“When I was child I had two recurring dreams. Both these dreams were tethered to the house I lived in. It was a ram-bling home which was high set but underneath it was largely unfinished. The underside of the house was a labyrinth of small rooms, concrete pits and a collection of building materials, piping and leftover furniture sat alongside beds of dirt that had a consistency of lunar dust. The first recurring dream was of a burning bird, falling from the sky past the kitchen window in the early hours of the morning. The bird I’m pretty sure was some devolved version of a tabernacle candle, that shape of the twisted eternal flame often symbolised with twitching wings. This dream has never returned to me as an adult, though I can vividly recount it.The second dream has recently emerged, albeit a distant hazy reference to the tangible intensity that I experienced when I was younger. This dream was one buried deep within the labyrinthian, unfinished features that existed under my house. The dream usually started with me playing on the lunar dirt and gradually a sound would emerge from a large concrete pit that was in the centre of the space. The sound would get louder and eventually I would have to go and inspect it. It called me in, there’s no other way to describe it. As I looked into the pit, there was always some kind of hatch, often resembling a pressure door, the type you might see in a Submarine film, and the sound would em-anate from underneath that hatch. It was also a throbbing, hammering type of sound, deeply diminished and buried, like hearing bass music from a car parked up the block. Inevitably, I would twist open the hatch and inside it was a mechanical world that today brings to mind the interior psyche of Tetsuo The Iron Man. It was dark, almost entirely duotone, shaded in heavy grey and black, and wet with a thick, humid, oil like moisture. As I climbed into the hatch and down the ladder (there was always a ladder too) the pressure of the sound increased and it was as if my whole body was being consumed by this monolithic subterranean machine.

I never got to understand what the machine did, or if in fact it was a machine at all, the system was never revealed, but what I was made to feel was that there was something beyond my usual understanding that forged away night and day and was infinitely more powerful and commanding than I ever could comprehend.I was surprised that, over the past year, this dream has returned to me. Perhaps it’s a result of the general quietening of the world and that innate way our ears can open up to even the most subtle acoustic shifts when we are sleeping. Remote sounds, usually hidden in the din of the urban nightscape, were filtering into my dreams and triggering some kind of speculative consciousness. This post-hypnogogic state ushered in a return to that imagined place from my childhood dreams, but simultaneously I was never allowed full access to that place, rather it felt more reserved. I could not enter it in the same way, even if the hatch was there, I was not the same mind and could not unlock it in the same way.Last year, I mentioned this dream to Jamie, and he too reported unsteady sleep patterns. This got us to thinking about how the dynamics of the world have recently shifted towards the emergence of the natural world. Equally though it has shifted in favour of its shadow; those ongoing industrial, mechanical and other acoustic by-products of human (and unhuman) labour reach out from the hushed ambient noise floor. What is usually soaked up in the everyday (sub)urbanscape has been exhumed and in these particular moments it haunts us from a distance, an exterior force that unlocks interior uncertainties. This music is transposed of this experience and is written for those moments were consciousness is arguably speculative.” (Lawrence English)

@ Room40

Auf eine gewisse Weise gibt “All About Satan” nicht nur das Bizarre, sondenr auch die schiere Unübersichtlichkeit des Gegenstandes wieder, denn im Verlauf des Albums reihen sich musikalische, textliche, bildliche und filmische Zitate (die nicht zwangsläufig mit dem Teufel zu tun haben müssen, mit Palumbos Idee dazu aber in Bezug gesetzt werden können) aneinander, und bei der Suche nach dem musikalischen Ort des Ganzen sieht man sich so mancher Finte ausgesetzt. Mag der kleinste gemeinsame Nenner auch die grosteske, bisweilen schalkhafte Düsternis sein, so manifestiert sich diese jedoch in äußerst welchselhafter Gestalt: schwere Drones und infernalischer Soundbrei, gruselige Kinderstimmen und grummelige Spoken Words, groovige Jazzklänge und Black Metal-Gekeife – all dies reicht sich hier die Hand, um die Gestalt des Albums in steter Transformation zu halten.

Dabei beginnt zunächst alles so trügerisch schön mit dem shmoothen Bowie-Cover “Five Years” und Palumbos Stimme, die ganz nah am Ohr und ultrarelaxt die Zeilen zu stilvollen Twangs vorträgt, doch schon dieses intime Idyll wird konterkariert durch anstrengende Backing Vocals und eher störendes Pfeifen und Rattern. Gerade die stärksten Songs leben von dieser ständigen Gratwanderung zwischen Wohlklang und Disharmonie, in der hypnotisch pulsierenden Interpretation des Klassikers “Bolero Triste” sind es unheilvolle Schleif- und Kratzgeräusche, die nach einiger Zeit jedoch mit einer groovigen Orgel verschmelzen und in eine orientalisch anmutende Melodie übergehen. Weitere atmosphäriche Highlights sind die um eine Rede aus John Boormans Film “Zadok” gebaute Perkussionsnummer “Oslide Sint Verlac Pink ” und “Moira’s Hands”, das mit einer Sopranstimme und einem pittoresken Wolkenbruch die Stimmung von Gothic Horror-Filmen a la Sergio Martino in Erinnerung rufen.

In all seinen schwierigen und grotesken Seiten ist “All About Satan” allem voran eine gelungene Kraftplatte, für die (r) und für den Feinschliff der immer zu Unrecht als Softie verschriene Jamie Steward (Xiu Xiu) Anerkennung verdienen.

Label: Cheap Satanism Records

Ein vielbeschäftigter Mann also, bei dem die Grenze zwischen Dichtung und Wahrheit fließend ist – was würde da besser passen als eines der vielen Chill-, Witch-, Ghost- oder Drag-Genres, die ich nie wirklich zu unterscheiden gelernt habe, weil es auch ohne Belang ist. Toni sah das ähnlich und hat mit „Theta“ ein Album aufgenommen, mit dem er vor zwei oder drei Jahren mit all den Salems und Ritualz in einem Satz genannt worden wäre. Was rechtfertigt nun heute noch ein Album dieser Art, was sind die Alleinstellungsmerkmale des maskierten Mannes?

Es wäre mühsam, an der Stelle die asiatisch anmutende Perkussion in einem der rhythmischeren Stücke anzuführen, die schon bald mit Lärmsalven verschmilzt, bevor sie von einem hauchigen Frauenchor begleitet (vermutlich Toni selbst) hinter der beschlagenen Glasscheibe eines geschmeidigen Drones verschwindet. Ähnliches gilt für die kräftigen, testosteronhaltigen Vocals, die dem atonalen Chaos des „Muo“ betitelten Stücks die Krone aufsetzen. Auch die unpolierte Metallperkussion, bei der man unentschlossen bleibt, ob man an die Neubauten oder Offizine Schwartz, oder doch eher an ein Pop-Quartett aus dem englischen Basildon denken soll, bilden da kein Kriterium – zu sehr zählt das Anverwandeln von so ziemlich allem, was die Regale des popgeschichtlichen Warenhauses füllt, zu den Standards solcher Musik, auch das Passendmachen von (vermeindlich) Unpassendem. Vielmehr demonstriert „Theta“ mit diesen und anderen Zutaten, dass es auch bei einer gestern gehypeten Musik nicht immer um die Frage der immer noch möglichen Innovation gehen muss. Mit allzu Typischem – glatte, verhallte Synthies, Eispickel-Rhythmen und monotone Handclaps – hält er sich ohnehin nur wenig auf, und so sind es auch eher die urigeren Momente, die überzeugen. In „Noeo“ weiß er, wie man mit Reduktion Spannung erzeugt, nervt zwischendrin ein wenig mit trashigen Plastiksounds und belohnt mit einer Fabriksymphonie, bei der man unweigerlich an einschlägige französische Industrial-Pioniere denken muss. Und wer weiß, vielleicht sind die mythologisch/astronomischen Anspielungen ja viel ernster gemeint, als man denkt.

Das Album wurde mit kompetenter Unterstützung von Jamie Stewart (Xiu Xiu) fertiggestellt und ist in einer Auflage von 300 schwarzen Scheiben erschienen. (U.S.)

Label: Boring Machines

All diese Referenzen spielen auch eine Rolle im neuesten Werk des Amerikaners Jamie Steward und seiner Band XIU XIU (ausgesprochen „Schuschu“), zu deren von Album zu Album beinahe konsequent fluktuierender Besetzung neben der neuen Kopilotin Angela Seo nun auch einige graue Eminenzen aus dem Zentrum von DEERHOOF und COLD CAVE, sowie aus der Peripherie von John Zorn und Carla Bozulich zählen. Steward ist einer dieser Sänger, die am Mikro unmissverständlich um Erlösung flehen, die diesem Anliegen gegenüber empfundene Skepsis aber zugleich mitliefern. Dies zeigt sich schon auf dem bereits als Single ausgekoppelten „Grey Death“, und wer eine derartige Gesangsattitüde nicht schätzt, könnte das schnell weinerlich und entkräftend finden. Hörer, die die mittlere Schaffensphase von THE CURE in Ehren halten, könnten jedoch an der Kombination aus trotzig-traurigen Vocals, akustischem Intro, dezenten Postpunk-Riffs und gelegentlich wie verzweifelt malträtierten Drums, deren Bearbeitung beileibe nicht kraftvoll klingen will, ihre Freude haben. Ähnliches ließe sich auch zum Titelsong sagen, bei dem Jamie beinahe wie ein Hybrid aus Robert Smith und Martin L. Gore seiner sanft-dunklen Stimme ein leichtes Tremolo verpasst und zu einer Mixtur aus leicht dumpf klingendem Postpunk-Instrumentarium und dezent eingeflochtenen Computerspielsounds einem Weltschmerz Ausdruck verleiht, der nicht aufgesetzt wirkt. Texte und Musik verhalten sich, trotz einer beachtlichen Vielfalt, harmonisch zu einander. Neben den etwas allgemeineren Leitmotiven wie einem von Widersprüchen geprägten (neurotischen) Selbsthass und schmerzhaftem Weltzweifel stehen die ambivalente Beschäftigung mit dem eigenen Körper im Zentrum des lyrischen Interesses. Etwas profaner könnte man auch sagen, dass es in einigen Stücken um Bulimie und Anorexie geht. So beispielsweise in dem bitter ironischen „Chocolate“, dessen virtuose Dynamik nicht verspielt wirken will, sondern vielmehr einer Ausgelassenheit der Verzweiflung Ausdruck verleiht. Oder auch im Titelsong, dessen abstraktere Lyrics erst durch den bereits oft kommentierten Videoclip (so etwas wie ein fieser Antipode zu Johnny Depp und Juliette Binoche in „Chocolat“) mit der entsprechenden Semantik aufgeladen werden. Man kann dies, wenn man so will, als musikalisches Pendant zu Autorinnen wie Karen Duve und Marlene Streeruwitz oder zumindest zu Teilaspekten ihres Werks betrachten, man muss aber vielleicht auch gar kein so großes Brimborium darum machen, denn das Thema findet konstante künstlerische Umsetzung, und wird auch hier bloß ein weiteres Mal solide ins Werk gesetzt. Xiu Xiu wollen nicht schockieren oder demonstrativ originell sein, sondern einfach sagen, was es zu sagen gibt. Man könnte noch einige Höhepunkte besonders herausheben, genannt sein sollen noch das dronige „Impossible Feelings“, das mit Chorgesang angereicherte „This Too Shall Pass Away (For Freddy)“ das Traditional „Cumberland Gap“, bei dem dann auch ein Banjo zu hören ist, oder nicht zuletzt auch die hermetische Hommage „The Fabrizio Palumbo Retaliation“ – der unermüdliche Turiner Bassist Palumbo ist vor allem durch Bands wie LARSEN und BLIND CAVE SALAMANDER bekannt und kollaborierte bereits mit Steward unter dem Projektnamen XXL (Xiu Xiu Larsen).

„Dear God, I Hate Myself“ ist ein Album voller Emphase und voller Aufbegehren. Dass Sturm und Drang allerdings in jeder Note durch einen ebenso trotzigen Fatalismus konterkariert werden, macht die unauflösbare Spannung des hier verhandelten Schmerzempfindens aus und zielt ins Zentrum der einleitend genannten kulturellen Referenzen. Wer also noch nach einer wirksamen Medizin gegen die derzeit virulenten Frühlingsgefühle sucht, der sollte beim Apotheker seines Vertrauens nach der neuen Xiu Xiu fragen. (U.S.)