Gemeinsam erschaffen sie einen eigenwilligen Sound zwischen, wie es im Programmtext heißt, pastoralem Psychedelic Folk, funerealem Ambient und den schwebenden Harmonien der amerikanischen Westküste – beeinflusst von Appalachian Hymns ebenso wie von der dunklen New-Age-Resonanz des experimentellen Undergrounds. Die Konzerte des Duos rangieren zwischen Song, Drone und zeremonieller Atmosphäre. Ebenfalls an dem Abend zu seen sind Jo aus dem Orange’Ear-Umfeld mit einem Soloset, ein weiteres Solo der Dröhnerin Duchamp sowie ein Duo der Cellistin, Vokalistin und Klangkünstlerin Munsha mit Frank (ebenfalls Orange’Ear).

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Headliner sind die in Berlin ansässige kanadische Post-Metal-Band Nadja um Aidan Baler und Leah Buckareff sowie die italienische experimentelle Hip-Hop-Formation Uochi Toki, die gemeinsam auf der Bühne stehen. Beide Acts haben bereits mehrfach zusammen gespielt und vor Jahren das Album „Cystema Solari“ veröffentlicht. Als Opening Act tritt die Berliner Cellistin, Klangkünstlerin und Stimmperformerin Munsha mit einem Soloset auf.

Donnerstag, 26.02.2026
Beginn 21:00 Uhr
B.L.O. Kantine
Kaskelstr. 55
10317 Berlin

Zwei knapp zwanzigminütige Stücke füllen die Seiten der Kassette, die erste beginnt mit einem tiefen Dröhnen, fast wie der Auftakt einer Ambientplatte, unterbrochen von einer Durchsage, deren Herkunft vage vertraut wirkt. Rasch folgen verrauschte, kratzige Texturen, kreisende Klangbewegungen und hochtönende Elemente, die wie verfremdete Stimmen erscheinen, vermutlich aber reine Illusion sind. Allmählich wird deutlich, dass sich ständig etwas verändert: Knisternde Sounds erweisen sich als perkussive Impulse, Wind- und Brodelklänge mischen sich mit dezent gesetzten elektronischen Effekten. Trotz ihrer flächigen Grundstruktur steigert sich die Musik langsam, bevor ein markanter, marschierender Rhythmus einsetzt. Quietschende, gummiartige Klänge tauchen auf, dann echte Stimmen, rhythmische Zuspitzungen, bis der Höhepunkt erreicht ist. Danach gleitet die Collage in eine vergleichsweise besinnliche Passage: Warme Pianoloops, eine hauchzarte Stimme – möglicherweise Munsha selbst –, dazu das stetige Lodern und Knistern wie von Flammen. Kurz vor dem Ende mischt sich Gelächter ein, bei dem eine Stimme verdächtig an DJ Junktion erinnert. Das letzte Wort haben rumpelnde Metallgeräusche und ein quietschendes Saxofon, das direkt ins nächste Stück überleitet.

Die zweite Seite eröffnet mit der lakonisch hingezogenen Feststellung “Sie möchten wissen, weshalb ich Sie heute hasse”, gesprochen über einem schief-verschmitzten Jazz-Szenario aus Saxofon und Piano, begleitet von Knacken und Brodeln. Das Tempo verlangsamt sich, die Spannung steigt, das Saxofon brummt wie ein Motor und knarzt wie eine zusammengedrückte Plastikflasche. Die Struktur wird zunehmend kantiger, lauter, nähert sich mit verzerrten Distortions und jaulendem Feedback fast den Grenzen zu Harsh Noise und Noiserock. Ein hochtönende, fast liturgisch anmutender weiblicher Gesang setzt ein – verfremdet, aber prägnant –, dessen Wirkung im Zusammenspiel mit dem weiterhin aufjaulenden Feedback eine der stärksten Passagen des Albums bildet. Allmählich verdichtet sich der Klang zu einer elektronischeren, rhythmisch pulsierenden Phase mit hart gesetzten Feedbackimpulsen, die abrupt abbrechen, bevor schrille, beinahe infernalische Klangspitzen einsetzen. Blubbernde und quietschende Loops, teils aquatisch anmutend, begleiten diese Steigerung, bis die Collage schließlich in ein undefinierbar ruhigeres Szenario übergeht. Ein flammenähnliches Knistern und ein besinnlicher Pianoloop bilden den Abschluss – diesmal endgültig.

Im Vergleich zu Munshas vorigem, ernsterem Soloalbum wirkt diese Zusammenarbeit spielerischer. Das Nebeneinander von organischen und künstlichen Elementen, von Ernst und ironischer Farbigkeit, spiegelt sich auch im Coverfoto wider, das wie ein barockes, leicht karikiertes Vanitas-Stillleben wirkt. “Ibiza Move #1″ ist so auch ein Plädoyer für das bewusste Wiederaufgreifen und Recyceln von Material mit einer Ironie, die nicht verspottet, sondern auf verspielte Art Dankbarkeit ausdrückt für all die schönen und fragwürdigen Dinge, auf die man zurückgreifen kann. (U.S.)

Howling Mystics treten gemeinsam mit Stories In Colour auf, ihre Aufführung basiert auf Wiederholung als Beschwörung: rituell, rhythmisch, mit Brüchen, aber immer in Bewegung. Die Klangcollagen von Stories In Colour fügen Sprachfragmente und fragmentierte klangliche Fundstücke zu einem brüchigen, poetischen Ganzen. Maxelcid Karoly überblendet Lärm in der Tradition der Power Electronics mit Textformen, in denen sich Rap, Prosa und Geräusch überlagern. Ebenfalls u sehen sind Lussidotter (Stimme, Bewegung, Reduktion) und Kirsten Hasenbein (elektroakustische Miniaturen auf Basis von Poesiefragmenten). Bereits ab 15 Uhr öffnet auf dem Gelände ein kleiner Kunstmarkt von Marko Krojac (Czentrifuga).

Samstag, 05.07.2025
Beginn: 18 Uhr
Galiläakirche
Rigaer Straße 10
10247 Berlin

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Neben Soporose steht auch das Trio This Ungodly Hour auf der Bühne. Jana Sotzko (Point No Point, Half Silks), Stella Sesto (Aunt) und einmal mehr Sara Neidorf entfalten laut Begleittext in ihrem Zusammenspiel komplexe Strukturen zwischen Post-Rock, Math Rock und Jazzcore – manchmal kantig, manchmal fließend, immer mit einem Hang zum Unvorhersehbaren. Das Konzert findet im Rahmen der von Munsha und Team kuratierten Glass-Reihe in Berlin-Kreuzberg statt. Die genaue Adresse für die Anfahrt ist über die FB-Seite der Veranstaltung abrufbar.

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Musikalisch bewegt sich Munsha zwischen Avantgarde, experimenteller Elektronik, Artpop, Jazz und klassisch inspirierten Ansätzen. Ihr akademischer Hintergrund verbindet sich dabei mit einem deutlich spürbaren unabhängigen Geist: Sie schreibt nicht für eine bestimmte Szene, sondern entfaltet ihre Kunst entlang inhaltlicher und emotionaler Notwendigkeit. Dies zeigt sich auch in der sehr organischen Verflechtung von Cello, Stimme, Elektronik und an allen möglichen und unmöglichen rten aufgefundenen Sounds.

Der Eröffnungstrack “A New Home” wirkt wie ein langsames Aufwachen mit verwaschenen Klangschichten, sich aufbauenden, rauschenden Texturen und einem schwer zu ortenden, beinahe körperlos anmutenden Sound. In der Ambivalenz zwischen Kühle und subtil aufscheinender Sensibilität setzt das Stück einen atmosphärisch starken Auftakt. Auch in weiteren Tracks zeigt sich diese Ambiguität: In “Voyage” kontrastieren etwa verspielte Elemente wie Glockenspiele oder Klaviertupfer mit jazzigen Rhythmen und einem Gesang, der zwar formal an klassischen Sopran erinnert, dabei aber überraschend popnah wirkt, wenn Munsha ihre Stimme mit einem gewissen Augenzwinkern durch die Zeilen “She’s a wolf that sings to the moon” tänzeln lässt. Immer wieder bricht das Album mit konventionellen Strukturen. “Lacie’s Theme” scheint so etwas eine ruhige Piano-Etüde zu sein, doch verändert sich der Takt ebenso wie die instrumentale Gestaltung stetig, bis das Stück beinahe unmerklich in eine andere Richtung driftet. Solche Übergänge – abrupt oder schleichend – gehören zum konzeptionellen Kern des Albums. Nichts bleibt fixiert, alles ist in schwer zu greifender Bewegung. Dies spiegelt auch das Stück “Bourdons des Charmeurs”, das mit einer rauen, fast aggressiven Dröhnung beginnt, um später von metallisch anmutenden, klangsensiblen Elementen überlagert zu werden. Harmonie wird hier nicht gegen Störung ausgespielt, sondern als fragiles Zusammenspiel beider erfahrbar gemacht.

Mitunter erinnert der elektronische Einsatz an Einflüsse aus der New Wave oder auch der experimentierfreudigeren Seite des NDW, etwa in “The Daze”, wo synthetische Klangmuster, ein treibender Rhythmus und eine vokale Präsenz zusammenkommen, die an Underground-Ikonen wie Mona Mur denken lässt. Auch “EKT (The Fight)” bleibt rhythmisch komplex, dabei aber klar strukturiert und immer wieder durchsetzt von kleinen, überraschenden klanglichen Einsprengseln, die sich dem rein Funktionalen entziehen. Diese Dichte und ständige Veränderung durchzieht das gesamte Album und verhindert jegliche Form von Eindeutigkeit. Ein zentrales Stück ist das titelgebende “The Labyrinth of Astronauts”. Hier nimmt das Cello eine dominantere Rolle ein, ohne sich in der Vordergrund zu drängen. Alles bleibt durchlässig, zerfließend, der Track bekommt stellenweise etwas beinahe Orchestrales, ohne orchestriert zu sein. Immer wieder blitzt auch Munshas Stimme auf, bruchstückhaft, fragil, präsent. Gerade diese Stellen machen deutlich, wie eng auf dem Album Inhalt, Intention und Ausdrucksmittel verwoben sind.

Das Thema des psychischen Ausnahmezustands wird auch im textlich geprägten Stück “Der Garten” besonders eindrücklich verarbeitet. Hier verschränken sich narrative Passagen mit einer stark hallenden, fast liturgisch wirkenden Stimmenführung. Der Text, eine Art Gleichnis auf gesellschaftlich durchgesetzte Pathologisierungen von Differenz erzählt, berichtet von zwei Schwestern, ihren Träumen, Klängen und Farben, die als krankhaft gelten, wenn sie nicht ins Raster der Normalität passen. Vögelstimmen im Hintergrund wirken wie ein Kommentar, vielleicht wie ein griechischer Dramenchor, vielleicht aber auch wie ein Echo der inneren Welt der Protagonistinen. Auch “Suzes Flamme”, ein nur wenige Sekunden kurzer Track, stellt mit seinem lakonischen Text – “Kennst du die kleine Grenze, den Unterschied zwischen dir und mir?” – eine prägnante Zäsur dar.

Dass Munsha sich nicht auf eine Rolle beschränken lässt, zeigt sich in ihrer musikalischen Herangehensweise ebenso wie in ihrer Haltung zu Themen der Psychiatrie. In einem Interview sagt sie: “Ich wollte weder die Geschichte einer Geisteskrankheit noch die eines bestimmten ‘psychopathologischen Subjekts’ erzählen, sondern vielmehr, wie die Heilung das eigentliche Problem ist.” Sie stellt nicht die Notwendigkeit von medizinischer Hilfe in Frage, wohl aber deren Anwendung als standardisierte, normierende Maßnahme. Die Erzählstimme des letzten Stücks, “Rosa Kaninchen”, wirkt in diesem Zusammenhang besonders bitter. In dieser beinahe einlullenden Jazzballade übernimmt sie die Stimme einer normierten Welt, die vorgibt, den richtigen Weg zu kennen und gibt so ihrem Publikum einiges zum Verdauen mit auf den Weg.

Inspiration fand Munsha sowohl in literarischen als auch in realen Biografien, neben bekannten Namen wie Foucault, Goethe oder Carmelo Bene zählen dazu auch persönliche Begegnungen sowie Betroffene psychiatrischer Gewalt. Diese Verwebung von dokumentarischem Material mit künstlerischer Form verleiht dem Album eine Tiefe, die nie illustrativ, aber stets markant und von Haltung durchdrungen ist. “The Labyrinth of Astronauts” ist ein musikalisch wie thematisch vielgestaltiges Album, das sich mit großer Ernsthaftigkeit, aber ohne den berühmten Zeigefinger einem schwierigen Thema widmet. Dass es dabei formal so abwechslungsreich, durchlässig und oft auch schön ist, macht es zu einem der spannendsten und eigenständigsten Werke aus dem aktuellen Grenzbereich von Musik, Theater und politischer Kunst. (U.S.)

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Ihre selbstbetitelte Debüt-EP, die gerade über Slowing Records erscheint, zeichnet sich durch eine Balance zwischen abstrakten Klängen und groove-orientierten Elementen aus.​ Aunt, Berlins führende Frog-Rock-Band, bewegt sich stilistisch im Grenzgebiet zwischen No Wave, Post-Punk und Shoegaze-Anleihen. Das Duo, bestehend aus Stella Sesto (Gitarre) und Dean O’Sullivan (Bass) mit Unterstützung einer Drum-Machine, kreiert eine beeindruckende Mixtur aus Schönheit und Dissonanz. In den vergangenen zwei Jahren erschied eine ganze Reihe an Singles der Band.

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Die ersten Stücke des Albums sind oft von einer filmischen Atmosphäre geprägt. Aserets “Crepuscolo” entfaltet dunkle, hallende Ambientflächen, die sich langsam aufbauen und an Lautstärke gewinnen, während im Untergrund subtile flatternde und ratternde Geräusche eine fast unmerkliche Spannung erzeugen. Das Stück wirkt wie eine immense, leere Halle, durch die ein Echo gleitet – ein langsamer, faszinierender Spannungsbogen, der an einen Soundtrack für eine stille, ausgedehnte Szene erinnert. “0.0″ von God is a perfect sine feat. Stratagem geht noch zurückhaltender vor: Ein melancholischer, fast zerbrechlicher Klangraum entsteht, getragen von sanftem Gitarrenspiel, das sich vorsichtig vorantastet. Zwischen den Tönen liegt ein entspannt-ekstatisches Flüstern verborgen, das sich fast mit den Störgeräuschen vermischt, doch die ruhige Grundstimmung bleibt unerschütterlich.

Menions “How the wind caresses the leaves” beginnt mit minimalistisch-repetitiven Gitarrenmustern, die sich mit einem sanften Regenschauer vermengen. Nach und nach verdichten sich die Elemente, bis sich das Stück in eine beinahe technoide Minimal-Music-Struktur steigert, hypnotisch, treibend und doch mit der Intimität einer akustischen Aufnahme. Munsha kombiniert in “Recalling an imaginary friend” hochtönendes Dröhnen mit dunklem Grollen und tiefen, aufwallenden Klangflächen, in die sich bald Cello-Saiten mischen. Ihr Gesang schwebt zunächst echolalisch in der Luft, um dann immer tiefer und eindringlicher zu werden und eine fast opernhafte Intensität erreichen, die von knackenden und knarrenden Geräuschen durchsetzt ist. Das Stück entwickelt eine düstere, apokalyptische Wucht, die zu einem svankmaieresken Animationsfilm passen würde und bei der man sich unweigerlich fragt, was für ein imaginärer Freund hier beschworen wird. Cate Hops’ “Rim” setzt im Anschluss auf eine kühlere, fast metallische Klangästhetik, die von Hall durchzogen ist und an eine elektronisch aufgeladene Tropfsteinhöhle erinnert. Ihre verhallte Stimme trägt wiederholte Sätze vor, die sich mit Themen rund um die Grenzen Europas befassen, während schabende und perkussive Elemente eine raue, unruhige Textur hinzufügen. Cindytalk zeigen mit “Eye took thee asypath” eine sanfte, aber kraftvolle Seite ihres Klangkosmos. Sanfte, schimmernde Wellen branden an, begleitet von kostbarem, filigranem Gebimmel. Doch dann schleichen sich knackende und prasselnde Geräusche ein, die die Komposition in eine perkussive Richtung lenken – jedoch nie so stark, dass sie die fragile Grundstruktur zerstören.

Daneben gibt es rhythmischere und perkussivere Stücke wie das kantige “ARLMCX” von Reeks, das mit flinken, metallisch-fisselnden Rhythmen und verzerrtem Rauschen eine kantige Energie entwickelt. YiNs “Isole Fantastiche” arbeitet mit stampfend-repetitiven Takten, die eine hypnotische Wirkung entfalten, während geloopte Sprachsamples für eine zusätzliche Schichtung sorgen. Acrartep liefert mit “Subtle Discordia” eine dichte, vielschichtige Komposition, die sich in Wellen aus warmen, rauen Synthiedrones aufbaut, mit rauschenden und wischenden Texturen durchsetzt ist und immer wieder scheinbarte Richtungswechsel andeutet, ohne jemals seine innere Konsequenz zu verlieren. Bei “My sick bastard” von Fire at Work, deren Mastermind Fabrizio Rossi auch im Cindytalk-Lineup auftaucht, entsteht aus fragmentarisch eingefügtem, räudigem Knarren und düsteren Filmsamples eine fast skulpturale elektronische Struktur, in der plötzlich Orgelklänge, tiefes Brummen oder verstümmelte Kettensägenriffs aufblitzen. Ein Stück, das immer wieder den Eindruck erweckt, dass sich hier unsagbares zusammenbraut.

Auf der zweiten Hälfte der Sammlung dominieren z.T. komplexe Rhythmen und ansätze von Rhythm’Noise und ambient eingebettetem Drum’n'Bass, gleichwohl dies keineswegs in Reinkultur zu verstehen ist. Auch hier bietet die Compilation eine große stilistische Bandbreite, von den vertrackten Rhythmen von Nrgle und Daena über die krachige Direktheit von Rugitus Aeternum bis hin zu entrücktem, melodischem Ambient wie in Retilezekts “Nony’s Temple”. Besonders sticht das düstere, elektrifiziert-dubbige “Mictlan” von Réptil Desértico hervor, das sich von einer schummrigen Klanglandschaft zu einem verzerrten Lärmgewitter steigert. Seppuku liefern mit “Fuck Trusk” einen höllischen Ambient-Track mit zahlreichen verborgenen Details, der schließlich in hypnotische Weite kippt und sich gegen Ende in rohen Lärm auflöst.

Den Abschluss bildet Peppe Bottiglieris “Electric Fish” – ein warmer, brummender Track, der sich organisch entfaltet, dabei aber immer wieder von metallischen und quiekenden Sounds gebrochen wird, die dabei sogar eine gute Portion Melodik entfalten. So bleibt “Trincee” bis zum Schluss eine Compilation, die ständig neue Facetten zeigt und sich keiner klaren Einordnung unterwirft und ist ganz nebenbei ein perfektes Release, um das hierzlande icht anz so bekannte Stirpe 999 Antilabel kennenzulernen.

Label: Stirpe 999

unter anderem Munsha, Cate Hops, Volkan T Error, Eva Kadmon, DJ Junction, Samuel Hall, Cri, Gustavo Obligado, Caroline Cecilia Tallone und viele mehr. Neben genreübergreifenden musikalischen Begegnungen stehen erweiterte Spieltechniken und klangliche Extreme im Mittelpunkt. Die Veranstaltung lädt dazu ein, zahlreich zu erscheinen und großzügig zu spenden – wer nicht vor Ort sein kann, kann online unterstützen. Die Musik beginnt früh, der genaue Veranstaltungsort wird auf Anfrage mitgeteilt.

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David Wallraf, bekannt für seine Auseinandersetzung mit den verdrängten und unheimlichen Klangresten des Alltags, schafft laut Programmtext Soundtracks für die Katastrophe, die uns oft unbemerkt umgibt. Mit “Crudeltá Necessaria” (dt. “Notwendige Grausamkeit”) widmet er sich der Rolle der Grausamkeit im Werk von Pier Paolo Pasolini. Wallraf mischt Noise, raue Elektronik und Field Recordings zu einer dunklen Klangwelt, die Pasolinis kompromisslosen künstlerischen Ansatz reflektiert. “Das Leben im Kapitalismus”, so Wallraf, “ist die generalisierte und globale Form der Grausamkeit, organisiert durch die Logik der abstrakten Arbeit und Entfremdung”. Doch Grausamkeit kann auch anders verstanden werden – als eine kompromisslose Haltung im Kampf gegen übermächtige Gegner, inspiriert von Künstlern wie Antonin Artaud und Pasolini selbst. Wallraf hofft, mit seinem Album einen Teil dieser künstlerischen Radikalität und politischen Dringlichkeit einzufangen.

Unterstützt wird er an diesem Abend von Munsha, dem Alter Ego der italienischen Musikerin und Komponistin Daniela Lunelli. Munsha kombiniert experimentelle Vokaltechniken, Chaos und Unberechenbarkeit, ihre Tracks sind laut Programmtext verzerrte Reflexionen unserer Welt, die Konventionen hinterfragen und einladen, sich in einem Labyrinth aus Klang und Emotion zu verlieren. Mit einem Hintergrund in Gesang, Komposition und Cello sowie einer reichen Erfahrung in interdisziplinären Kunstprojekten bringt Munsha eine kraftvolle Ergänzung zu Wallrafs radikalem Ansatz.

Munshafoto: Anna Motterle

Samstag, 08.02.2025
Einlass 20 Uhr
West Germany
Skalitzer Straße 133
10999 Berlin

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