“Intended as a late night listen that evokes the edge of consciousness, with Carlos getting as close as possible to a trance state during the actual recording and mixing, each of the eleven tracks transition into one another rather than being standalone discrete pieces, forming two side-long suites that proceed like stages of a dream”, beschreiben Ideologic Organ das vielfältig dröhnende und schabende Resultat, an dessen Produktion und Mastering Marhaug wiederum beteiligt war. “Dream Walker” erscheint am 26. April in den gängigen Formaten.

“The Nilssen-Love/Vandermark is an internationally acclaimed percussion/reed duo and has been in collaboration since 2002, traveling across Europe, the Unites States, Brazil, as well as Japan, many times. The group is known for its creative intensity, that constructs and deconstructs material with utmost freedom and spontaneity, and which has been documented on 11 albums since its inception. The addition of such incredible musicians from Japan only heightens the kinetic nature of their playing and the speed in the exchange of musical ideas documented with this collection”. (PNL Records/Audiographic Records)

Das Album erscheint neben der regulären Vinyl-Edition 99mal in einer Holzbox mit zwei Tapes, die exklusives und nicht im Download erhältliches Studiomaterial enthalten. Das Release enthält ältere Textbeiträge von Jojo Hiroshige (Hijokaidan) und Toshiji Mikawa sowie neue Liner Notes von Lasse Marhaug, der auch das Mastering übernommen hat. Darin heißt es: “In a historical perspective Repo is also special. There were very few noise records that sounded like it in 1989. Albums by other Japanese artists like Hanatarash, Merzbow, Gerogerigegege and Hijokaidan, who despite the more sonic approach of noise to their western contemporaries, all featured more stylistic aspects to their work – tape loops, collage techniques, the use/abuse of conventional instruments, satirical takes on popular music, references to visual art forms. Repo has none of that, it is full-on noise. In this sense this album – and Incapacitants’ overall oeuvre – has stood the test of time incredibly well. It does not feel dated”.

precise playing, intensity, spontaneity and a great sense of musical humour”, heißt es beim Label. “Radical playing techniques, curiosity and the exploration of sound possibilities create constant tension. Their first trio release Animals brings together 13 tracks full of twists and turns, creative lightness and complex virtuosity”. Das Album erscheint auf CD und zum Download und wird demnächst auch Thema auf einer Sudden Infant-Europatour sein.

@ Klanggalerie

„Higgs Boson“ ist konzeptionell dicht ausgefallen: Beide brachten unterschiedlichste außermusikalischen Einflüsse mit in den Kompositionsprozess ein, u.a. Regissuere wie Takashi Ito und Toshio Matsumoto, Comiczeichner wie Philippe Druillet und Jean Moebius Giraud (Marhaug), Hesses „Glasperlenspiel“, das titelgebende Higgs Boson, Tarot (Gammelsæter).

Das Album beginnt mit „The Stark Effect“: Gammelsæters Stimme, die zwischenzeitlich mit den Drones zu verschmelzen scheint, lässt an eine dämonische Lisa Gerrard denken. Hier – wie auch in anderen Stücken – changiert sie zwischen einem besessen-sakralen Stöhnen und Death Metal-Growl. Letztlich klingt sie wie ein Hybrid aus Diamanda Galás und Attila Chisar. Das Stück würde sich sicher gut auf einem Soundtrack des „The Conjuring“-Franchise vorstellen.  Auf „The Magus“ flüstert und würgt sie die Worte heraus, dabei nur von dezent minimalistsichem Knistern und seltsamen Geräuschen untermalt: „We are born and we die“, heißt es. Langsame, vereinzelte Schläge künden „Static Case“ an, auf dem sich die Stimmen verdichten und man meint, in einer Wolke von Zikaden gelandet zu sein. Auf „Ondes De Fase“ lassen die Drones an eine in der ferne hallende Sirene denken, mit der die Stimmme zu verschmelzen scheint: Worte, Wörter lassen sich nur erahnen. Die Dissonanzen auf „Forces“ lassen einen kurz denken, die Lautsprecher seien defekt. „Propeller Arc“ integriert Orgel in das Klangbild, „Hadron Collider“ etwas, das an eine Trompete denken lässt, eine E- Gitarre setzt ein und wieder und wieder ruft Gammelsæter den Äther an „that surrounds as and penetrates us, crushes us“. „These Questions“ beendet dieses beeindruckende Album und zeigt noch einmal die Vielseitigkeit von Gammelsæters Stimme.

Label: Ideologic Organ

Als Inspirationsquellen und Referenzpunkte dienten beiden eine ganze Anzahl von Personen und Konzepten: „For Marhaug, it was concepts informed by the structuralist experimental cinema of Japanese directors Takashi Ito and Toshio Matsumoto, futurist worlds of French comic book artists Philippe Druillet and Jean Moebius Giraud, landscape photography of Fay Godwin, Kåre Kivijärvi, and Tamiko Nishimura, amongst others.

It became a metaphysical juxtaposition involving Gammelsaeter’s research and lyrical ideas based on several seemingly unrelated principles. A process of association inspired by “the Glass Bead Game” by Herman Hesse. The discovery of the Higgs Boson as a confirmation of the physical universe. The work of Ernst Schrödinger on the uncertainty principle. The four forces of physics. The Force. Helplessness under armed forces – as the war sailors in World War II. The influence of magic as expressed in tarot.“

Das schwarze Vinyl ist auf 700 Exemplare limitiert. Zusätzlich erscheint in einer Auflage von 300 Stück eine orangefarbene Version exklusiv auf Southern Lord.

@ Ideologic Organ

@ Southern Lord 

Auf ihrer Komposition „Cheol-Kkot-Sae“, von der nun der Mitschnitt vom Donaueschingen Festival 2016 erschienen ist, wirkt nun eine koreanische Sängerin und ein traditioneller Perkussionist mit, und insgesamt wirkt das gut halbstündige Stück wie eine intensive Überblendung östlicher und westlicher Musik ritueller Ausrichtung.

Ob der traditionelle Pansori-Gesang, mit dem Gastsängerin Song-Hee Kwon das Stück einleitet, auf koreanisch oder in einer Fantasiesprache gesungen wird, lässt sich zunächst schlecht ausmachen, da in dem noch bedächtigen Auftakt nur eine minimale Silbenfolge wiederholt wird. Doch die Frage erübrigt sich nach kurzer Zeit, denn schnell wird der Vortrag immer heftiger und verschmilzt mehr und mehr mit improvisierten Cello- und Saxophon-Parts. Es ist nicht nur das folgende noisige Rumpeln, das die Musik immer intensiver und eindringlicher wirken lässt, sondern eher noch das sich gleichsam in Fülle, Volumen und Tempo steigernde Spiel der einzelnen Musiker, die über lange Passagen mit einigen Ruhepausen und neuen Höhepunkten hinweg eine beachtliche Synchronizität aufrecht erhalten.

Immer wieder werden Cello, Trommeln, Sax, Gesang sowie diverse Saiten und Elektronik so sehr an die Grenzen ihres typischen Klangs gebracht, dass sie nur noch bedingt auszumachen sind und man sich in einer alle Grenzen sprengenden Orgie aus Schaben, Kratzen, Rasseln, Rumpeln und Dröhnen wiederfindet. Wenn der Fluss der Klänge in dieser Art über die Ufer tritt, verstärkt sich der Eindruck, einem intensiven Initiationsritual beizuwohnen.

Label: Tzadik

Ein Grund, warum man die vorliegende Kollaboration von Oren Ambarchi, Massimo Pupillo und Stefano Pilia, über deren zahlreiche Zusammenarbeiten (siehe tags am Fußende der Besprechung) man ein dickes Buch schreiben könnte, nicht unbedingt Postrock nennen sollte, liegt in der Tatsache begründet, dass die Bewegungen auf “Aithein” nicht hinter einem milchigen Film verborgen sind und ihnen jeglicher lustlose Phlegmatismus fehlt.

Aufgenommen wurde das Werk vor zirka einem Jahr bei einem Konzert in Bologna, und dem Titel sowie einigen spärlichen Angaben zufolge sind die beiden Tracks von verschiedenen Konzepten des Äthers inspiriert, einem Element, dass nach  antiken Kosmologien den Weltraum ausfüllt und als reine Form von Feuer ebenso wie von Luft betrachtet wurde. Etymologisch abgeleitet ist der Begriff dann auch vom Verb αἴθειν für “glühen”, das hier als Titel verwendet wurde. Ebenso dachte man, dass der Äther die basale Substanz der Planeten und Sternen bilde, und in der Dynamik eines planetarischen Entstehungsprozesses könnte man eventuell einen Bezug zur in der Musik vollzogenen Bewegung sehen.

Das gut zwölfminütige “Burn” ist noch recht verhalten und wirkt auf den ersten Eindruck wie ein Intro: Zwei Gitarren, die sich über weite Strecken geradeso als solche zu erkennen geben und auch der Stille ihren Raum lassen, zeichnen unbestimmte, dezente Figuren in den Raum, bei denen man angesichts des Titels an das Ausbrennen einer Glut denken mag, doch dies ist trügerisch – unterschwellig lodert es immer deutlicher, die Sounds geraten mit der Zeit lauter, brennender, schmerzhafter, selbst kleine Eruptionen finden statt, auch ohne die Drums, auf die man schon sehnlichst wartet. Immer mehr erinenrt das Stück an ein Glühen, das jederzeit in einen offenen Brand übergehen kann, und das wird es auch – am Übergang zu Shine, dass das eigentliche Hauptstück des Albums ist.

Bei dem inhaltlich zweigeteilten Stück greift Ambarchi dann auch zu seinen Drumsticks: Verspielt und minimalistisch wird zunächst nur mit den Hihats Spannung erzeugt, das Rumoren von Bass und Gitarre zeigt, dass sich hier etwas Größeres zusammenbraut, und nachdem sich die Perkussion auf eine etwas zerfranstere Struktur eingespielt hat, registriert man irgendwann ganz schnell den Zuwachs an Intensität. Heftige Trommelwirbel und eindringliche repetitive Melodie-Patterns, Soli, die streckenweise wie Schreie klingen, all dies und einiges mehr bis zum tosenden, ekstatischen Höhepunkt. Natürlich geht es noch weiter – tänzelnd, knarrend, zunächst ein kleines Nachbeben, dann beinahe so heftig wie vor den Knall und zum Schluss sogar für Minuten so etwas wie Rock.

Zuverlässigen Angaben zufolge sollen von den 180 chicen schwarzen Scheiben nur noch wenige zu ergattern sein, der Rest ist Bandcamp. (U.S.)

Label: Karlrecords

Whens mysteriöses Konzeptalbum über den schwarzen Tod könnte einem episodischen Panorama dialogloser Hörspielszenen gleichen, aufgrund seiner Unberechenbarkeit jedoch hat „The Black Death“ eher den Charakter einer nur ansatzweise logisch zusammengesetzten Kollage aus szenischen Ausschnitten.

Laut Info sollen alle Stimmbeiträge von Pedersen selbst stammen, um so beeindruckender wirkt die Illusion der „Echtheit“, die das Keuchen, Kreischen und Stöhnen von männlichen und weiblichen Stimmen aller Altersgruppen aufweist (wenn Pedersen nicht gerade wie im Wahn vor sich hin brummelt und dabei an den Sänger von Embryo erinnert). An vielen Stellen mischen sich diese Stimmen mit hölzernen und metallischen Klängen, mit Natursamples oder mit teils gruseligen Tierstimmen. Hier ist die Pest ganz offenkundig der große Gleichmacher, der die letzten Laute von Mensch und Tier zu einem unentwirrbaren Kneuel verknotet.

All dies ist ausgesprochen virtuos gestaltet, doch letztlich funktioniert das Werk weniger über technische Ideen als über die Stimmungen und deren dramatische Entwicklung. „The Black Death“ ist äußerst spannend, und gerade das Fehlen einer logischen Suspensekurve gibt dem Stoff seinen unberechenbaren Reiz. Immer wieder winden sich perkussive Muster aus einzelnen Detonationen heraus, um sich sogleich wieder im Lärmchaos aufzulösen oder abrupt in einem orchestralen Strudel zu enden. In echten Rhythmus artet das Ganze also nie aus. Gerade die sehr plastischen Geräusche regen zum Ausmahlen der Geschichte an und lassen dabei doch vieles offen. Was ist da im Gange, wenn wiederholt Schwerter zu hören sind, die aus ihren Scheiden gezogen werden und gegeneinander klirren? Was rauscht und prasselt da unter der immer dichter werdenden Streicherdecke, etwa das Lodern reinigender Flammen?

Einige Cellosoli leiten in kurze liebliche Folkparts über (die Ruhe nach dem Sturm ist die Ruhe vor dem Sturm), andere in filmscoreartige Orchestralparts, die einige Abschnitte monumental erscheinen lassen. Einzelne Stellen lassen mit einem undefinierbaren Gluckern und Würgen auch die groteske Komik des Verfalls aufscheinen – nicht nur hier, sondern auch generell im groben, aber doch immer stimmigen Zusammensetzen des rustikalen Soundmaterials erkennt man die Nähe zu einigen Nurse With Wound-Klassikern, die Lasse Marhaug in seinen ausführlichen Linernotes erwähnt.

Während die Platte in Norwegen durchaus ihre Fans hatte und u.a. die üblichen Verdächtigen der lokalen Black Metal-Szene inspirierte, ist sie international immer ein Geheimtipp geblieben. Der von Rashad Becker mit einem recht klaren, konturenreichen Antlitz versehenen Neuauflage ist zu gönnen, dass sich das nun ändert. (U.S.)

Label: Ideologic Organ/Editions Mego