Eine in Sepiafarben schillernde Klangfläche eröffnet den Song, bevor wuchtige Drums und eine erdende ambiente Dröhnung das Fundament legen. Dann setzt Glorias traumwandlerische und doch sicher anmutende Stimme ein, die einen gleich in ein imaginäres Szenario von Jean Rollin, Jacques Rivette oder auch David Lynch katapultiert. Ihre Interpretation ist von tiefer Wehmut getragen, zugleich aber von einer Gelöstheit, in der bereits so etwas wie Akzeptanz aufscheint. Immer wieder schwingt sich ihre Stimme in lichte Höhen empor, während raue Gitarren dem insgesamt kernigen, griffigen Klangbild in seiner poetischen Schönheit eine reizvolle Erdung verleihen. Auch der Text bewegt sich zwischen Abschied und Erlösung. Aus der schmerzhaften Sehnsucht nach einem Menschen, der vielleicht nie ganz erreichbar war und es nun weniger denn je ist, entsteht eine fast rituelle Beschwörung. Ozeane, Wellen, Schiffe und Lichtwirbel werden zu Bildern eines Loslassens, das ebenso schmerzt wie befreit. Die wiederkehrenden Zeilen wirken dabei wie ein Trauergesang, der sich allmählich in eine transzendente Erfahrung zu verwandeln scheint.

Produziert wurde der Song von Randall Dunn, der mit seinen Synthies den dichten atmosphärischen Rahmen schafft. Neben Gloria, die neben ihrer Stimme noch Klavier und Synthie beisteuert, tragen ferner Matt Chamberlain (Drums), Lennard Zander (Gitarren) sowie Úlfur Hansson (Segulharpa, Baritongitarre, Synthie) ihren Teil bei. Gemeinsam erschaffen sie einen Song, der zwischen Traum und Wirklichkeit, Erinnerung und Neubeginn schwebt und die Vorfreude auf das Album wachsen lässt. (U.S.)

Label: La Double Vie

Der eigentlich ganz prosaische Projektname verweist auf den Zeitpunkt des Entstehens der Aufnahmen, den titelgebenden Sommer 2017, als sich alle im Studio von Turner und Coloccia mit Randall Dunn als Produzenten trafen. Dabei ist der Kontext nicht ganz unwichtig, denn kurz nachdem die Aufnahmen beendet worden waren, wüteten im Bundesstaat Washington heftige Waldbrände. Letztlich ist es also vielleicht ganz passend, dass diese Platte im so seltsamen Jahr 2020, einem wahren Annus horribilis, erscheint. Coloccia selbst meint: „Thinking about this record now, [...]it seems like we were all sort of anticipating something like this current pandemic happening, although we were thinking about it as fire in the hands of man (literal fire, and also gunfire) that would overturn the normal running of things and reveal the current false beliefs systems holding up most of America.” Da wird im Nachhinein den Künstlern vielleicht etwas viel antizipatorische und visionäre Kraft zugesprochen, aber das spricht überhaupt nicht gegen dieses grandiose Album.

„Chorus Of The Innocents beginnt mit einer Trompete (?), die an an- und abschwellendes Sirenengeheul erinnert. „Perceived Slight“ ist minimalistisch: vereinzelte Gitarrentöne, verhallendes Brummen, doch dann setzen plötzlich brutalverzerrte Vocals ein, die auf einer Power Electronics-Veröffentlichung nicht fehl am Platz gewesen wären. „Love Without Things“ besteht aus Knirschen, Türknarzen, melodischen Flächen und verrauschten Beats. „Community Of Aesthetics“ ist eine knapp zweiminütige Klangfläche aus kaum zu lokalisierenden Vocals und Glocken. „Spirits Of Redeemer“ wird durchzogen von verwaschenem Frauengesang, der klingt, als sei er in einer Höhle aufgenommen worden und fast schon einen sakralen Charakter hat. Am Ende geht dann aber alles im Noise unter. Auf „Cultural Orphan“ flüstert eine Frauenstimme, man hört Knarzen und Rauschen, eine Gitarre wird angeschlagen und verklingt, dann setzen Verzerrungen ein und eine unheinliche Stimme ist zu hören. „Porous Aura“ ist ein metallischer Drone mit merkwürdigen Stimmen, bei denen man denken könnte, die Little People feierten gerade mit Comus. „Theatre Needs An Audience“ beendet das Album und man hat den Eindruck, jemand habe Earth ca. “Hex; Or Printing In The Infernal Method” einen Schuss Industrial injiziert.

Das ganze Album ist durchzogen von einer seltsamen Stimmung, die changiert zwischen einem Entrücktsein und einer (mehr als nur) latenten Bedrohung. Das Sprichwort von den (zu) vielen Köchen trifft auf “Summer Of Seventeen” wahrlich nicht zu. (MG)

Label: Karlrecords

Es stellt sich die Frage, warum diese aus (den Anfangstagen von) Scientology hervorgegangene Gruppe solch eine Faszination auf die Subkultur ausübt(e). Die Gründe sind sicherlich verschiedener Natur. Zum einen erkannte The Process schon früh die Werbewirksamkeit von Popstars, so dass sich in den Process-Magazinen auch Interviews mit ebensolchen (u.a. Marianne Faithful, Mick Jagger) fanden. Zum anderen ist da –gerade bezogen auf die Rezeption der letzten Jahre- die Aura des Mysteriösen, Okkulten und Satanischen, das die Gruppe umgab. Von den (falschen) Anschuldigungen Vincent Bugliosis in die Mansonmorde verwickelt zu sein und Maury Terrys “The Ultimate Evil“ (in dem The Process als Teil einer satanischen Verschwörung dargestellt wurde) über das Erscheinungsbild (die dunklen Roben und die Symbolik (ein Swastikaähnliches Logo, die Ziege von Mendes)) bis zur Theologie (Jehovah, Jesus, Satan und Luzifer als Gottheiten – die de Grimston später aber lediglich als Archetypen verstanden wissen wollte) und Schriften des „Lehrers“ de Grimston mit martialischen Titeln wie „Humanity is the Devil“ oder „The Gods on War“ findet sich also einiges, das Interesse wecken mag – und sei es nur aus Sensationsgier oder unreflektierter Misanthropie.

Neue Bekanntheit erlangte The Process durch das 2009 bei Feral House erschienene Buch „Love Sex Fear Death“, in dem einige ehemalige Mitglieder über ihre Erlebnisse reminiszierten. Dabei fiel auf, dass manche nicht aufgrund der oben genannten Äußerlichkeiten oder der (vermeintlich so faszinierenden) Weltanschauung in den Sog der Gruppe gerieten, sondern viel eher wegen eines sympathischen/charismatischen/charmanten Werbers – sich ihr Verlangen nach Transzendenz und Geborgenheit vielleicht auch an etwas anderem hätte kanalisieren können.  Außerdem bekam man den Eindruck, dass die Texte de Grimstons wohl nicht unbedingt eine zentrale Rolle innerhalb der Gemeinschaft spielten.

De Grimston wurde Anfang der 70er von seiner Frau, dem „Orakel“, entfernt, die  Gruppierung benannte sich in The Foundation Church of the Millenium um (und entledigte sich aller „satanischer“ Elemente), bevor sie Anfang der 90er zu der erfolgreich agierenden Tierschutzorganisation Best Friends wurde (was insofern konsequent ist, als dass schon früh ein Process-Traktat Tierversuche als „The Ultimate Sin” geißelte).  Soviel zum Kontext.

Thoth und Nuss vertonen die (Auswahl der zahlreichen) Process-Hymnen völlig ernsthaft, ohne jedwede ironische Brechung. Auf ihrer Myspace-Seite heißt es, es ginge um „rePROCESSing their hymns for the current generation“. Die musikalische Umsetzung orientiert sich aber ganz klar an der Entstehungszeit, man wird an Gospel, Blues, an Psychedelic Rock, an die 70er erinnert. Dabei könn(t)en eine Reihe der Hymnen auch in konventionellen christlichen Gruppen gesungen werden, wobei (das eigentlich liebliche) „Glory Hallelujah“ aufgrund der (freudigen) Erwartung der Endzeit dafür weniger geeignet ist und die Anrufung von Satan und Luzifer (bei „We give our lives“) wohl auch orthodoxe Christen vor den Kopf stoßen dürfte. Jex Thoth meinte in einem Interview, wenn sie das Album mit einem Film vergleichen solle, sei es einer von David Lynch, was man so auslegen kann, dass Momente der scheinbaren überzeichneten Idylle (wie sie auch am Anfang von „Blue Velvet“ zu finden ist, bevor der Zoom der Kamera “nature red in tooth and claw” zeigt) durch die Texte destruiert werden. Die Musik auf  „Restored to one“ überzeugt durchgängig (großartig ist z.B. der a capella-Beginn von „The Time of Abaddon“), aber die Frage ist dennoch, ob sie ohne den religiösen Überbau solche Beachtung gefunden hätte (schaut man sich Rezensionen und Hörerkommentare an, muss man mit „Nein“ antworten). Das spricht aber nicht unbedingt gegen diese Veröffentlichung. Da es noch genug weitere Hymnen, die vertont werden könnten, gibt, würde man sich einen Nachfolger wünschen. „As it is…so be it.“

(M.G.)