Feldaufnahmen und sphärische Stimmen, so erfährt man vom Label, verschmelzen zu introspektiven Strukturen, Ambient und Noiseanleihen treffen auf elegische Streicherpassagen und verzerrten Harmonien bis hin zu liturgischem Orgelklang und Ritualglocken. Das abschließende “until all are free”, das bereits als Single zu hören ist, ist ein mehrstimmiger Choral, der für gemeinsame Aufführungen konzipiert ist. Moss beschreibt die Entstehung des Albums als direkten Ausdruck von kollektiver Trauer und Reflexion angesichts politischer Krisen. In ihren Konzerten arbeitet sie live mit Violine, Stimme, Glocken, Loops und Effekten, ohne vorprogrammierte Sequenzen, wodurch jede Aufführung zu einer einzigartigen Erfahrung wird. “Unfolding” dokumentiert die Verbindung von persönlicher Introspektion, politischem Bewusstsein und ritueller Musikalität. Live wird sie das Album auf folgenden Bühnen u.a. im deutschsprachigen Raum präsentieren:

18.10. Montréal (CA) PHI Centre
21.10. Innsbruck (AT) Kult Bogen Bar
23.10. Leipzig (DE) Haus Leipzig
24.10. Neunkirchen (DE) Neue Gebläsehalle
26.10. Munich (DE) Technikum
28.10. Prague (CZ) Archa+
29.10. Graz (AT) Halle Detroit
31.10. Ljubljana (SI) Kino Siska
01.11. Zagreb (HR) Boogaloo
03.11. Ferrara (IT) Teatro Nuovo
04.11. Milano (IT) Auditorium Di Milano
06.11. Paris (FR) Trabendo
07.11. Leeds (UK) Project House
09.–11.11. London (UK) Electric Brixton
14.11. Leiden (NL) Nobel
15.11. Nijmegen (NL) Doornroosje
17.11. Copenhagen (DK) Vega Store
19.11. Oslo (NO) Vulkan Arena
20.11. Stockholm (SE) Slaktkyrkan
22.11. Tallinn (EE) Paavli Kultuurivabrik
24.11. Vilnius (LT) Kablys
25.11. Warsaw (PL) Stodola
27.– 28.11. Berlin (DE) Festsaal Kreuzberg

“Alone and in the absence of any markers of the outside world I had previously inhabited, the jamspace became a holy space, and I wanted to be free. I wanted to expand, fill the room… I wanted to be a conduit for grand ideas without needing to imagine how they “fit” within my own (self-constructed) artistic constraints. The isolation and exterior constraints required that I go deep inside to find a way forward, and on that internal journey I encountered some deeply ensconced self-imposed limits and obstacles. I recognized that I’d been relying on these as guideposts, but upon inspection I discovered they’d also been standing in my way. Blocking some unexplored paths towards unhindered expression.

With no external pressure of deadlines, with no outside ears or eyes… with no idea how or when I would ever be in public again, I made it my pursuit to face those doubts and worn-out notions of what I believed to be my limits head on; and then to let them go. And in so exploring, I found new ways, new loves. Let my violin lead. Let my voice lead. Played the guitar loud, in the way I love but never believed belonged to me. I let those things in, welcomed them instead of stopping them at the gate. Left space. Took up space. I wrote a song, recorded the vocals in my bed. Sent Nadia’s old organ drum machine through my pedal board and made some beats, allowed them to find their way into the music and stay put. I asked my friend/ favourite drummer Jim White if he’d want to record some tracks for me, in virtual musical communion with Thierry, and he beautifully obliged.

This album represents me throwing out some old preconceptions of myself and my instrument, and stretching my relationship with solo expression further than I knew I could reach. And consequently, represents what feels like new doors opened, new paths forward. Somehow, in the middle of everything, I’m still looking forward.” (Jessica Moss)

@ Constellation

liegt der Schwerpunkt auf Beiträgen, die neues klangliches und kompositorisches Terrotorium im Bereich neuer experimenteller und neoklassischer Musik erforschen. Bereits zu hören ist ein neuer Track von Julia Kent, andere Beiträge stammen u.a. von Jessica Moss, Field Kit, Francesca Guccione, Federico Bisozzi, Toechter, Enno Voss und Justina Jaruševičiūtė. Die beiden “String Layers”-Sammlungen sind Teil einer in den letzten Jahren gewachsenen Reihe, die (z.T. bereits mehrere Folgen von) Veröffentlichungen wie “Piano Layers”, “Wind Layers” und “Ambient Layers” umfassen. Die Anthologie erscheint digital über die entsprechenden Plattformen des Labels.

“A phosphene is “the phenomenon of seeing light without light entering the eye.” The title of the heart-rending and resolute new album by composer/violinist Jessica Moss could not be better chosen. Moss is by now a seasoned practitioner of immersive isolation music; across three previously acclaimed solo records of minimal and maximal post-classicism, her acoustic, amplified, and electronically-shifted violin is the raw material for deeply expressive, palpably haunted, wholly committed compositions. But Phosphenes inscribes fleeting halos of refracted ghostly light out of a prevailing darkness with especially plangent determination and intensity. This is the most overtly searching, mournful and inexorable music Moss has made to date. The pieces on Phosphenes exquisitely navigate consonance and dissonance, building patiently from single notes to multiple voicings, harmonic stacks and clusters. These compositions channel themselves like slow-moving water in a dark cave, finding small eddies and catching glints of luminescence from within.” (Constellation)

@ Jessica Moss | Constellation

Aus einem anscheinend größeren Pool an aktuellen Aufnahmen hat Moss gerade auch einen neuen, diesmal komplett ohne Violine auskommenden Song digital herausgebracht. “Is There Room For It All” ist ein kammermusikalischer Torch Song, bei dem Moss’ zaghafte Stimmarbeit und ihr anrührendes Orgelspiel von Thierry Amars Kontrabass und Jim Whites aufwühlenden Drums unterstützt wird, während Radwan Ghazi Moumneh im Studio für den finalen Feinschliff sorgte. Ein Video dazu entstand in Zusammenarbeit mit Nadim Chartouny.

“Contemplating how we know too much, understand too much, feel too much. And what happens once we’re full? (Do we keep it all, and just suffer more, with no turning back? Does it start to fall out, and we lapse? Is there any other way?) This is the first capital S ‘song’ I’ve ever written. There’s no violin in it. There is however, the forever favourite bass playing of Thierry Amar, and perfect-in-every-way drumming by world’s best Jim White.

Recorded my parts at home, then Thierry at Hotel2Tango, Jim beamed in from Melbourne, then brought it back home to worry over, and finally back to studio for mixing by #1 Radwan Ghazi Moumneh. A few months later, I got a call from a tree that I spent an afternoon watching from a cafe window, in the before times. Asked if it could please be in the music video. I agreed, of course. Nadim Shartouny helmed the editing machine.” (Jessica Moss)

@ Jessica Moss

Dieser Bonus, das ist der ernste Textvortrag von The Ex-Vokalist G.W. Sok, dessen Pathos immer durch seine abgeklärte Nüchternheit gewinnt, und der die Verse ausgewählter Dichter mit einem mahnenden Ton vorbringt, der an eine Predigt erinnert, aber ohne salbungsvollen Schwulst auskommt. Auf “From Somewhere Invisible” sind drei lange Tracks (und so zirka die Hälfte des Albums) um seine Worte gebaut, gleich im eröffnenden “He is Afraid and so am I” lässt er in der analytischen Prosa des palästinensischen Dichters Mahmoud Darwish eine Begegnung zwischen Fremden in all ihrem kleinen misstrauischen Abtasten lebendig werden – vor einer theatralischen Kulisse brummenden Feedbacks und schleppenden Beckenspiels, das sich wie ein erschöpftes Tier von Tusch zu Tusch hangelt.

“We, who are Strewn About in Fragments “, das in sanft summender Dröhnung beginnt, in die ein hoher Ton, der einer Gitarre, aber auch einem Saxophon entstammen könnte, feine Muster malt, basiert auf einem Text von Ghayath Almadhoun. Hier entschuldigt sich ein Fremdkörper für seine Präsenz in einer friedvoll abgeschotten Welt, und Soks eindringliche Stimme und die verzerrt-verspielten Figuren der Gitarre lassen das Gedicht wie einen Endzeitwestern anmuten, bei dem einem freisteht, wie politisch man ihn interpretieren mag. Jessica Moss’ ornamentales Geigenspiel, dreckige Gitarren und tänzelnde Jazzdrums geben dem auf einem Text von Yu Jian basierenden “The Naming of a Crow” trotz zwiespältiger Momente einen friedlichen Touch.

Natürlich sind auch die vier nahezu instrumental gehaltenen Stücke, die den Rest des Albums ausfüllen, keineswegs nur Zwischenspiele. “In Crooked Flight on the Slopes of the Sky” entpuppt sich als berührend melodisches Ambientstück auf einem Fundament aus verrauschtem Droneschmand. Dagegen ist das Doppelstück “Weird Dancing in All Night” ein echter dramatischer Höhepunkt: Sirenenhafte Gitarren durchdringen mit einer orientalischen Melodie hektisches Stimmegewirr, rituelles Rasseln und bedrohliche Explosionen steigern die Erwartung und leiten über in einen dumpfen Takt, über dem ein klagendes Saxophon alles eskalieren lässt.

Auf den ersten Eindruck mag man die Platte als Versuch einer gelungenen Resteverwertung betrachten, weil nicht schon auf den ersten Blick ein klares Konzept erkennbar ist, aber das hiese letztlich, die thematische Stringenz der Vorgänger absolut zu setzen und als einzigen Maßstab gelten zu lassen. Was “From Somewhere Invisible” zu einem vollwertigen Album macht (und so auch von einer Sammlung wie “Unworks & Rarities” unterscheidet) ist mehr noch als das eindringliche Charisma der Stücke ihre in Stimmung und Instrumentierung deutlich aufscheinende Verbundenheit.

Label: Sub Rosa / Differ-ant

Dienstag, 18. Juni 2019
Einlass: 19 Uhr
ACUD MACHT NEU
Veteranenstraße 21
10119 Berlin

Event @ FB mit ausführlichen Informationen zu beiden Musikerinnen