Entstanden ist das Album laut Label in einer Phase des Wartens nach dem Umzug von Kenia nach Europa. Diese erzwungene Pause ermöglichte es Slikback, seine Ideen konzentriert und ohne Zeitdruck zu entwickeln. “Ich war endlich in der Lage, Dinge so weit auszuarbeiten, dass ich nichts mehr daran ändern wollte”, sagt er selbst. In einer für ihn neuen Arbeitssituation – erstmals mit einem Label im Rücken – entstand ein konzentriertes, ausgereiftes Werk, das sich stilistisch auf vertraute Genres wie Dubstep, Hardcore Techno oder Gqom bezieht, sie aber in unerwartete Richtungen weiterdenkt. “Attrition” beginnt zurückhaltend, steigert sich dann rasch in Intensität und Tempo. Zwischen brüchiger Ruhe und abrupten Ausbrüchen, rauschhaften Klangschichtungen und zersplitterten Beats entfaltet sich ein starker Sog. Das Album erscheint als LP und zum Download.

Das Album wurde aus einem umfangreichen Archiv von Tracks ausgewählt, die bis ins Jahr 2005 zurückreichen, und von Sinjin Hawke, einem weiteren Künstler des Labels, kuratiert. Mit hypnotisch-repetitiven Strukturen und innovativen Ansätzen führt Traxman die Tradition von Chicago Footwork fort und dokumentiert gleichzeitig die Entwicklung des Genres. Live ist Traxman unter anderem am 15. Februar im Berliner Club Panke zu erleben.

[...] Drums are confidently at the fore here and the album feels like it traces Mike’s musical history and interests neatly around his sweetly nostalgic melodies, with atmospheres and structures which twist and turn with a charming softness which contrasts with the tension in the drums. [...] The album is interspersed with Reticulum A, B and C  at the start middle and end of the album which suggest a theme which carries across the music in an effortless and joyful way. ‘Grush’ is a strong album that works both for listening and DJing and a great snapshot of where Mike Paradinas musical head is at in 2024″. Das Album erscheint in zwei unterschiedlichen Vinyl-Editionen sowie als CD und zum Download.

“Speaker Music was inspired by Rhythmanalysis, a book of essays by urbanist philosopher Henri Lefebvre as well as considerations of vibe, momentum and the ‘chronopolitical’ in Black music as defined by British cultural theorist Kodwo Eshun. Speaker Music mobilizes freely improvised electronic percussion and stereophonic audio recordings. Speaker Music yearns to caress, engineer and sculpt sentiment into a multi-textural rhythmic body, quivering moments into a collapsed ‘nonpulsed time’.

His debut for Planet Mu centres around gestural sonic portraitures of sonorous and cybernetic ensemble energy music. of desire, longing is a time-based release meant to fill both sides of the vinyl completely, working against the quick turnover rate of the current track-based standard of the streaming economy. Through his empathetic ‘touching of frequencies’, DeForrest unveils a romantic abstraction of sonic narratives that recalls previous innovations by electronic and jazz musicians such as Les McCann, Urban Tribe and James Stinson. of desire, longing encodes the listener with an encrypted heat, made ‘with empathy’ and ‘without excess’.” (Planet Mu)

Gleichwohl Pollock mit Texten arbeitet und aussagekräftige Titel wählt, ist ihr eigentliches Medium der Sound und die sinnliche Qualität ihrer mehrere oktaven umfassenden Stimme – zwei Ausdrucksmittel, mit denen sie dem positiven Gefühl einer befreienden Entfremdung durchaus stimmig Ausdruck verleiht. Stimmig heißt in dem Fall aber, dass die Kanadierin immer wieder zwischen verschiedenen Extremen wechselt und dabei in ihren Übergängen keinen allzu großen Wert auf Berechenbarkeit legt.

Pollocks bisweilen glasklar produzierte Musik mit ihrer quirligen Verspieltheit und dem stets leicht melancholischen Unterton verweigert allzu eingängige Strukturen. Betörende Melodien, die wie beim Opener beinahe als Flüstern daherkommen, in einigen Stücken gewagte und bisweilen verträumte Manierismen vollziehen oder, wie in Titelstück, eine erdige Folksong-Qualität bekommen, treffen nicht nur auf kühle, glattpolierte Synthies und groovig vor sich hinblubbernde Bässe, sondern auch auf noisiges Rauschen und die kontrollierte Brachialität gebrochener Rhythmen.

Stücke mit Titeln wie “Melt Myself” und “Myself Apart” schaffen es, die – musikalische – Selbstauflösung durch Fragmentierung, zeitliche Unschärfen und Schichtung und Montage überzeugend ins Werk zu setzen, und zugleich alle Komponenten so kunstvoll in Balanche zu halten, dass man dennoch das Gefühl bekommt, dem Entstehen von etwas ungemin Vitalen beizuwohnen. (J.G.)

Label: Timesig / Planet Mu

In vielem könnte „My Love is a Bulldozer“ in Katalogen als „das Album zum Kennenlernen“ von Venetian Snares geführt werden. Molllastige Streicher, vertrackte Beatgewitter und die namengebenden Snares en masse – Komponenten, die nur in besonderen Augenblicken miteinander verschmelzen, die sich auch dann, wenn sich ihre Spuren überlagern, meist den Platz am vorderen Bühnenrand streitig machen und dadurch unterschiedliche Abschnitte im musikalischen Narrativ markieren. Zwischendrin gibt es auffallend häufig Ansätze von so etwas wie Songs. Zu einem besonderen Album wurde der Bolldozer aber durch ein tiefgründiges Pathos, das nicht jeder derart ungekünstelt hinbekommen hätte.

„10^th Circle of Winnipeg“, eine zwiespältige Hommage an Funks Heimatort, eröffnet die CD mit Sounds, die an Tropfsteine im Zeitraffer erinnern, und enthält die wichtigsten VS-Standards inklusive Brüche in Tempo und Fülle. Deren Abruptheit vermittelt sich oft erst mit dem Nachgeschmack. Sein spezielles Gepräge erhält der Song jedoch durch den Jazztouch, der den metallenen Rahmen ausgesprochen erfinderisch kontrastiert – zu luftigen Drums intoniert eine Sängerin, deren Name wohl Geheimnis bleiben soll, in herbem Alt einen Text, der sich mehr und mehr als apokalyptische Dystopie entpuppt. Wenn die selbe Stimme beim Folgestück zu Regen, Cello und spanischen Gitarren von Hoffnung singt, offenbart dies die anheimelnde Kehrseite des harschen Auftaktes. Eine alles umreißende Liebe hat freilich ganz unterschiedliche Seiten, doch harmlos und gefällig ist keine davon.

Thematisch prasselt hier so einiges zusammen, doch die Liebe als unendliches und doch immer wieder vom Untergang bedrohtes Universum bildet das Zentrum. Die fragile Emotionalität lässt sich in explosive Wut ummünzen, und Funk macht von dieser Möglichkeit gerne gebrauch, sei es in völlig entgrenzten Ausbrüchen wie in „Amazone“ oder in fast netten Momenten wie dem Titelsong, bei dem die erwartete Eruption eher im unterschwelligen Rumoren aufgeht. Die heimeligen Momenten, schöne Interludien mit Streicher, Gitarre und Klavier, bilden einen wichtigen Teil des Konzeptes. Man könnte den Fehler machen, sie nur als Kontrastmittel zu betrachten, doch in ihrer Erhabenheit unterstreichen sie nur die Drastik der Ausbrüche, deren Pathos von der gleichen Art ist.

Auch die ironischen Momente, die Spielereien mit grotesken Elementen, relativieren nichts, wenn sie die triviale Seite großer Gefühle mit einbeziehen. So wirkt die überzogen raue Stimme in „Too Far Across“ wie ein ironischer Kommentar auf all die Songwriter-Klischees, die gerade im letzten Jahrzehnt im Windschatten von Tom Waits und Johnny Cash, oder was man darunter verstand, gedeihen konnten. Aber das gehört wohl heute dazu.

Label: Planet Mu