E-Gitarre- und Klangschale (Ali Moghadam), Akkordeon (Parsa Sotoudeh), Synthies (Sina Jabbari) gewebt wird. Die beiden “Connection”-Tracks sind die trotz ihres separaten Titels keineswegs nur Intros, und strukturell wirken die vier Abschnitte trotz der Variationsbreite der Musik, die in ihrer atmosphärischen Zugänglichkeit Erinnerungen an Jazz, traditionelle Musikarten, Ambient und eine an die Kunstliedtradition anknüpfende Neue Musik zulässt, sehr einheitlich und ineinandergreifend. Das Album erscheint digital mit Artwork und Design von Ramin Ashtary.

“‘apsomeophone’ grew out of love for and, from a listener’s point of view, an historical immersion in a tight group of compositions by musique concréte, film soundtrack and Twentieth Century Classical composers. These listening experiences became entwined, at some stage, with my own ponderings round a desire to compose a group of very personally suited recordings, to be utilised in a live context as a proxy ensemble accompaniment to my slowly blossoming and evolving prepared guitar techniques. Through a compositional process that I would loosely describe as ‘aural sculpture’, I extracted snippets of sound and short musical passages from these adored compositions (the list of composers borrowed from includes Béla Bartók, John Cage, Pierre Henry, György Ligeti, Tōru Takemitsu and Edgard Varése). These small sonic extractions I then processed heavily, augmented spatially and timbrally and began to arrange into fragmented groupings, making correlations pleasing to my ear.

This transfigurative process became a long drawn out undertaking, soon enriched and complicated by the systematic and responsive addition of other fragmentary sounds generated through the use of my own guitars, stringed instruments and electronics. And…., on the layering and editing went as I meandered towards a final point of sonic sculptural satisfaction. As a group of odes, each of the final compositions on ‘apsomeophone’ focuses on one or two of the aforementioned, inspirational listening antecedents. Fifteen years later, the compositions throughout ‘apsomeophone’ still hold a warm grip on me and, though distant timewise, I still feel saturated with all the minutiae of the compositional processes, a feeling akin to being immersed in a supportive body of warm water. It’s a record that I’m really attached to and remain entwined with to the point where the working methods which gestated there have become the norm for me. It’s a heavily pored over record, where somehow nothing is out of place, and I believe it’s a record loosely in the mode of its predecessors.” (David Brown)

@ Vinyl

Yui Onodera @ Critical Path

Dabei kommt es bei „Stumm 433“ zwangsläufig zu gewissen Anachronismen und Paradoxien. Eine ganze Reihe der Künstler, die „4’33“ (scheinbar) covern, existieren schon lange nicht mehr (z.B. Miranda Sex Garden, Duet Emmo, He Said), andere haben das Label verlassen (Depeche Mode), von Daniel Millers Projekten The Normal und Silicon Teens sind das die ersten Lebenszeichen seit Jahrzehnten und Fad Gadget ist vor einigen Jahren verstorben – insofern ist es vielleicht auch nur konsequent, dass er mit völliger Stille vertreten ist.

Der größte Teil der anderen Beiträge ist dem Sujet entsprechend ebenfalls reduziert: Vieles klingt wie Feldaufnahmen. Die hier beschworene Stille kann sich noisig manifestieren (Daniel Blumberg), knisternd (Richard Hawley), verrauscht (Komputer), brummend (Modey Lemon), als fast völlige Abwesenheit von Klang (Einstürzende Neubauten), kann von Möwenschreien (Polly Scattergood), Insektensummen (Pole), einem krähenden Hahn (Goldfrapp), Autohupen und Lachen (Lee Ronaldo) oder Atmen (Nonpareils) durchbrochen werden, kann so klingen, als laufe ein Filmprojektor (Josh T. Pearson) oder als ginge man durch eine Bahnhofshalle (Renegade Soundwave). Aus dem Rahmen fällt da schon der ruhig zählende Michael Gira oder das leicht hysterische Zählen bei Pink Grease, das vorgetragene Gedicht von Cold Specks und das Ticken einer Uhr/eines Metronoms bei Alexander Balanescu. Das musikalischste Stück des Albums liefert vielleicht Moby ab, bei dem sich „4’33“ als pochender und pulsierender Track manifestiert, bei dem das Dröhnen sogar zwischendurch etwas die Klangfarbe wechselt.

Vieles bzw. fast alles mag interessant sein, wenn man das dazugehörige Video sehen kann (wie z.B. bei Laibach), aber insgesamt ist das eine in jedem Wortsinn erschöpfende Veröffentlichung, und als Hörer ist man dann nach 58 Versionen/Variationen/Interpretationen auch ziemlich erschöpft. Diese Compilation ist konzeptionell vielleicht interessanter als beim tatsächlichen Hören. Vor etlichen Jahren meinte Andrew Eldritch in einem Interview, er besitze augenblicklich zwar keinen Plattenspieler, aber er habe sich kürzlich die 12” von George Michaels „Careless Whisper“ gekauft, weil es wichtig sei, das Artefakt zu besitzen. Das war sicher (mehr als nur) ironisch gemeint, bezogen auf „Stumm 433“ ist es aber bestimmt schön, die (aufwendig gestaltete) Vinylbox oder (bei kleinerem Geldbeutel) die CDs zu besitzen (wie auch schon in der konkret bemerkt wurde). Dennoch: Was macht diese Veröffentlichung deutlich? Warum ist sie wichtig? Zum einen, dass Mute Records nach all den Jahrzehnten (und nach der vor einigen Jahren neu gewonnenen Freiheit/Unabhängigkeit) immer noch konsequent ihren Weg gehen (können) und zum anderen, dass im Zeitalter des Streamings diese Box sicher ein gutes Statement für die Wichtigkeit physischer Tonträger ist. Dass der Erlös der britischen Tinnitusgesellschaft und Music Minds Matter zugute kommt, ist dann vielleicht noch ein weiterer Grund sich “Stumm 433″ zuzulegen. (MG)

Label: Mute

Die neueste Interpretation wurde dieses Jahr in Berlin eingespielt – Reinhold Friedl, Leiter des Solistenensembles zeitkratzer, steuert neben Vocals eine Vielzahl an Sounds bei, Rashad Becker kümmert ich um die Elektronik und fungiert zudem als Studiotechniker. Mit unterschiedlichen Mikros, eigens gebauten Instrumenten und verschiedenen Geräuschquellen aus der Schrottkiste halten sich die beiden zwar an die ursprüngliche Reihenfolge der Songs, setzen diese aber mit einem Höchstmaß an interpretatorischer Freiheit um.

Die Sammlung beginnt mit einem irritierenden Krächzen, das flugs in undefinierbare Sounds übergeht, und man braucht eine Weile, um Stimme und andere Klangquellen vollends zu separieren. Brüche, bisweilen harte Cuts, die anfangs noch etwas holprig wirken, leiten von Abschnitt zu Abschnitt. Dabei zieht ein Panorama an auf- und abschwellenden Motiven am Ohr vorbei: Tippen auf der Schreibmaschine, Ess-, Trink und Tiergeräusche, Bohren, Kratzen, Hämmern, Blubbern, Brummeln, Jaulen, Stöhnen. Alles wirkt sehr nah am Ohr, schafft eine gewisse Intimität, man fühlt sich beinahe hineingezogen in das hörspielartige Szenario, und wenn nicht, dann wird man zumindest zum aufmerksamen Hören verführt. Interessant ist, dass die Abfolge trotz allem nie hektisch wirkt, sondern in ihrer genauen Bemessenheit und der Übersichtlichkeit der Inhalte sogar einen eher entspannten Eindruck hinterlässt.

Was auf den ersten Blick noch wie ein wildes Sammelsurium anmutet, ist letztlich in einen stringenten Rahmen gepackt: Nie klingt die Musik nach metallener Kälte oder nostalgischer Gemütlichkeit, immer stehen wenige Soundereignisse, oft auch nur ein einziges, im Zentrum des Geschehens, der Ort ist keine Rumpelkammer, doch ebenso wenig eine weiträumige Maschinenhalle, und auf Wucht und Bombast wird sowieso verzichtet. Dramatik gibt es nur im Kleinen, und die geht oft Hand in Hand mit einer Portion Slapstick: Gurgeln, Grunzen und Keuchen, Pfeifen auf dem Kamm und ein feierliches Orgelspiel, dass durch den pathetischen Bassgesang wie eine Karikatur wirkt. Selbst die hohen Fiepstöne erscheinen eher wie kleine Streiche, als dass sie verstören.

Wer auf so etwas wie eine lineare Entwicklung hofft, tut gut daran, danach zu suchen – nicht dass man sie finden könnte, denn das Werk ist, wie es sich für ein Songbuch auch gehört, im simplen Reihungsstil komponiert, doch beim konzentrierten Hören fallen einem die gut konturierten Details noch besser ins Auge – und dieses ist ohnehin eine heimlicher Mithörer, denn die vielen gut im Raum choreografierten Ereignisse evozieren in ihrer Griffigkeit eine filmische Qualität.

Die originelle Neuinterpretation erscheint als Doppel-LP fünfhundertmal in der „Perihel Series“ auf Karlrecords, laut Label sind noch ein paar Dutzend Scheiben zu ergattern. (U.S.)

Label: Karlrecords

„Different Every Time“ ist nicht die erste Compilation von Robert Wyatt, sehr wohl aber die erste, die sämtliche Schaffensphasen abdeckt und zugleich einen Über- oder besser Einblick in seine enorme Kollaborationstätigkeit gibt. Selbstredend setzt auch diese vom Musiker selbst vorgenommene Auswahl, die ein Werk von (Soft Machine und die kurzlebige Nachfolgeband Matching Mole mitgerechnet) achtzehn Alben und etlichen Kleinreleases abdeckt, Schwerpunkte und erhebt keinen ultimativen Anspruch.

Wyatt bezeichnete die Soft Machine-Single „Moon in June“ einmal scherzhaft als sein erstes Solostück, da es so stark von seinem Gesang geprägt war wie keines der anderen Stücke der Band, und so ist es kein Wunder, dass neben der ans Falsett grenzenden Stimmarbeit noch andere typische Wyatt-Muster in der beatlastigen Psych Rock-Nummer zu finden sind – genau bemessene Klangkomponenten, intelligente Breaks und nicht zuletzt Lyrics von feinsinniger Doppeldeutigkeit. In den beiden Songs seiner 1972 gegründeten Band Matching Mole kündigt sich bereits das Jazzfaible an, seine ironischen Verse knüpfen sich das Songschreiben vor und legen in kindlicher Direktheit kompositorische Klischees bloß. Selbst vor der frohen Botshaft als nicht mehr genießbarem Song des Herrn wird nicht Halt gemacht, wobei die Beichte nicht ausbleibt – „pardon me, I’m very drunk“.

Die Auswahl der Soloarbeiten richtet sich kaum nach dem Bekanntheitsgrad der Stücke, so ist von seinem erfolgreichsten Album „Rock Bottom“ nur ein Song in Liveversion enthalten, wohingegen mit seinem verdröhnten Cover von Chris Andrews’ „Yesterday Man“ (viele halten es für einen Beatles-Song) ein eher obskurer EP-Track enthalten ist. Viele Beiträge demonstrieren Wyatts Kunst, zeitgemäßes aufzunehmen und seinem eigenen Stil anzuverwandeln. Das etwas an Peter Gabriel erinnernde „Age of Self“, bezeichnenderweise mitte der 80er auf der LP „Old Rottenhead“ erscheinen, zeigt dies vielleicht am besten. Dabei bleibt Wyatt stets in einem Rahmen, den man vorsichtig als Pop bezeichnen kann, was heißt, dass seine Musik fast immer auch als Hintergrundbeschallung oberflächlich genießbar wäre, und auch in einem nicht allzu ausgefallenen Radioprogramm die anspruchsloseren Gemüter nicht unbedingt stören würde. Vielleicht registrieren diese die vielen subversiven doppelten Böden seiner Songs und vor allem seiner Texte unbewusst – jedenfalls ist Wyatt auch in der Hinsicht “different every time”.

Wyatt kollaborierte über die Jahre mit hunderten von Leuten, und was die zweite CD am ehesten vermittelt, ist die stilistische Bandbreite, die er sich zutraute, zurecht ohne dabei auch nur einen Moment um seine stilistische Kohärenz zu bangen. Auch hier ist er also der große Anverwandler. Duette mit Sängerinnen wie der Jazzerin Anja Garbareck oder mit Björk in einem „Medulla“-Stück stehen neben Bossa Nova und experimentierfreudigem Pop von Working Week und Hot Chip. Heraus stechen – konzeptuell – ein von Elvis Costello und Clive Langer verfasstes Solo Wyatts mit einem bissigen Text zum Falkland-Krieg, das ebenso gut auf die erste Scheibe gepasst hätte und – als Höhepunkte – ein folkig angehauchtes a capella mit Cage, Steele und Eno, sowie nicht zuletzt das apokalyptisch düstere „Jellybabies“ mit Epic Soundtracks.

Als interessierter Laie mit bisher eher punktuellen Einblicken bleibt mir nur ein kurzes Fazit, nämlich dass die Sammlung einen guten Einstieg vermittelt, der sich bei Interesse mit der gleich betitelten Biografie von Marcus O’Dair vertiefen lässt.

Label: Domino