Nach einem Umzug nach British Columbia, so heißt es weiter, begann sie zu Hause und in abgelegenen Umgebungen mit Streichinstrumenten und einfachen Aufnahmemitteln zu arbeiten. Die durchgehend ruhig aufgebauten Stücke auf “Fables” entstanden überwiegend im Herbst in einer kleinen, abgeschiedenen Hütte sowie im Freien und basieren vor allem auf Cello, Bratsche, Violine und Kontrabass, ergänzt durch Feldaufnahmen der Umgebung. Die Künstlerin, so heißt es, versteht Naturgeräusche nicht als Hintergrund, sondern als integralen Bestandteil der Kompositionen. Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

Bild für die großen Fragen des Lebens werden ließen. Reisen, ihre Eindrücke, Rituale und Risiken, öffnen den Blick auf das, was uns bewegt: Angst und Staunen, Nähe und Ferne. Die Aufnahmen entstanden in den beiden vergangenen Jahren im Heimstudio. Nelson steuert E-Gitarre, eine mit Gummisteg präparierte Akustikgitarre sowie diverse Elektronik bei, Mallory Linnehan alias Chelsea Bridge zudem Violine und Gesang. Das Album erscheint in den gängigen Formaten, weitere Informationen finden sich auf Bandcamp.

“Morse code pulse programming flickers like distress signals while a gathering storm of strings, noise, and low-end looms in the distance. Processed electronics shiver and shudder against pitch-shifting assemblages of crackling voltage, mantric horns (including exquisite modal sax by Colin Stetson), and cathedral keys. Throughout, the pieces both accrue and avoid drama, more attuned to undertow than crescendo. Hecker mentions “negation” as a muse of sorts – the sense of tumult without bombast, tethered ecstasies, an escape from escapism. His is an antagonism both brusque and beguiling, devoid of resolution, beckoning the listener ever deeper into its greyscale alchemies of magisterial disquiet”. (Kranky)

century old pipe organ housed at the historic Old Museum in Brisbane, Australia, which were then processed, transformed, and elevated into eight majestic electro-acoustic threshold devotionals. The timbre of the instrument and spatial fluctuations of room tone infuse the music with a subdued, sacred feel, like vaulted light in a nave of stained glass. [...] Morgan and English are both adept at conjuring moods of muted grandeur, like landscapes veiled in dusk, still looming and luminous. Here, their combined powers open pathways to heightened realms of deep listening and bewitching restraint, finding flickering infinities in ancient configurations of wind, brass, stone, and dust”. (Kranky / Rarely Unable)

bereits auf dem Label erschienen sind, aber nicht ihre gesamte Diskografie umfassen. Das neue Album entstand während eines Aufenthalts in Griechenland auf der Basis von Piano, Blas- und Streichinstrumenten sowie Synthesizer und Field Recordings und offenbart eine mitunter rauen und intensiven Charakter, der der feinsinnigen Poesie der Klänge keineswegs entgegen steht. Das Album erscheint in den gängigen Formaten am 17. November.

Landschaften Kaliforniens und Oregons einen beträchtlichen Anteil an der Stimmung der meist getragenen, verhuscht-melancholischen Songs und spielen auch in den von Isolation und Verlusterfahrungen, aber auch von verschiedenen Facetten von Schönheit und Liebe erzählenden Texten eine Rolle. Sanftes Gitarrenspiel, in das sich immer wieder eine gewisse Unruhe schleicht, und ein im weitesten Sinne folkiger Gesang bilden den Kern der Musik, über die sich Rauschen wie eine Staubschicht legt. “Shade” erscheint am 22. Oktober in den gängigen Formaten.

Ein schönes, etwas künstlich arrangiert wirkendes Setting vor dunklem Hintergrund, in das sich schon bald das Unvorhergesehene, Gefährliche einschleicht – das florale Stillleben mit Schlange auf dem Cover passt gut zur Musik auf Sweets neuem Album. Einmal mehr eine Feier geheimnisvoller Minimalismen, nimmt „Stench of Exist“ einen Teil der (relativen) Opulenz von “Burnt Up On Re-Entry” zurück und entpuppt sich zudem als merklich heterogener. Dem bleepigen Harschnoise, der einen zu Beginn empfängt, sind insgesamt nur wenige Momente beschert, doch die ambienten oder angefolkten Stücke lasten trotz kontinuierlicher Übergänge alle eine kleine Welt für sich entstehen.

Da wäre „Thwart by Thwart“, das folkige mit soundscapigen Elementen mischt und mit seinem Downtempo-Rockbeat fast so etwas wie Groove entstehen lässt, wobei Sweet gesanglich einfach nicht aus seiner Haut kann und wie gewohnt monoton im Flüsterton grummelt. Das noch langsamere „My Continuing Battle With Material Reality“ mit seinem trunkenen Pulsieren bringt das noch ein bisschen mehr zur Geltung, bei „Great Anthem of my Youth“ versteckt sich der trockene Vortrtag über einen typische Nineties-Jungend hinter Straßenlärm und Polizeisirenen: „We were good for nothing, we were always lost, visions keep us distant, disctance kept us locked.“ Mit dem Instrumentalstück „Grows in the Small World of Nerve“ jedoch liefert Sweet sein bisheriges Meisterstück in Sachen subtiler Stimmungen ab. Ganz leise zeichnet sich hinter einer Wand aus Regenprasseln ein melodisches Glühen ab, das wie aus einer märchenhaften Parallelwelt zu denen herüberweht, die es registrieren.

Boduf Songs ist heute nicht mehr so düster-akustisch-minimal wie zu Zeiten der Homerecordings, die Kranky quasi ungemastert herausbrachte. Doch Sweets Musik reift in Würde, ersetzt alte Subtilität durch keine Verquastheiten. Das Wort „Boduf“ ist im übrigen noch so mysteriös wie eh und je, und vielleicht ist das auch ganz gut so, denn sagte er nicht einmal, dass er jemanden umbringen müsse, bevor er das Geheimnis lüften könne?

Label: The Flenser

Wer mit dem Stil des Briten vertraut ist, erkennt ein Boduf Songs-Stück sofort. Abgesehen von wenigen abstrakten Zwischenspielen fehlt bei keinem der Songs das filigrane Gitarrenpicking, dessen hypnotische Einfachheit stets ähnliche Tonfolgen exerziert. Daran ändert sich auch nichts, wenn er die akustische Gitarre ab und an gegen eine elektrische vertauscht. Ebenso Teil seiner Handschrift ist der immer leicht ins Hauchen und Murmeln abgleitenden Gesang, dessen leicht unbeholfene Melodie bei den meisten Songs die gleiche ist. Dass dieses einfache Grundgerüst als Basis für weiträumige Entwicklungen funktioniert, wird einmal mehr auf dem just erschienenen Album „Burnt Up On Re-Entry“ deutlich. Trockenheit, dick aufgetragen – so könnte man das zentrale Paradoxon dieser Musik bezeichnen, eine Eigenschaft, die schon in den ersten Minuten zur Geltung kommt. „Fiery the Angels Fell“ zitiert im Titel „Blade Runner“ und indirekt ein Gedicht William Blakes, und auch bei der textlichen Anspielung auf The Weather Girls gibt sich Boduf Songs nicht mit Kleinigkeiten ab: Die Männer, die hier – Hallelujah! – von den Dächern regnen, sind wohl nichts weniger als die Opfer eines Terroraktes und erfahren ihre Apotheose in gewohnt beiläufigem Ton. Was ebenfalls schon im Opener deutlich wird, ist Sweets derzeitiges Interesse an Uptempo und rauen Gitarrenriffs, denn bevor man sich versieht, hat sich das Stück in etwas verwandelt, das der kindlichen Vorstellung eines Punksongs nahekommt.

Keiner der folgenden Songs ist so skelettiert und unplugged wie die rauen, dilettantischen Aufnahmen der frühen Jahre, doch einige bewahren deren introvertierten Charme. „A Brilliant Shaft Of Light From Out Of The Night Sky“ verbindet diesen mit nerdigen Scifi-Motiven. Wer die beschwörende Kindermelodie und den naiv wirkenden Text als Klamauk abtut, hat wenig verstanden. Das gleiche gilt für alle, die darin Pathos zu erkennen glauben. In all ihrer Exzentrik haben die Stücke immer wieder eingängige Momente, allem voran das getragene, fast sakrale „Everyone Will Let You Down in the End“ oder das trotz psychedelischer Fuzzgitarren melodische „Between The Palisades And The Firmament“. Der fast poppige „Song To Keep Me Still“ ist, falls es das gibt, eine halbe Grungeballade, und wurde anderswo bereits mit Nine Inch Nails und Radiohead in Verbindung gebracht. Vielleicht bringen ihm solche Tags noch ein bisschen mehr Aufmerksamkeit, aber letztlich vermute ich, dass der typische gymnasiale Alternativie der 90er weiten Teilen des Albums nicht viel Verständnis entgegen gebracht hätte.

Sweets Mittelweg zwischen Wiedererkennbarkeit und Erneuerung erscheint mir weniger kalkuliert als bei vielen Akustikbarden des letzten Jahrzehnts, die sich von Legitimitätsfragen getrieben zu teilweise absurden Stilsprüngen verleiten ließen. Das spricht für ihn. Als Fan des Frühwerks frage ich mich dennoch, ob die neuen Songs nicht ebenso gut in der bekannten minimalistischen Lofi-Gestalt funktioniert hätten, und ob die Erweiterungen des Klangrepertoires nicht doch teilweise Eselsbrücken sind, damit auch ein paar Indiekids auf den Geschmack kommen. „Burnt Up On Re-Entry“ gibt es neben der regulären Fassung noch in einer limitierten Artist’s Edition, die eine soundtrackartige Bonus-CD enthält. (U.S.)

Label: Southern Records

Das Besondere an der Musik der Charalambides, deren Name eventuell einmal als Hommage an einen zypriotischen Dichter gewählt wurde, in wenigen Worten zu benennen, wäre mühsam, denn ihre Musik irgendwo in dem weiten Feld zwischen minimalem Acoustic-Folk und schwermütigem Dronesound zu klassifizieren, hätte trotz formaler Relevanz einen profanen Beigeschmack. Ihrer persönlichen Version des elektronisch verstärkten, doomig eingefärbten Americana-Sound haftet etwas Auratisches an, das ungreifbar bleibt, ebenso das mehr als nur angedeutete Gefühl des Entrückten, das Sängerin Christina stets mit recht einfachen stimmlichen Mitteln hervorzurufen weiß. Dass all dies nicht aufgesetzt wirkt und Legionen von Neofolkern, Hipstern und Metalkids hinter sich lässt, hinterlässt einen Eindruck des Souveränen, der auch beim Blick auf die mittlerweile beachtliche Diskographie aufkommt: Charalambides haben es (Solo und als Band) immer verstanden, Einflüsse von anderen in ihr Schaffen zu integrieren, und dabei trotz allem nie ihr Gesicht verloren. Die vor rund zwei Jahren erschienene Songsammlung „Likeness“ ist da vielleicht am deutlichsten exemplarisch, denn sie enthält überwiegend alte amerikanische Songs – primär Balladen, deren Ursprünge sich im Dunkel des 19. Jahrhunderts verlieren, aber musikalisch und inhaltlich ist es ein lupenreines Charalambides-Album mit eigener Aussage.

Auch der Nachfolger „Exile“, der den momentanen Stand der Dinge markiert, hat einen narrativen Schwerpunkt. Im Zentrum des lyrischen Interesses stehen Themen der Trennung und Entwurzelung, oft im Rahmen von Alltagsszenarien, denen vielleicht etwas Profanes anhaften würde, gerade dann, wenn sie mit mehr Pathos oder auch mit mehr Hysterie umgesetzt wären. Die Herangehensweise der Carters, all dies unverblümt und doch ohne ironische Brechung anzugehen, lässt die existenzielle Tragweite umso mehr durchscheinen. Auf diese Weise geraten Songs wie das finale „Pity Pity Me“ und „Immovable“ zu Höhepunkten des Albums. „Pity Pity Me“ schildert eine menschliches Sackgasse, deren einziger Ausweg das offene Eingeständnis sein könnte. Aber im Song ist es nicht einfach nur irgendein Eingeständnis. Die getragenen Figuren auf Piano und Gitarre, die an minimale Kompositionen von Arvo Pärt erinnern, und die leitmotivische Hervorhebung des Titels wirken zunächst bewusst penetrant, doch durch die schier endlos ritualisierte Wiederholung und das gelegentliche Hinzukommen weiterer Motive schaffen es die Charalambides, das Ganze am Ende kraftvoll erscheinen zu lassen – spätestens nachdem der Song sich in doomigen Psych Rock verwandelt hat, dessen schwere Gitarrenwälle mit Christinas heiserem Sopran kontrastieren.

Das langsame, latent bluesige „Immovable“ bietet inhaltlich Stoff für einen ganzen Roman, doch die Geschichte einer Begegnung mit den Schattenseiten eines Bildungs-, Medien und Gesundheitssystems hat wenig von resignativer, sozial eingefärbter Popliteratur, und auch hier dominiert viel eher eine charismatische Ernsthaftigkeit, die letztlich dem ganzen Album einen unterschwellig robusten und trotz aller Bedächtigkeit trotzigen Grundtenor verleiht. Die ganz eigene Schönheit der Musik kommt hinzu, die gerade im Kontrast zur Fremdheits- und Entfremdungsthematik einen kontemplativen, aber stets kitschfreien Zug bewahrt – beim gehemnisvollen Folk des Instrumentalstücks „Autums Leaves“ ebenso wie beim dronigen „Before You Go“, das mit dem Cello von Helena Espvall und dem Kontrabass der Portugiesin Margaride Garci das Klangspektrum erweitert.

Die Charalambides waren gerade auf Tour in Europa, allerdings mussten wegen einer schweren Lungenentzündung Tom Carters alle Konzerte abgesagt werden. Der Gitarrist befindet sich derzeit immer noch in einem deutschen Krankenhaus und wird einer längeren und kostspieligen Behandlung unterzogen. Interessierte finden nähere Informationen dazu auf der Webseite von Volcanic Tongue, die zu diesem Anlass einen umfangreichen Benefizkatalog mit Carter/Charalambides-bezogenem Material zusammengestellt haben.

Label: Kranky

(M.G.)