Im Zentrum stehen zwei Live-Sets, in denen präparierte und elektronisch erweiterte 12-saitige Gitarren auf die vielschichtige Perkussion von Daniel Schröteler treffen. Was daraus entsteht, sind laut Programmtext dichte, mitunter trancehafte Klangverläufe zwischen Struktur und Auflösung – lose inspiriert von rituellen und fernöstlichen Musikkonzepten, jedoch bewusst jeder eindeutigen Verortung entzogen.

Donnerstag, 30.04.2026
Beginn 19 Uhr
Kapelle99
Boxhagener Straße 99
10245 Berlin

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Gunther Wüsthoff, ebenfalls ein Faust-Urgestein. Ebenfalls dabei sind Elke Drapatz, Sonja Kosche und Uwe Bastiensen. Ihr Zusammenspiel ist rau, dynamisch und treibend, voller überraschender Details, die niemals verkopft wirken. Die sechs Stücke des Albums bewegen sich zwischen industriellen Rhythmen, verzerrten Texturen und psychedelischen, hypnotischen Sequenzen, die live noch einmal eine ganz eigene Wucht entfalten können. Das Konzert verspricht, Krautrock nicht als nostalgisches Echo der Vergangenheit zu präsentieren, sondern als eine Musik, die sich immer weiterentwickelt.

Mittwoch, 02.04.2025
Beginn 20 Uhr
Neue Zukunft
Alt-Stralau 68
10245 Berlin

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Im Begleittext heißt es : “Es gab bereits einige Inkarnation von Faust, die mit verschiedenen Mitgliedern versuchten, das Erbe der Band zu verwalten. Nun haben die Originalmitglieder Zappi Diermaier und Gunther Wüsthof einen ganzen anderen Weg eingeschlagen, und ein neues Lineup unter dem Namen faust (mit kleinem f) gegründet welches sich eher der ursprünglichen Idee eines forschenden Kollektivs verpflichtet fühlt, anstatt in der Verwaltung einer Historie. „faust into the future!!!“, sozusagen. [...] Die daraus entstandene Platte „Daumenbruch“ ist bei dem US Label Erototox Decodings erschienen und wird beim Konzert zum ersten mal als Vinyl erhältlich sein”.

Ebenfalls zu sehen ist das Modular Synth-Duo Sunroof, hinter dem sich keine geringen als Mute Records-Gründer Daniel Miller und der mit dem Label eng verbundene Produzent Gareth Jones verbergen. Den Auftakt des Abends macht der Sound Artist Chandra Shukla, der u.a. auch das besagte Erototox-Label betreibt.

Donnerstag, 13.04.2023
Einlass: 19:00 Uhr
Silent Green
Gerichtstraße 35
13347 Berlin

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Auf den Klang und seine Veränderungen fixierte, tendenziell dröhnende Kompositionen – sagt man ihnen Reichhaltigkeit und Detailfülle nach, so entpuppen sie sich meist als subtile Welten, in denen die kleinen Dinge unter der Oberfläche einer scheinbaren Simplizität versteckt liegen. So spannend solche Musik auch ist, kann man in ihrer Struktur letztlich auch eine immer wieder funktionierende Masche sehen, aber wie dem sei, ausgestattet mit zwei Gitarren und einer Drummachine vermeiden Arbeit und Hurtado hier jede Geheimniskrämerei auf’s Entschiedenste, gehen nicht nur von der Dröhnung her gleich zur Sache, sondern reichern diese an mit krautigen Wahwahs, schwindeligen Vibratos, originellen Rhythmen, brummenden Riffs und zünftigen Soli aller Art.

Das Stück, das die erste Seite füllt, mag sich nicht ganz zwischen einem episodischen und einem symphonischen Aufbau entscheiden, aber die einzelnen Passagen überlappen sich ohnehin, denn immer wieder vermengen sich die dominanten Aspeke eines Abschnitts mit neuen Motive zu stets neuen Gebilden.

Lässt das erste der beiden unbetitelten Stücke immer wieder eine gewisse Affinität zu Punk und New Wave durchscheinen, so steht die zweite Seite deutlicher im Zeichen des Experimentellen und Improvisierten. Kleinteiliges, das zunächst noch unter einer Wand aus gitarrigem Dröhnen lauert, entpuppt sich mehr und mehr als mysteriöses Klingeln, das wunderbar in die Traumsequenz eines 70er-Jahre-Thrillers gepasst hätte. Insgesamt ist das zweite Stück weniger rhythmisch und generell etwas unübersichtlicher gestaltet, und wenn am Ende die Gitarren-Soli fast wie ein Dudelsack oder eine Schalmei klingen, kommt auch der Humor nicht zu kurz.

Da die Platte hierzulande etwas untergegangen ist, soll sie auch nach rund zwei Jahren noch – stellvertretend für manc handere Releases aus dem Magia Roja-Hauptquartier – empfohlen werden. (U.S.)

Label: Magia Roja

Stellt man zunächst die Frage nach den Gemeinsamkeiten und Unterschieden zum Debüt, so kann man festhalten, dass viele wesentliche Dinge – glücklicherweise – beim alten geblieben sind. Mueran Humanos glänzen nach wie vor durch eine gelungene Arbeitsteilung zwischen Elektronik und kernigen Bassklängen, durch den abwechselnden spanischen Gesang von Carmen und Tomás, der in gelegentlichen Duetten gipfelt, durch eine Stimmung, die kämpferisch, anklagend, vital und sexy zugleich ist und nicht zuletzt durch das Artwork, das auf Carmens verstörenden Fotokollagen basiert und auch jenseits der Musik Erfolge verzeichnet. Einer der Unterschiede ist, dass die beiden vorher keine Sounddesigner waren.

Auf dem Debüt und den darauffolgenden EPs fanden sich Songs, die man guten Gewissens als Bretter bezeichnen konnte – Post Punk-Stücke, die in erster Linie straight nach vorn gingen und deren Atmosphäre auch von einem gewissen Primitivismus lebte. Genau der ist aus den meisten der neuen Stücke verschwunden, stattdessen zeigen die beiden, die neuerdings von Jochen Arbeit (Die Haut, Einstürzende Neubauten, Automat) an der Gitarre unterstützt werden, von einer feinsinnigen und detailverliebten Seite, bei der kein Sound einfach dem Zufall überlassen bleibt. In dem gleich eröffnenden Titeltrack zeigt sich nicht nur die softere und geschliffene Seite des Klangbildes, sondern auch ein gewisses Interesse an wabernder, hallunterlegter Elektronik, die an bestimmte Retrosounds der 80er erinnert. „Miseress“ ist so poppig wie das bei Konzerten beliebte „Culpable“, doch statt wie eine spanisch-sprachige Version des NDW-Hypes zu klingen, hat der relaxt daherkommende Song einen weitaus mehr arty Touch. Wie viele andere Stücke offenbart der Song seine kraftvolle Seite erst mit der Zeit.

Ihr ganzes Können auf dem Gebiet zeigen die beiden und der im Studio unterstützend agierende Boris Wilsdorf bei Stücken wie „Mi Auto“, das wie eine Ballade zu beginnen droht. Im Verlauf wird Carmens heißer gehauchte Stimme von einem stets in Bewegung gehaltene Soundteppich untermalt. Wie groß der Unterschied zu früher ist, zeigt der einzig ältere Song „El Circolo“, der bereits auf einer EP zu hören war und hier mit seinem gröberen Klangbild wie eine Enklave früherer Errungenschaften wirkt. Doch auch die neuen Songs haben Energie, „Un Lugar Ideal“ zum Beispiel ist eine der kraftvollsten Nummern überhaupt, bei der Carmens punkige Shouts vom unermüdlichen Takt aus merkwürdigem Geklöppel und flankiert von allerhand Neoisedetails nach vorn preschen. Bei „Guerrero de la Gloria Negativa“ zeigt sich Tomás Stimme von ganz unbekannten Seiten, wirkt beinahe erschöpft, wie die eines Erlkönigs, der sich mit Mühe und Not durch die infernalische Musik kämpft.

Der Wandel wird sicher – ähnlich wie bei der Entwicklung von Noblesse Oblige – nicht von jedem begrüßt werden, doch einige Aspekte beweisen deutlich, dass die beiden mehr als nur ein Klassenziel erreicht haben: Aus dem Postpunk der Argentinier ist sozusagen ein veritabler Elektroclash geworden, der immer noch genug kernige Bassläufe aufweist und v.a. harte Nummern zustande bringt, was ich zudem begrüße ist, dass die Drummachine viel besser ins Soundbild integriert ist. Wie dem sei, „Miseress“ belegt, dass Mueran Humanos kein Strohfeuer waren, und dass ihr Name auf der Karte innovativer Musik fett gedruckt gehört. (U.S.)

Label: ATP Recordings

Viele dieser kleinen Shows finden im Rahmen von Arbeits „Soundscapes“-Improvisationen statt, „Torino 012010“ ist nun der zweite gemeinsame Auftritt, der als Tonträger dokumentiert worden ist. Die erste Seite enthält ein live im Turiner Studio eingespieltes Tondokument, und beginnt mit wellenförmigen Ambientklängen. Diese geben sich zunächst sehr reduziert, und leiten eine entspannte Atmosphäre ein, die für die komplette Aufnahme typisch sein wird. Entspanntheit muss jedoch bei weitem nichts mit Ereignislosigkeit zu tun haben, und schon zu Beginn ereignet sich Großes im Kleinen. Wie ein heller Lichtstrahl bahnt sich Hochfrequentes seinen Weg durch das samtige Fundament der summenden Saiten. Auch das Summen selbst, hervorgezaubert aus Arbeits Gitarre und der elektrischen Viola Palumbos, bleibt keineswegs gleichförmig, intensiviert sich im Vibrato und beweist, dass auch solche Klangfiguren nach wie vor faszinieren können. Die Basis all dieser Soundschichten bilden elektronische Klänge, die gut mit dem Rest harmonieren, wenngleich ich mir an einigen Stellen schon Julia Kents sanfte Cello-Saiten gewünscht hätte. Verhaltenes Kratzen macht sich bemerkbar, so dass die Klänge niemals in reine Schöngeisterei ausarten. An einer Stelle des zehnminütigen Openers kommt man der beinahe perfekt vermiedenen Statik sehr nah, und fühlt sich an NURSE WITH WOUNDS “Salt Marie Celeste” erinnert, das in seiner Repetition ungleich opulenter ist. Nach diesem intensiven Drone-Erlebnis gerät das zweite, kürzere Stück verspielter, seine schöne Melodie entfaltet sich erst nach und nach, elektrische Gitarren rufen fast rockige (oder je nach Assoziation folkige) Reminiszenzen in Erinnerung. Ob einen die Computerspiel-Sounds eher stören, bleibt freilich Geschmackssache. Jeder der folgenden Abschnitte hat seine speziellen Stärken, es gibt Stücke mit kleinen Abstechern in noisige Gefilde, auch dezent rhythmische Passagen, sogar Monumentales, doch stets ist es die dezente Dröhnung, die den Rahmen der Aufnahme bestimmt.

Die zweite CD dokumentiert ein Konzert, welches Arbeit zusammen mit dem Toningenieur Paolo Dellapiana in einem Turiner Theater aufgenommen hat. Hier wirkt das Arrangement der Klänge noch zurückgenommener, die ausgedehnten Klangbögen noch hintergründiger, wobei die Aufnahmen ohnehin von der Studioversion abweichen. Die dronigen Aspekte stehen hier noch mehr im Vordergrund, und gerade dort sind einige Motive und Strukturen der Originalaufnahmen wiederzuerkennen. Gibt es rauschige Momente, dann sind sie beabsichtigt – so gegen Ende, wenn sich ein unbehagliches orchestrales Etwas, vermutlich ein Filmsample, herauskristallisiert, das den infernalischen Höhepunkt der Aufnahme markiert.

„Torino…“ folgt dem Tondokument „Halle 27022010“, welches einen Auftritt in der legendären Palette dokumentiert und als Vinyl beim deutschen Behind S.R.B.-Label erschienen ist. Beide Releases sollten das Zeug haben, Interesse an den Livejams zu wecken. Und hätte ich einen Wunsch frei, so erschien als nächstes eine Aufzeichnung des Sechzig Minuten-Drones, das Arbeit, Beauchamp, Kent und Palumbo letztes Jahr im Berliner Eschloraque zum besten gaben. (U.S.)

Label: Tourette

Dass David Tibet und seine Mitstreiter auch regelmäßig auf internationalen Bühnen zu sehen sind, war nicht immer selbstverständlich, und auch seit Current 93 vor einigen Jahren das Konzertegeben wiederentdeckt haben, gibt es niemals größere Tourneen, sondern stets nur eine gute handvoll Einzelkonzerte an ausgewählten Orten. Am 28.03. dieses Jahres stand dann auch ein Auftritt in der Berliner Volksbühne auf dem Kalender. Im Unterschied zu früheren Auftritten wurde diesmal ganz auf Support Acts im Sinne von Vorgruppen verzichtet, obwohl mit dem Lineup bestehend aus Baby Dee, Andrew Liles, Keith Wood, James Blackshaw, Alex Neilson und Eliot Bates eine ganze Reihe vorzeigbarer Musiker dabei waren, die allesamt eigene Bandprojekte haben oder als Solokünstler aktiv sind. Einiges wäre da sicher machbar gewesen, aber andererseits – wer will schon bis zu drei Stunden am Abend spielen, und das zum Teil mehrere Abende hinter einander? Stattdessen gab es im Foyer eine Stunde lang elektronische Hintergrundbeschallung für die mit Smalltalk, Schlangestehen, aufgeregter Erwartung und Wiedersehensfreude beschäftigten Besucher. Die Turntables wurden jedoch von keinem Unbekannten bedient, sondern von Jochen Arbeit, bekannt durch Bands wie DIE HAUT und natürlich EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, zeitweise unterstützt durch Arbeit Junior.

Im Großen Saal ging es dann auch gleich zur Sache, als erster betrat der immer etwas garstig dreinschauende, aber in Wirklichkeit ausgesprochen sympathische Liles die Bühne, und sorgte mit einem Auszug aus BONEY Ms “Rivers of Babylon” für die thematisch passende Einstimmung, sowie natürlich für die ersten Lacher. Einige Minuten später war die siebenköpfige Kapelle auf den geschichtsträchtigen Brettern versammelt und präsentierte sich als das, was sie nun nach einigen Jahren des Livejammens geworden ist – eine äußerst virtuose, gut aufeinander eingestimmte und mittlerweile auch sehr routinierte Rockband. Bis auf eine der Zugaben stammten alle Songs aus der Zeit nach dem Millennium, und auch wenn nur drei Lieder vom 2009er Album “Aleph at Hallucinatory Mountain” gespielt wurden, prägte dessen psychedelisch angehauchter Progrocksound das gesamte Set, bei dem manche Stücke erst nach einer Weile zu erkennen waren. Das traf allerdings auch auf die “Aleph”-Stücke selbst zu. Baby Dees Piano jedenfalls gab dem Opener “Invocation of Almost” einen ganz eigenen Charme, der meines Erachtens die Version auf dem Album übertraf. Zu den Höhepunkten zählte wie bei allen Konzerten der letzten Jahre eine äußerst “groovige” und nichtsdestoweniger dynamische Version des Titelsongs der “Black Ships”, dem apokalyptischen Vorzeigealbum der Band schlechthin. Leider wurde kein weiteres Stück dieses Albums gespielt, und überhaupt sind Current 93 mittlerweile recht weit entfernt von jedem Folksound. Wollte man die neueren Stücke der Band anhand eines kleinsten gemeinsamen Nenners beschreiben, dann vielleicht noch am ehesten als ausladende lyrische Bewusstseinsströme, die bei aller Melodik und allen Schrei-Kaskaden Tibets doch eher rezitativ dargeboten werden – auf dem Hintergrund eines fast postrockigen Fundaments. Postrockig nicht nur wegen der Instrumentierung, sondern auch weil es keine runden, im engeren Sinne songartigen Strukturen mehr gibt, sondern Instrumentalparts in repetitiven Mustern, die sich im Verlauf intensivieren und nicht zwangsläufig nach fünf, sieben oder zehn Minuten enden müssten.

Besonders positiv angetan war ich von den drei Stücken des „Baalstorm“-Albums, die Teil des Sets waren – obwohl ich das letztjährige Werk anfangs recht positiv aufnahm, hatte es bei mir doch keine so große Halbwertzeit. „I Dance Narcoleptic“ allerdings mutierte zu einem der stärksten und rockigsten Stücke des Abends, bei dem vor allem Alex Neilson an den Drums alles gab und auch Liles, der sich insgesamt eher als graue Eminenz um die Elektronik kümmerte, einiges an Perkussion beisteuerte. Bei allem Bedauern über den wohl endgültigen Ausstieg Steven Stapletons, muss man Liles in jedem Fall als würdigen Nachfolger im Kontext der “Schwesterband” anerkennen. Und der junge Drummer, dessen “Faster Pussycat Kill Kill”-Shirt am Abend definitiv Programm war, zählt ohnehin zu den großen Zugewinnen der letzten Jahre. Wer das ähnlich sieht, der sollte mal seine Stammband TREMBLING BELLS ausfindig machen, Freunde klassischer Folkinnovatoren wie PENTANGLE oder FAIRPORT CONVENTION sollten auf ihre Kosten kommen. Bei „The Nudes Lift Shields For War“ und dem orientalisch angehauchten „With Flowers In The Garden Of Fires“ hatte die akustische Seite der Band ihre großen Momente. Gerne hätte ich Eliot Bates’ arabische Laute auch bei den anderen Stücken noch etwas deutlicher gehört – eines der wenigen Mankos eines ansonsten sehr gelungenen Sounds. Komplett am Stück wurde die „Birth Canal Blues“-EP gespielt, in Versionen, die zum Teil noch mehr vom Original abwichen als die Aufnahmen der gleichnamigen Live-EP. So wurde die sehr emphatische Hommage an die verfolgten Christen im Römischen Reich, „Suddenly the Living are Dying“, melodisch stark gedrosselt und so dem „cooleren“ Rocksound der meisten Songs angeglichen.

Das heißt jedoch keineswegs, dass es nicht auch ein paar Schmachtnummern gegeben hätte. Für den melancholischen Part waren überwiegend Songs vom aktuellen „HoneySuckle Æons“-Album (siehe Besprechung) zuständig, bei denen Baby Dee zwischen Piano und elektronischer Orgel changierte und Liles an einer Stelle Armen Ras Theremin vom Band erklingen ließ. Blackshaw, Wood und Neilson steuerten auch hier dezente Rockparts bei, sodass sich die Songs noch mal markant von den minimalen Versionen auf dem Album unterschieden. Die neuen Stücke schienen gut anzukommen, und ich bin sicher, dass sie manche versöhnen werden, denen „Black Ships“ zu heterogen, „Aleph“ zu amerikanisch und „Baalstorm“ stilistisch zu ungreifbar gewesen ist.

Auch wenn die anderen Musiker alles andere als Statisten waren, stand David Tibet natürlich im Zentrum der Bühnenshow. Eine leichte Erschöpftheit schien man ihm anzumerken, und es war schwer zu sagen, ob sie mehr auf die körperlichen oder die nervlichen Belastungen des mehrmaligen Auftretens zurückging. An seiner Bereitschaft zu einer agilen Show änderte das jedoch kaum etwas, und es war beeindruckend zu sehen, wie er bei einzelnen Songs mal die Attitüde des rampenerprobten Rockers, mal die Haltung des Empfindsamen auszuleben vermochte, ohne dabei widersprüchlich zu wirken. Wenn Tibet eines nicht ist, dann ein typischer Neofolkmusiker, der seine manchmal etwas überspannt wirkenden Exaltiertheiten hinter schamhafter Strenge und Haltung kaschiert und somit – eine langweilige, biedere und bestenfalls pseudocoole Show abliefert. Seine Emotionalität reduziert den kraftvollen Charakter seiner Darbietung keineswegs, und auch wenn die offen ausgelebte Trauer um verstorbene Weggefährten vielleicht nicht jedermanns Ding ist, so nimmt man ihm seine emotionale Aufgeregtheit dabei doch ab. In den erhitztesten Momenten erlebt man Tibet so, wie man ihn vielleicht am liebsten sieht: Als exzentrischen Feuer- und Schwefelprediger, dessen religiöse Obsessivität niemals aufdringlich, eitel oder gar missionierend wirkt, und der ebenso sehr norddeutsches Bier liebt und auch schon mal über sich selbst lachen kann. Wer das nicht glaubt, der hat ihn noch nicht zu „Oh Coal Black Smith“ einen Hasen- und Ententanz aufführen sehen.

Natürlich gab es auch den ein oder anderen Wermutstropfen. Ich habe nicht viele Current-Konzerte besucht, aber verglichen mit Shows vor ein paar Jahren wirkte das Zusammenspiel der Musiker fast schon ein bisschen zu routiniert – im Vergleich etwa zu dem experimentierfreudigen Jamcharakter auf dem Roadburn Festival 2008, wo man noch ausprobierte, wie gut sich wohl so unterschiedliche Stücke wie „The Red Face of God“, „Locust“, „The Autistic Imperium“ und „The Dissolution of the Boat ‘Millions of Years‘“ mit dem gerade erst im Entstehen begriffenen „Aleph“-Sound vertragen. Auch vermisste ich die sonst ins Klangbild integrierten Streicher, und so sehr ich auch die neueren Current 93 schätze, finde ich es doch ein wenig schade, dass außer „Oh Coal Black Smith“ nur Songs aus den Nullerjahren gespielt wurden. Michael Cashmore im Publikum zu sehen hatte einige sicher erwartungsvoll auf einen spontanen Gastauftritt gestimmt, der leider ausblieb. Auffällig war zudem eine merkwürdige Diskrepanz zwischen Publikum und Band, die für Current anscheinend seit Jahren typisch ist. Eine Diskrepanz im dem Sinne, dass eine Bande von soliden und doch irgendwie „weirden“ Rockmusikern mit einem äußerst exaltierten Frontmann für eine verhältnismäßig stoische Gemeinde ehemaliger Neofolker, Darkwaver und Industrialheads spielte, die das ganze Spektakel in der szenetypischen Gefassheit wohlwollend zur Kenntnis nahm. Ein durchaus angenehmes und nettes Publikum, und doch kolossal verschieden von dem, was da auf der Bühne zu sehen war, und letztlich liegt der Unterschied in der gar nicht mal so banalen Frage, ob früher alles besser war. Das Publikum sagt ja, die Band sagt nein, so einfach ist das. Als Neilson und Konsorten anschließend durch die Menge gingen und von keinem angesprochen wurden, hätte sich ein unbedarfter Passant glatt fragen können, aus welchen Grund diese Jungs sich ausgerechnet in diese Community verlaufen haben – “ach so, das ist die Band.” Wie dem auch sei, es würde mich freuen, wenn auch solche Fans nicht nur aus Gewohnheit zu Current-Konzerten fahren, und der eine oder andere vielleicht weiß, wer James Blackshaw ist oder John Contreras, und nicht immer nur mit den immer gleichen World Serpent-Assoziationen bei der Hand ist.

Insgesamt also ein gelungener Auftritt und ein schönes, nachhaltiges Konzerterlebnis, und wen scheren schon ein paar kleine Wermutstropfen, wenn man mal wieder „Niemandswasser“ live hören darf, das ja, wie alle Fans wissen, einer der großartigsten Songs auf diesem Planeten ist. (U.S.)

Porträtfoto: Lauren Winton. Konzertfotos: Caillean Kompe

copticcat.com

volksbuehne-berlin.de

Eder ist auch als Musiker aktiv, seine Band stutzte gerade ihren Namen RICHARD RUIN ET LES DEMONIAQUES auf das etwas markantere RUIN zurecht und schickt sich mit dem live eingespielten Album „Half Skull“ an, Eders leidenschaftliche Mission zu erfüllen: Quer durch die unterschiedlichsten Musikgenres eine möglichst extreme und authentische Klangwelt zu erschaffen. Was immer man auch von dem Attribut „authentisch“ halten mag – wer schon immer einmal wissen wollte, wie wohl eine von ANDREW LILES durch den Fleischwolf gedrehte AETHENOR-Platte klingen könnte, der ist bei „Half Skull“ gerade richtig. Ruin arbeiten (hochkarätig unterstützt von Kollegen wie Jochen Arbeit) mit einer kaleidoskopischen Mischung aus dunklen, pathetischen, krachigen, eruptiven Versatzstücken, durchweg zerhackt und mit treffsicherer Spontaneität zu einer beeindruckenden Geisterbahnfahrt kollagiert, der man den ironischen Spieltrieb im Umgang mit Kitsch und Camp ebenso anmerkt wie einen Sinn für hintergründige, subtile Effekte. In Besprechungen wurde immer wieder auf die Ähnlichkeit zu Musikern wie SUNN O))) oder BOHREN & DER CLUB OF GORE hingewiesen, auch auf Elemente des Black Metal und der Musique concréte. Das passt zwar hinsichtlich der hintergründigen Düsternis, nur brillieren solche Künstler (von der Musique concrète freilich abgesehen) meist mit so etwas wie Kohärenz und Reduktionismus. Die Musik Ruins dagegen will heilloses Durcheinander sein.

Vom Black Metal findet sich hier sowohl die Schwere als auch der rauschende Klang, den man mittlerweile ebensosehr mit amerikanischen wie mit „nordischen“ Genrevertretern assoziiert. Dabei orientiert man sich durchweg eher an der dronigen Seite des Genres. Dröhnung erfolgt jedoch nicht nur mittels elektrischer Verzerrung. Insgesamt sind es sogar eher die ungewöhnlich gespielten und mit verschiedenen Effekten bearbeiteten Streicher und Blasinstrumente, die das allgegenwärtige Brummen dominieren. Osteuropäisch anmutende Melodien von ausgesuchter Lieblichkeit klingen auf und steigern sich doch schnell zu einer verstörenden Kakophonie. Derangiertes Drumming wechselt sich ab mit erdenden Celloklängen und klagenden Violinen, die geradewegs aus einem italienischen Western-Score stammen könnten.

In Ruins Musik geht es allerdings viel weniger um Spielereien und schon gar nicht um verkopftes Streben nach Originalität. Atmosphäre ist wohl der schlichteste Ausdruck, mit dem man die Intention solcher Musik fassen kann. Eine Atmosphäre, die mal offen beklemmend, mal von trügerischer, infantiler Heimeligkeit ist. Und wieder ist der Rezensent beim europäischen Genrekino angelangt: Plötzliche Schritte, das Knarren der Tür, kurz bevor der Mann mit dem schwarzen Handschuh erscheint und das Messer erhebt, jener verzweifelte masochistische Killer, der in der psychoanalytischen Logik des Giallo morden muss, um sein Trauma zu verarbeiten. Ennio Morricones schockierend süßliches Kinderlied, das den perfiden Kindermord in Aldo Lados “The Child” untermalte, die von Spieluhren und naiven “lalas” inszenierten Erinnerungssequenzen in Argentos “Profondo Rosso” oder in Fulcis “Lizard on a Woman’s Skin” – all dies findet sich auch unter der Oberfläche von Ruins unberechenbarer Musik.

Extrem ist Eders Musik in jedem Fall. Wenn sie auch authentisch ist, dann auf eine Art, die das Echte im originellen Stilzitat und in der überraschenden Kombination sucht. So heterogen wie der Inhalt ist auch das visuelle Drumherum, den die CD-Hülle ziert eine dicke schwarze Kruste aus Materialien wie Altöl, Wodka, Fett, Blut, Seife, Tabak, Metall und Knochen. Eders Leidenschaft für Extreme, so könnte man schließen, macht auch vor einem Instrument wie dem Holzhammer nicht halt. (U.S.)

Format: CD

Vertrieb: Viva Hate/Cargo Records

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