“With Soon Means Now, ükya follows up their debut album We Come for an Experience of Presence, continuing to explore the boundaries between contemporary music and improvisation. The trio […9 consists of three young Norwegian musicians investigating the connections between just intonation, European art music, minimalism, and improvisational music. Through open forms, they create an expression that combines freedom and structure in an energetic and attentive interplay. Soon Means Now represents a natural development of ükya’s musical language. The album reflects the trio’s ongoing work to unite organized sound and spontaneity, a meeting between the conceptual and the immediate”. (Nakama)

@ Bandcamp

Die Akustik der Kirche wird dabei fast zu einem vierten Mitspieler. Der Titel “The Third Place” verweist, wie es ferner heißt, auf Orte jenseits von Zuhause und Arbeit, auf Räume des Austauschs, der Offenheit und des gemeinsamen Erkundens. In diesem Sinn entfaltet sich auch die über weite Strecken äußerst spannungsvolle Musik: zwischen pulsierender Energie und stiller Weite, zwischen Struktur und freiem Atem. Das Trio präsentiert eine Aufnahme, die improvisatorische Tiefe und klangliche Präsenz in seltener Balance zeigt. Sie erscheint als CD und zum Download.

@ Nakama 

Die Musik auf “Ganso Verde” entsteht, wie es vom Label heißt, in Echtzeit aus den kollektiven Entscheidungen des Trios. Dazu heißt es ferner: “The music on Ganso Verde is created in the moment and revolves around the individual and collective choices the trio makes. What does it mean to resist? Can a collection of individual voices become an expression of resistance, interaction, and/or democracy? With a desire to create something original and personal that contributes to musical diversity, Goose Green embarks on the democratic challenge of spontaneous interplay”. Der Pianist und Elektroniker Joakim Rainer, der Saxophonist und Klarinettist Klaus Ellerhusen Holm sowie der Kontrabassist Bjørn Marius Hegge greifen dabei auf jahrelange gemeinsame Erfahrungen auf internationalen Bühnen zurück. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download.

@ Nakama 

“Segaki”, was auf Japanisch soviel wie “Speisung der hungrigen Geister” bedeutet, ist wie bereits der Bandname zunächst inspiriert von den Wesen, die in der buddhistischen Überlieferung aufgrund starker Gier als Geister in einem Bereich wiedergeboren werden, in dem alle leiblichen Begierden auf unterschiedliche, aber imemr drastische Weise unbefriedigt bleiben müssen. Den konkreten Anstoß zum neuen Album gab eine mythische Szene, die auch auf dem Cover zu sehen ist, das einen dieser Geister aus dem Gaki Zōshi, einer japanischen Schriftrolle aus dem 12. Jahrhundert, zeigt. Diese Darstellung eines gequälten Geistes, der von einem Dämon zum Erbrechen gezwungen wird, gab Anstoß zur rohen, manchmal grotesken Klanggewalt des Albums. Aufgenommen wurde “Segaki” während der Europatournee der Hungry Ghosts 2022 in St. Johann in Tirol. Die Live-Aufnahme wurde in einem zweijährigen Prozess des Hörens, Mischens und Verfeinerns zum finalen Album veredelt. Die Titel der Stücke stammen aus buddhistischen Texten, die die verschiedenen Arten hungriger Geister beschreiben.

Mit “Segaki” führt das Trio seine Suche nach den Grenzen der Improvisation weiter – Yong Yandsen haucht seinem Saxophon eine Stimme ein, die gleichzeitig stöhnt, klagt und flüstert; Christian Meaas Svendsen fügt der Musik schamanische Elemente durch buddhistische Gesänge und das Spiel der japanischen Shakuhachi hinzu; Paal Nilssen-Love bringt seine präzise Dynamik mit einer Mischung aus Schlagzeug, Gongs und leisen Momenten in das Werk ein. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download bei Nakama Records.

Kunstmusik, Minimalismus, Jazz und britische Improvisationsmusik” arbeitet. “Das Ergebnis ist eine zeitgemäße Reflexion der freien Form und einer strengen Klangorganisation in einer lyrischen und energetischen Hülle”. Das Material wurde an einem einziogen Studiotag vor zwei Jahren eingespielt und ist auch als Auftakt für folgende Arbeiten gedacht. Es erscheint als LP, CD und zum Download.

@ Nakama

“Although Akmee’s sound world can appear floating and abstract, the music often involves melodic and rhythmic counterpoint as a starting point to be stretched out in improvisation. Other times it can be repetative and trance- like, these characteristics resulting in a sound that is at the same time technical, emotional and spiritual, depending on the listeners involvement and personality, and the performers’ individual and collective creativity in the given moment. The members have a strong connection between each other and are discovering a lot musically, but the band has no commercial potential or value. Freedom! You are welcome to listen, come to a concert or fuck off – as you please! The quartet wishes you the best anyways.” (Nakama)

“New World is by and large an investigation in various ways of composing structures which is utilized as improvisational platforms — be it the rigid title track, which offers a spatial composition for the musicians to work around, or the much more straightforward Benign, leaving the soloist to roam freely. Half of the tracks have also been tampered with in post production, making New World a record with sturdy roots in a played-live feel, bending towards and intermingling with the tightness of computers, synthesizers and such. Add to that some buddhist Zen buddhist chants, bizarre bass riffs and some droplets of microtonality, then lo and behold: We have arrived. On one side the music is warm, explosive and eccentric and on the other it is tight, calculated and stringent. Still, Nakama is what it is: a chamber musical jazz like ensemble in a chill split between the free, catchy, experimental and contemporary.” (Nakama Records)

Porträt © Jan Tore Eriksen

@ Home

Utku Tavil, u.a. Mitbegründer der Multiversal-Konzertreihe, eröffnet das Album mit kantiger Perkussion, Noisiges unbekannten Ursprungs und Stimmen gesellen sich dazu, Magnus Skavhaug Nergaards Bassspiel gibt dem ganzen einen baeinahe funky Touch. Wie im Zeitraffer fliegen blubbernde rhythmische Versatzstücke durch “Pakistansk Mango”, in “Revolver” behauptet sich Agnes Hvizdaleks expressiver Sopran gegen das Stakkato metallener Detonationen bis alles in einem Strudel aus Schreien und Blubbern versinkt. Die meist stotternde Rhythmik bleibt bestehen, gestaltet sich gegen Ende aber etwas zaghafter und lässt die Stimmbeiträge Natalie Abrahamsen Garners fast wie ein harmonisches Detail anmuten. Aber nur fast.

Trotz alledem wirken die sieben Tracks kaum wie das Ergebnis eines willkürlichen Durcheinanders, in dem die Beiteiligten monadenhaft vor sich hinkrachen und -brummen. Stets wirken die Kontrastierungen wie spontan kalkuliert, mit dem Ziel, eine greifbare Stimmung zu evozieren. Doch niemals übernimmt ein Element so sehr die Führung, dass alle Beigaben an einem Strang ziehen, und so erinnert Juxtaposition an ein gut aufeinander eingespieltes Tanzquartett: Stets vermeiden die vier den Zusammenprall ebenso sehr wie die Verschmelzung zu einem einzigen Körper. (A. Kaudaht)

Label: Nakama Records

Mit ihrem Mix aus Jazz, Neuer Musik, Romantik und traditionellen japanischen Stilarten pflegen sie eine Herangehensweise, bei der die jeweiligen Einzelbeiträge stets als kommunikative Replik an die anderen oder an einen bestimmten Mitmusiker gedacht sind.

Auf „Most Intimate“ entstand aus dem Ansatz ein komplexes kommunikatives Referenzsystem von mathematischer Stringenz: In den drei Abschnitten, aus denen der Hauptteil des Albums besteht, widmet die Gruppe das erste Stück („Dedication“) immer einem der Musiker, der an diesem Stück nicht beteiligt ist, im folgenden aber darauf mit einem Solo antwortet und sich erkenntlich zeit („Gratitude“). Im Anschluss spielen alle zusammen mit teilweise vertauschten Instrumenten eine Art Synthese der der beiden vorangegangenen Stücke, aus Widmung und Dank ergibt sich die Vereinigung („Unification“). Nachdem dies dreimal durchexerziert worden ist, entstehen drei weitere Variationen, in denen die Hauptmotive der vergangenen Abschnitte erneut aufgegriffen und zu einer übergeordneten – quasi „intimsten“ – Einheit synthetisiert werden.

Wie gut dieses Konzept eingehalten und wie sehr die Stücke dadurch gewinnen, ist freilich nicht nur von wissenschaftlichem Interesse – Rückgriffe auf bereits bestehendes ist ohnehin ein Aspekt mehr oder weniger jeden kreativen Schaffens, und der bewusste Einsatz dessen zeitigt gerade in den letzten drei Stücken einen kraftvollen Höhepunkt. Dennoch ist „Most Intimate“ ein Album, dass auch ohne Kenntnis des Ansatzes zu gefallen weiß.

Was bei dem Ansatz nicht überrascht, ist die enorme Wechselseitigkeit und v.a. der Ereignisreichtum der Musik, die aber schon deshalb nicht in ein beliebiges Potpourrie ausartet, weil nahezu alle Komponenten in gewissen Abschnitten wiederkehren: Griffige Basslinien, jazzige Pianoparts, asiatisches Flötenspiel, Streichereinsatz schräger und lieblicher Art, und all diese Details oft betont exponiert, je nachdem, wer gerade wem eine Widmung spielt, auf etwas antwortet oder mit einem motivischen Rückgriff im Rampenlicht steht. Perkussion aller Art, von tribalen Pow Wows über cheerleaderhafte Snares und spannungsgeladenes Beckenrauschen bis hin zu krachigem, aber stilvoll in Wolle gehülltem Metallklappern.

Am Ende der knappen Stunde bleibt keineswegs nur der Eindruck, hier habe jemand ein originelles Konzept nebst einem großen Ideenrepertoire zur Schau gestellt, denn dazu kommt viel zu viel Emotion, Spannung und auch Humor ins Spiel. (U.S.)

Label: Nakama Records