Das Album „Cancer“, aufgenommen zwischen November 1990 und Februar 1991, erschien erstmalig 1992 als CD auf Tesco und wird nun auf Auf Abwegen in einer neu gemastered Edition von 250 Exemplaren auf Vinyl wiederveröffentlicht. Ebenso wie auf der ursprünglichen Veröffentlichung sind alle Tracks unbetitelt, allerdings: „The original 1991 album sequence has been edited down from the original 60 minute CD program to fit on an LP“. Von Bandseite heißt es über das Album: „Cancer“ „was mostly a group effort focused on a dark ambient atmospheric environment“ und wurde in einer sechsköpfigen, großen Besetzung bestehend aus Burke, Chris Block Mitch Enderle, Mark Klein, Jim O’Rourke, Mitch Enderle und Thymme Jones eingespielt. Das Cover zieren Landsat-Bilder der Nasa.

Der erste Track beginnt kaum hörbar, dann lauter werdendem metallischen Klappern, Knartzen. Zwischendurch setzt ein fieser Hochton ein, der an einen Zahnarztbohrer denken lässt. Der zweite Track beginnt mit dissonantem Rauschen, das sich zu einer Kakophonie von Vogelgezwitscher aus der Hölle entwickelt und sich dann zu Noisegebrutzel verdichtet. Das dann folgende Stück fokussiert sich ebenfalls auf das Dissonante, ist aber etwas repetetiver. Anders ausgerichtet ist das Eröffnungsstück der B-Seite: Hier scheint ein Kirchenchoral bearbeitet worden zu sein, Glocken läuten und das Stück bekommt dadurch einen durchaus sakralen Charakter. Der insgesamt fünfte Track beginnt mit in der Ferne kaum wahrnehmbaren Dröhnen, eher zu erahnen als zu erhören, das sich dann fast schon zu symphonisch-orchestralem Dark Ambient entwickelt. Auf dem vorletzten Track hört man wieder bearbeitete Stimmen, die einen dunklen Choral intonieren. Der Abschlussstück ist ein von Thymme Jones gespieltes – nicht nur im Rahmen dieses Albums – relativ entspanntes Klavierstück, das das Album verhältnismäßig positiv ausklingen lässt.

“Cancer”, wie auch andere Veröffentlichungen von Illusion Of Safety, zeigt, was experimentelle Musik kann. (MG)

Label: Auf Abwegen

@ Drag City

O’Rourkes auf Bass, Piano und Becken basierender Score intensiviert die bewegten Bilder mit einer ambienten, leicht New Age-angehauchten Klanglandschaft, die immer wieder kleine Ausreißer in jazzige Gefilde zulässt. Soundtracks sind ein wesentliches Standbein des vielseitig aktiven Musikers, Komponisten, Produzenten und Kollaborateurs, in der Vergangenheit arbeitete er bereits mit Regisseuren wie Olivier Assayas, Alison Anders, Werner Herzog und Kôji Wakamatsu. Neben dem Film hat Regisseir Armstrong auch das Video zu dem als Single ausgekoppelten track “A Man’s Mind Will Play Tricks On Him (Edit)” geschaffen. Das Album erscheint als LP und digital.

@ Drag City

“For Ryoji Ikeda, it was a question of finding a moment, circumscribing a fragment of time through his listening, with minimal intervention. For Jim O’Rourke, on the other hand, the live recordings became material to be deconstructed and reassembled, to tell, according to his musical sensibility, a path of metamorphosis for Bonnet and O’Malley’s music. Cylene Suisse Redux is a prismatic substrate of a series of concerts surrounded by friendship, lakes, mountains, and by nightfall.” (Editions Mego)

@ Editions Mego

Der Kollege war kein Geringerer als der in Japan lebende Produzent und Musiker Jim O’Rourke, der nicht nur zum Gepräge wegweisender Sonic Youth- und NWW-Platten beigetragen hatte und kommerziell erfolgreiche Platten wie Joanna Newsoms “Ys” produzierte, sondern auch selbst Akkordeon spielt. Zwar dauerte es weitere zwei Jahre, bis Moberg nach Tokio zurückkehrte, um O’Rourkes Studio für eine mehrtägige Session in Beschlag zu nehmen. Unter Mirwirkung von lokalen Künstlern wie Eiko Ishibashi (JP), Tatsuhisa Yamamoto (JP), Marty Holoubek (AU), Joe Talia (AU) und dem Meister selbst entstanden eine Reihe an Aufnahmen, die in Kürze veröffentlicht werden sollen. Der hier vorliegende erste Teil entstand jedoch solo und basiert somit komplett auf den Klängen von Mobergs Akkordeon.

Was in dem von mikrotonalen und multiphonischen Werk auch dem Laien der Akkoreonmusik auffallen wird, ist der launige Humor, der sich nicht nur mittels der Songtitel (“Skinned Alive with a Blunt Spoon” ) auch durch die sperrigen Passagen seinen Weg bahnt. Oftmals erkennt man das Instrument erst im zweiten Moment, und schon im Auftakt des eröffnenden “Delphic Dance” mag man zunächst an Bläser mit dicken Backen denken. Reminiszenzen an Tango und Chanson klingen an, aber in seinem niemals heillosen Durcheinaner, bei dem opulente Passagen eher unverhofft auf leises Pfeiffen und Trippeln oder abgründige Kakophonien treffen, wird eher einer unberechenbaren Freeform gehuldigt, die manchmal auch Jazz-Standards Raum gibt.

Moberg will nicht nur gefallen, zieht bereitwillig mit hochziehender Dröhnung an dem einen oder anderen Nerv, weckt im hellen Minimalismus von Stücken wie “Wish upon a Satellite” und “Tarrying” die Assoziation zu einem Thriller, und der brattelnde Noise von “Untimely Night”, bei dem dezente Brüche Spannung erzeugen, hätte gut in einen Stummfilm gepasst. Ein Geburtstagsständchen, dass dann auch “Chanson” betitelt ist, gibt dagegen mehr Harmonie Raum und erinnert fast an eine Komposition für Orgel. Wie sich das ganze mit weiterer Instrumentierung anhören könnte, ist eine interessante Frage, die sich wahrscheinlich bald beantworten wird.

Label: KAMO Records

Nach „Sagittarian Domain“ und dem abstrakteren „Quixotism“ bildet Hubris den dritten Teil einer Reihe an Kollaborationen, bei denen Ambarchi altgediente musikalische Muster aus Elektronik und Rock auf ihre basalen Strukturen herunterbricht, um ihnen in einer Verbindung aus Wiederholung und Steigerung eine andere, ungewohnte Dynamik zu geben.

Das wie der Vorgänger in drei Abschnitte unterteilte „Hubris” nimmt seinen Ausgangspunkt laut Label in der Zeit ab den späten 70ern, als Disco und New Wave der Popmusik auf recht unterschiedliche Art neue Rhythmen gaben, eine der Hauptinspirationsquellen war wohl Wang Chungs Musik zum William Friedkin-Film To Live and Die in L.A.. Man kann diese Referenzen in den knapp zwanzig Minuten des ersten Tracks noch etwas deutlicher heraushören, insgesamt aber verselbstsändigen sich die Stücke so sehr, dass von diesen Bezügen allenfalls eine vage Ahnung bleibt, und selbst der Opener mit seinen vielfach bearbeiteten Gitarren und den Sounds, die nach Bläsern und Cembalo klingen, bildet ein derart eigenes System, dass gegen Ende allenfalls die perkussive Elektronik die Referenz am Leben erhält.

Das zweite Stück ist mit seinen knapp zwei Minuten ein merkwürdig zweigeteiltes Interludium, bei dem sich Gitarrenpicking, mehrschichtige Bassspuren und halb verstecktes Stimmengemurmel überlappen. Dagegen ist das finale Stück wieder ähnlich dem Opener gestrickt und mit seiner organisch klingenden Drumarbeit – Elektronisches von Villalobo trifft hier auf die Schlagwerke von Joe Talia und Will Guthrie – ein Highlight an exaltiertem Groove.

In die hypnotischen Rhythmen zwischen Mid- und Uptempo kann man allerhand hineindeuten, aber mir erscheinn sie längst nicht so ethnolastig, wie von manchen Kollegen behauptet, schaffen mit den verzerrten Gitarren, die sich erst durch noch eher behutsames Kratzen ankündigen und schon nach kurzer Zeit eine wahre Fuzzorgie lostreten, eine immer unberechenbarere Entgrenzheit, bei der man, gibt man ihrer Sogwirkung nach, sehr leicht übersehen könnte, dass auch hier – unter chaotischen Synthieschnipseln, plötzichen Rocksoli und chaotischer Ekstase – die repetitive Struktur gewahrt bleibt. (A. Kaudaht)

Label: Editions Mego

Ein Grund, warum man die vorliegende Kollaboration von Oren Ambarchi, Massimo Pupillo und Stefano Pilia, über deren zahlreiche Zusammenarbeiten (siehe tags am Fußende der Besprechung) man ein dickes Buch schreiben könnte, nicht unbedingt Postrock nennen sollte, liegt in der Tatsache begründet, dass die Bewegungen auf “Aithein” nicht hinter einem milchigen Film verborgen sind und ihnen jeglicher lustlose Phlegmatismus fehlt.

Aufgenommen wurde das Werk vor zirka einem Jahr bei einem Konzert in Bologna, und dem Titel sowie einigen spärlichen Angaben zufolge sind die beiden Tracks von verschiedenen Konzepten des Äthers inspiriert, einem Element, dass nach  antiken Kosmologien den Weltraum ausfüllt und als reine Form von Feuer ebenso wie von Luft betrachtet wurde. Etymologisch abgeleitet ist der Begriff dann auch vom Verb αἴθειν für “glühen”, das hier als Titel verwendet wurde. Ebenso dachte man, dass der Äther die basale Substanz der Planeten und Sternen bilde, und in der Dynamik eines planetarischen Entstehungsprozesses könnte man eventuell einen Bezug zur in der Musik vollzogenen Bewegung sehen.

Das gut zwölfminütige “Burn” ist noch recht verhalten und wirkt auf den ersten Eindruck wie ein Intro: Zwei Gitarren, die sich über weite Strecken geradeso als solche zu erkennen geben und auch der Stille ihren Raum lassen, zeichnen unbestimmte, dezente Figuren in den Raum, bei denen man angesichts des Titels an das Ausbrennen einer Glut denken mag, doch dies ist trügerisch – unterschwellig lodert es immer deutlicher, die Sounds geraten mit der Zeit lauter, brennender, schmerzhafter, selbst kleine Eruptionen finden statt, auch ohne die Drums, auf die man schon sehnlichst wartet. Immer mehr erinenrt das Stück an ein Glühen, das jederzeit in einen offenen Brand übergehen kann, und das wird es auch – am Übergang zu Shine, dass das eigentliche Hauptstück des Albums ist.

Bei dem inhaltlich zweigeteilten Stück greift Ambarchi dann auch zu seinen Drumsticks: Verspielt und minimalistisch wird zunächst nur mit den Hihats Spannung erzeugt, das Rumoren von Bass und Gitarre zeigt, dass sich hier etwas Größeres zusammenbraut, und nachdem sich die Perkussion auf eine etwas zerfranstere Struktur eingespielt hat, registriert man irgendwann ganz schnell den Zuwachs an Intensität. Heftige Trommelwirbel und eindringliche repetitive Melodie-Patterns, Soli, die streckenweise wie Schreie klingen, all dies und einiges mehr bis zum tosenden, ekstatischen Höhepunkt. Natürlich geht es noch weiter – tänzelnd, knarrend, zunächst ein kleines Nachbeben, dann beinahe so heftig wie vor den Knall und zum Schluss sogar für Minuten so etwas wie Rock.

Zuverlässigen Angaben zufolge sollen von den 180 chicen schwarzen Scheiben nur noch wenige zu ergattern sein, der Rest ist Bandcamp. (U.S.)

Label: Karlrecords