Lydia Lunch lernte das legendäre Duo schon früh in New York kennen und bereits Ende der 90er huldigten sie und Hurtado ihrer Leidenschaft auf einem Etant Donnes-Album, an dem auch Genesis P-Orridge teilnahm. Hurtado nahm 2010 zusammen mit Vega das Album “Sniper” auf. In Kollaboration mit Lunch (mit der er bereits 2016 den Longplayer “My Lover The Killer” herausbrachte) erschien im vorigen Jahr das Tributealbum “Suicide of Murder”, das einen Großteil ihrer Coverversionen enthält.

Montag, 30.10.2023
Einlass 19 Uhr
Lido
Cuvrystraße 7
10997 Berlin

@ Facebook

Donnerstag, 25.08.2022
Beginn 19 Uhr
Jugend[widerstands]museum Galiläakirche
Rigaer Straße 9-10
10247 Berlin

@ Facebook

Wenn zwei Dinge gleich auf den ersten Blick auffallen und überraschen, dann zum einen die Bandbreite des – mal dichten, mal minimalen, mal repetitiven, mal unberechenbaren – Repertoires an Klängen und Mustern, zum anderen die Erkenntnis, dass all dies mit den richtigen Handgriffen aus einer Violine herauszuholen ist.

Der erste der sechs nur nummerierten Abschnitte ist derart episodisch gestaltet, dass er dies schon im Kleinen illustriert: In das vielschichtige, vibrierende Dräuen, mit dem der Track beginnt, bricht bald ein verzerrtes Noisegewitter ein und macht unmissverständlich klar, dass dies kein Auftakt einer Droneplatte ist. Immer wieder nimmt Hochfrequentes oder Gerumpel wie aus dem Fundus von Xenakis oder Cut-up-Meistern wie Torba das Feld, überlässt einen zwischendurch immer kurz der Dröhnung, bis die nächste Ladung Lärmgepolter auf einen niederprasselt. Lautes Feedback erinnert stellenweise an eine Gitarre, es zuckt und zittert, kreischt wie eine Säge, und am vorläufigen Ende des gut gestalteten Lärms steht erst einmal die Erschöpfung.

Viel Ruhe bleibt einem aber (erst einmal) nicht vergönnt, denn der folgende Abschnitt ist auch ohne Gitarren Noiserock in seiner reinsten Form und wirkt mit seinen rhythmischen Riffs wie eine Parodie auf und eine Liebeserklärung an Punk und alles Rockgepose dieser Welt. Erst das ausladende dritte Stück bringt die erhoffte Wohltat: langsam bedrogtes Schweben auf einem dunklen Ambientteppich durch ein Gebäude mit dunklen Korridoren, schamanische Vocals (oder etwas, das so klingt) und einige Stellen, in denen die Violine fast konventionell klingt – all dies ist in seiner Simplizität berührend.

Alle der mal statisch aufgebauten, mal sich kontinuierlich steigernden Tracks weisen eine ganz eigene Charakteristik auf, und das nicht nur aufgrund einer jeweils stark verschiedenen Klangauswahl, unterschiedlichem Tempo etc. Bei einigen Stücken gibt ein schleppender, fast doomiger Teppich aus schwerem Soundmaterial das Narrativ vor, auf dem alle möglichen kleinen Figuren erst ihren Sinn und Zusammenhang erhalten, bei anderen wiederum bringen gerade diese das Muster erst zustande, z.B. in Form von Sehnsuchtsschreien auf der Violine, die sich bald vervielfältigen und miteinander in Dialog treten. All dies lässt die einzelnen Stücke fast wie Fragmente eigenständiger Werke erscheinen, und vielleicht ist des die oft abrupte Direktheit, die das ganze zu einer in sich geschlossenen Veröffentlichung macht. (U.S.)

Label: Little Crackd Rabbit

Das hörspielartige Spoken Words-Album, das Mia Zabelka, Zahra Mani und Lydia Lunch unter dem Titel „Medusa’s Bed“ aufgenommen haben, ist neben einer Vielzahl anderer Motive auch dieser Dialektik von Illusion und Enttäuschung gewidmet, sowie der Suche nach einem Weg, sich aus diesen Verstrickungen zu lösen. „Medusa’s Bed“ erinnert an eine Performance auf einer abgedunkelten Bühne, während der eng bemessene Lichtstrahl des Scheinwerfers ausschließlich auf die Protagonistin, Lydia Lunch, fokussiert ist. Nur gelegentlich hellt sich das Szenario auf und lässt auch die beiden Musikerinnen deutlicher ins Blickfeld rücken. Dem aufmerksamen Rezipienten entgeht die musikalische Leistung der Akteurinnen keineswegs, die mit einem reichhaltigen Soundpool (Mani) und filigran-verfremdetem Violinenspiel (Zabelka) eine fein ausgearbeitete Musik geschaffen haben.

Doch mit ihrer eindringlich derben Stimmarbeit lässt Lunch, wie in vielen ihrer Kollaborationen, auch diese Arbeit knapp an der personality show vorbeischlittern. Sie ist der markante Stempel auf einem Blatt, dass mit feinen, leicht übersehbaren Kalligraphien verziert ist. Die Anekdoten, Aphorismen und Sentenzen, in denen sie zahllose „cold heart facts“ verpackt, berichten von abgewetzten und vor allem erschöpften Figuren, „stranded on the crossroads of bloodshed and oblivion“. Es scheint, dass sie einst so etwas wie einen amerikanischen Traum en miniature geträumt haben: „Everything was possible, allowed, ours“ heißt es zu Beginn, doch wie um die ambiente Schöngeisterei der Ethno-Flöte und der feingliedrigen Soundspäne Lügen zu strafen, endet schon das erste Stück in einem Bekenntnis zum Sinnverlust. Im Verlauf häufen sich drastische Bilder an, „a corpse left rotting in the rain“ ist nur eines davon. „Medusa’s Bed“ ist so hard boiled, aber auch so existenzialistisch wie ein Roman der schwarzen Serie.

Wenn Lunch unverblümte Drastik und versiffte Relaxtheit zu neuen Höhen auffahren lässt, wenn sie mit einer von Whiskey und Tobak gezeichneten Stimme von „daily crucifixions“ berichtet und auf ihre betont abgeklärte Weise „so many deaths, murders, suicides“ beklagt, ist sie – ganz ähnlich ungleichen Geschwistern wie Henry Rollins oder Boyd Rice – auch so etwas wie ein illegitimes Kind Bukowskis. Diese demonstrative Coolness ist stets von einer faszinierenden Ambiguität, vermag sie doch Wahres auszusprechen, mit Selbstironie zu kontern – hier durch raues Grummeln und fiebriges Stöhnen – und zugleich ihren eigenen Selbstwiederspruch unfreiwillig bloszulegen. Denn was wäre abgeklärter als Schweigen? Diesen Schluss nicht zu ziehen macht die Lächerlichkeit, zugleich aber auch die Stärke eines solchen Gestus aus.

Eine ganz eigene Energie entsteht aber durch das Zusammenspiel mit der Musik, die man zu Unrecht herunterspielen würde, sähe man darin nur einen angenehmen, ambienten Hintergrund. Schon das gelegentlich tastende Spiel mit den Saiten, das trotz Raum für Frickelein melodisch und konzentriert ausfällt, lässt sich kaum in die Peripherie der Wahrnehmung verbannen, ebenso der Regen aus kleinteiligen Soundbrocken, der von zeit zu Zeit auf das Ohr niederprasselt. Zu spannend und un-heimelig für einen reinen Kontrast, verschmilzt das klangliche setting mit der Zeit immer mehr mit der Sprache. Dass dabei jede Melodramatik fehlt, verleiht den Geschichten die Portion Tragik, die nötig ist, um im Bett mit Medusa zumindest kein trostloses Ende zu finden. (U.S.)

Label: Monotype

Love Spasm auf Kickstarter

Verleih: Naivsuper Film

Was Künstler wie Zedd, Richard Kern, Tessa Hughes-Freeland, Casandra Stark und andere mit zum Teil gestohlenen Kameras auf schlichten (meist monochromen) Super8-Film bannten, rangiert unter der etwas abgedroschenen Bezeichnung Underground-Film, was in ihrem Fall sowohl auf einen Bruch mit gängigen Moden als auch auf ihre bevorzugten Sujets gemünzt ist. Wie die meisten Sezzessionsbewegungen zelebrierten auch die Künstler um Kern eine Abgrenzung gegenüber akademischen Konventionen. In ihrer Radikalität war sie den Aufbruchsparolen des Futurismus ebenbürtig: „We openly renounce and reject the entrenched academic snobbery which erected a monument to lazyness known as „structuralism“ and proceeded to look out those film makers who posessed the vision to see through this charade“, schreibt Nick Zedd in seinem „Cinema of Transgression Manifesto“, das zunächst ohne Verfasserangabe im Underground Film Bulletin erschienen ist. Und selbstredend ging es nicht nur um ästhetische Fragen, denn die beteiligten Filmer wollten unvermittelt auf die Situation in New York reagieren, die von enormen sozialen Problemen und zunehmender Angst geprägt war. Der seinerzeit grassierende HIV-Virus war eines der Themen, die man aufgriff, und die im etablierteren Experimentalkino bis dato unterrepräsentiert waren. Während man gängigen Traditionslinien des Kunstfilms eine Absage erteilte, ist eine Nähe zu zeitgenössischen Musikbewegungen offenkundig. Im New Yorker Kontext beerbte man gewissermaßen die gerade im Niedergang begriffene No Wave-Welle und avancierte zu einem Parallelphänomen gerade entstehender Bands wie Swans oder Sonic Youth, deren „Death Vally 69“-Video zu Kerns bekanntesten Arbeiten zählt und u.a. in der Berliner Ausstellung zu sehen ist. Aus dem Umfeld von Hughes-Freeland gingen wiederum Musikprojekte wie Backworld hervor. Viele der meist zwischen zehn und dreißig Minuten langen Filme erscheinen wie längere Musikclips, oder zumindest spielt Musik eine große Rolle und füllt oft die ganze Tonspur aus. Lydia Lunch wirkt in Filmen Kerns mit, zu den Soundtrack-Komponisten zählt Jim Thirlwell a.k.a. Foetus und in einem Fall sogar SPK, deren auf Sprachsamples und exzessive Wiederholungsfiguren gebaute Aufnahmen dieser Zeit typisch für die im Cinema of Transgression verwendete Musik sind. Eine thematische Nähe zum Industrial besteht ohnehin.

Vom Sujet her dreht sich nahezu alles um psychische Extremzustände und Abgründe von Sex und Gewalt, und dass ein Cinema of Transgression genanntes Phänomen durch und durch plakativ ist, überrascht wohl niemanden. Die Filmer wollten provozieren, schockieren und konfrontieren und sahen sich im direkten Kontrast zu den etablierten Werten eines Amerika nach dem conservative turn im Zuge der Präsidentschaft Reagans, der für diese Art Kino eine ähnliche Rolle spielte wie Margarete Thatcher für Crass und den britischen Anarcho Punk. Traditionellen familiären Werten geht es in Kerns farbenprächtigem „You Killed Me First“, nach dem die Gesamtschau benannt ist, nicht nur durch Gewalt an den Kragen, sondern auch durch einen Humor, der an Hershell Gordon Lewis erinnert. „We propose that a sense of humor is an essential element disgarded by the doddering academics and further, that any film which doesn’t shock isn’t worth looking at“, heißt es bei Zedd. Tessa Hughes-Freelands „Nymphomania“, der jüngste aber auch zugleich am ehesten hippieske Film der Auswahl, zeigt untermalt von Debussy das anfangs neckische, später dann gewaltsame Liebesspiel zwischen einer Nymphe und einem Faun, und ist über weite Strecken sogar auf recht konventionelle Art komisch, ebenso das groteske Mienenspiel in Kerns „Stray Dogs“. Doch auch im exzessiven Gebrauch von Splattereffekten, in der plakativen Darstellung sexueller Abgründe und im schamlos bejahten Dilettantismus der Arbeiten steckt stets dieses humoreske Moment, eine Komik der Übertreibung, die beinahe zwangsläufig jeden Zuschauer zum Lachen bringen muss, der sich nicht aus Angst, Scham, Ekel oder moralischer Brüskiertheit abwendet.

Während einige Filme dabei eine groteske Heiterkeit versprühen, die durchaus so etwas wie comic relief in die Szenarien bringt, sind andere verstörend genug, dass auch dem eingeweihten Zuschauer das Lachen im Hals stecken bleibt. Bei Kerns „Fingered“, einem Road Movie mit Lydia Lunch, ist es nicht nur die hemmungslose (und sehr real wirkende) Gewalt, die verstört – es ist einer der wenigen Filme der Auswahl, die statt eines dominanten Musicscore realistische Dialoge aufweisen, und wie nahezu alle gezeigten Arbeiten verfügt er über einen simplen und durchaus schlüssigen Plot. „Rat Trap“ von Tessa Hugh-Freeland und Tommy Turner verstört durch den grafischen Einsatz toter Tierkörper und die lärmigen Gitarrenfeedbacks von Jimi Hendrix. „Where Evil Dwells“ (in dem der Maler Joe Coleman zu sehen ist) dagegen durch übertriebenen Gothic-Kitsch und eine äußerst unruhige Bildsprache. Der Anspruch, den die Künstler mit ihren gewalttätigen, sexualisierten Stoffen verfolgten, liest sich fast schon sympathisch naiv: „We propose transformation through transgression – to convert, transfigure and transmute into a higher plane of existence in order to approach freedom in a world full of unknowing slaves“. Auch die experimentelle Ästhetik unmittelbar nach Punk und Industrial hatte ihre Utopien – ihre Postulate wirken bis heute und sind auch in ihrem fast musealen Status nach wie vor starke Gesten des Widerspruchs. Die alles durchdringende Governmentalität im Geiste der Reagans dieser Welt konnten sie freilich nicht außer Kraft setzen.

„You Killed Me First“ ist bis 09.04.2012 auf vier Etagen des KW Institute of Contemporary Art, Auguststraße 69,10117 Berlin zu sehen, in den nächsten Wochen gibt es Lesungen und Gesprächsrunden mit Kern, Zedd, Hughes-Freeland und Lunch.

KW Institute of Contemporary Art

Termine

Diese Aufzählung hat nicht den Charakter der Vollständigkeit, soll nur eine ungefähre Vorstellung vom Werk und Wirken Cazazzas geben, weiteres Erquickliches kann man im „Industrial Culture Handbook“ nachlesen. Ein Großteil dessen, was Cazazza machte oder für das er berüchtigt ist, verknüpfte Transgression mit so etwas wie einer diebischen Freude an der Überschreitung, immer auch mit hohem Trashfaktor. Wenn auf der auf Mutes Grey Area erschienenen (und ironisch betitelten) Compilation „The Worst of Monte Cazazza“ zu Beginn ein (echter?) Psychiater ein Gutachten zum Album abgibt und Begrifflichkeiten, Zuschreibungen und Pathologisierungen wie „sexploitative tendencies“, „psychomasturbation“, „infantile interests“, „confused erotomaniac“,  „anal retentive“, „shock value“, „cheap thrills“ oder „pervert“ fallen, dann trifft das natürlich zu (wenn auch mit einem Augenzwinkern) – Kunst trifft (auf) den Trailerpark, John Waters ist nicht weit (und war nicht zufällig mit Cazazza in der „Pranks“-Ausgabe des legendären Re/Search-Magazins zu finden).

Vieles aus der drastischen Frühphase kennt man nur vom Hörensagen: Wer kann schon behaupten, einen von Montes frühen Filmen wie „Diary of a Rubber Slave“ je gesehen zu haben? Dieser quasi mythische Status des Kaliforniers steht in keinem Verhältnis zu seinem sehr schmalen musikalischen Output. Nach zwei mit Hilfe von Throbbing Gristle aufgenommenen und auf Industrial Records erschienenen 7’s, einer 7’ auf Sordide Sentimental, einer Livekollaboration mit Factrix auf „California Babylon“ und einem Album unter dem Projektnamen „The Atom Smashers“ kam nicht mehr viel, insofern kann man die (oben schon erwähnte) 1992 erschienene Zusammenstellung „The Worst of…“ (auf der sich auch drei unveröffentlichte Tracks fanden, die mit Kris Force unter dem Namen Loveforce entstanden, von denen „Six Exes from Hell“ in den 90ern ein veritabler Hit in einigen Gruftischuppen wurde) auch schlicht in „Most of…“ umbenennen. Denn so viel mehr gab es nicht.

In den 90ern erschien auf Brian Williams von Graeme Revell übernommenem Label Side Effects „Power versus Wisdom“, die Aufnahme einer Radioshow, auf der bekannte neben bislang unveröffentlichten Tracks live im Studio eingespielt wurden – bezeichnenderweise anlässlich von Halloween (dem Tag, an dem Cazazza der Legende nach sein Haus mit einer Tasche voll Herzen und Lebern verlässt).

Ursprünglich sollte ein Album mit dem Namen „The Cynic“ Ende 1997 auf selbigem Label  veröffentlicht werden, Side Effects stellten aber die Tätigkeit ein und Monte Cazazza verschwand (zumindest musikalisch) in der Versenkung. Nun also erscheint „The Cynic“ – wenn man so will, das erste „richtige“ Studioalbum – 13 Jahre später und man muss sich fragen, was in der Zeit passiert ist, klingt vieles auf dem von Brian Williams produzierten und abgemischten Album doch so, als habe es die letzten Jahre lediglich in der Schublade geschlummert. Das Eröffnungsstück „Interrogator“ ist eine düstere Ambient-Synthiefläche, die als Einstimmung dienen mag, wenngleich im Verlauf des Albums die Stimmung mehrfach gebrochen und das Genre öfter gewechselt wird. Es folgt der erste Stilbruch: Eine Coverversion von Ennio Morricones „A Gringo Like Me“ (auch schon von Giddle Partridge interpretiert), mit brillanten Zeilen wie „Keep your hand on your gun/Don’t you trust anyone/There’s just one kind of man/That you can trust/That’s a dead man/Or a gringo like me”, die aber mit weitaus weniger Pathos als im Original vorgetragen werden, viel eher so, als könne das Stück einen Western untermalen, bei dem Herschell Gordon Lewis Regie geführt hat. Zum Sujet passt das Foto im Innern, auf dem Cazazza mit Cowboyhut posiert. Was dann mit „Break Number One“ folgt, kann weniger einen Western untermalen als vielmehr die Tanzfläche einer Großraumdisco, nur klingt die Technonummer nicht mehr ganz taufrisch. „Terminal“ schlägt eine Brücke zum Cover, auf dem eine tote, von Fliegen bedeckte Ratte zu sehen ist, interpretiert Cazazza doch hier einen Text, der ursprünglich von britischen Soldaten während des Krimkrieges geschrieben wurde und in dem beschrieben wird, was mit einer Leiche nach einiger Zeit passiert. Man hat auch hier den Eindruck, als sei Cazazza angesichts des Grauens („then your blood turns yellow“) weniger entsetzt oder verärgert, sondern als sei er ein Voyeur, den das Gesehene wenn nicht zwangsläufig erregt, dann doch zumindest amüsiert (ob das eine Kompensationsstrategie angesichts des unaufhaltsamen Todes  („no one escapes the grim reaper’s thrust“) ist, sei einmal dahingestellt und ist vielleicht nur ein Rationalisierungsversuch von Rezipientenseite). Musikalisch beginnt „Terminal“ als von Akustikgitarre untermalte Ballade, die dann aber im weiteren Verlauf Psychic TVs (deren Mitglied er auch zeitweilig war) „Terminus-xthul“ (vom Debüt „Force the Hand of Chance“) sehr deutlich zitiert. „Venom“ ist eine weitere instrumentale Technonummer, bevor das musikalisch ähnlich ausgerichtete und mit Lydia Lunch getextete Stück im Titel die berechtigte Frage „What’s so Kind about Mankind?“ stellt. Abgeschlossen wird das Album von dem Track „Birds of Prey“, der mit melodischen Pianoklängen beginnt, die dezent von Rhythmus unterlegt werden und in dem Cazazza die Westernthematik von „A Gringo…“ mit der Verwesung von „Terminal“ verknüpft. Musik für den Chill Out mit den Raubvögeln sozusagen. Eine bizarre, nur bedingt  kohärente Veröffentlichung, die einen aber auf nicht immer nachvollziehbare Weise ab und an begeistert. Auf der Rückseite des Covers befindet sich  die Definition eines Zynikers aus Ambrose Bierce berühmten „Devil’s Dictionary“, die da lautet: „A blackguard whose faulty vision sees things as they are, not as they ought to be. Hence the custom among the Scythians of plucking out a cynic’s eye to improve his vision.“ Cazazza zwinkert dem Zuhörer dann wohl nur mit einem Auge zu.

(M.G.)