“Most of the music I make nowadays is commissioned for film, dance, or other projects. And I love it — it’s the best job in the world! — but sometimes I have to pull myself away from it, and make something purely for myself. My 2004 release Omval was one of these works, as is now Spelonk. These projects are always made in short bursts; once I start creating, things fall into place quickly, as if the ideas were (unknowingly) already there and just needed to get out of my system. The three tracks that comprise Spelonk (simply titled I, II, III) are built with “hardware jams” that I recorded with my live setup. It’s all quite hands-on, with effects pedals, an oscillator, and electronic gadgets. The magic happens when combining different recordings, layering them, and hearing what happens. Listening is always a favorite moment in the process, with a welcome element of surprise. I guess it’s all about creating alien landscapes — alien also to me too — that  are exciting to explore. I hesitate to say much more about these tracks as colouring the listener’s experience would be an unwelcome distraction. Eyes closed… enjoy the ride. (Rutger Zuydervelt)

Neben jährlich stattfindenden Totengedenkfeiern stehen der vermehrte Bau von Denkmälern und die identitätsstiftende Verklärung als notwendige historische Weichenstellerfigur und Held des großen vaterländischen Krieges – so, als würde der Sieg über den auch expansionistischen Terror der Nazis ausreichen, um die Verdrängung der Leichen im eigenen Keller zu rechtfertigen. Überlebende und Angehörige von Opfern des Regimes sehen sich gleichsam als Opfer eines viel zu lauten Schweigens, durch das Regierung und weite Teile der Bevölkerung ihr sinnstiftendes historisches Narrativ am Leben erhalten wollen.

Genau dieses Schweigen und die verdrängten Untertöne, die den Erinnerungsdiskurs um Stalin zu einem subtilen Palimpsest machen, sind Thema der preisgekrönten Doku „The Red Soul“ der niederländischen Regisseurin Jessica Gorter, in der neben Historikern auch Stimmen von in unterschiedlicher Weise Betroffenen zu Wort kommen. Es handelt sich bei dem Film um eine sehr sachlich nüchterne Annäherung, in dem der Fokus nicht einzig und allein auf der Figur des Staatschefs liegt, sondern die vielfältige Involviertheit einzelner Bürger als Täter, Mittäter, Opfer und Mitläufer in den Blick nimmt. Dies vermeidet eine negative Verkultung Stalins und schafft zugleich ausreichend Anknüpfungspunkte an die Situation der Gegenwart, in der das Bedürfnis nach Aufarbeitung ebenso vorhanden ist wie Verdrängung im Interesse nationaler Nostalgie. In Russland sind kaum Täter oder Mittäter jemals für ihre Verbrechen unter Stalin zur Verantwortung gezogen worden, was die Gesellschaft bis heute spaltet. Auf die heutige Generation bezogen verurteilt auch der Film niemanden für seine oder ihre Verdrängungshaltung, sieht darin eine problematische, aber im gewissen Sinne auch lebensnotwendige Praktik der Selbsterhaltung, die in der einen oder anderen Form fast immer angewendet wird, wenn Bewältigung und die ihr eigenen Arten von Buße nicht verordnet werden.

Trotz ihrer leisen Töne und ihrer Nüchternheit verfügt die Dokumentation über eine intensive atmosphärische Dramaturgie. Musik spielt in dem Konzept eine zentrale Rolle, gleichwohl man sich um eine passagenweise fast unterschwellig wirkende Tonspur bemüht hat. Zur Umsetzung wählte Gorter den Komponisten Rutger Zuydervelt, der für den einen halbstündigen Track, der den Film untermalen sollte, noch den Saxophonisten Ilia Belorukov und den Drummer René Aquarius ins Studio holte. Leise und bedächtig, wie ein dezentes Hörspiel fernab epochaler Sujets beginnt der Score mit heimelig knisterndem Feuer, erst nach einer Weile ertönt aus der kühlen, winterlichen Ferne ein verwehter Chorgesang, dringt zusammen mit heulenden Bläserparts wie im Zoom näher ans Ohr: sowjetische Folksongs, Lieder vermutlich mit Agitprop-Texten, die schon wegen der Sprache das romantische Klischee der russischen Seele heraufbeschwört hätten, wären sie nicht so schnell wieder verschluckt worden – vom jetzt lauten Prasseln der Flammen, von Radiowellen, Motoren und pochender Perkussion, von unterkühlten Ansprachen des stählernen Despoten, die sich so sehr von den wutschnaubenden Brandreden rechter Diktatoren unterschieden, von rauen Stimmen, die sich zu monströsem Fauchen steigern. Doch die dramatischen Momente sind gut dosiert und enthalten kein Geschrei, keine Märsche, keinen Gewehr- und Kanonendonner und auch keine marschierenden Stiefel, die orchestralen Parts, die mit Drums und dem Blasinstrument auch in zerfetzte Rock-Improvisationen kippen könnten, halten sich merklich zurück.

Die Gesänge jedoch, fragile Spuren des Menschlichen in all seiner schönen und hässlichen Gestalt, lassen sich nicht verdrängen, auch der Eindruck von Trauer nicht, der in der kurz herbeigewehten Passage eines russischen Frauenchores anklingt. Zuydervelt ist als Soundkünstler, oft unter seinem Pseudonym Machinefabriek, einer der renommiertesten seines Fachs, und in den vergilbten, kurz vorm Vergehen seiner Bestandteile noch zusammenmontierten Klangkollagen zeigt er sich des Stoffs würdig, den er – jeder bombastische Tusch am Ende wäre da auch unverzeihlich – ganz leise ausklingen lässt. (U.S.)

Label: SOFA

In jeder der Gruppen waren diverse Saiten-, Tasten- und Blasinstrumente sowie Stimmen vereint, die als Endlosloop zu einer Einheit verschmolzen sind, dabei aber jedesmal ein eigenes charakteristisches Gepräge aufwiesen. Die Besucher konnten sich nun relativ frei an den Aufführungsorten bewegen, beliebig von Lautsprecher zu Lautsprecher weiterziehen und beliebig lange bei bestimmten Klängen verweilen. Das Fehlen von Melodie und der starke Fokus auf Klangfarben sowie die gleichzeitige Unabhängigkeit von vorgegebenen musikalischen Abläufen bewirkte für das Publikum v.a. eines – ein völlig anderes Zeiterleben als bei Orchestermusik üblich.

Die jüngst erschienene CD dazu bietet ein 50minütiges Dronestück, das vielschichtig und bei aller Monotonie auch wandlungsfähig ist. Als enormen Panoramaschwenk durch die bunte Welt des Kammertones „a“ lässt die Aufnahme die sublime Erfarhrung vor Ort an einigen Stellen deutlich erahnen. Natürlich könnte man monieren, dass die Hörer dabei wieder in die gewohnt passive Rezeptionsrolle zurückgeworfen werden, doch als Dokument erfüllt die vorgegebene Folge unterschiedlicher instrumenteller Einfärbungen ihren Zweck, wobei die Übergänge teilweise zu kunstvoll gestaltet sind, dass einem unweigerlich das geschliffene Sounddesign von Machinefabriek in den Sinn kommt. Angefangen mit einem sinuswellenartigen Pfeifen bewegt sich das Klangkontinuum immer mehr in die dunkel dröhnenden Bereiche tiefer Saiten, später dominieren helle Bläser oder sanftes Klingeln das Bild, um von grummeligem Stimmengemurmel abgelöst zu werden u.s.w.

Die Übergänge verlaufen niemals abrupt, doch gibt es zwischendrin immer wieder kleine Brüche, die das passive Gemüt irritieren und aus der Lathargie zu reißen verstehen. Überhaupt empfielt sich aufmerksames Zuhören, denn sonst könnte einem manches entgehen, was sich so an kleinen Ungereimtheiten unter der Oberfläche abspielt.

Unter den Beitragenden finden sich einige internationale Größen experimenteller Musik und avantgardistischer Popgenres. Oren Ambarchi zupft einen Ton auf der Gitarre, Aidan Baker tut es ihm gleich, Julia Kent streicht über ihre Cellosaiten, Nils Frahm und Magda Mayas lassen die entsprechende Klaviertaste ertönen, Richard Youngs seine Stimme, Nate Wooley steuert den gesampleten Klang einer Trompete bei – um nur einige Namen zu nennen, die bereits auf diesen Saiten gefallen sind. Statt werbewirksames namedropping – was es freilich auch ist – sollte man in der Auswahl primär ein Anknüpfen an die unterschiedlichsten Formen bekannter origineller Musik verstehen, denn weit davon entfernt ein abgehobenes Konzept für Spezialisten zu sein legt „Stay Tuned“ wichtigeTeile deren basaler Grundstruktur blos. (U.S.)

Label: Baskaru