Auch wenn man sich mit experimenteller japanischer Musik befasst, unter der das fettestgedruckte Schlagwort sicher nach wie vor Noise ist, könnte man den Eindruck bekommen, dass es sich dabei weitgehend um Männerdomänen handelt – eine Klischeevorstellung letztlich, denn sobald man sich unter der üblichen medialen Wahrnehmungsgrenze umschaut, wird man auch in den abseitigeren Klangkünsten einige interessante Musikerinnen finden. Vermutlich war es auch diese Unterrepräsentiertheit, die die Kuratoren der vorliegenden Compilation dazu bewegte, einen Querschnitt interessanter japanischer Experimentalmusikerinnen zu präsentieren. Titel und Untertitel erinnern an den vor hundert Jahren stattgefundenen Diskurs, und auch die Musik reicht auf Referenzebene bis in diese Zeit zurück.

Noise in brachialer Form, wie man ihn hierzulande gerne mit Japan assoziiert, findet sich kaum in der kleinen Anthologie, vielleicht um den Fokus mehr auf subtile Herangehensweisen zu legen. Als Stilmittel innerhalb einzelner Stücke spielt Lärm aber eine nicht zu unterschätzende Rolle. Vielschichtiges Rauschen und Prasseln sowie hohe Sinustöne überdecken irgendwann den an einen Countertenor erinnernden Gesang Fuji Yukis, und auch wenn sich die verschiedenen Soundschichten immer neu verschieben, stellt sich irgendwann eine monumentale Wirkung ein. Auch bei Kiki Hitomi droht der schleppende Takt und der unheimliche, an ein zombifiziertes Weihnachtslied erinnernde Gesang unter einer Schuttlawine begraben zu werden. Eher verspielt wirken dagegen die Radiosamples und Effekte der in Düsseldorf lebenden Miki Yui.

Einige Beiträge beinhalten Referenzen auf ältere Musik klassischer oder populärer Art, was selbst durchaus Tradition hat, wenn man bedenkt, dass Künstler wie die Group Ongaku schon in den 60ern im Zeichen des Fluxus traditionell japanische Klänge mit Geräuschen des Alltags kombinierten. Mikado Kiko etwa samplet eine Aufnahme des bekannten Songs „Fukagawa Bushi“ aus den 20ern, bei der die Sängerin und Geisha Fumikichi Fujimoto (1897-1976) in anrührender Art und mit Saitenspiel begleitet eine Kriegsgeschichte in einen Song packt. Exotik, die man in die alte Aufnahme projizieren könnte, wird in Mikado Kikos Palimpsest jedoch nicht durch lärmende Verfremdung, sondern durch groovige Dubstep-Rhythmen durchbrochen. Kakushin Nishihara kontrastiert monotones Saitengeschmetter mit drängenden Vocals und einem Fundament aus rauem Noiserock, wohingegen Kuunaki – ein Trio, zu dem die Noise-Musikerin Yuko Araki zählt – mit Rasseln, Pauken und einem kraftvoll-melodischen Gesangspart zum Kampf trommeln. Martialisch geht es auch in Keiko Higuchis Version des traditionellen Songs „Okesa Bushi“ zu, dass übersetzt „Nähende Kriegerinnen“ heißt. Schleppende Klavierakkorde und eindringlicher Gesang steigern sich zu einem furiosen Crescendo, dass all die Kämpfe, von denen diese Musik kündet, noch einmal Revue passieren lässt.

Thematisch knüpft der Sampler ganz gut an die Anthologie „Art of the Muses“ (Syrphe Records 2012) an, die z.T. ähnlich geartete Musikerinnen aus ganz Ostasien vorstellte. Mehr noch im Fokus auf die Geschichte weiblicher Kreativität eines bestimmten Landes liegt die Besonderheit von „Seitō“ aber in der forschen, kämpferischen Ausrichtung der ansonsten recht unterschiedlichen Musik, die dann auch ganz gut zu dem passt, was man sich hierzulande unter einem Blaustrumpf vorstellt. Der einzige Wermutstropfen ist die Kürze der Veröffentlichung, denn zu dem Thema hätte sich bestimmt noch mehr finden lassen. (U.S.)

Label: Akuphone

Zieht man zum Beispiel als Vergleich ein besonders rabiates Merzbow-Album heran (nicht notwendigerwiese immer eine Tautologie) – für den prädigitalen Merzbow ist das jüngst remasterte „Venereology“  immer noch ein Referenzwerk- so sind die von irren Schreien durchzogenen, oft kurzen und chaotischen Stücke Masonnas um einiges manischer, hysterischer und eruptiver.

In den letzten Jahren gab es wenig neue Studioaufnahmen – zuletzt erschien unveröffentlichtes frühes Material. Stattdessen begann Yamazaki 2017 mit Controlled Death ein neues Projekt, das bezogen auf Namen, Klang und Ästhetik nicht mehr so viel mit Masonna zu tun hat, sondern sich eher am Death Industrial orientiert.

Nach der umfangreichen, aus CD, LP und zwei Tapes bestehenden und auf Throbbing Gristle anspielenden „Journey Through A Dead Body/Deathwish Tapes“-Veröffentlichung  gibt es nun als kurzes Gegenstück mit “Evil Discharge” eine One-Track Flexidisc. Die Aufnahmen von Controlled Death basieren primär auf Korg MS-20 und auf dieser fünfminütigen „bösen Entladung“ hört man ein zähflüssiges analoges Dröhnen und inmitten dieser Soundmasse eine Stimme, die zwischen Bedrohung (so ungefähr wie man sich Pazuzu nach durchzechter Nacht vorstellt) und Leid(en) changiert. Das Manische ist zur Depression geworden. Das ist dunkelste, äußerst unangenehme Musik, die zurecht nicht den Eindruck erweckt, als könne der Tod kontrolliert werden. (MG)

Label: Oxen

Dem Eindruck nach ist die Vorliegende 2CD die Persiflage eines Konzeptalbums, und selbst das im ganz basalen Sinne, wie es der unverquasten Direktheit der Akteure entspricht: Dunkle Leidenschaften, ganz kurz angeschnitten – so oder schlimmer ließe sich der thematische Rahmen grob fassen, und dass man um die Musik keine allzu großen Worte machen muss, ist keinesfalls abwertend zu verstehen und spricht im Harsh Noise ohnehin meist für die Sache. Auf der ersten Seite tobt sich die jüngere Gruppe (Torturing Nurse ging 2004 aus diversen Experimental/Post Punk/No Wave-Bands hervor) auf knapp hundert Noisefragmenten aus, die erwartungsgemäß in keinem Fall die Minutengrenze erreichen. „95 Songs of Sin“ bietet schrille Feedbacks, ultraverzerrte Schreikrämpfe, Brüche, die wie der Auftakt zu einem (selbstredend verweigerten) Breakcore-Stück anmuten, und wenn es etwas Konsequentes gibt, dann dass die Band durchweg an-archisch (un-beherrscht) zu Werke geht. Und natürlich der Tick mit der Kürze der Stücke, die immer ganz unvermittelt enden – so ähnlich müssen sich einst die Psychoanalyse-Patienten bei Jacques Lacan gefühlt haben, der aus therapeutischen Gründen seine Sprechstunden oft schon nach Minuten abrupt abbrach (einige Patienten brachten sich um). Ex negativo brachte Mastermind Junky Cao sein Konzept mal in einem lustigen Interview auf den Punkt: „I hate all kinds of rhythm and melody!“ Und Dauer hasst er im Moment wohl ganz besonders.

Auch die von Government Alpha unter dem Titel „32 Souls With Dark Desire“ bestrittene Seite zeichnet sich nicht gerade durch komplexe Rhythmik, melodische Vielfalt und epische Längen aus. Etwas mehr klangliche Varianz und Entwicklung, raue, flächige Sounds, die einem wie eine Splitlawine entgegen prasseln, deutlicheres Gebrülle. Eben Government Alpha, wie man ihn kennt und hören will. Und auf gewisse Weise löst er auch ein, was die erste Seite nur verspricht, nämlich das eine oder andere Noisebad, in das man für ein oder zwei Minuten abtauchen kann. Dass Yoshida auch als bildender Künstler und Illustrator einiges vorweisen kann, belegt die optische Gestaltung, für die zwei seiner gelungensten Kollagen Verwendung fanden. (U.S.)

Label: Xerxes

You’ve just been on a little concert tour in Europe. Which places have you been and how were your experiences there?

We went to Berlin/Germany and Copenhagen/Denmark in five days and had two shows in each city. As for the “Angura” show in Berlin, me, Reiko A. and Arima of Venus in Virgo had two stages each. I think we could show some different styles of electronics music such as Harsh Noise, Drone, Lap Top and Vocal with abstract Noise. We were very satisfied with this event, but we also spent a lot of time for transportation.

You once said that you started as sort of an alternative rock musician – how did your music sound back then? How did this change to noise come about and how sure have you been that this was your definite route to follow?

I wanted to form a band like a Missing Foundation and Einstürzende Neubauten with more progressive rock sounds. Then I started to make demo tracks and looked around for members, but it was very hard to find someone who could be interested in such sounds. One day, I met a guy who was finally interested in my demo, so I gave him some tracks. He said “your tracks are ‘noise music’”, after he had listened to them, and then told me about some Noise artists like Whitehouse, SPK and Nurse With Wound etc.. So, I was poring over these bands and other bands. It was easy for me to get into Noise Music, and in that course I also got into making noise myself.

When I listened to Harsh Noise from groups like Hijokaidan and Incapacitants on CD for the first time, I couldn’t understand it. For a while, I kept to record more industrial and experimental tracks without harshnoise elements. You can listen them on a 4 cd box set that we released on Pica Disk. A few years later, I had the chance to see an Incapacitants show, and it had a huge impact on me. It was a very powerful show and by no means negative, and after that experience I intended to make much stronger music than before. It should actually be the strongest noise than them, and so I tried to make harshnoise.

I first thought that Harshnoise was just noise and it might be quite easy way to create it. I completely underestimated harshnoise. It was, however, very hard to find my own way into it, and maybe it took three or four years to complete something like a typical Government Alpha style. Now I can say, if i could make harshnoise easily, I would probably quit making it. So, I’m still looking for the way to harshnoise, and maybe it takes forever.

There is the idea that noise is reductive compared to music with a traditional rock lineup, because you can free yourself not only from instrumental skills, but also from conventional structures of composition. On the other hand, noise is often regarded as a music of more possibilities, because instruments and common structures also set a number of limits. Where do you see the main differences between the sort of music that you do and “normal“ rock and pop music?

Actually, I don’t use to compare noise with typical music, because I think Noise Music is beyond the music you mentioned. In a certain way, Noise Music is free from everything, but sometimes I think that categorizing music creates limits anyway. for example, Government Alpha for instance is completely harshnoise style, and I don’t make ambient sounds under this name, but it’s just cause I decided it myself.

Nate Young (Wolf Eyes, Demons etc.) said recently: “The Noise scene is imploding. Everyone is so concerned with what Noise is or isn’t that it has become very segregated.“ How do you feel about that?

I think the same. When I got into the noise scene some 18 years ago, the categories for noise were rather narrow. It just had to be somehow industrial, ambient/drone or harsh. But nowadays, noise has been subdivided into more and more small subgenres. Back then, I was influenced by different music like heavy metal, hard rock and industrial, but it all became subdivided and diversified. Nowadays, everyone seems to listen to any sort of music and is influenced by many different scenes and genres. I guess, it’s something natural, when anything becomes more and more segregated over time.

Do you think that noise can lead to some kind of transcendent state, to some kind of ecstasy through excessive atonality?

I think so. Sometimes when I perform, I am in a spiritual state of selflessness, like just connected to an inner space of the unconscious. And it feels as if my brain is full of adrenaline.

There is this stereotype saying that the typical “western” noise music has a strong dystopic and apocalyptic feeling, whilst Japanese noise music is more hedonistic and playful in all its agressiveness. How much would you agree with such a (perhaps over-generalising) description, and how would you describe Government Alpha’s main feelings and topics in that context?

Untill ten years ago, I thought so as well. But nowadays, noise music seems rather borderless for each culture. There are some US noise bands showing style elements usually regarded as typically Japanese, on the other hand, some Japanese noise bands have been influenced by European and American styles such as gothic, dark ambient or power electronics. As for Government Alpha, I always aim to make new sounds I’ve never heard before but that I want to hear. I don’t have any kind of topics or sound motifs, because this would only set limits to the sound.

I was wondering if you follow the newer development in the noise scene in the USA and Europe. There seems to be an ever increasing differentiation of noise genres (most recently there’s the discussion about wall noise). Do you have any interest in such discussions, do you feel they show the vitality of the noise scene or its decline? Would you say that labels are always limiting (the artist)?

I would say the same thing for all sorts of music besides noise: Music should always evolve to something new, though on the other hand I think music history will always repeat itself in many aspects. I am much more interested in sounds than in such discussions, and the most important thing is whether a sound is interesting or not. Well, basically, labels don’t make limits to me.

What kinds of equipment do you use for recordings and gigs, and how has it changed over the years?

My basic equipments are boss HM-3, FZ-2, DOD Buzz Box,Death Metal,Ibanez WH10, LAL Cyber Psychic, Korg Kaoss Pad KP3 and a Mic. On that recent tour I brought an MFB KRAFTWERG SYNTH and iPad for Animoog synth application. So, when I record materials, I add some pedals to feel for free.

Your performances can be very physical events. Do you prefer playing live or recording in the studio?

I can’t really compare playing live to recording in the studio, because these are totally different things to me. Recording in some home studio is always a kind of experimentation as in a laboratory, I’m free to try anything that I want. Playing live is a bit like hunting in the wild: Failure is not forgiven. I have to be nervous for playing and for releasing my mind into the inner space. But when I created some new sounds in the studio, I always try to use them on stage.

What I find impressing in your live performances is the sudden switch from a rather concentrated dealing with sound to very unbound fits of screaming. Do you see these aspects as contrasting elements of your shows, and if yes, is it difficult for you to bring this together?

What I really like is to make fast cut up harsh noise, forming some contrasting elements and then spontaneously bringing them together. In the best case, it would be just chaotic sound.. maybe.

As I don’t speak any Japanese I would like to know if you use real words in those performances. If yes, are the lyrics improvised and is there any recurring subject matter?

I only used real lyrics in English for a few times. In recent years, however, I stopped using any language, as I noticed I should use my voice just like an instrument. Using your voice is a good method to add something during live shows, it brings you closer to the audience, when they hear a human voice. I think, if I have any subject what I want to say I would write anything. It must be easy tell you something.

Unfortunately I came too late to see your performance with Reiko Azuma on the Angura-Night. Could you describe this collaboration under the name Alpha Ailuros? How long do you know each other and how did your cooperation develop?

The music we do as Alpha Ailuros is a sort of ambience drone electronics. We have played together since 2007 or 2008. Around that time, I had the idea to do a bit more different style with Government Alpha, but in the end, changing the name was probably the best way for an appropirate classification. Our contact started after we met at some venues for several times. As for our first collaboration, Reiko asked me to play together, as she had live collaboration with various other artists before.

Was the music you played identical with the studio recordings you did together?

Yes, it was more or less. We released it on cdr on my label in 2008.

On the first „Angura“ night at Staalplaat you performed an ambient gig and used equipment like iPad and stuff. Was this an exceptional thing, and why was it important for you to name it a project of it’s own besides Government Alpha?

As for that night at Staalplaat, I played just as “Yasutoshi Yoshida”, not under the name  Government Alpha, so I could be more free in the style of music. I used iPad and Nintendo DS-10. Actually, one of the real reasons for this was that I couldn’t bring so many equipments for that opening party, as I also brought along a lot of my art work.
Anyway, I have decided that Government Alpha makes Harsh Noise, and when I do something different, I will use some other project name.

Most of your recordings are released on your own label Xerxes, where you also release records by other musicians. What are your main criteria for the choice of artists?

Simply, I like it or not. I used to look for good artists many years ago. today, there are many good bands all over the world, and it’s impossible for me to check everything and it’s very difficult to find enough time for the label job. I have been very busy for my own activity (performing, recording, doing artworks etc..), and that’s where i’m mainly focused on these days.

Besides Reiko A., you collaborated with a number of other Japanese artists like Astro and Koji Tano. How close is this music scene in your country? Can we imagine it as a small community where most artists and even listeners know each other?

Yes, the noise scene is still very small in Tokyo, but there are many noise shows here, so it’s quite easy to find new friends, but also easy to leave the scene again.

You are also a visual artist, and have done a great number of congenial artwork for recordings and even for a book. Have you been to an art school, or are you a self-taught artist?

I have never been to an art school, I just started to make artwork for my own releases as I needed it for the covers and had no friends who could do this. that’s how i started doing it all myself and find my own way.

Are there any (Japanese or international) artists, that were especially influencial to you?

I got a lot of influences from Art-brut, especially from Adolf Wölfli. I’m also highly influenced by many album covers of Nurse With Wound, and I would love to have such good covers for my releases.

For me, many your collages appear like a documentary panorama of today’s world, including all traditions that we take with us. Would you call yourself a realist, or do you rather intend to show a world of its own?

Maybe, I just show you my own world using real world material without politics and religion. I just re-arrange this world like a DJ, and I think I’m more an escapist rather than a realist. So, when I get into making artwork, I’m just living in my very own world.

Your visual works have a very detailed and complex nature, and seem to be focused on many elements. Though your music is not “simple”, its character seems more straight and compressed. Do you see music and visuals as two different sides of your output, or more as one thing?

Actually, making music and artwork are not so different to me. My method for creativity is just to release my mind, and making artworks and noises are tied in my mind. For example, I start to make noise and then I get an idea for a cover that fits to this very sound. But it can also be the other way around, I start to make artwork, and then I get an idea of a fitting sound. But sometimes, when I concentrate on making artwork over a period of time, I temporarily lose the feeling for making noise.

In an earlier interview you said that you wouldn’t like to sell yourself to be famous, and that you neglect the business side of music as much as possible. A good thing, however, is that creativity in experimental genres can flourish beyond cultural industry and is still developing. How optimistic are you about the future of musical counter cultures as a stronghold of nonconformity?

I didn’t remember that well what I said. Around the time noise music was much more underground music than today, nobody noticed it. That’s why I said it…maybe. But now Noise music is getting more popular than 20 years ago. Some major artists use noise music method in their music. As for me, I could make the audience happy by playing noise and I have got more skill and confidence than before. So noise music is no longer a part of the counter culture anymore. But I think noise music still has a lot of charm for me.

(M.G. & U.S.)

Konzertfotos: Maja Szerszen

Webseite von Government Alpha und Xerxes

Artwork von Yasutoshi Yoshida

Teil seines Kultes ist die fließbandartige Veröffentlichungspraxis, die einem Begriff wie Industrial fast mehr zur Ehre gereicht als der Sound des Künstlers. Ohne mindestens ein Album pro Quartal wäre Merzbow nicht Merzbow, die Fans lieben ihn dafür, die Kritiker stöhnen auf, wohl wissend, dass sie sich der Wiederholungspenetranz nur anpassen können, wenn sie das Thema nicht gleich ganz umgehen wollen. Fand Autismus – und das ist hier keineswegs abschätzig oder auch nur flapsig zu verstehen – jemals sein perfektes künstlerisches Pendant, dann im unermüdlichen Schaffen des Japaners. Eine Spezialität seiner Arbeiten der letzten Jahre ist der Einbezug “akustischer” Instrumente in das kraftvolle metallische Rauschen. Was zum Beispiel in “Anicca” (2008) ein freejazzig bearbeitetes Schlagwerk war, ist im Opener von “Marmo” ein nach Ethno klingendes Holzblasinstrument, das sich aber nur eine Zeitlang gegen die Flut grobschlächtiger Metallbrocken und die unterschwelligen Perkussionsansätze durchzusetzen weiß.

„Marmo“ ist der italienische Begriff für Marmor, und laut Labelinfo ist das Album als Hommage an den venezianischen Marmor zu verstehen, für den sich der Musiker bei einer Konzertreise ebenso begeisterte wie für das Werk des Naturwissenschaftlers Leo Lionni, nach dessen Werk „Botanica Parallela“ die Stücke des Albums “Merzbotanica-parallela 1,2+3?” benannt sind. Sollte man die beiden Themen, auf die lediglich in den Titeln angespielt wird, auf die Musik übertragen, so dominiert allerdings wie erwartet der harte Stein über das durchaus vorhandene Organische.

Eine Schwachstelle Merzbow’scher Kunst ist bisweilen Akitas Abdriften in Richtung eines Sounds, der hierzulande mit Rhythm Noise assoziiert wird. Aber das passiert ihm eher aus Versehen, denn an die Klischees elektronischen Tanzkrachs wird in Akitas Universum sicher kein Gedanke verloren. Im weiteren Verlauf zieht Merzbow so manche Register seiner Standardkünste: Hintergründige Ambientteppiche, Spielereien mit dem Tempo, witzige Einsprengsel wie aus einem Glücksspielautomaten, und dann zuguterletzt auch wildes Getrommel auf Metallplatten und Bongos, wohl wie gewohnt vom Meister selbst traktiert.

“Marmo” erschien jüngst bei Old Europa Café, einem der zahllosen Labels der Band, und belohnt den Hörer zudem mit einem schön “psychedelischen” Faltcover, das mit seinen Federornamenten an Akitas derzeitiges Engagement für bedrohte Vogelarten erinnert. Auf weitere dreißig Jahre! (U.S.)

Gemeint ist damit in Akitas Fall ein Output von teilweise über zehn MERZBOW-Alben pro Jahr – und das seit 1980, die inoffiziellen Tonträger, von denen es Gerüchten zufolge mehrere hundert geben soll, nicht mitgerechnet. Möglich war dies anfangs natürlich nur im Kassettenformat, das wegen der bequemen Reproduzierbarkeit von Tapes unter Geräuschmusikern dieser Tage sehr beliebt war. Ab dem Ende der 80er stieg Akita dann nach und nach auf Vinyl und vor allem auf CD um, und die Liste seiner Labels liest sich mit EXTREME, ALIEN8, DIRTER PROMOTIONS, COLD SPRING und vielen anderen wie ein Who Is Who der (Post-)Industrial-Geschichte. Ich möchte den summarischen Teil über das Gesamtwerk möglichst kurz halten – zum einen, weil meine MERZBOW-Sammlung gemessen am Oeuvre bescheiden ist, vor allem aber, weil sich zum Genre des sogenannten „Japanoise“, zu Akitas Verwendung von Abfallgegenständen als Tonerzeuger, zu seiner Verknüpfung von extremer Musik und Sadomasochismus und nicht zuletzt zu einzelnen Tonträgern Vieles im Netz findet. Ledigleich den immer wieder kursierenden Redundanzvorwürfen möchte ich eine Hörprobe einiger seiner Klassiker wie “Music For A Bondage Performance”  oder das von JOHN ZORN veröffentlichte “1930″ entgegenhalten. Diese zeigen nämlich, dass selbst innerhalb eines Einzelwerks ganz unterschiedliche MERZBOW-Motive ein recht vielgestaltiges, wenn auch nicht immer innovatives Mosaik ergeben können: chaotische Lärmkaskaden, Synthieklänge, provisorischer Clubnoise, Dronefragmente, Metallperkussion, herkömmliche Instrumente, kuriose Sänger und einiges mehr.

Die in drei rund zwanzigminütige Abschnitte unterteilte CD „Anicca“ ist nicht nur exemplarisch für die dynamischeren Ambitionen des Künstlers, der seine Hörer in gewissen Abständen gerne einem rhythmischen Hochgeschwindigkeitsrausch aussetzt. Sie gehört auch wieder zu den Aufnahmen, bei denen Akita zeitweise über seinen heute meist elektronisch erzeugten Standardnoise hinausgeht und akustische Klangerzeuger integriert. Im Fall des Openers „Anicca Part.1“ ist dies ein selbst eingespieltes Schlagzeug, dessen unkontrolliert wirkende Bearbeitung an die extremen Momente des Freejazz erinnert. Passend zu den hintergründigen Geräuschloops kommt es dabei allerdings zu keinen unberechenbaren Breaks und Tempuswechseln, was dem ekstatischen Rhythmus angesichts der schnellen Gangart einen umso hypnotischeren Effekt verleiht. Dieser Geradlinigkeit dankt sich einmal mehr auch der Eindruck des Vitalen und des gewollt Primitiven, der MERZBOW seit jeher anhaftet, und auf den auch die vegetative Natur anspielen mag, die sich auf dem Coverartwork der bedeutungslosen Ruinen menschlicher Zivilisation bemächtigt. Weitere (handgemachte) Instrumente werden in den Liner Notes erwähnt, sind aber kaum in ihrem individuellen Klang zu erkennen und gehen in der rauschigen Lärmwolke auf. Gerade dieses Stück, dessen Mixtur aus Verzerrtheit und Schnelligkeit der Noise-Hörer wohl eher noch bei Akitas Kollegen von THE GEROGERIGEGEGE suchen würde, ruft die von Beginn an intendierte physische Wirkung dieser Musik, über die man sich u.a. bei WOLFGANG STERNECK informieren kann, ins Bewusstsein: Wen es nicht mitreißt, der wird niedergetrampelt.

Beim zweiten Teil, der klanglich homogener ist und vielleicht noch am ehesten an frühere Arbeiten anknüpft, könnte man kurzzeitig der akustischen Täuschung einer manipulierten Gitarre auf den Leim gehen. Ansonsten bleibt der Lärm hier eher abstrakt und regt kaum zu Spekulationen über seinen Ursprung an, was den Track in seiner etwas verhalteneren Gangart hinter das erste Stück zurückfallen lässt. Die Körpererfahrung reduziert sich hier wieder auf den Hörsinn und verweist auf den tautologischen Charakter der Forderung nach einer physischen Musik-Erfahrung. Der etwas komplexer aufgebaute Schlusspart dagegen ergänzt das verzerrte Klangbild durch Hochfrequenztöne und analoge Synthieklänge – alles bei gleichbleibendem Tempo und konsequenter Hektik, die das Ganze dann doch zu einer runden Sache machen.

Insgesamt ist „Anicca“ ein Album, das zumindest partiell eine Hervorhebung verdient, da es zunächst in Sachen Brutalität und Geschwindigkeit viele bekannte Veröffentlichungen aus der Bandgeschichte überragt. Dass es nach dem ersten Drittel Altbekanntes bietet, ist schade, musikalisch aber durchaus nicht reizlos. Die Hardliner unter den Fans jedenfalls wird es nicht stören.

Übrigens: Wer Akita mal von einer ganz anderen Seite kennen lernen will, dem empfehle ich seine Zusammenarbeiten mit den derzeit so beliebten Rockern von BORIS. Zum Herunterfahren der entfesselten Lebensgeister nach sechzig Minuten „Anicca“ eignet sich vor allem das verrauschte Mammut-Drone “Sun Baked Snow Cave”.

(U.S.)