durchdrungene Ideen der Grund sind, warum Nurse With Wound nie einfach eine weitere experimentelle Band waren, sondern große Entertainer, und so hat auch „Dark Fat“ diesen typischen dunklen Sound, in dem drahtiges Rasseln, Tierstimmen und lasziv hauchende Frauen durcheinander gemengt werden, und der von Effekten lebt, die schwer zu beschreiben und doch leicht als Nurse With Wound-Sound zu erkennen sind.

Schon die ersten zehn Minuten sind ein Panorama der bekannten und doch stets in Veränderung begriffenen NWW-Parallelwelt. Auf ein Bett aus molligem Rauschen und durcheinander schwimmender Klangdecken räkelt sich eine ebenso verführerisch wie wahnsinnig klingende Lynn Jackson, die man vom „Huffin’ Rag Blues“-Album her kennt, ein jazziges Xylophon sorgt für stilvolle Gemütlichkeit, doch ständig erwartet man, das die Sängerin, die von Haus aus eher dem Folk zugeneigt ist, sich in die Lady in the Radiator oder in eine surreale Vampir-Lady aus einem Jean Rollin-Film verwandelt. Und natürlich erweist sich die softe Traumsequenz schon bald als Trugbild, entpuppt sich als wirrer, albtraumartiger Strudel aus altbackenen Rocksoli, röhrenden Feedbacks, verzerrten Stimmen und hektischen Beats.

In der Folge reiht sich allerhand Typisches an Überraschendes: Ein ins Tenorsaxophon schmetternder Eberhard Kranemann trifft auf eine NWW-typische Bricollage aus drahtigem Blechrasseln und tremolierenden Ambientsounds. Mandolinen, Klarinetten und diverse exotische Instrumente haben ihre Momente, an Triphop erinnernde Downtempo-Rhythmen werden von soghaftem Lärm absorbiert, eine nymphomanische Diana Rogerson krakeelt wie seit ihrem Album mit Andrew Liles nicht mehr, und die aggressiv fauchenden Raubtiere oder die wie Bären knurrenden Maschinen stammen sicher ebenfalls aus dem Hause Monster-Liles. Beinahe ein Bonus ist „Rock’n Rolla 1959“, eine von Jac Berrocals Textvortrag dominierte Variation des berühmten „Rock’n'Roll Station“, dessen Motive mit etwas mehr Wiedererkennungswert noch einmal für den Ausklang Verwendung finden.

In erster Linie ist „Dark Fat“ tatsächlich ein veritables Album geworden, dessen Bricolage-Charakter natürlich keinen Unterschied zu ähnlich gearteten NWW-Platten von „Sylvie & Babs“ bis „Huffin’ Rag Blues“ darstellt, und wenn mir nichts Spektakuläres entgangen ist, dann ist das Album das beste seit den Zusammenarbeiten mit dem verstorbenen Graham Bowers. Als Zusammenfassung einer Phase der Bandgeschichte bringt es sehr viel Typisches unter einen Hut, allem voran auch wieder den schalkhaften Touch des Bizarren, der stets mit fingerschnippender Beiläufigkeit auf den Plan tritt, ganz ohne grelle Leuchtschilder, die mit einem Stöhnen oder einem Schweinegrunzen zuviel den Esprit nur entwertet hätten. (U.S.)

Label: Dirter/United Jnana