Modulare Synthies und an ausgesuchten Stellen einmontierte Klänge verschiedener Saiteninstrumente bilden das Fundament der acht dröhnenden Klangflächen, deren düster-harmonische Schwere zum passiven Träumen verführen kann und so ein Grund sein mag, die unterschwellige Dynamik dieser Musik erst nach und nach mitzubekommen. Doch auch nachdem man sich an die Stimmung der Musik akklimatisiert hat, bleibt diese in ihrem Wesen diffus.

Wer auf die Macht der Worte vertraut, kann durch die Tracktitel zumindest etwas Orientierung in den abstrakten Klanglandschaften bekommen. Von der Sehnsucht erzählen sie, die sich unter verhalltem Rauschen und plötzlich losbrechenden Noisebrocken etwas Schmerzhaftes offenbart und nach Veränderung schreit. Vom Element Luft und der Prima Materia, der aristotelischen Urmatierie, aus der alles Irdische hervorgegangen ist, künden sie, und lassen so einen kosmogonischen Hintergrund erahnen. Noch erhabener wirken so die Echos von angedeuteten Choralgesängen, ebenso die melodischen Synthietupfer, die irgendwann in akustische Klagelaute übergehen und an Orpheus in der Unterwelt denken lassen. Am Ende steht mit dem Limen die Schwelle, die die Grenze zum Zustand der Vollendung markiert.

Letztlich drehen sich all diese Dinge um ein Schöpferisches, um eine Welt, die im Entstehen begriffen ist und die Musik, dem Titel entsprechend, zum Substrat macht. Die oft langsame und subtile Veränderlichkeit von Klangfarben, Harmonien und dezenten Rhythmen schärfen die Wahrnehmung und lassen die Abfolge von beunruhigendem Vibrieren, entspanntem kosmischen Bimmeln, fast schrillen bläserartigen Sounds und all den anderen Gegensätzen, ohne die laut William Blake kein Vorwärtsdrang möglich ist, noch deutlicher auf dem dunklen Nährboden aufscheinen. (U.S.)

Label: Cyclic Law / Malignant Records

Das Album beginnt rabiat: „Inherent Resurrection“ kombiniert Noiseloops, schabende Analogsounds und verzerrten, aggressiven Gesang. Wenn man so will, ist das der Power Electronics-Hit des Albums und als Opener in seiner Wucht sehr gelungen. Dagegen setzt das dann folgende „Fever Wave Dream Function“ einen etwas anderen Schwerpunkt: Das Instrumental mit pulsierenden, leicht hektischen Analogsounds und melodischen Drones, auf dem gegen Ende so etwas wie eine kaputte Drummaschine zu hören ist, setzt weniger auf Aggression, sondern erzeugt eine leicht unheilschwangere Atmosphäre. Die ersten beiden Stücke verdeutlichen auf gewisse Weise so die hybride Natur dieses Albums, das fortwährend zwischen expressiver Wu(ch)t und Introspektion changiert.

„Blood Consciousness“ mit seinen surrenden Analogschleifen und dem deklamatorischen Gesang erinnert etwas an die Tescohausband. „Nattsvermer“ wird von melodischen Drones dominiert, die für ein Moment des Innehaltens sorgen: Das Tempo wird zurückgefahren, es knistert, während in der Ferne Choralelemente zu hören sind. Auf „Reluctant Traveller“ tritt als Gastsänger Grutle Kjellson von Enslaved auf, der den Text – untermalt von erratischer, stampfender Perkussion – rezitiert und herausschreit, um am Ende dann zu dem Schluss zu kommen: „How blissful when the ocean is silent“. „Exchanging Eyes“ beginnt als an- und abschwellender Dark Ambient, in den dann aber Gesang einbricht, um in Verzerrung zu enden. Das Titelstück besteht aus verzerrtem Gesang, Dröhnen, Noiseloops und wenn es dann heißt „Channeling the distressed emotions/Guiding them into an external tumor“, dann muss man an zweierlei denken. Es passt, dass dieses Album auf Malignant Records erscheint und zudem man wird an David Cronenbergs Version von Kramer gegen Kramer erinnert. Das Album endet dann mit „Kosto“, einer von Streichern durchzogenen soundtrackartigen Klangfläche.

Die das Album zierenden Gemälde von Jeff Klena präsentieren den Menschen als Figur der Transformation, der Auflösung, damit die Szenarien, die auf dem Album entworfen werden, angemessen illustrierend.

Label: Malignant Records

Natürlich hat die USA in den letzten Jahrzehnten einen rasanten Abstieg bei der Industrieproduktion erlebt, sind Städte wie Detroit Symbole eines beschleunigten Verfalls geworden. Verglichen damit geht es Minneapolis noch recht gut, wobei die Musik auf „Pestilence Beholden“ nicht notwendigerweise darauf schließen lässt: „A Bitter Harvest“ ist ein zurückhaltend beginnender Opener: Da bekommt man wirklich sofort den Eindruck, als sei das Stück in einer alten Maschinenhalle entstanden. Das kurze „Serpent in the River of the Arms of God“ knüpft an diese Form eines industriellen Ambients an. “The Hand that Feeds“ beginnt ähnlich, doch dann bricht nach einigen Minute eine ultraverzerrte Stimme ein, die eher an Power Electronics denken lässt. Auch das Titelstück arbeitet mit Stimme, die hier verlangsamt wird, bevor verzerrtes Brüllen einsetzt. „The River Runs Dry“ wird von mäandernden, metallisch klingenden Drones dominiert. “Nil but Rot (Negation is Purity)” wird von schleppender Metalperkussion durchzogen. Der Abschlusstrack “Perdition (Death’s Disaese)” klingt mit seinen in der Ferne rezitierenden Stimmen fast wie eine industriellere Version der frühen Ain Soph.

In letzter Zeit hat man vermehrt den Eindruck, dass gerade Amerikaner sich an PE-/Death Industrial-Hybriden versuchen, bei denen sich rabiate und ruhige Momente abwechseln. Auch Gnawed setzen auf dem dritten Album auf punktuelle und gezielte Eruption(en). Auf Albumlänge funktioniert das erstaunlich gut, was sicher daran liegt, dass “Pestilence Beholden” erstaunlich variantenreich ist. (MG)

Label: Malignant

Ich erinnere mich noch, wie mir vor Jahren ein italienischer Musiker von seinen Erlebnissen auf dem WGT berichtete, als er dort eine Fetisch/SM-Party besuchte und an den Wänden überall Zettel mit Regeln (was der Sklave nicht tun dürfe, was dem Herrn erlaubt sei) sah. Besagter Musiker meinte, wenn er an Fetisch etc. denke, dann würde er an Schmutz und Sperma denken und nicht an Regeln. Camille Paglia, deren Kommentare zu SM in der Community über die Jahre nicht gerade positiv aufgenommen worden sind, sagte einmal in einem Interview: „I would be into S/M if I were very young. But as someone who grew up in the fifties, I have S/M in my mind. I think that the intensity of my S/M fantasies is such that seeing people really do it is sort of depressing to me. It’s less than what I had created in my mind all these years when I was so frustrated for lack of meeting anyone with similar fantasies or attractions.” Beide Aussagen treffen vielleicht ein grundsätzliches Problem, nämlich das oft sehr Schematische und Regelhafte bei der Inszenierung, am offensichtlichsten vielleicht bei Farbe (schwarz) und Material (Lack, Latex, Leder etc.) der Kleidung („Black Rubber Man“ heißt der Abschlusstrack auf Beyond Enclosures Debütalbum dann auch). Oftmals gerinnt die Transgression dabei zum Klischee und lässt sich, wenn man böswillig ist, als Zeichen verarmter Imagination lesen.

Im (Post)Industrial haben sich eine Reihe von Bands am Thema BDSM abgearbeitet: Z.B. Die Form, Master/Slave Relationship oder – vielleicht am differenziertesten- die deutschen Fetisch Park. Ansonsten hat man den Eindruck, dass – und William Bennett ist daran sicherlich nicht ganz unschuldig – bei vielen Power Electronics-Projekten Verweise darauf zum Standard gehören und die Überschreitung (von Genrebegrenzungen) durch eine Hymne auf Blümchensex manch einen Hörer vielleicht eher (ver)stören würde.

Auch Beyond Enclosure setzen auf „Dungeon of Total Void“ im Innern der CD auf ein vertrautes Repertoire an Bildern, um eine Musik zu illustrieren, die Death Industrial mit einer kleinen Dosis Power Electronics vermischt. Das erste Stück dient als Einleitung: Man wird „Into the Dungeon“ geführt, Ketten klirren, man hört verfremdete Stimmen, es dröhnt. „Autoerotik Punishment“ ist mit seinen Hochtönen und ultraverzerrten Stimmen rabiater. Wenn die Vocals in ihrem Befehlston einsetzen, dann weiß man auch, warum Samantha Diabolik, die eine Hälfte des Duos, mit „Commands“ gelistet wird. Ein besonders ruppiges Stück heißt dann auch „Chain of Command“. „Basement Paraphilia“ wird von Hochtönen durchzogen, im Hintergrund kracht es. „Forceful Aquisition of Faith“ ist (gerade wegen seiner Reduktion) einer der stärksten Tracks: Das ist ein fortwährendes Warten auf die Eruption; die Stimme, die im Zentrum des analogen Brummens ist, lässt sich kaum noch einem Geschlecht zuordnen. Vielleicht möchte man nicht wirklich wissen, mit welchen Mitteln hier jemand bekehrt wird. (J.M.)

Label: Malignant

Musikalisch wird  diese Mission auf “Perennial Disappointment”  als Power Electronics mit gelegentlichen Death Industrial-Momenten umgesetzt: Ist das Intro “The Flesh of this World”, auf dem etwas unoriginell mit verlangsamter Stimme gearbeitet wird, noch zurückhaltend, so ist der zweite Track „Area Trinity“ von gewaltiger Wu(ch)t: Inmitten der brachialen Feedbackorgie und der Analogsynths wird mit ultraverzerrter Stimme “Area Trinity/my home/your nightmare” verkündet. Damit verweist man wahrscheinlich auf den Ort in New Mexico, an dem zum ersten Mal eine Waffe getestet wurde, die deutlich machte, dass der Mensch etwas entwickelt hatte, das die Fähigkeit hatte, ihn jedwede Gattungsloyalität aufkündigen zu lassen. Auf „Utopian Nightmare“ und “Delusion of Sacrifice” werden Rhythmusschleifen (die bei letzterem wie Gewehrsalven klingen) mit rabiaten Dissonanzen kombiniert. „Mouth of Flies, Tongue of Maggots“ ist dagegen etwas zurückhaltender: Man hört fast schon rituelles Dröhnen, Rhythmusloops und Vocals, die hier in der Musik fast unterzugehen scheinen. Der Text, der sich der von in Soap Operas bis zu Selbsthilfegruppen geäußerten Beziehungsplatitüden bedient („I am so sorry for everything/you were right about everything/I have been selfish“) wird durch den Titel ad absurdum geführt. “Death Trigger Impulse” ist eine Lärmwand, auf der man sich eines der vielleicht verbreitetsten Sartre-Zitate bedient: “hell is other people”.

Interessant ist, wie sich manche Spielarten extremer Musik einander annähern: Concrete Mascara wählen weder das an der Grenze zur Hysterie liegende Gekreische, wie es sich z.B. bei früh(er)en Aufnahmen Whitehouses findet noch bedienen sie sich eines herrischen Befehlstons, der seit einer Reihe von Jahren das default setting vieler zeitgenössischer PE-Projekte ist. Vielmehr ist die Inszenierung teilweise näher am Black Metal (z.B. auf dem von verzerrten Rhythmusloops durchzogenen „Defined by Absence“). (J.M.)

Label: Malignant

Das neue Album geht einen Schritt weiter, integriert (auf zwei Stücken) Cello und auf einigen weiteren Perkussion. Dabei sollte man eher an das tonnenschwere, langsame Schlagzeug der frühen Swans denken – Tanz kann nur in zäher Zeitlupe stattfinden, wie schon das erste Stück „Closure 1“ deutlich macht: Es beginnt gewohnt rabiat, dann leiten schwere Schläge Gesang ein. Das fast neunminütige „Closure 3“ dagegen zeigt, wie gut IRM klingen können, wenn die Wu(ch)t etwas zurückgefahren wird: Ein Metronom tickt, Bladh trägt fast rezitierend und mit unverzerrter Stimme einen Text vor, im dem das Theatralische, Inszenatorische, die Performanz betont wird (schon auf „Order⁴“ gab es Stücke, die sich wie eine Anleitung zu einer Kunstaktion Bladhs lasen), zwischendurch scheint man dann auch konsequenterweise sich unterhaltendes Publikum zu hören, erst gegen Ende kommt Rauschen dazu, das an die frühen Whitehouse denken lässt, schließlich eine Spieluhr, die – vielleicht nicht zufällig – an „Hellraiser“ denken lässt, Clive Barkers Debütfilm, in dem der menschliche Körper radikalsten Transformationen unterworfen wird. Auf „Closure 5“ ist Oretofts Bassspiel prägend, man hört unterschwelliges Fiepen, das Cello dröhnt, Schreie ertönen, am Ende scheint der Gesang nur noch mit letzter Kraft herausgepresst werden. „Closure 6“ besteht fast nur aus monotonen Schlägen, zu denen sich zwei Personen unterhalten. Erst gegen Ende kommen Hochfrequenztöne hinzu. „Closure 7“ ist ein brutales – fast möchte man sagen – klassisches IRM-Stück, während Teil 8 das Harsche zurücknimmt: Der Text wird gesprochen, vereinzelte Bassanschläge, metallisches Klingen im Hintergrund, dann bricht eine verzerrte Stimme ein, Lachen. Der Abschlusstrack knüpft an den Anfang an: „Closure“ als Ouroboros.

Bladh arbeitet an der – man verzeihe mir das Wortspiel – Schnittstelle von Kunst und persönlichen Obsessionen, auch wenn das dezente Artwork (diesmal sind keine „Blutrorschachbilder“ oder bearbeitete Fotografien, die den Menschen in all seiner Kreatürlichkeit zeigen, zu finden) darauf hinweisen könnte, dass nicht nur musikalisch, sondern auch visuell-konzeptionell nun weniger drastisch agiert wird. (M.G.)

 Label: Malignant Records

Es gibt aber auch immer wieder Gegenbeispiele. Einer der jüngeren Vertreter des Industrials, der sich im letzten Jahrzehnt am konsequentesten an den Österreichern abgearbeitet hat, ist Martin Bladh, Sänger und Texter von IRM und Skin Area, Maler, Performancekünstler, Übersetzer und Theoretiker. Seine Bezugspunkte sind immer wieder die Deformationen des Körpers gewesen, so etwa die „physische[...] Präsenz des Fleisches“ (A. Zweite) in der Malerei Francis Bacons, der „Schmerz der Märtyrer“ in Hermann Ungars (und von Bladh illustrierten) Roman „Die Verstümmelten“, der von Pfleilen penetrierte Heilige Sebastian oder die verrenkten Puppen Hans Bellmers, ebenso (natürlich) die Überschreitung und Verausgabung bei Bataille, die Transzendenz der Opferung – „the beauty of the passion“, wie Bladh in einem Interview sagt – in Nitschs Orgienmysterientheater oder aber  Artauds „Theater der Grausamkeit“, das das von Bladh zusammen mit dem Enfant terrrible Bo Cavefors konzipierte „Neue Theater der Grausamkeit und Dekadenz“ inspirierte. Bladh lotet mit einer unglaublichen Konsequenz in den jeweils gewählten Medien das Spannungsfeld zwischen Masochismus und Sadismus, Opfer und Täter aus.

Die Fokussierung auf das Abjekt und das Verfemte wurde bei IRM musikalisch oft brachial umgesetzt – was auch an den verzerrten, konfrontativen Vocals lag -, wobei die letzten Verröffentlichungen ein differenzierteres Klangbild boten. Auch das aus Bladh und Magnus Lindh bestehende Projekt Skin Area hat auf den bisherigen Veröffentlichungen wenig plakativ geklungen. Auf dem dritten Skin Area-Album „Rothko Field“ lässt der Schmetterling in seiner Symmetrie an die „Blut Rohrschach“-Bilder auf IRMs „Virgin Mind“ denken und dies spiegelt sich auch in der Anordnung der Tracks wider: Das in der Mitte situierte „Void“ dient als Spiegelachse, hinter der die ersten vier Stücke als Wiedergänger in leicht anderer, reflektierter (?) Form  auftauchen. „Threshold“ setzt gesanglich auf volle Konfrontation: Bladhs Stimme brüllt in den Lautsprechern, oszilliert zwischen links und rechts, wohingegen die Instrumentierung (Klavier (?)) nur dezente, kaum wahrnehmbare Kontrapunkte setzt. Im Text wird wieder einmal eine Art Versuchsanordnung, eine Inszenierung entfaltet, der Verweis auf den Protagonisten und den Antagonisten lässt hier an Bladhs Beschreibung seiner Auftritte denken. „In the Skin“ erinnert an die Wucht und ultralangsame Brachialität der frühen Swans, das schleppende Schlagzeug und die Gitarre erzeugen einen zähflüssigen Sud, in dem die Stimme und der Text weniger dominant sind, fast scheint Bladh hier nur einige Wörter assoziativ aneinanderzureihen.

Der Titeltrack verweist auf Mark Rothko und natürlich kommt einem in den Sinn, dass vielleicht die frühen und von Nietzsche und griechischen Tragödien beeinflussten Gemälde für Bladh eine größere Relevanz haben als die Farbfeldmalerei der späteren Jahre, für die Rothko heute primär bekannt ist, aber der langsam mäandernde Strom des Titelstücks, in den Bladhs Stimme einbricht und sowohl spricht als auch brüllt, sowie der Titel scheinen das zu widerlegen. Das ist ein erdrückend-zäher „wall of sound“, in dem man „Fleischbilder“ auftauchen sieht. „Hypnagoga“ nimmt die Aggression zurück, erzeugt mit geloopten Melodiefragmenten, stammelnden Frauenstimmen und schreienden Babies tatsächlich somnambule Musik „jenseits der Mauer des Schlafes“. „Void“ ist ein von Orgeldrones bestimmtes Stück, das hier einen Moment der Transzendenz abseits der fleischlichen Ekstase erschafft und letztlich näher an dem ist, was ein kleines Bremer Label seit Jahren in verschiedensten Formen konsequent veröffentlicht als an Power Electronic. Die zweite Version von „Hypnagoga“ erzeugt mit ähnlichen Mitteln wie der erste Teil eine Traumatmosphäre, in der irgendwo orientalisch anmutende Klänge verborgen sind. „Rothko Field“ entwickelt sich über 17 Minuten hinweg langsam und strahlt eine unglaubliche Schwere aus (unweigerlich musste ich daran denken,  dass Paul Lemos’ kurzzeitiges Slow-Doom-Projekt  Skin Chamber hieß), der Gesang klingt wesentlich gequälter und irritierender, hier hat man den Eindruck, man höre das, was im Text als „the ecstasy terror“ beschrieben wird. „In the Skin “ knüpft an den ersten Teil an, wobei das Schlagzeug weniger zäh, im Rahmen dieses Albums fast schon treibend ist. Die letzten 55 Sekunden sind „Threshold“ gewidmet: Stimmen sprechen ineinander: „1: incident 2: going to hurt 3: just a flesh wound“.

Das Feld, das Areal, das hier abgesteckt wird, ist gesäumt von Sehnen und bedeckt von (verletzter, blutender) Haut.

(M.G.)

Label: Malignant

Das Live-Album „Disciples of Shit“ enthält Ausschnitte von Auftritten, die vor zwei bis drei Jahren mit einer um Schlagzeug und Gitarre erweiterten Besetzung im Nordosten der USA stattfanden, und ist eine eher untypische Platte. Spötter könnten sie als Dokumentation einer Rockshow bezeichnen, und in der Tat fällt die Differenz zwischen dem recht anspruchsvollen Breitbandsound und den zurückliegenden Studioalben, die schon vom Klang her derb und filthy waren, unmittelbar auf. Andererseits ist die „authentische“ Dokumentation von reinen Noisekonzerten ohnehin nur bedingt relevant, und dass es der Band gelungen ist, einiges von den destruktiven Sounds und der anfallartigen Agressivität der Studioaufnahmen herüberzuretten, macht die Platte dann doch zu mehr als einer diskografischen Zugabe. „Condemned is the unborn one“ beginnt zunächst beschwörend mit perkussiven Analogsynthies, baut sich langsam und mit drohender Behäbigkeit auf, Gitarrenklänge mischen sich mit schrägen Gurgelsounds und sorgen für einen verwickelt melierten Klang. Von rauen Riffs begleitete Megaphon-Vocals markieren einen ersten Höhepunkt, doch nach wie vor hat man das Gefühl, sich kurz vor einem Knall zu befinden. Der findet dann, auf dem ruckartigen Höhepunkt von purem Lärm und irrem Geschrei, auch statt.

Ich hebe das Stück hervor, weil es von der Stimmung und vom Aufbau her viele Qualitäten des Albums im Kleinen enthält. Manche Aufnahmen betonen das reine Chaos, so wie das entfesselte “We Are Their Eyes”, bei dem die beckenbetonten Drums so gekonnt mit Rhythm Noise verschmelzen, dass es auch einer futuristischen Jazzcorecombo das Fürchten lehren könnte. Andere, wie das bedrückende “Mother Agony”, betonen die Schwere des aktuellen Sewer Goddess-Sounds – der langsam pulsierende Rhythmus erinnert an letzte Herzschläge unter einer alles zerdrückenden Felswand. Doch das Pulsieren behauptet sich wider Erwarten und mutiert zum Stakkato, begleitet von allerlei wild durcheinander gewirbeltem Klangschutt. Das längere Doppelstück “Chained to the Edge of Existence/A Lifeless Dreaming” baut sich sehr langsam auf und gipfelt in den extremsten Schreikaskaden des Albums, begleitet von ekstatischem Trommelwirbel. Es betont die Metalaspekte der Band und ruft Erinnerungen an Ausnahmeerscheinungen wie die schwedischen Abruptum wach, bevor das harshe „Slavepiece” alles in Auflösung enden lässt.

Das Gefühl, dass im Verlauf der Musik Strukturen immer mehr im und mittels Lärm aufgelöst und zerbröselt werden, ist nicht nur eine Eigenschaft, mit der man Sewer Goddess im größeren Noise- und Post-Industrial-Rahmen rubrizieren und gegenüber denjenigen Genrevertretern abgrenzen kann, bei denen Krach eher konstuktiv funktioniert und im Aufbau markanterer, härterer Formen resultiert. Die typische Herunterspül-Atmosphäre ist auch das verbindende Element zu Studioaufnahmen der Band, und hat man dies erst einmal entdeckt, erscheint einem der musikalische Sprung längst nicht mehr so radikal.

Label: Black Plagve