Als Support eröffnet VÍZ, das Projekt der ungarisch-transsylvanischen Künstlerin Réka Csiszér, den Abend. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Soundart und Ambient, verbinden dichte Synth-Flächen mit elektroakustischen Strukturen und einer entrückten Stimme. Einflüsse aus Industrial, Dark Ambient, osteuropäischer Folkmusik und Filmmusik fließen ein und schaffen eine Atmosphäre zwischen melancholischer Erinnerung und Offenheit.

Dienstag: 10.03.2026
Einlass: 19:00 Uhr
Heimathafen Neukölln
Karl-Marx-Straße 143
12043 Berlin

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sich dafür den Sunn O))) Produzenten Randall Dunn mit an Bord geholt. Herausgekommen ist ein düsteres, treibendes Pop-Album. Durch die Zusammenarbeit mit Schlagzeuger Matt Camberlain, der auch schon für David Bowie, Bob Dylan und Fiona Apple spielte, haben die Songs noch einmal eine neue Groove-Ebene bekommen, ohne dabei an Tiefgründigkeit zu verlieren”. Mit dem Volkstheater Wien steht am 3. Dezember ein weiterer Termin im deutschsprachigen Raum auf dem Plan.

Montag, 05.12.2022
Einlass 20 Uhr
Silent Green
Gerichtstrasse 35
13347 Berlin

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Viele Stellen des Albums sprechen eine von früheren Aufnahmen her bekannte Sprache: die Langsamkeit, mit der sich Strukturen zu erkennen geben, die subtilen Variationen, der meditative Zug, wenngleich die unterschwellige Aufgeregtheit, die so oft für eine reizvolle Spannung gesorgt hat, in vielen Stücken einem fast verbummelt genügsamen Ton gewichen ist. Schön, dass es im ornamentalen Picking der tiefen Saiten in „The Purified Eye of the Soul“ auch dafür eine Enklave gibt.

Van Wissem scheint mehr denn je das Unspektakuläre zu lieben, das durch lakonische Twangs und den doomig grummelnden Gesang in einigen Songs eine fatalistische Note bekommt. „Hast du dich jemals gefühlt wie du wolltest?“ heißt es sinngemäß in „Detachment“. Wem der Gesang zu aufgesetzt wirkt, der wird sich vielleicht über die Beiträge von Nika Roza Danilova von Zola Jesus freuen, die neben einigen backing vocals im Stück „Ruins“ mit ihrem gedehnten Gesang großartige Momente entstehen lässt. Im Symbol der Ruine, das außerdem in einigen lnterviewsamples vorkommt und ein Leitmotiv des Albums bildet, verdichtet sich ein weiträumiger Blick auf menschliches Schaffen, das in seinen besten Resultaten weder von ewigem Bestand noch kurzlebig ist, und das in seinem tragischen Bemühen berührt und Empathie verdient. Sagte nicht einmal jemand, dass vielleicht nur derjenige noch heroisch sein könne, der „trotzdem“ begehrt?

„When Shall This Bright Day Begin“ ist ein Album von einiger Tiefe, doch es hat auch ganz klar Momente, die von Gefälligkeit und den einfachen Effekten metallastiger Vocals geprägt sind. Für viele Gelegenheitshörer wird es wohl gerade deshalb so griffig und voller Wiedererkennungswert sein. Es wäre schön, wenn einige dennoch zu seinen rieferen Schichten durchdringen würden.

Label: Consouling Sounds

So viel zum Resümee, das sicher für einige interessant ist, die Zola Jesus erst in den letzten Jahren auf Hochglanzseiten entdeckt haben und der verbreiteten Ente aufgesessen sind, die besagt, dass Danilova bisher nur drei Longplayer veröffentlicht habe. Zeit nun, die Musik einfach als das zu wüdigen, was sie ist – gut ausgefeilte elektronische Designermusik von bestechender Ernsthaftigkeit, die trotz Glättung noch Respekt einfordert. Auf ihrer aktuellen LP „Taiga“ begibt sich Danilova, deren Reise in staubigen Kellern begann und durch stylische Clubs führte, in den schier endlosen Dickicht des subarktischen Waldes, der weniger durch diesige Nebelschwaden, als durch das klare Auge einer virtuos geführten Digitalkamera betrachtet wird. „Taiga“ ist von einer fast heimeligen Qualität, die einen die Kälte der Sujets und die Wildheit des Settings wie in einer warmen Kapsel schwebend erahnen lässt.

Dies kann an den Klangfarben und Harmonien aller Songs liegen, die von Danilova und Produzent Dean Hurley auf einen warmen, aber gleichsam luftigen Klang hin gestaltet worden sind. Das Ergebnis ist ein angenehmer, eingängiger Pop von durchaus wechselhafter Gestalt, der all jene unbefriedigt lassen muss, die eine solche Musik nur goutieren, wenn sie einem mit dem emotionalen Holzhammer präsentiert wird. „Taiga“ wahrt nämlich selbst in den dramatischeren Momenten eine dezente Reduktion des Ausdrucks. Das mag daher rühren, dass der titelgebende Wald des hohen Nordens – den Texten nach zu urteilen – ein primär innerpsychischer Ort ist. Seit jeher zieht Danilova die vorsichtige Andeutung dem plakativen Seelenstrip vor.

Das Album weist eine ganze Reihe an roten Fäden auf. Klare, sphärisch einleitende Songanfänge aus ambienten Flächen und A Capella-Gesang, die bald eine Steigerung erfahren und sich an markanten Höhepunkten entladen – in dezent bemessenen Breakbeat-Gewittern oder in kräftigen Bläsersounds. Dazu plastische und auf Kontrastreichtum getrimmte Elektronik, deren Machart weder fett noch mager ist. Für die orchestralen Details gilt ähnliches, und auch die rasselnden Rhythmen entfalten ihre Dynamik in einem Rahmen, der genau bemessen scheint.

So viele Mittelwege können einen mit der Zeit etwas ermüden, und wer Zola Jesus einmal über eine Punk’n'Wave-Attitüde goutiert hat, wird sich mit dem geschliffenen Sound ohnehin nur schwer anfreunden können. Da wünscht man sich fast die Zeiten zurück, in denen die Absage an einen rauen DIY-Charme mit trivialem Ausverkauf einher ging. Doch den Gefallen tut Zola Jesus ihren Kritikern nicht, die vor ihrer kunsthandwerklichen Sensibilität und ihrer leicht versnobten Ernsthaftigkeit nun (wenn auch gähnend) die Hüte ziehen müssen. (U.S.)

Label: Mute

Dass im New Wave und Post Punk wurzelnde Musik wieder einmal hip werden sollte ahnte man damals eher verhalten. Und kaum, dass Zola Jesus eines der Zugpferde dieses Trends sein sollten. So kam es jedoch, und Nika Roza tat was alle mit Bedacht agierenden Trendsetter tun – sie distanzierte sich von jeglicher Hipness und tat doch alles, um davon profitieren zu können. Nichts auf der Welt ist legitimer, vorausgesetzt alles Planen und Changieren tut der Musik keinen Abbruch. Als Nika Roza jedoch über Nacht optisch vom Siouxsie-Verschnitt zum Cindy Lauper-Verschnitt mutierte, vollzog sich auch eine musikalische Glättung, dem der alte Shoegazersound ohne Shoegazerattitüde leider weitgehend zum Opfer fiel. “Stridulum” hatte große Momente, keine Frage. Doch der reizvolle Phlegmatismus ihrer Musik büßte eine Großteil seines coolen, leicht skurrilen Zuges ein und entpuppte sich mit der Zeit als ermüdend.

Es ist immer schwierig, nach dem Durchbruchalbum den richtigen Schritt zu tun, denn ein einmal funktionierendes Erfolgsrezept erneut durchzukauen ist meist ebenso falsch wie eine derart starke Kehrtwende, dass einen die gerade erst hinzugewonnenen Fans nicht mehr wiedererkennen. Es ist erfreulich, dass Zola Jesus in keine der beiden Fallen tappt, denn das Resultat namens „Conatus“ behält zwar den glatten Sound von „Stridulum“ bei, kopiert aber dessen dröge Wesensart keineswegs. Ein Sprung nach vorn ist der schon auf Konzerten eingeübte Einbezug einer echten Band. Auf dem neuen Album bedeutet dies vor allem Streicher und gelegentlich Schlagzeug, doch das sind nicht die einzigen Veränderungen. Schon in den ersten Minuten fällt auf, dass die 22jährige nun mehr als je zuvor Wert auf Details legt: Das eröffnende Stück offenbart eine Klangfontäne voll winziger Einzelstücke, die dem Hörer recht unaufgeräumt entgegen sprudelt. Ein weiteres Novum kommt ebenfalls gleich zu Beginn zur Geltung: Danilova hat sich immer mehr von dem typischen 80er Jahre Four to the Floor Rhythmus entfernt und neigt zum Dancebeat, um den sich hier die Soundpartikel gruppieren. Das stimmt erwartungsvoll, scheint etwas anzukündigen, fordert aber auch Geduld, denn noch startet der Takt keineswegs durch.

Treu geblieben ist sie sich bei der Stimmarbeit, auch wenn das Opernhafte des Frühwerks nur noch für Momente anklingt. Eindimensional verläuft das aber keineswegs. Zwischen zurückgenommenen Passagen lässt sie ihrer Stimme immer wieder freien Lauf, auf ihre leicht gepresste und doch sehr kraftvolle Art, die viele Kritiker nicht zu Unrecht an Siouxsie erinnert. Doch auch in solchen Momenten gibt es keine Entgrenzung, kein völliges Loslassen, denn Danilova scheint der totalen Expression zu misstrauen und zumindest im emotionalen Bereich bevorzugt auf Andeutungen zu setzen. Dieser Wechsel, aber auch die dazugehörende Selbstbegrenzung passt sehr gut zur Struktur vieler ihrer Songs, die sich oft erst nach und nach aufbauen, eruptive Höhepunkte jedoch verweigern. Mehr als in den Vorgängeralben steht Perkussion im Vordergrund, ein zum Teil ekstatisches Pulsieren, dass jedoch in seinen stärksten Momenten kein Rhythmus sein will. „Avalanche“ überzeugt gerade dadurch, ebenso das schon als Single bekannte „Vessel“, das mit edlen Sounds und einen epischen Refrain am Ende haarscharf am glatten, eingängigen Popsong vorbei schlittert. Ein Höhepunkt an Wandlungsfähigkeit, aber auch an zaghafter Ambivalenz ist „Hikikomori“ – ein Song, der sich stets wandelt, alle rhythmischen, klanglichen und melodischen Punkte nur umkreist und doch keines der angedeuteten Songsversprechen einlöst. Andeutung bleibt auch der im Titel implizierte Rekurs auf eine neue, seit Jahren vermehrt unter japanischen Jugendlichen auftretende Form der splendid isolation, die man pathologisieren mag, die man aber auch als legitimen gegenkulturellen Audruck eines Nein zu gesellschaftlichen Abläufen unserer Zeit betrachten kann.

Bestünde das Album allein aus solchen Songs, wäre es zu experimentell für die Nachfolge eines Hitalbums. Einfachere, poppige Strukturen vor allem in der zweiten Hälfte retten „Conatus“ dann auch für die etwas mainstreamigeren Radiostationen. Vergleichsweise einfach gestrickte Songs mit Hitpotential sind „Seekir“ und vor allem „Ixode“, bei dem ich für einen Moment an die Depeche Mode zur „Exiter“-Zeit denken musste, als die Band gerade ihre relativ grungige Phase hinter sich gebracht hatte und sich auf dem Höhepunkt ihres neuen (und kurz danach banalisierten) Elektrosounds befand. Mag auch ein bisschen noisige Verzerrung in den Beats zu hören sein, so scheint ihr Dancefloor-Charakter doch etwas zu stoffelig, um mit der eigentlichen Größe von Zola Jesus mithalten zu können. Ganz und gar nicht unter Wert verkauft sie sich dagegen bei „In Your Nature“, einer der beiden Balladen auf „Conatus“, bei der ihre Stimme sich am untypischsten und wandelbarsten erweist, untermalt von einem wabernden Streicherteppich, der teils synthetisch, teils organisch in den unterschiedlichsten Klangfarben leuchtet.

„Conatus“ ist ein Album, bei dem emotionale Tiefe und technische Reife miteinander derart harmonieren, dass sie nicht mehr als Gegensätze wahrgenommen werden können. Nach „The Spoils“ ist es auch das soundorientiertsteste Album von Zola Jesus, und die Hinzunahme von Streichern und echten Drums tut ihrem Sound gut, ebenso ihr Faible für Details. Damit hat sie bewiesen, dass sie keineswegs im Revivalgeschäft ist. Ob man ihr gelegentliches Abdriften in allzu tanzbare Gefilde nun schätzt oder nicht, so muss man doch anerkennen, dass ihre Musik mittlerweile jeden Hype weit hinter sich lässt. (U.S.)

Label: Souterrain Transmissions

Wie schon bei Danilovas Debüt “New Amsterdam”, dem darauffolgenden “The Spoils” und der Split-Veröffentlichung mit dem Horror-Elektroniker BURIAL HEX sind die musikalischen Mittel auf ihrer neuen EP “Stridulum” zunächst recht überschaubar. Flächige, aber keineswegs ambiente Syntheziser-Schichten mit einem Touch ins Orchestrale, sowie minimalistische elektronische Midtempo-Rhythmen prägen den Hintergrund, dessen Produktion hier weit weniger Lofi ist, als bei den von nebligem Rauschen dominierten Vorgängern, die stellenweise klangen, als entströmte die Musik einem dunklen Kellerfenster in irgendeiner heruntergekommenen Seitengasse in Chicago. Dadurch wird der seltsam zweckentfremdete Shoegazer-Effekt der älteren Aufnahmen durch eine gewisse Aufgeräumtheit ersetzt, die dank einer Liebe zum dezent Verzerrten immer noch weit davon entfernt ist, glatt zu wirken. Geblieben ist ein metallischer Grundtenor des Klangbildes, welcher durch den Wegfall des Dumpfen eine von Beginn an vorhandene klangliche Unterkühltheit noch stärker hervorhebt. Bei genauerem Hinhören mag einem dies allerdings wie eine hauchdünne Schicht vorkommen, welche eine musikalische Wärme schützend umschließt, die wohl Legionen von Musikschreibern mit der (irgendwie passenden) Metapher “organisch” versehen würden. Dies verdankt sich zum einen der einnehmenden Melodik der Songs, zum anderen den letztlich im Vordergrund stehenden Vocals der Künstlerin, die mal vorübergehend an eine klassische Gesangskarriere dachte und sich am Ende doch für dunkle Popmusik entschied. Wie schon der jüngst bei Black vorgestellten Kal Cahoone wird Nika oft eine große gesangliche Ähnlichkeit mit Siouxsie Sioux attestiert; doch während erstere auf eine bunte und fast anheimelnde Art von Schönheit setzt und die emotionale Komponente meist sehr direkt anbringt, sind die großen Gefühlsmomente hier eher inmitten von tristen, desolaten Szenerien zu suchen, in denen das Gerührtsein in der Geste der Festgefrorenheit umso intensiver umkreist wird. Als Hörer eher gitarrenlastiger Musik, dessen Kanon der letzten Jahre stark auf eine Musik vor Postpunk und Industrial verweist, ist mir die Wave-typische Ambivalenz zwischen starker Emotionalisierung und ebenso starker Gefühlshemmung und Beherrschtheit vielleicht weniger nah als dem typischen JOY DIVISION und SUICIDE-Hörer – dennoch bin ich eingenommen von der emotionalen Vielschichtigkeit und dem erfreulich untheatralischen Gestus dieser Musik, die einem sämtliche Retroaspekte im Laufe des relativ kurz bemessenen Hörerlebnisses vergessen macht – ganz im Unterschied zu so manchem, was sich Minimal Electro schimpft. Im Grunde wirkt die EP am besten als ein Ganzes, wenngleich gerade der Auftakt “Night” auch schon als der Hit auf “Stridulum” betrachtet werden kann. Seiner Melodie Ohrwurmqualität zu attestieren hieße sie zu trivialisieren, wenngleich man sie wirklich nicht aus dem Kopf bekommt, wenn man erst einmal infiziert wurde. Auf die folgenden, zum Teil etwas dissonanter klingenden Stücke wie das düster kriechende “Run Me Out” oder das zwischen Bedrücktheit und Euphorie schwankende “Manifest Destiny”, trifft das ebenfalls zu. Sie alle sind Perlen einer vordergründig coolen, stylischen Monotonie, einladend zum Tanz ohne vitalistischen Ausbruch, der dennoch all die Dinge erfahrbar machen kann, die in den Texten anklingen: Angst, Vertrauen, Hoffnung, Einsamkeit, Nähe, Distanz.

Ich spreche nicht gerne solche Empfehlungen aus, aber wer beim Gedanken an Siouxsie, Anne Clarke oder Kate Bush von Nostalgie übermannt wird und den epigonalen Zustand vergleichbarer Musik heutigen Datums beklagt, der sollte sich dringend mit ZOLA JESUS beschäftigen. Und wer sich das Ganze noch einen Schuss poppiger (zum Beispiel als eine Art Schwarz-Weiß-Variante von HERCULES AND LOVE AFFAIR) vorstellen könnte, der soll mal die Ohren aufhalten nach Danilovas neuem Duett NIKA+RORY, von dem bislang niemand so richtig weiß, ob es nur als temporäres Freizeitprojekt gedacht ist oder noch mehr von sich reden machen wird. (U.S.)