“Originally released in 1999 and long since deleted it is a cornucopia of pastoral, elegiac folk music, swirling atmospherics, hymnal compositions and above it all the alternating towering and fragile vocal performances of McDowall. Recorded in the late 90s with fellow band member and co-songwriter Robert Lee, Sleep Now Forever is the definitive statement by the now defunct group and Rose McDowall’s most complete long-form work to date. [...] Despite its rarity, Sleep Now Forever enjoys a firm cult following. The album’s textures are expansive, lush, deliciously detailed and celestial. Recorded in home study Velvet Hole by Rose McDowall and then-husband Robert Lee, the album enlists an array of players from the underground Neo-folk / industrial scene: Nigel McKernaghan (Uilleann pipes, Whistles), Susan Franknel (Bassoon), John Contreras (Cello) and Lawrence Frankel (Oboe, Cor Anglais). The eleven songs here revolve around McDowall’s instantly recognisable voice. Brought up singing in the Catholic Church, McDowall’s vocals are impeccable and angelic, particularly on tracks like Turn Off The Light where her experiences with religion are canted over soaring oboe and guitar backing. By far the most evolved and realised version of Sorrow’s vision, it feels somewhat criminal that music this beautiful could be lost to time until now”. (Night School)

@ Night School | Instagram

Ein für mich zentrales Merkmal der Musik Cyclobes, das eigentlich seit ihrem Debüt „Luminous Darkness “ Ende der 90er, spätestens aber seit dem Nachfolger „The Visitors“ deutlich wird, ist, wie es Thrower und Brown gelang/gelingt, elektronische und akustische Instrumente in ihren extrem dichten Kompositionen miteinander zu verknüpfen, eine Musik zu erschaffen, die liminal ist, Schwellen überschreitet. Gerade die spärlichen Auftritte der letzten Jahre haben das noch einmal unterstrichen.

Und schon der erste Track „Sulphur“ macht diese Herangehensweise deutlich: Während an- und abschwellende, fast stotternde Elektronik zu hören ist, spielt im Hintergrund eine Drehleier. Das Stück scheint immer kurz vor der Auflösung zu sein, den ganzen 15 Minuten haftet gleichzeitig ein Moment des Unheimlichen, Nichtfassbaren an, was durch kurze, nur zu erahnende Stimmfragmente unterstrichen wird. Natürlich passt das zu Jarman, dessen Arbeiten ebenfalls oftmals von einer Traumatmosphäre durchzogen sind – was auch der häufige Verzicht auf eine lineare Erzählweise unterstreicht. Auf „Tarot“ sind die akustischen Instrumente dominant(er): Durch den Einsatz von Drehleier und Bläsern (Cliff Stapleton und Michael J. York haben neben John Contreras an dem Album mitgewirkt) entsteht fast schon orientalisch klingende Musik, die einen rituellen, magischen – der Alternativtitel von Jarmans Film lautet bezeichnenderweise „The Magician“ – Charakter besitzt. Auf diesen sieben Minuten wird deutlich, wie sehr es Cyclobe gelingt, aus vielen Schichten einen dennoch homogenen, in sich geschlossenen Klang zu erzeugen. Dagegen ist der Soundtrack zu „Garden of Luxor“ elektronischer, abstrakter, die Musik ist zurückhaltender, reduzierter und entfaltet sich langsamer. In Jarmans Film herrscht die Farbe rot vor: Man sieht Pflanzen, Pyramiden, Reiter, die Sphinx – in Chroma, seinem „Buch der Farben“, schreibt Jarman: „Rot ist der älteste Farbname, abgeleitet vom rudhira des Sanskrit. Das Gesicht der Sphinx war rot angemalt.“

Cyclobe haben bislang gezeigt, dass sie eine halluzinatorische, vielleicht im besten Wortsinne psychedelische, fast kosmische Musik spielen, in deren Zentrum vielleicht der große Gott Pan lauert oder um noch einmal aus Jarmans Chroma zu zitieren: „Wenn man dem Licht der Welt in die Augen schaut, färbt sich die Schöpfung scharlach.

M.G.

Label: Phantom Code

Die an zwei Tagen im November 2005 in Rom gespielten Sets schlagen die Brücke zwischen diesen Aufnahmen und der (zumindest etwas gitarrenlastigeren) Doppel-CD “How I Devoured Apocalypse Balloon”, denn Frontmann Tibet wird hier nur von der Pianistin Maja Elliott (deren Rolle in den vergangenen Jahren von Baby Dee übernommen worden ist) und dem Cellisten John Contreras begleitet.

Schaut man sich die Tracklist an, stellt man fest, dass hier eine Reihe von Songs zu hören ist, die sich in den letzten Jahren zu festen Konstanten im Liveset der Band entwickelten: so zum Beispiel die das Konzert eröffnende Bill Fay-Coverversion “Time of the Last Persecution“, deren apokalyptischer Text sich thematisch perfekt ins Oeuvre von Current 93 einfügt. Insbesondere das auf “Sleep Has His House“ etwas untergegangene “Niemandswasser“ entwickelte sich (gehüllt in den Mantel eines Rocksongs) zu den Höhepunkten der Auftritte der letzten Jahre. Auch die hier zu findende Version ist trotz spärlicherer Instrumentierung beeindruckend in ihrer emotionalen Intensität, und wenn Tibet “none of us will run eternal“ herausbrüllt, dann kann man nicht anders als erschauern. “Calling For Vanished Faces II“ bekommt einen noch melancholischeren Ton als auf der auf “All The Pretty Little Horses“ enthaltenen Studioverson: Tibet flüstert anfangs fast um sich am Ende zu steigern: “He’s near at the door/The inmost light“. Die Version von “Good Morning, Great Moloch“ ähnelt der, die auf “Halo“ zu finden war und ist eines der Stücke, auf denen John Contreras’ Cello mit die größte Rolle spielt (was man sich auch bei einigen der anderen Stücke gewünscht hätte, bei denen das Klavier den Ton angibt und das Cello entweder die Funktion hat, besonders markante Stellen zu akzentuieren oder aber auf recht unprätentiöse Art ein erdendes Klangfundament bereitzustellen). Songs wie “Mary Waits in Silence“, ”A Sadness Song“, “The Bloodbells Chime“ oder das die CD abschließende “A Gothic Love Song“ waren schon in ihren Studioversionen zurückhaltend und melancholisch und bieten sich natürlich für eine Interpretation dieser Art an.

Interessant sind aber besonders die Stücke, die ursprünglich einen (etwas) anderen Charakter hatten: “Black Flowers, Please“ enthält durch die Instrumentierung und Reduzierung des Tempos etwas Kontemplatives, dem das Hysterische und Zirkushafte des Originals abgeht, so dass fast so etwas wie ein neuer Song daraus entsteht. Das ist hier durchaus positiv zu verstehen, denn gerade bei den Auftritten der vergangenen Jahre, bei denen zeitweise drei oder mehr Gitarristen auf der Bühne waren, mäanderten die Stücke oft etwas vor sich hin – dem wird hier jedoch durch die Fokussierung auf ein oder zwei Instrumente vorgebeugt. So wird das von “Imperium“ stammende “Alone“ hier als Klavierballade neu erfunden. Das im Original von (einem) harschen E-Gitarren (Riff) geprägte “Black Ships Ate the Sky“ (das hier zusammen mit “Sunset“ vorgetragen wird) verwandelt sich in eine von repetetiven Klaviermustern getragene Nummer, auf der die im Original herausgebrüllte Zeile “Who will deliver me from myself?“ in der zweiten Hälfte zu einer Art verzweifeltem (Auf)Schrei(en) wird, bei dem die Stimme auch durchaus mal brechen darf. Hier wird deutlich, welche Rolle Tibets manchmal bis zur Selbstentblößung gehende Bühnenpräsenz zukommt. Mit “Tortoise Mouth“ und “Monkey Paw“ (eigentlich “Black Ships Were Sinking“) folgen zwei weitere Stücke aus dem damals noch nicht veröffentlichten Album “Black Ships Ate the Sky“. Gerade bei letzterem Song untermalen die erneut repetetiven, leicht dissonanten Klavierfiguren die sich in Ekstase steigernde Stimme, die die Selbstanklage “I am black ship“ herausschreit. Mit am interessantesten ist die Neuinterpretation von “Oh, Coal Black Smith“ – von Tibet mal scherzhaft als sein “Stairway To Heaven” bezeichnet –, bei dem das Klavier die Akkorde spielt, die auf “Swastikas For Noddy“ von der Gitarre gespielt wurden und die das Übersteigerte des Originals beibehält.

Trotz also der oben schon angesprochenen Vielzahl von Livemitschnitten gehört “And When Rome Falls“ sicher zu den Veröffentlichungen, die all denen, die nur die Studioalben kennen, eine weitere interessante Seite der Band offenbaren.

(M.G./U.S.)

Label: Coptic Cat

Auch die Tatsache, dass Calexico einen starken Bezug zum Reisen haben, spricht gegen die Vorstellung einer regional verwurzelten Combo. Freilich sind sie nicht die einzige Americana-Band, die gerne tourt, doch bei ihnen hat das Konzertegebeben einen besonderen Stellenwert – einen so zentralen, dass es zur Tradition wurde, für jede der größeren Tourneen, die die Gruppe bislang auf alle Kontinente außer Afrika und die Antarktis brachte, ein exklusives Album zusammen zu stellen, das es dann nur am Merchandise-Stand zu kaufen gab. Bei den exklusiven Songs handelte es sich meist um etwas rauere Aufnahmen, vielleicht zum Teil auch einfach um Outtakes aus vorangegangenen Sessions, aber gerade dies hatte seinen Reiz und konnte auch diejenigen Fans versöhnlich stimmen, denen allzu brave Werke wie „Garden Ruin“ weniger zusagten. Für Liebhaber und Sammler werden diese Alben gerade in einer aufwendig gestalteten 12LP-Box wiederveröffentlicht, limitiert auf elfhundert Einheiten mit dem Versprechen, sie niemals auf CD heraus zu bringen. Für die No Die Hard-Fraktion gibt es jedoch die hier vorliegende Alternative, die man keinesfalls als Trostpreis abtun sollte.

Wollte man das stilistische Panorama der Compilation an drei Eckpunkten festmachen, dann würde man auch gleich die musikalischen Schwerpunkte von Calexico generell benennen: Ein Großteil der Aufnahmen ist akustischer Natur und entstammt der typisch amerikanischen Songtradition, und es hängt vom jeweiligen Stück ab, ob eher das folkige Element oder ein etwas poppiger Singer Songwriter-Stil im Vordergrund steht. Eine andere Gruppe bilden instrumentale Texmex-Stücke unterschiedlicher Länge, die mit Hammondorgel und diversen Saiteninstrumenten hervorragend für Filmscores geeignet wären. Eine dritte, kleinere Kategorie spielt mit Rockansätzen. Bei den Folksongs herrscht meist eine relaxte und zugleich nachdenklich Stimmung vor. Bei „Half a Smidge“ schwingt bei all dem eine Coolness mit, wie sie nur auf den staubigen Hauptstraßen halbverfallener Geisterstädte geboren wird. Während „Ghostwriter“ fast schon ein wenig zu schön ausgefallen ist, bietet das traditionelle Kinderlied „All The Pretty Horses“ (bekannter mit dem Zusatz „little“) die vielleicht intensivsten Momente der Compilation – allein dieses Stück macht die CD für African Paper interessant, und viele wissen vielleicht nicht einmal, dass ein gewisser John Contreras in den 90ern noch als zweiter Gitarrist mit im Boot war, bevor er zum Cellisten einer britischen Band wurde, die ebenfalls eine bekannte Version des Songs spielte. Die Calexico-Version erschien damals bereits (passenderweise) auf einem Benefiz-Sampler für ein Kinderhilfswerk.

Die Instrumentalstücke zeigen die Band von ihrer klassischen und typischen Art – sie transportieren eine vitale Verwegenheit, die dem Flair bekannter Filme von Rodriguez und Tarantino nahe kommt. Die Midtempo-Nummer “Waitomo” ist mit ihrer aufwühlenden Surfgitarre ein hybrides Monster aus dem Lebensgefühl von California und Baja California, man wartet vergeblich auf Gesang, aber der Song ist auch so die reinste Feier fatalistischer Lebensfreude. Ähnliches lässt sich zu dem doch recht kurzen “Entrenado a los Tigros” sagen, das wie geschaffen scheint für eine kleine Lapdance-Einlage. Beim düsterfolkigen “Glowing Heart of the World” trifft Townes van Zandt auf Lee Marvin, doch das Wort überlassen die beiden dem stimmungsvollen Marimbaphon, bis der Song losgalloppiert und in fast so etwas wie Morricone-Pathos seinen Abschluss findet. Das schlägt die Brücke zu rockigen Stücken wie „Inch by Inch” und vor allem “Lost in Space”, sowie zu der etwas aus dem Rahmen fallenden Easy Listening-Nummer “Crystal Frontier”.

Auch wenn manche Songs ein bisschen fragmentarisch wirken, hat mich die Sammlung ausgezeichnet unterhalten und sogar dazu gebracht, mal wieder alte Scheiben wie “The Black Light” aus dem Regal zu ziehen. Wer auf den Geschmack kommt und gerade ein dickes Portemonnaie hat, der kann am 9. Dezember dann richtig zugreifen und gleich die ganze Box bestellen. (U.S.)

Label: City Slang

Current 93, die (selbstironisch so bezeichnete) „ultimative halluzinatorische gnostische Supergruppe“ um David Tibet, ist ein Universum, in dem seltsame Planeten herumschwirren, ein Projekt, das auch nach 27 Jahren (noch) zu überraschen vermag. Die Texte David Tibets sind auf den vergangenen drei Alben nach einer Zeit der Introspektion zu einer völlig eigenen und oftmals in ihrer Metaphorik und Bildlichkeit – „a heap of broken images“ heißt es in Eliots „The Waste Land“ – kaum zu durchdringenden Mischung aus Autobiographischem und Kosmischem geworden. Die Anzahl der an den Alben und auf der Bühne Beteiligten wuchs und nachdem Current 93 mit „Black Ships Ate The Sky“ 2006 vielleicht durchaus etwas vom Folkboom profitieren konnten, veröffentlichten sie drei Jahre später mit „Aleph at Hallucinatory Mountain“ ein Rockalbum um erneut Erwartung(shaltung)en zu unterlaufen. „Baalstorm, Sing Omega“, das jüngste Werk, schließt laut David Tibet die jüngste  kreative Phase ab.

Du hast die letzten drei Alben als eine Art Trilogie bezeichnet…

Ja, als „eine Art“ Trilogie. Es war keine bewusste Entscheidung eine Trilogie zu machen, anders als z.B. die „Inmost Light“-Trilogie.

Hast du nach dem zweiten oder dritten Album gedacht, es könnte eine Art Trilogie sein oder war es von Anfang an klar?

Als „Black Ships Ate The Sky“ rauskam, stand es für sich. Ich habe für „Black Ships“ viel mehr geschrieben und es gab einen Moment, an dem ich dachte, dass es einen Nachfolger geben würde, aber das war alles „Black Ships“-Material. Als ich „Aleph“ machte, gab es eine Geschichte, die irgendwie weiterging, vielleicht eine Parallelgeschichte, bei „Baalstorm, Sing Omega“ ist es ähnlich. Es sind alles drei konzeptionelle Alben, auch wenn es manchmal schwer ist, dem Konzept zu folgen. Wie viele meiner jetzigen Arbeiten sind sie autobiographisch, aber es sind auch Alben, die eine Geschichte erzählen, meine Geschichte, oder zum Teil meine Geschichte und es ist auch – lass mich das so sagen – eine theologische Geschichte, theologisch im weitesten Sinne des Wortes. Es sind alles Geschichten eines Fortschreitens von der Geburt bis zum Tod, von Fehlern hin zur Erlösung und sie sind mit meinem eigenen Leben verbunden. Ich habe nie gedacht, dass „Aleph“ Teil zwei ist und „Baalstorm“ Teil drei, sie sind alle als separate Alben gemacht worden, die für sich Sinn ergaben. Nichtsdestotrotz gibt es Themen, die übernommen werden. Alle meine Arbeiten haben Querverweise zu vorherigen Konzepten, früheren Songs. Als „Baalstorm“ fertig war, fühlte es sich wie das Ende einer bestimmten Periode an. Und jetzt arbeite ich an zwei weiteren Alben und natürlich wird es Verbindungen geben. Es wird auf den weiteren zwei Alben Verbindungen zu dem, was ich zuvor gemacht habe, geben. Vielleicht sage ich dann, das sind Teile eines fünf Alben-Zyklus (lacht). Ich dachte einfach, dass es einen gewissen kreativen Prozess gab, der auf gewisse Weise mit „Baalstorm“ zu Ende gegangen ist. Man sieht viele Dinge erst nachträglich. Während das Album entstanden ist, haben meine Frau und ich uns getrennt. Zwei meiner Katzen starben. Dinge nehmen die Energie der Sachen um sie herum an, auch wenn sie nicht spezifisch als Antwort darauf geschrieben worden sind. „Baalstorm“ kam wirklich ziemlich schnell; natürlich war die Situation zwischen mir und meiner Frau schwierig, wir sind immer noch enge Freunde, ich liebe sie, sie liebt mich, aber alles veränderte sich; dann traf ich diese vier Frauen in Deutschland. Entschuldigung…

In Italien.

Ja, in Rom. Es war nicht so, dass ich mit allen vieren eine Beziehung begonnen hätte, sie haben in mir etwas hervorgebracht, das den Sturm, der in meinem Innern und um mich herum war, widerspiegelte. Der „Baalstorm“ wurde davon angeregt, aber er war schon da. Sie fügten dem Feuer mehr Brennmaterial hinzu und dies wirkte sich wieder auf mich aus. Ich denke, du verstehst, was ich meine.

Ja.

Ich begann mit dem Schreiben des Albums, bevor ich wusste, dass wir uns trennen würden, außer, dass ich es vielleicht unterbewusst wusste. Das Album wurde ziemlich schnell gemacht. Andere Alben brauchen normalerweise länger. Es ist ein größerer Zeitraum zwischen „Black Ships“ und „Aleph“. Es machen erst einmal weniger Leute mit; es gab also nicht das Problem, dass Leute, die in New York leben, eingeflogen werden mussten um Tracks einzuspielen. Es ist mein Lieblingsalbum. Und das nächste wird dann mein Lieblingsalbum sein.

So sollte es auch sein.

Genau. Ich sprach kürzlich mit einer Freundin und sie meinte, dass „Thunder Perfect Mind“ ihr Lieblingsalbum sei. Und das regt mich immer auf. Das ist ein Album, das ich 1992 gemacht habe – vor 18 Jahren! Aber natürlich wählen Menschen ihr Lieblingsalbum aus. In ihrem Fall war es ihr Lieblingsalbum, weil sie es zu einer bestimmten Zeit in ihrem Leben gehört hat. Mir gefällt vielleicht Album X einer Band am meisten, obwohl Album Y besser ist, weil ich X gehört habe, als etwas in meinem Leben passierte.

Das sind Erfahrungen, die wir alle irgendwie machen.

Natürlich, ich sage nicht, dass ich jemand Besonderes bin. Wir mögen nicht immer das Beste. Manches kreuzt eben nur zur richtigen Zeit unseren Weg.

Da ist aber noch etwas, das ich dich über die drei letzten Alben fragen will. Es gibt da dieses „Anok Pe“-Motiv, wenn du sagst „I am Black Ship“, „I am Aleph“, „I am Æon“, „I am Zion“. Was sind die Gründe dafür, dass du in die Rolle dieser mythischen Personen bzw. Kräfte schlüpfst?

Warum ich das mache?

Ja. Noch etwas: Auf „Night! Storm! Death! Omega!“ singst du auch „Put yourself in my mask“.

„Put yourself in my place. Put yourself in my mask. Put yourself on my throne”. Diese Alben sind alle autobiographisch, aber sie sind ebenfalls mit einem größeren theologischen, spirituellen Konzept verbunden, mit Ideen, die mich bewegen, die mir das Gefühl, dass ich lebe, geben. Bei „Aleph“ sind es mehrere Geschichten: Es ist die Geschichte, dass Luzifer aus dem Himmel geworfen wird, es ist die Geschichte der Geburt des ersten Menschen und dem Kommen des zweiten Adams, d.h. Christus, verbunden mit der Geschichte Kains, des Mörders, den Einbruch des Mordes in die Welt. Wenn ich also sage: „Ich bin Aleph, ich bin Adam“, ist es so, dass wir das alle sagen können. Vielleicht würde eine Frau sagen: „Ich bin Eva“, aber auch sie könnte sagen: „Ich bin Adam“. Dies ist die Geschichte von uns allen. Wir sind alle Adam, wir sind alle da hinein geboren. Wir wurden geschaffen, wir stammen von Adam ab und wir teilen seine Erfahrungen. Was ich also mache, ist, dass ich über mich selbst spreche, aber auch darüber, wie wir alle existieren. Wir haben Archetypen in uns; wenn ich auf „Black Ships Ate The Sky z.B. „I am black ship“ singe – „Black Ships“ ist ein Konzeptalbum, das auf einer Vision, die ich hatte, beruht und zwar, dass der Antichrist in schwarzen Schiffen kommen würde, die den Himmel auffressen – und auf Konzerten manchmal sage „You are black ship“, meine ich damit, dass wir auch die Invasionsarmee des Antichristen sein können. Wir haben all diese Dinge in uns. Letztlich ist es eine Schlacht zwischen Gut und Böse, Christus und Satan. „I am black ship“ heißt, dass wir eine Wahl haben. Wir können auch „black ship“ sein, wir können uns nicht aussuchen nicht Adam zu sein, da das unser Geburtsrecht, unser Erbe ist. Wenn ich auf „Baalstorm“ sage: „Put yourself in my place, put yourself in my mask” hat das auch damit zu tun, dass es Current jetzt seit so vielen Jahren gibt und ich viele Mails bekomme und es ist so, dass wenn man sich mit der Arbeit eines Künstlers beschäftigt, vielleicht besonders in meinem Fall, nein, nicht besonders in meinem Fall, aber weil meine Arbeit sehr persönlich ist und sehr viele Verweise hat und es viele Allusionen, nicht Illusionen (lacht) gibt, dann haben einige eine gewisse Vorstellung davon, wer ich bin oder dass ich dies oder jenes denke oder mag. Ich denke immer: Ihr kennt mich nicht. Ich kenne euch nicht, wir sind alle nicht erkennbar, wir kennen uns noch nicht einmal selbst richtig. Wenn ich also sage: „Put yourself in my place, put yourself in my mask“, dann ist es vielleicht so, dass du nicht mich siehst, sondern, wie du denkst, dass ich bin. Ich bin in diesem Werk und das Werk ist mir wichtiger als alles andere. Es ist, was ich bin. Es ist so sehr eine Enthüllung dessen, was ich bin, wie irgendetwas eine Enthüllung dessen sein kann, was irgendjemand anderes ist. Es ist sehr persönlich und es ist auch eine Geschichte für uns alle. Wenn man darin auch etwas für sich findet, dann ist es auch seine eigene Geschichte.

Gestern bin ich in einem völlig anderen Kontext zufällig auf folgende Beschreibung des Werks eines anderen Dichters gestoßen: „Es zeigt sich darin eine enorme Gelehrsamkeit und es finden sich private Anspielungen, die sich mit der poetischen Stimme verbinden um etwas völlig Außergewöhnliches zu erschaffen, unter dem sich etwas Mächtiges und Zusammenhängendes befindet.“ Denkst du, dass das auch über dein Werk gesagt werden könnte?

Ich bin vielleicht nicht der Richtige um das zu beurteilen. Ich betrachte mich nie selbst als Dichter oder Künstler. Ich habe dir das wahrscheinlich früher schon einmal gesagt, ich bin jemand, der seine eigene Geschichte erzählt. Wenn Leute sagen: „David, das ist so große Kunst“, dann macht das für mich nicht viel Sinn. Wenn ich mich selbst als Dichter bezeichnen würde, wäre mir das sehr peinlich. Es liegt an anderen, zu definieren, was ich mache und ob ich der größte oder der schlechteste Dichter bin. Mir ist es ziemlich egal als was Leute mich bezeichnen. Die einzige Sache, die mich immer ziemlich ankotzt, ist, wenn ich solche lahmen Kategorisierungen höre, so etwas wie „Current 93: Postindustrial“ oder „Neofolk“ oder „Dark Folk“. Das ist erbärmlich. Man wird in Kategorien gesteckt, die nichts mit einem zu tun haben. Mir ist egal, was die Leute von meiner Kunst, meinen Worten, meiner Musik halten. Ich mache die Sachen für mich und vielleicht für meine Freunde. Wenn das andere Leute bewegt, ist das großartig.

Um kurz zu enthüllen, wer bzw. was mit obiger Beschreibung gemeint war, es war eine Bewertung von Pounds „Cantos“.

Mir hat die Idee dahinter immer besser gefallen als das eigentliche Werk.

Würde ich unterschreiben.

Mein Lieblingsdichter aus der Moderne ist T. S. Eliot. Ich mag viele Dichter, aber aus dem 20. Jahrhundert ist er vielleicht der einzige. Ich lese lieber Eliots Lyrik als eine Biographie über ihn und ich lese lieber eine Biographie Pounds als seine Lyrik. (lacht)

Das führt mich zu etwas, das ich interessant finde. Auf deiner Website kann man die Textblätter für „Baalstorm“ kaufen. Man kann darauf sehen, dass du viel korrigiert hast, Sachen entfernt hast. Ich habe mich gefragt, wie dein Schreibprozess aussieht. Sind die ausgedruckten Blätter der erste, zweite oder dritte Entwurf? Was machst du dann?

Das kommt wirklich darauf an. Auf „Baalstorm“ gab es einfach zu viel Material. Ich habe viel Text entfernt, den ich eigentlich behalten wollte, weil ich damit sehr zufrieden war. Der komplette „Baalstorm“-Text wird in dem Textbuch sein, an dem ich arbeite. Das meiste von „Baalstrom“ habe ich in Rom und in Hastings geschrieben. Wenn ich Hastings sage, heißt das meistens, dass ich in einer Bar sitze, nämlich in „The Dragon Bar“, wo ich sehr gerne bin. Ich gehe dahin und arbeite. Ich trinke Wein oder was auch immer und schreibe in ein Notizbuch, ich schreibe oder übersetze Koptisch. Ich habe z.B. in Rom und Hastings geschrieben, komme zurück und tippe es in den Computer – so wie es ist, es sei denn, da ist etwas, wo ich sage: „Oh, da war ich aber ganz schön betrunken.“ Das kommt aber selten vor. Ich schreibe in ein Notizbuch, wenn die Inspiration kommt und tippe es dann in den Computer. Ich bearbeitete den Text nicht mehr wirklich, ich mache es schon, aber nur, weil nicht genügend Platz ist und ich nicht will, dass es ein Dreifachalbum wird. Bei „Baalstorm“ habe ich mir den Text angeschaut und was mit dem jeweiligen Track funktionieren könnte. Bei „Black Ships“ habe ich den Text kaum bearbeitet, abgesehen davon, dass ich Teile für die kein Platz war und die das Konzept des Albums unklarer gemacht hätten, herausgenommen habe, bei „Aleph“ das gleiche. Ich habe einen Teil in der Mitte herausgenommen, der Track dauerte zu lange und er langweilte mich. All diese Teile nehme ich aber aus Platzgründen heraus, nicht weil ich denke, dass der Text schlecht ist. Auf den ausgedruckten Blättern für „Baalstorm“ ist nichts, was ich nicht als relevant für das Album erachtet hätte – aber es gab eben nicht genug Platz.

Wenn man deine neueren Arbeiten mit älteren vergleicht, ist es so, dass es um „Soft Black Stars“ und „Sleep Has His House“ herum eine sehr introvertierte Phase gab. Denkst du, dass diese zurückgezogene Phase für das, was du jetzt machst, nötig war?

Ich verstehe, warum du das fragst, aber für mich ist diese Frage bedeutungslos – ich meine das jetzt ganz höflich. Es ist nur so, dass ich so nicht über Dinge denke. Was ich damals gemacht habe, habe ich damals gemacht. Rückblickend hast du Recht, die Alben waren enger, privater und persönlicher; „Sleep Has His House“ ganz offensichtlich wegen meines Vaters. „Soft Black Stars“ war auch enger, auf gewisse Weise steckte da alles in einer kleinen Kiste. „Black Ships“, „Aleph“ und auch „Baalstorm“ –  wobei „Baalstorm“ wieder etwas intimer ist – sind insgesamt ziemlich monumental. Sie hören sich nicht so an, als spräche jemand mit sich selbst. Vielleicht hören sie sich an, als ob jemand auf einer Bühne stünde und einen Monolog spräche. Ja, das ist doch ein interessanter Punkt, den du angesprochen hast. Wenn ich das damals so gemacht habe und jetzt so, muss es wohl notwendig gewesen sein. Aber wer weiß? Ich hätte anstelle von „Soft Black Stars“ ein Jazzfunk-Album machen können und würde vielleicht immer noch das machen, was ich jetzt tue. Ich glaube, wir können nicht herausfinden, wie X zu Y führt. Wir können nur historisch betrachtet sagen: Er hat dann das gemacht. Und „Sleep Has His House“ handelt vom Tod meines Vaters. Es gibt da natürlich eine Verbindung und das hat mich vielleicht selbstbezogener gemacht.

Wenn wir über die Vergangenheit reden: Du hast in einem Interview, das du vor einigen Jahren The Wire gegeben hast, gesagt, dass du dich gerne wohlfühlen möchtest, aber dich immer auf gewisse Weise unwohl fühlst. Auf „Red Hawthorn Tree“ singst du: „I had always hoped this world could be complete for me“. Denkst du, dass es möglich ist, all die „Dunkelheit zu verbannen”?

Na ja, ich denke, dass manche Menschen das können. Ich glaube nicht, dass ich es kann. Ich habe heute mit einem Freund darüber gesprochen und ich habe immer den Eindruck, dass ich weiter und weiter rennen muss, mich weiter bewegen muss, weiter aufnehmen und schreiben muss. Ich fühle mich nicht wohl. Vielleicht ist das auf gewisse Weise gut. Ich bin ziemlich ungeduldig, meine Gedanken und Gefühle verändern sich immer, ich nehme verschiedene Dinge auf. Ich kann nur für mich selbst sprechen. Ich denke, manche Menschen können sich irgendwie befreien und sie fühlen sich wohl. Ich weiß natürlich nicht, ob das stimmt.

Vielleicht geht das, bei mir klappt das nicht.

Du fühlst dich wohl?

Nein, ich denke nicht. Es ist eher so, dass es Phasen gibt, kleine Oasen, in denen man sich wohl fühlt.

Man fühlt sich nicht wirklich wohl, wenn man spürt, dass etwas heraufziehen wird. Man ist sich immer des Schattens am Fenster bewusst.

Ja, leider. Da wir über die Vergangenheit gesprochen haben…Seit „Soft Black Stars“ spielen deine Bilder eine größere Rolle. Ist das Visuelle ebenso wichtig wie die Musik und die Texte?

Es ist das gleiche. Es zeigt, wie ich die Welt und mich selbst sehe. Bei „Baalstorm“ ist das Cover das gleiche für mich. Das Cover von „Aleph“ spiegelt das Album wider, das gleiche gilt für „Black Ships“, „Soft Black Stars“ ebenfalls, „Sleep Has His House“ ebenfalls, auch wenn ich nur die Rückseite gemalt habe. Nein…

Das Bild deines Vaters im Inlay.

Ja genau. Bei „Thunder Perfect Mind“ ist es nicht so. Ich mag das Cover nicht, deswegen habe ich es geändert. Ursprünglich sollte es eher wie Nicos „Marble Index“ sein – eine Großaufnahme meines Gesichts. Ich weiß nicht genau, warum das nicht geklappt hat. „Nature Unveiled“ spiegelt das Album wider, „Dogs Blood [Rising]“ auch. Ich denke, alle Cover spiegeln die Alben wider, vielleicht sogar „Thunder Perfect Mind“, auch wenn vielleicht nicht so, wie ich gedacht hatte. Das Artwork ist sehr wichtig für mich, weil es eben nicht nur die Verpackung für eine Sammlung von Liedern ist. Andere Gruppen mögen das machen.

Die Boxsets, die bei Vinyl-On-Demand rauskommen sollen, wurden von dem deutschen Künstler Uwe Henneken gestaltet.

Er ist großartig.

Wie habt ihr euch kennen gelernt?

Er ist ein großer Current-Fan.

Er hat einigen Bildern Titel von Current-Stücken gegeben.

Genau. Er und seine Frau Katja Strunz waren in London, weil sie eine Ausstellung hatte und er schickte mir eine E-Mail und schrieb: „David, du kennst mich nicht, würdest du gerne zur Ausstellungseröffnung meiner Frau kommen? Ich bin ein Fan deiner Arbeit.“ Ich schaute mir seine Sachen an und dachte: „Das ist fantastisch.“ Wir haben uns getroffen, einige Zeit miteinander verbracht und haben uns sehr gut verstanden. Ich mag ihn sehr. Ich habe eine Einleitung zu einem Ausstellungskatalog von ihm, der demnächst veröffentlicht werden wird, geschrieben. So kam also diese Verbindung zustande.

Ich habe in London die Boxen gesehen und die sahen wirklich großartig aus.

Wunderschön.

Ist es Zufall, dass gerade drei Boxen veröffentlicht werden?

Ja. Welche dritte?

„Like Swallowing Eclipses“ mit den Mixen von Andrew Liles.

Ah ok. Ich sehe die Vinyl-On-Demand-Sache wegen des Schubers als eine Box an. Vinyl-On-Demand fragten mich, ob ich Lust hätte das zu machen und Dirter fragten ebenfalls und ich habe beide Male „ja“ gesagt.

Hast du eigentlich vor, ältere Alben, die jetzt seit einigen Jahren ausverkauft sind, nachzupressen oder denkst du, manche sollen bleiben, wo sie sind?

Ich hätte gerne alle Alben verfügbar. Aber da ich alles praktisch selbst mache, gerade jetzt, da meine Frau und ich uns getrennt haben, ist es einfach eine Zeitfrage. Ich arbeite lieber an neuem Material als altes wiederzuveröffentlichen. Ich habe einfach so viele Projekte, dass es schwierig ist.

Bei unserem letzten Interview sprachst du davon, dass es Pläne gäbe „Whilst the Night Rejoices Profound and Still“ zu veröffentlichen, du aber mit dem Gesang nicht ganz zufrieden seist.

Das ist auch etwas, das mich im Augenblick nicht so sehr interessiert. Eigentlich ist jeder eher an neueren Sachen interessiert. Ich war nie so glücklich darüber, wenn Bands sich reformieren und ihr ultimatives Album von 1985 spielen. Es ist vielleicht ein tolles Album, aber ich denke, jeder Künstler – und ich gebrauche den Begriff jetzt vorsichtig – sollte eher an neuem Material arbeiten. Oder ist das eine andere Art zu sagen, dass das neue Material nicht so gut ist oder dass es den Fans nicht so gefällt?

Vielleicht beides.

Genau. Ich beurteile nicht, warum andere das machen, ich sage nur, dass mich eher interessiert, was als nächstes kommt. Jetzt ist „Baalstorm“ fertig und mich interessiert jetzt, woran ich als nächstes arbeite. Ich bin stolz auf „Baalstorm“ und „Aleph“ und „Black Ships“ und stolz auf fast alles, an dem ich gearbeitet habe. Aber das interessiert mich eben nicht mehr so sehr. Ich denke, dass es auch so sein sollte.

Die nächste Frage mag etwas trivial klingen, aber wenn man sich anschaut, mit wie viel verschiedenen Leuten du arbeitest und wer manchmal alles auf der Bühne ist, scheint es eine ziemlich interessante Mischung zu sein. Ich erinnere mich daran, dass ich bei einem Konzert dachte: Vorne steht mit Andrew W.K. eine Art Popstar, dann ein Professor für Koptisch, der Kopf des O.T.O. und eine Transgender – wenn man jetzt bei diesen Klischees bleibt; du hast mit Skitliv oder mit James Blackshaw gearbeitet, aber dennoch scheint die Zusammenstellung nicht willkürlich zu sein. Es scheint eine Art Verbindung zu geben.

All diese Künstler sind Freunde und ich liebe sie sehr. Das ist die Current 93-Familie. Sie erweitert sich fortwährend, aber ich liebe auch die Arbeit der Beteiligten. Antony hat mich mit dem Werk von Baby Dee bekannt gemacht und ich liebte ihre Arbeit, bevor ich sie kennen gelernt hatte. Bei Skitliv war das so, dass ich ein großer Fan von Mayhem war, ich liebe Maniac, er ist ein interessanter Mensch, er hat Current-Tätowierungen. Menschen sprechen mich an und ich spreche sie an. Der Oud-Spieler Eliot Bates trat mit mir als Current-Fan in Kontakt. Je offener ich dafür bin, mit Künstlern aus verschiedensten Bereichen zu arbeiten, desto mehr sprechen mich andere Menschen an. Ich werde immer von Menschen kontaktiert, die mit mir arbeiten wollen, teilweise sicher, weil sie meine Arbeit schätzen. Aber auch, weil sie sehen, was für eine merkwürdige, magische und sich fortwährend entwickelnde Gruppe von Menschen es bei Current gibt. Ob man Current liebt oder hasst, eine Sache, die wir nie gemacht haben, ist stillzustehen, wir haben nicht immer das gleiche Album gemacht, wir verändern uns fortwährend, auch wenn wir immer noch erkennbar als die Gruppe sind, die „Nature Unveiled“ gemacht hat. Die Themen, die fundamental einfache Natur der Musik ist da – natürlich gibt es viel mehr Text. Wir sind nicht berechenbar und das macht Current für mich phantastisch und magisch. Es ist so fließend und die Leute reagieren so gut aufeinander, die Dynamik auf der Bühne und im Studio ist ziemlich gut, weil jeder einfach den anderen gerne mag. Wir lieben uns und sind gute Freunde. Niemand von uns ist arrogant oder ichbezogen – das zu sagen, klingt natürlich ichbezogen, aber du weißt, was ich meine; wir sind freundlich, umgänglich, Leute, die die Gesellschaft der anderen schätzen. James Blackshaw war gestern da und wir saßen bei mir im Garten und tranken Bier und wir mussten lachen. Current haben diesen Ruf düster und magisch zu sein, aber wenn die Leute backstage wären, würden sie nur eine Gruppe freundlicher Leute sehen, die viel Bier und Wein trinken, rauchen – ich selbst rauche nicht, aber viele aus der Gruppe tun es. Ich lasse die Gruppe nicht meditieren oder beten, bevor wir auf die Bühne gehen. Ich bin sehr glücklich, weil es eine großartige Gruppe von Menschen ist. Sie sind immer offen. Current 93 bin ich. Es ist meine Gruppe, aber ich höre mir immer die Vorschläge anderer an, selbst, wenn es nur ist, um „nein“ zu sagen. Ich glaube, es gibt keine andere Gruppe, die so ist. Egal, ob man die Musik mag oder nicht, es ist ein einzigartiges Experiment. Man weiß nie, wie das nächste Album sein wird.

Du sagtest vorhin, dass du an zwei Alben arbeitest. Werden das beides Current-Alben werden?

Ich bin mir darüber noch nicht ganz im Klaren. Wahrscheinlich werden es Current-Alben, aber ich entscheide das meistens, wenn die Sachen fast fertig sind. Ich hoffe, dass ich noch dieses Jahr ein Album veröffentlichen werde. Es wird wahrscheinlich ein zwanzigminütiges einseitiges Vinylalbum und eine zwanzigminütige CD werden und es wird meinem Freund Sebastian Horsley, der gerade gestorben ist, gewidmet sein. Das andere wird ein komplettes neues Album werden, wahrscheinlich Current, aber vielleicht mit einem leicht anderen Ansatz. Man muss abwarten.

Ich habe auch gesehen, dass ein Buch mit den gesammelten Kurzgeschichten von Aleister Crowley herauskommen wird.

Ja.

Du hast das Vorwort geschrieben und William Breeze…

Wo hast du darüber etwas gehört?

Ich war auf lashtal.com und jemand hatte was gepostet und dann habe ich bei Amazon geschaut und da hieß es, es solle im September herauskommen.

Das ist richtig. Ich bin nur neugierig, weil ich kürzlich mit Bill Breeze gesprochen habe, der die Einleitung geschrieben hat und ich fragte ihn, ob ich das schon mitteilen solle und er meinte, ich solle noch etwas warten, bis es ordentlich angekündigt sei. Jetzt kann ich es wohl erwähnen. Ich habe ein kurzes Vorwort geschrieben. Es wird bei Wordsworth veröffentlicht. Ich weiß nicht, ob du die kennst, aber sie veröffentlichen diese günstigen Paperbacks.

Ja. Ich habe ein paar von ihren Ausgaben.

Sie sind ziemlich günstig, aber gut. Als ich mit Bill darüber sprach…Übrigens, was stand da, wer die Einleitung geschrieben hat?

Ich glaube, da steht: Einleitung: William Breeze. Vorwort: David Tibet.

Ich wusste nur nicht, ob Bill seinen magischen Namen, den er im O.T.O. verwendet, benutzt hat. Ich sprach mit Bill darüber, wie man Crowleys Kurzprosa veröffentlichen könne. Man könnte ein teures, sehr limitiertes Hardcover machen bla bla bla, mit dem man mehr Geld verdienen könnte, aber das Wichtige ist, die Literatur zu veröffentlichen und es billig zu machen, da man so mehr Menschen erreicht. In dem Band ist ziemlich viel drin, aber es gibt noch Unveröffentlichtes, magische Detektivgeschichten, aber die werden im zweiten Band drin sein und es gibt Kurzgeschichten, die mehr eine Art von poetisch-magischen Texten sind, mystischer, das ist eher mystische poetische Prosa als dass es Kurzgeschichten wären.

Wo wir gerade bei Büchern sind: Magst du etwas dazu sagen, warum Thomas Ligottis The Conspiracy Against The Human Race nicht wie ursprünglich geplant bei Durtro sondern bei Hippocampus Press veröffentlicht werden wird?

Da gibt es keine finsteren Gründe für. Das Buch hat so viele Entwürfe durchlaufen; ich glaube, Tom fing an es zu schreiben, als ich noch in Glasgow lebte. Ich hatte dann einige Monate nichts von Tom gehört, weil ich auch mit anderen Sachen beschäftigt war und irgendwann meinte Tom, er wolle es Hippocampus überlassen und das war völlig in Ordnung. Ich würde gerne noch mehr mit Tom machen und ich habe mit Hippocampus darüber gesprochen, eine limitierte Spezialauflage des Buches zu machen – die ich vielleicht noch machen werde. Ich habe soviel Sachen zu machen und irgendwie ist das durchs Netz gefallen. Tom und ich sind aber immer noch Freunde.

Gibt es andere Pläne bezüglich Buchveröffentlichungen?

Da ist natürlich das „Collected Lyrics“-Buch (lacht). Es war blöd von mir, das so früh anzukündigen. Ich dachte, es würde schnell veröffentlicht werden. Die Leute haben schon dafür bezahlt und sind sehr geduldig gewesen. Andererseits bekommen sie jetzt ein viel besseres Buch. Es ist wesentlich umfangreicher, mit mehr Texten. Der Nachteil ist, dass viele so lang warten müssen. Es wird die lange Version von „Baalstorm“ enthalten und auch die kurze. Vielleicht auch die Sebastian Horsley-Sache. Es hängt davon ab, wann ich damit fertig werde. Es ist schwierig, weil es für mich ein Hauptwerk, ein Lebenswerk ist. Und ich will natürlich, dass es so gut wie nur eben möglich ist. Ich hatte keine Mails von Leuten, die wegen der langen Wartezeit angepisst waren. Innerhalb der sieben Jahre wollten etwa 15 Leute ihr Geld zurück, aber es waren alles sehr höfliche E-Mails nach dem Motto: „Ich bin gerade pleite, könnte ich mein Geld zurück haben? Vielleicht werde ich das Buch später kaufen.“ Ich habe gesagt, dass es Anfang August rauskommen soll, aber ich denke, es ist realistischer zu sagen, dass es Ende August wird, weil ich im Juli einen Auftritt in Padova habe und ich ein paar Tage in Rom sein werde und dann werde ich in Straßburg auf einer einwöchigen Konferenz zu koptischen Papyri sein. Ich habe aber die meisten Dateien fertig. Es werden nicht die kompletten Texte sein. Auf „Earth Covers Earth“ habe ich nicht viele der Texte selbst geschrieben. Es waren Gedichte von…

Z.B. John Hall.

Ja genau. Auf Alben wie „Imperium“ sind Texte aus der Bibel. In einigen der früheren Texte habe ich auch die Texte von anderen neben meinen verwendet. Im Rückblick wünschte ich, dass ich das nicht gemacht hätte, aber jetzt ist das eben so. Ich muss nur überlegen, wie ich das mache. Am Anfang von „Be“ auf „Imperium“ heißt es: „From swerve of shore to bend of bay“.

Das ist aus Joyces Finnegans Wake.

Ich habe nie gedacht, dass die Leute den Eindruck haben, ich wolle vorgeben, dass ich es geschrieben hätte. Ich lese viel und gehe davon aus, dass die Leute es als Anspielung sehen. Wie du zum Beispiel. Ich kann das also nicht veröffentlichen. Vielleicht setze ich „From swerve of shore to bend of bay“ in Anführungszeichen und mache eine Fußnote.

Da wo ich wohne, gibt es jemanden, der Jahre damit zugebracht hat, Finnegan’s Wake ins Deutsche zu übersetzen.

Was für eine Zeitverschwendung. Joyce hat seine Zeit beim Schreiben dieses Buch ebenfalls vergeudet. Ich denke, dass es unlesbar ist. Es ist auf wunderschöne Art und Weise unlesbar und ich schaue es mir auch gerne an, aber es hätte auch eine Kurzgeschichte sein können. Es ist wieder so, dass ich Joyce selbst mehr als das Werk schätze. Ich mag den Monolog am Ende von Ullyses wahnsinnig gerne. Hast du Ullyses je gelesen?

Nur Teile. Natürlich den berühmten letzten Teil.

Ja. Der masturbatorische Monolog am Ende. Er ist wunderschön, aber ich habe es nicht durch das ganze Buch geschafft. Das ist eines der Bücher, bei dem viele vorgeben, es gelesen zu haben, wie Prousts A la recherche du temps perdu. Da gibt es auch tolle Passagen, aber ich bin nicht ganz durchgekommen. So viele Bücher zu lesen, so wenig Zeit.

(M.G., U.S.)

copticcat.com

Musikalisch betrachtet war „Black Ships…” aufgrund der Vielzahl der Beteiligten eine Art „Thunder Perfect Mind” der 00er Jahre, thematisch ganz am Ende (der Geschichte) angesiedelt: Die titelgebenden schwarzen Schiffe kündigten die Ankunft des letzten Cäsars und somit die Wiederkehr Christi an. Das drei Jahre später erschienene „Aleph at Hallucinatory Mountain“  war musikalisch anders ausgerichtet, wurde zum Rockalbum innerhalb des Current 93-Kosmos, thematisch begab Tibet sich an den Anfang, zu Adam und Eva, Abel und Kain (die Worte „In the beginning was the murderer“  leiten das Album ein).

Verglichen mit den beiden Vorgängern ist „Baalstorm, Sing Omega“ leicht reduziert – sowohl musikalisch als auch thematisch. Die Anzahl der Beteiligten wurde zurückgenommen, die Instrumentierung ist zum Teil spärlicher geworden, harsche Gitarren fehlen völlig und thematisch scheint das Album wesentlich privater zu sein, wobei man das natürlich vorsichtig formulieren sollte, schließlich ist das gesamte Werk  Tibets durchzogen von einer Vermischung von Persönlichem und Globalem, will sagen: Theologisch-Kosmischem, nur hier scheint das Private stärker im Vordergrund zu stehen („The album had been a host of storms gathering inside me for some time“ schreibt Tibet im Booklet) – getreu dem Motto „the great in the small“. Wenn man in den Linernotes die Genese (die Genesis) des Albums nachvollzieht, wird deutlich, wie sehr Koinzidenzen, falsch verstandene Worte elementare Bestandteile des Gesamten sind, eingeordnet werden in eine ganz eigene (Heils-) Geschichte. In der Rezension zu „Aleph…“ schrieb ich, dass Tibet „(wieder einmal) die Idiosynkrasie zur obersten Richtlinie erhoben und es darin tatsächlich zur Perfektion gebracht“ habe. In einem anderen Forum behauptete jemand, auf dem neuen Album überlagere die Idiosynkrasie die Poesie, mache das Ganze kaum noch nachvollziehbar, wobei man m. E. auch schon bei den beiden vorherigen Alben das übergeordnete Konzept nur mit Erläuterung(en) (Linernotes im Booklet von „Black Ships…“, Einleitungstext zu den „gnostischen Cartoons“ zum besseren Verständnis von „Aleph…“) ansatzweise verstehen konnte, die verwendete Bildlichkeit war auch dort schon extremst hermetisch und disparat (wer will schon behaupten, er wisse, was es mit dem Geisterzug auf sich hat, der den Klippen einen Orgasmus vortäuscht – um eines von unzähligen Beispielen, die tatsächlich Legion sind, zu nennen).

Doch zurück zum Album:  „I Dreamt I was Æon“ beginnt mit einer Klaviermelodie Baby Dees (deren Einfluss die großartige „Birth Canal Blues“-EP entscheidend prägte), zu der sich John Contreras Cello gesellt um einen melancholischen (Klage-)Gesang zu untermalen: „I came to state the teeth of the truth“ singt Tibet; einer der stärksten Tracks des Albums und  der letzen Jahre und stimmungsmäßig entfernt an „Island“ –  das vielleicht atypischste Album der Band –  erinnernd. Glocken läuten das Ende (des Stücks) ein. „With Flowers in the Garden of Fires“ wird dagegen (musikalisch) von einem Neuzugang geprägt: Eliot Bates’ Oud (eine Kurzhalslaute) in Kombination mit der schleppenden Perkussion des großartigen Alex Neilson geben dem Stück einen stark orientalischen Charakter – man mag da an den Einfluss von Tibets Studien des Koptischen in  Ägypten denken. Der Gesang ist entspannt. „December 1971“, durch James Blackshaws Akustikgitarre an ältere Aufnahmen anknüpfend, verweist auf Tibets Besuch in Stonehenge, von dem das Foto auf der Rückseite Zeugnis ablegt, hier erreicht der Gesang eine manisch-obsessive Intensität (ähnlich wie auf „Black Ships Seen Last Year South Of Heaven“ auf „Black Ships…“). Tibet hat des Öfteren darauf hingewiesen, welch traumatisches Ereignis der Umzug seiner Eltern von Malaysia (wo er die ersten Jahre seines Lebens verbrachte) nach England für ihn gewesen ist, er sich aus dem Paradies vertrieben glaubte und er niemals mehr so glücklich gewesen sei wie dort. Das mag erklären, warum die Kindheit schon immer eine nicht zu unterschätzende Rolle gespielt hat, hier versinnbildlicht durch die Bilder, die Tibet als Kind zeigen und die das ganze Album durchziehenden Kinderstimmen (die von Isabel und Bea Taylor stammen). „Baalstorm! Baalstorm!“ wird von Andrew Liles’ geprägt, der inzwischen (wenig überraschend) vollends die Rolle Steven Stapletons übernommen hat: Seine elektronische Untermalung der Worte Tibets, die mit der ihm eigenen Dringlichkeit vorgetragen werden, lassen vielleicht erahnen, warum Liles spaßeshalber meinte, das neue Album besitze Discoelemente. „Passenger Aleph in Name“ beginnt mit dem dezenten Glockenspiel von James Blackshaw, zu dem Cello hinzukommt. Hier wird das Treibende zurückgenommen, man befindet sich vielleicht (wie auch bei den folgenden Stücken) im Auge des Sturms  und kann einen Augenblick zur Ruhe kommen – einige mögen gar an „Of Ruine or Some Blazing Starre“ erinnert werden. „Tanks of Flies“ ist ein kürzeres, ebenfalls sehr ruhiges Stück, in dem der Sänger kurz Frieden gefunden zu haben scheint.  „The Nudes Lift Shields For War” knüpft durch den Einsatz von Glockenspiel und Gitarre und auch von der Stimmung an  „Passenger… “ an. Wem das zu wenig Sturm ist, den dürften die letzten beiden Stücke entschädigen: Die Perkussion und Gitarre sind bei „Night! Death! Storm! Omega!“ zwar dezent, aber der Gesang -Tibet trägt zwei Texte gleichzeitig vor- besitzt wieder diese fast schon fanatisch zu nennende Dringlichkeit.  Abgeschlossen wird das Album von „I Dance Narcoleptic“ – einem der irrsinnigsten Tracks, die Current 93 in den letzten Jahren aufgenommen haben: Baby Dee spielt die Hammondorgel und erzeugt an Jahrmarktsmusik erinnernde Klänge, zwischen den Zeilen findet sich eine selten vorkommende (semi)politische Äußerung („Over the Queen/Of England’s prostitute crown“) und hier erreicht der Einsatz von Kinderstimmen seinen Höhepunkt. Das ist  Hysterie in Perfektion, so dass die Frage „Was God on your tongue/Last twilight/When the thunder hit/And split your mind?” durchaus berechtigt ist. Nachdem das Stück ausgeklungen ist und einige Minuten der Stille vergangen sind, hört man Wellenrauschen und Bill Fay – für Tibet und Cashmore der größte Singer/Songwriter aller Zeiten – einen unveröffentlichten Song vortragen, der im Sturm untergeht. Ob man das als Happy End deuten kann? Eventuell kann das das Cover zierende Bild Tibets, das etwas von Nick Blinko beeinflusst zu sein scheint und zahllose Figuren in unterschiedlichen Stimmungen zeigt, einen Hinweis geben, da es eine gewisse Ambivalenz besitzt.

Vielleicht sollte man am Ende noch einmal auf Sebastian Horsley – „England’s finest beauty spot“, wie er sich selbst bezeichnete –  zurückkommen, der in London postulierte: „Music releases us from the bonds of gravity“.  Current 93 tun es bestimmt – und zwar als Sturm, der einem den Boden unter den Füßen wegreißt – damit man sich am Ende wie Dorothy in ein Land versetzt fühlt „as real as rainbows/as cool as flies“.

(M.G.)

Dee sprach vor einigen Jahren in einem Interview, das ich mit ihr führte, davon, dass die Lieder auf „Songs for Anne Marie“ schmuddelige kleine Kinder seien, damit auf das etwas Unfertige des ursprünglichen (von ihr allein in mehr oder weniger einem Take eingespielten) Albums anspielend, eine Metaphorik, die im Booklet  aufgegriffen wird, wenn David Tibet, der die erste Version veröffentlicht hat, als Ersatzvater und Maxim Moston, der das Album jetzt neu instrumentiert und produziert hat, zum geliebten und sich sorgenden Onkel wird, der die Kinder jetzt in ihren besten Sonntagsanzügen in die Welt entlässt.

Befanden sich auf den ersten Alben Dees („Little Window“ und “ Love’s Small Song“ – beide ebenfalls auf Durtro erschienen) getragene, mininal mit Klavier und/oder Harfe eingespielte Stücke, die einen von der Stimmung etliche Jahrhunderte zurückkatapultierten, fanden sich auf „Safe Inside The Day“ erstmals auch die grotesken Cabaret- und Vaudeville-Nummern (es ist kein Zufall, dass eines der stärksten Stücke von „Safe Inside the Day“ – das auf Goethe verweisende „The Earlie King“ – kürzlich auf einer Kompilation namens „Twisted Cabaret“ veröffentlicht wurde), die auf ihren Konzerten für Heiterkeit und ungläubiges Staunen sorgten. Dee sang bei ihren Auftritten von Grizzlybären, die die Unterwäsche von Mormonen schätzten, Inkontinenz oder aber, dass Jesus „deinen fetten Arsch in der Hölle schmoren lassen“ werde. Diese Elemente wurden auf dem mit Maxim Moston, Andrew W.K., William Breeze, John Contreras, Matt Sweeney und Will Oldham  hervorragend besetzten Album partiell aufgegriffen und es spricht für Dees Qualitäten, dass diese Mischung aus grotesken und ernsten und getragenen Stücken wunderbar funktionierte.

Verglichen mit diesem Album muss „A Book of Songs…“ auf den ersten Blick wie ein Rückschritt wirken, knüpft das Album von der Stimmung doch an die Stücke ihrer ersten beiden Studioalben und der EP „Made for Love“ (von der sich das Stück „Morning Fire“ jetzt auch auf „A Book of Songs…“ findet) an. Das von Maxim Moston mithilfe von John Contreras, Rob Moose und anderen neu instrumentierte Album (u.a. kommen Cello, Geige, Trompete und Mandoline zum Einsatz) klingt natürlich fertiger als die erste Version. Interessanterweise gibt es aber (ganz) kurze Momente, die durch die zusätzliche Instrumentierung fast schon zu gefällig klingen, z.B. „Lilacs“; anderen Stücken hingegen fügen die Streicher eine noch größere Tiefe und Intensität hinzu („Black but Comely“).  Insgesamt klingt  das Album sehr geschlossen und homogen, es wird zudem mit jeder Zeile deutlich, dass Dee eine begnadete Texterin ist und wenn sie singt „As sunlight comes to sorry stone/So come, my love/And take this sorriest stone of all/To find a grateful place” (“A Book of Songs for Anne Marie”) möchte man einfach nur dahin schmelzen. Dabei dürfte deutlich werden, dass Dee trotz ihrer Qualitäten als Songschreiberin nie in einem Maße Alben verkaufen wird wie Antony oder gar wie selbiger dazu eingeladen werden wird, ein Lied für Lavazza zu singen, dafür ist ihr Gesang zu eigen, zu sehr gegen den Strich gebürstet, changiert er doch zwischen barockartigen Intonationen und einem Meckern, das sie auch gerne live unter Beweis stellt. Auch dürfte ihr Auftreten mit Springerstiefeln und Micky Maus-Pulli nicht jedermann goutieren (können). Es mag bezeichnend sein, dass Dees Auftritt im Krefelder Hof Gäste wie Bedienstete – die sich unter einem Harfenkonzert etwas anderes vorgestellt hatten –  sehr irritierte. Das spricht aber natürlich nicht gegen Dee (sondern vielmehr für sie).

Fast am Ende des Albums heißt es: „No more sad songs, no more/No more night skies, I’ve got a sunrise“ und natürlich: Wer dieses Album besitzt, hat die Möglichkeit einem Sonnenaufgang beizuwohnen, bei dem man sich völlig der Melancholie hingeben kann. Wem bei diesem Album nicht die Tränen kommen, der hat kein Herz.

(M.G.)

Label: Tin Angel Records

Kritik gab es freilich auch – gar nicht so sehr von „offizieller“, journalistischer Seite, denn die Presse inner- und außerhalb des gegenkulturellen Bereichs war ausgesprochen wohlwollend. Vielmehr im Gespräch mit Freunden oder in Forendikussionen machten sich auch schon mal kritische Positionen bemerkbar: Dass „Black Ships“ etwas zerrissen geraten sei durch die vielen Gastsänger, die mit ihren „Idumaea“-Versionen zwar konzeptuell in den Zusammenhang des Albums passen, musikalisch jedoch immer wieder eine Unterbrechung darstellen und so dem für Konzeptalben so wichtigen Eindruck von Geschlossenheit eher entgegen wirken, wurde gelegentlich moniert. Auch, dass das Album dadurch ein wenig lang geraten sei, etwas unter seiner symbolischen Schwere zu leiden habe und – was vielleicht am meisten ins Gewicht fällt – an den Stellen, die 100% CURRENT 93 sind, mit seinem Akustikgitarren- und Streichersound doch nur eine wohlgeratene Revitalisierung des bereits von früher her Bekannten zu bieten habe. So sehr ich auch den Kern all dieser Kritikpunkte nachvollziehen kann, hatte ich doch schnell das Gefühl, dass sich in „Black Ships“ alle wichtigen Kernelemente von Tibets Kunst auf sehr gelungene Weise verbinden: Ein Klangbild zwischen filigraner Folklore und dezent dröhnender Psychedelik; Texte, die von einer obsessiven aber nie aufdringlichen religiösen Leidenschaft zeugen, ausgedrückt in surreal anmutenden Bildern; ein konsequenter, souveräner und doch stets freundlicher Außenseitergestus, der szeneübergreifend ist und sein will. Und letztlich auch wieder so etwas wie ein Familiending, das sich bei Davids Kontakten alle Jahre wieder neu herausbildet und über die direkten Beteiligungen an Aufnahmen einen stets im Wandel befindlichen Rahmen an Referenzkünstlern mit sich bringt, die ihn auf seinem Label, bei Konzerten und auf Samplern begleiten. In den Jahren um 2006 hieß diese kleine Szene u.a. FOVEA HEX, SIMON FINN, OM, LITTLE ANNIE – Kontakte, die dem „neueren“ Tibet sehr gut zu Gesicht standen, weswegen ich auch ein wenig bedaure, dass sich die Verbindungen bereits wieder gelockert haben, um Platz für neue Konstellationen zu schaffen.

Das Nachfolgewerk „Aleph At Halluciantory Mountain“ wurde bereits lange angekündigt – eine Vorbestellaktion, eine EP namens „Birth Canal Blues“, die schon länger bekannte neue Bandbesetzung und eine (natürlich) 93 Sekunden lange Online-Hörprobe machten gespannt: Wird sich die Band, die einst den Begriff des Apokalyptic Folk prägte, nun völlig vom Akustiksound verabschieden und komplett auf Rock umsatteln? Schon die letztjährigen Live-Darbietungen tendierten in eine solche Richtung. Welche Rolle werden diesmal Gastmusiker spielen, zu denen nun RICKIE LEE JONES, OSSIAN BROWN von CYCLOBE und Pornostar SASHA GREY zählen? Seit jeher prägen langfristige und vorübergehende Weggefährten des rastlosen wie leutseligen Tibet auch den Sound der Band, weshalb die schreibende Zunft ihrer Lust am nerdigen Namedropping unbeschwert frönen kann. In der Tat stellt „Aleph“ einen dritten großen Bruch in der Bandgeschichte dar, welcher Image und Fangemeinde der Gruppe ebenso umkrempeln könnte wie die erstmalige Hinwendung zu Songstrukturen Ende der 80er oder die minimalistischen Piano- und Lyrik-Exkursionen auf dem beliebten 98er Album „Soft Black Stars“. Zum Ende eines jeden Jahrzehnts also scheint sich Tibet ein musikalisches Wagnis vorzunehmen, und so ist diesmal ein gleichermaßen improvisiert wie ausgereift klingendes Rock-Opus daraus geworden, das gleich mehrere Qualitäten des 70er-Jahre-Rocks mit Trends unserer Zeit zu kombinieren weiß. „Aleph“ wartet mit schweren Stoner-Gitarren auf, mit gelegentlichen Hard’n Heavy-Riffs in alter BLACK SABBATH- und DEEP PURPLE-Manier und mit einer für CURRENT-Verhältnisse recht komplexen Songstruktur, die zusammen mit der Drumarbeit ALEX NEILSONs ebenso nah an Doom Metal wie an „krautigen“ Psych Rock á la ACID MOTHERS TEMPLE herankommt. Schon nach der ersten Minute des Openers “Invocation of Almost” findet sich der Hörer in einem von ausladendem Schlagzeuggewitter aufgepeitschten Meer aus psychedelischen Gitarren und kongenialen Elektroniksounds. Lediglich angereichert wird das Ganze dann mit einigen verspielt folkigen Passagen, bei denen der Brite JAMES BLACKSHAW, ein Neuling in CURRENT-Kosmos, seine Künste auf der zwölfsaitigen Gitarre beisteuert – sehr schön passt dies zur ergriffenen Stimme Tibets auf dem elegischen „UrShadow“, das vielleicht am ehesten noch an zurückliegende Arbeiten anknüpft. Insgesamt findet sich auf der Platte aber auffallend wenig Folk – „Black Ships“ mit dem stimmungsvollen Finger Picking von MICHAEL CASHMORE und BEN CHASNY lässt sich kaum sinnvoll wiederholen, und überhaupt war Tibet nie jemand, der irgendwelchen Trends hinterher rennt. So erscheint sein Bruch mit dem Folksound nach dem Abflauen von New Weird America und Co. beinahe konsequent und wirkt wie vieles bei ihm konstruiert und authentisch zugleich.

Doch wenn Tibet sich neu erfindet, geschieht dies selten ohne Vorarbeit, und ebenso wie die später so offenkundig kindliche Bildwelt und die introspektive Selbstanalyse schon in seinen frühesten Arbeiten latent vorhanden waren, ist auch der Rocksound nichts, worauf man nicht hätte vorbreitet sein können: Die Kollaborationen mit den japanischen MAGICK LANTERN CYCLE, mit Nick Saloman von THE BEAVIS FROND und zuletzt mit OM eignen sich dabei als Referenzpunkte. Dennoch sind es am ehesten noch die von Tibet fast allein bestrittenen Vokalparts, die Vertrautheitsgefühle wecken, und die am besten dann zum spontan entfesselten Instrumentenspiel passen, wenn der Frontmann wie ein hysterischer Kobold zu zetern beginnt. Mehr denn je ist seine Stimme aber gerade dann ein Kontrapunkt zur Musik, wenn sie im gesetzten Vortragsstil zum Einsatz kommt. Dabei kommen facettenreiche Kompositionen zustande: Beim Song mit dem mysteriösen Titel „26 April 2007“ leiten langgezogene Klangflächen Tibets Sprechgesang ein, während dahinter unermüdlich Bass, Gitarre und Schlagzeug rumoren – bis dass lautes Gitarrenfeedback irgendwann den Vortrag ablöst und alles mit der gehauchten Stimme ANDRIA DEGENS’ in „Aleph is the Butterfly Net“ übergeht. An diesen Übergängen zwischen den Liedern, an den Auftakten und Schlussakkorden der einzelnen Songs, finden sich noch am ehesten Brücken zu den introvertierteren CURRENT NINETY THREE der Jahre um 2000, und man wird den intuitiven Eindruck nicht los, dass diese Zeit des gediegenen Minimalismus, der Selbsthinterfragung und der Zurückgezogenheit (kaum Interviews, überschaubares Lineup, Absagen an Szenezugehörigkeiten aller Art) irgendwie wichtig war, um die (reifere?) Band in alter religiöser Kompromisslosigkeit und ungewohnter Härte wieder auferstehen zu lassen. Einige Zeichen deuteten schon länger in diese Richtung, so z. B. die Wiederveröffentlichung und Neubearbeitung des zwischenzeitlich beinahe verworfenen Frühwerks in all seiner rauen Monstrosität oder die inhaltliche Seite von „Black Ships“. Und der musikalisch härtere Kurs wird weiter verfolgt werden, noch für dieses Jahr wird Tibet Alben von SKITLIV und SIGH mit Gastbeiträgen beehren. Beide Bands schlagen die Brücke zur Black Metal-Legende MAYHEM.

Man kann sich darüber streiten, wie viel Rockattitüde in der Musik und im neuen Auftreten der Band steckt. Auf einigen von Tibets neueren Fotos ist sie mitunter offensichtlich, wenn auch mit einem leicht selbstironischen Unterton, wie mir scheint. Sicher wird der Ausflug in den Rock nicht von jedem goutiert werden. Einige, die vielleicht mantraartigen Stonermetal im Stil von OM erwartet hatten, könnten sich durch die vielen Brüche, durch die Verspieltheit und Unübersichtlichkeit des Ganzen gestört fühlen: „Aleph“ ist eine Platte, die sich kaum beim ersten Hördurchgang erschließen wird und deren Klanglandschaft ohne Eile kartografiert werden will. Doch auch wer die musikalische Wandlung prinzipiell begrüßt, könnte mit dem einen oder anderen Detail unzufrieden sein. Die starke Tendenz zum rezitativen Sprechgesang, der auch bei den energischeren Passagen nur in Ansätzen melodisch ist, reduziert die Dynamik einiger Songs. Kompensiert wird dies aber durch Stellen, bei denen Tibet hemmungslos schreit und der Rock sein größtes Pathos entfaltet. Gerade die längeren Stücke „On Docetic Mountain“ und „Not Because the Fox Barks“ sorgen dadurch für die stärksten Momente des Albums und nehmen mich ohne Mühe für den Kurswechsel ein.

Ist „Aleph“ eigentlich die bislang amerikanischste CURRENT 93-Platte? Americana-Stars wie Matt Sweeney (SUPERWOLF, Neil Diamond) und würdige Newcomer wie Keith Wood (HUSH ARBORS) sorgen mit ihren Gitarren für einen Sound, der zumindest bei mir entsprechende Assoziationen hervorruft. Ich betone das, weil ich mich an ein etwas ironisches Rollerderby-Interview aus den 90ern erinnere, in dem Tibet noch betonte, an Amerika interessierten ihn bestenfalls die Kakteen in der Wüste. Aber etwa zur gleichen Zeit sagte er auch mal, er möge kaum Rock, und eine Textphrase wie „Singing the Blues“ wäre ihm damals wohl auch nur schwerlich über die Lippen gekommen. Die Entwicklung von Davids Interessen, Leidenschaften und Geschmackstendenzen ist mitunter sprunghaft – neben seinem Bezug zum Frühwerk ist auch seine ambivalente, wechselhafte Haltung zu einem gewissen Edward Alexander jedem Fan ein Begriff. Im Grunde lenken solche Dinge aber nur minimal davon ab, dass Tibet sich in seinen wesentlichen Motiven stets treu geblieben ist. Ganz offenkundig treu bleibt er sich hier v. a. im Songwriting: „Aleph“ ist in religiöser Hinsicht so spannend wie sein Vorgänger, denn auch hier wird ein enormer metaphysischer Überbau mit tibet’schen Erlebniswelten zu einem beeindruckenden privatmythologischen Amalgam verschmolzen, welches zu analysieren, je nach hermeneutischem Anspruch, ein ziemlich hoffnungsloses Unterfangen wäre. Wenn von der „anointing tyranny of stars“, den „nail veils on the Kaaba“ und der „perpetual Virgin of Evidence“ die Rede ist, wenn ein „terminal Eden“ erträumt und „Gods in plastic boxes“ vergegenwärtigt werden, dann sollte man nicht allzu verbissen nach einer griffigen Botschaft suchen, die der Verfasser, wie immer primär im Dialog mit sich selbst, wohl auch kaum verkünden will.

Für den mit der Zeit akklimatisierten Hörer kristallisiert sich aber schnell ein Grundtenor heraus, der synkretistische Schöpfungsmythologeme jüdisch-christlicher und altorientalischer Prägung zum Thema hat. Schöpfungsmythen allerdings, die ein großes Augenmerk auf den Kern des Zerstörerischen legen. „In the Beginning was also the end“ heißt es in dem COIL-Klassiker „The Dreamer is still Asleep“, den Tibet zusammen mit dem Pianisten OTHON MATARAGAS erst kürzlich neu interpretiert hat. Hier setzt Songwriter Tibet erst später ein, nämlich „Almost in the beginning“, wo der Mörder wartet: „Cain is here”! Wie auf einigen CURRENT 93-Alben fehlt hier auch das sprachreflexive Moment nicht, welches auf die Zersplitterung von Zusammenhängen ebenso verweist wie auf deren versöhnende Verschmelzung: „In my mind fractal texts/Broken grammars/Droning like honey/Sweeter than Ziggurat”. Tibets derzeitiges Studium der koptischen Sprache und Religion ist sicher auch dafür eine neue Inspirationsquelle. Ein sprachliches Motiv findet sich zudem in der mehrfach betonten Identifikation des lyrischen Ichs mit dem titelgebenden Aleph, dem ersten Buchstaben des hebräischen Alphabets, der als Initial des Wortes für „Mensch“ auch für Adam steht. Interessant ist in textlicher Hinsicht auch wieder der Verweis auf Passagen des eigenen Werks – so ist neben den Wiedersehensfreude weckenden „Fields of Rape“ ein großer Teil des Textes der „Birth Canal Blues“-EP enthalten, selbstverständlich neu arrangiert und mit dem als Einheit zu betrachtenden Gesamttext verwoben.

In einem Aspekt unterscheidet sich „Aleph“ sehr von „Black Ships“, nämlich im Stellenwert der mitwirkenden Gäste. Wirkte der Vorgänger mit seinen zahlreichen Stimmbeiträgen beinahe samplerartig, so zentriert sich hier alles auf Tibet, die schon erwähnten drei Gitarren, Bassist ANDREW WK und den überaus talentierten Drummer. BABY DEEs Piano, BILL BREEZE’ Viola und JOHN CONTRERAS’ Cello dagegen kommen derart minimal zum Einsatz, dass beinahe der Eindruck entstehen könnte, Tibet wolle aus freundschaftlicher Dankbarkeit noch ein paar Leute aus früheren Sessions mit an Bord haben. Wie man von unseren Berichterstattern vom WGT erfährt, muss die Piano- und Streicherfraktion bei den aktuellen Livedarbietungen viel stärker und prägender in das Klangbild integriert sein. Auch kann man sich fragen, wie viel die Gestalt des letzten Stückes der Tatsache verdankt, dass die weiblichen Spoken Words nun ausgerechnet von Jones und Grey eingesprochen wurden. Dort kommt aber zumindest Tibets langjähriger Wegbegleiter STEPHEN STAPLETON etwas signifikanter zum Zug, der den Dialog der Amerikanerinnen mit einer zirkusartigen Orgelmelodie unterlegt. Zusammen mit Bandkollege ANDREW LILES besorgt er – traditionsgemäß – auch die Produktion des Ganzen.

„Aleph“ ist sicher ein untypisches Werk und gewiss nicht die repräsentative Platte, um Neueinsteigern die Band CURRENT 93 näher zu bringen. Was die Erfolgsprognose angeht, kann ich mich den Ausführungen aus der vorangegangenen Besprechung anschließen und vermute, dass die Reaktion in der Mainstreampresse verhaltener sein wird als zu „Black Ships“-Zeiten. „Aleph“ wird einige angenehm überraschen, weitere vielleicht auch enttäuschen und bestimmt auch manche versöhnen, die den vor rund zehn Jahren eingeschlagenen Weg des „ruhigeren“, intimeren David Tibet nie ganz akzeptieren konnten. Vor allem aber ist sie das beeindruckende Zeugnis der Häutung eines Künstlers, der nichts weniger will als sich selbst langweilig werden, und doch immer am gleichen Projekt kontinuierlich weiter arbeitet. Mich hat „Aleph“, trotz der angesprochenen Schwachstellen, sehr überzeugt. Man darf gespannt bleiben, wohin der 93er Strom in den nächsten Jahren fließen wird.

(U.S.)

“Safe Inside The Day“ ist eine Mischung aus an die früheren Aufnahmen anknüpfenden getragenen Liedern und (mehr oder weniger) grotesken, allerdings mit dem Unterschied, dass eine Reihe von Helfern zur Verfügung standen, um das Album etwas opulenter zu instrumentieren (u.a. Will Oldham, William Breeze, Matt Sweeney, Andrew WK, John Contreras, Max Moston). Auch in ihrer Stimme spiegelt sich diese Mischung wieder, kann sie doch innerhalb eines Liedes zwischen Erhabenheit und einem meckernden Vortrag changieren.  Das Titelstück erinnert an die Vergangenheit, wohingegen  das darauf folgende (von Goethe beeinflusste) “The Earlie King“ rhythmischer ist. Stücke wie “A Compass Of The Light“ oder das zu Tränen rührende „You’ll Find Your Footing“ stehen neben dem vielleicht aberwitzigsten Stück “Big Titty Bee Girl (From Dino Town)“, in dem all die unschönen Dinge beschrieben werden, die man mit einem Albino anstellen kann. Was auffällt, sind die stärkeren autobiographischen Bezüge (z.B. textlich bei “The Dance Of Diminishing Possibilities“ und “The Only Bones That Show“ oder musikalisch, wenn z.B. “Bad Kidneys“ mit seinen Jahrmarkt(an)klängen an die Vergangenheit Dees anspielt). Wie es Baby Dee gelingt, nach all dem Überdrehten mit dem Abschlusstrack “You’ll Find Your Footing“ den Hörer  emotional völlig ins Mark zu treffen, ist beeindruckend. Und nicht zu vergessen finden sich auf “Safe Inside The Day“ auch mit die aberwitzigsten Zeilen, die man sich vorstellen kann: “My Father’s Affection/For His Crowbar Collection/Was Freudian To Say The Least“. Schon jetzt eins der Alben des (noch jungen) Jahres 2008.

(M.G.)

Im vergangenen Jahr wurde allerdings deutlich, dass Cashmore vielleicht etwas darüber vergrätzt war, dass seine Rolle bei CURRENT 93 unterschätzt wurde und vielleicht lässt sich dadurch verstehen, warum er das reduzierte Album “Sleep England“ unter seinem Namen und nicht mehr unter dem in den 80er und 90er verwendeten Projektnamen NATURE AND ORGANISATION veröffentlichte. “The Snow Abides“ ist ein Five-Track-Minialbum, auf dem drei von ANTONY gesungene (und von David Tibet getextete) Stücke von zwei Instrumentals eingerahmt werden. Es dominiert das Klavier, wodurch das Album in Passagen an das fragmentarische “Death In A Snow Leopard Winter“ erinnert, was auch dadurch betont wird, dass drei der Streicher, die das Klangbild ergänzen, auch bei diesem Album dabei waren. In den drei Stücken mit ANTONY dominiert die Stimme des Wahlamerikaners, der Gefühle evozieren mag, bei denen die Ratio keine Rolle mehr spielt.

Man kann davon ausgehen, dass die schon zwischen 1999 und 2001 aufgenommenen Stücke für das nicht mehr veröffentlichte dritte NATURE AND ORGANISATION-Album vorgesehen waren, insofern darf man auf die nächsten (aktuelleren) Veröffentlichungen gespannt sein.

(M.G.)