Aufgenommen in Berlin, arbeiten Haino und Friedl ausschließlich mit Stimme und Klavier. Friedl nutzt, wie es auch im Begleittext sinngemäß heißt, das Klavier als erweitertes Instrument mit räumlichen, geräuschhaften und orchestralen Qualitäten, während Haino sich auf seine Stimme konzentriert. Zu hören sind unterschiedliche vokale Techniken, extreme Register und mikrotonale Passagen. Das Album beginnt mit einer Bearbeitung des klassischen Songs “strange fruits” und entwickelt sich in weiteren Stücken als fortlaufende Improvisation. Alle Stücke wurden gemeinsam komponiert, aufgenommen und gemischt. Es erscheint als CD sowie zum Download.

Zum Albumtitel und dem konzeptuellen Hintergrund heißt es beim Label: “ololuge is the ancient Greek word for Ululation. Derived from the Latin term “ululo”, ululation describes a trilling or lele vocalization, a long, wavering, high-pitched vocal sound resembling a howl. It is produced by emitting a loud vowel sound accompanied with a rapid back and forth movement of the tongue and the uvula. This technique is used all over the world – either alone or as part of a group – mostly in ritual contexts such as weddings or funerals. It has many names, all secretly connected via their onomatopoetic nature: alalaas [Somalia], tsahalulim [Hebrew], ililta [Ethiopia and Eritrea], irrintzi [Basque], aturuxo [Galicia], hulahuli, huluhuli [Odias], kulavai [Tamil], lilizela [Zulu], lililili [Lakota], nkulungwani [Tsonga], udhalili [Luo dialect], ukubulula [Sindebele], ukuyiyizela [Xhosa], ulu-dhwani [Bengalis], uruli [Assamese], vigelegele [Swahili], zagruta [Kashmir], ololuge [ancient Greece], hallelujah”. Kaisers Violine kehrt hier zu ihrer klagenden, fast körperlichen Expressivität zurück, statt sich in abstrakten Klangpunkten zu verlieren. Sie singt, schreit, heult und zittert, begleitet von Friedls Klavier, das zwischen tiefen, warmen Basstönen und metallisch schleifenden Klängen changiert. Die Musik ist rau, manchmal kratzig, doch immer durchlässig genug, um Momente von Licht und Offenheit zuzulassen. Das Album erscheint als CD.

@ Tonkunstmanufaktur

Im Begleittext heißt es: “An astonishing meeting of two instrumentalists: Kasper T. Toeplitz (electric bass) and Reinhold Friedl (piano), but even more undoubtedly a musical union between two composers: the music is clearly built on a double thought of the architecture of time, of the creation, disappearance and mutation of textures much more than on classical virtuosity, an adequacy to the organological principles of the instruments. Piano and electric bass. Both musicians have long since abandoned the usual paths of their instruments to make them the tools of their compositional principles or options – which here go to the subtlest level of sonic textures”. Das Album erscheint auf Friedls Label zeitkratzer productions.

@ Sleaze Art

Begriff “Les Polytopes” gefassten Arbeiten, zu denen neben den ebenfalls enthaltenen “Persepolis” (1972) und “La Légende d’Eer” (1978) die Werke “Hibiki Hana-Ma” (1969), “Mycenae Alpha” (1978) und “Polytope de Cluny” (1972) zählen. Die Box erscheint im Januar 2022 in der von Reinhold Friedl kuratierten Perihel-Reihe, desweiteren sind einige Aufführungen in verschiedenen europäischen Städten geplant.

Foto © mit freundlicher Genehmigung der Familie Xenakis

Karlrecords

La Légende d’Eer und Persepolis @ African Paper

“Intense rehearsal periods in Vienna and at la muse en circuit in Paris defined the compositional directions: precise transitions between accurately defined musical states: the raw furious energy textures of animal électrique 1 and 5, the contrasted calm with shaking fog horns “à la Lucier“ of animal électrique 3 and 6, noise & notes in the astonishing fusion of animal électrique 2 (which could also be titled “Tsunami and minor thirds“), and finally the delicate non-tempered vocality of both piano and synthesizer in animal électrique 4, a detuned operatic aria. Animal électrique is a melting point of piano and synthesizer, both put into musical travesty: the piano becomes a sound & noise machine, with strong electronic influence; The analogue synthesizer starts to sing and to hoot, producing raw and brutal instrument-like sounds, in line with brute electronic synthesis. This allows Eryck Abecassis and Reinhold Friedl to combine the exigence of composing with the instant pleasures of the game.” (Editions Mego)

@ Editions Mego

“KRAFFT is a minimalist maximal composition: all instruments play in rhythmic unison throughout. Only the sounds and their combinations change relentlessly throughout the piece. KRAFFT is spelt wrong on purpose to create an ironic-onomatopoetic rendition of the German term “Kraft”, meaning “power” or “force”. The listener is exposed to a sonic undertow. The notion of huge power and force is connected here to clandestine and unknown rules controlling the progression of sound; something is happening, but we do not exactly know what, when or how.” (Reinhold Friedl)

@ Reinhold-Friedl.de

“In 2015, Lemur started a collaboration with German pianist Reinhold Friedl. Friedl is the leader of the international ensemble zeitkratzer, working at the intersection of improvisation and composition. In this respect, Friedl’s experience and working method have much in common with the ideas and working methods Lemur uses. Not least through an interchange between work with large and small ensembles. In collaboration with Reinhold Friedl, Lemur focus on the use of extended playing techniques, form experiments and utilization of both the entire quintet (Lemur / Friedl) and the individual musicians put together in solo, duo, trio and quartet format. Alloy contains the result of this collaboration.

The title reflects on the meeting between two strong expressions, and between five musicians who together create a musical alloy of different input and ideas. In this way, we see the studio as a factory where different elements can blend together and create something new.” (Sofa)

Lemur-Porträt May-Irene Aasen

Als das Berliner Haus der Kulturen der Welt 2016 einige Musikveranstaltungen zum Ersten Weltkrieg organisierte, war auch ein Abend der serbischen Erfahrung dieser Zeit gewidmet. Unter dem Titel „Serbian War Songs“ brachte das Ensemble zeitkratzer zusammen mit den Musikern Svetlana Spajić, Dragana Tomić und Obrad Milić zwölf serbische Lieder auf die Bühne, die zum Teil während des Krieges entstanden sind, in jedem Fall aber von den Ereignissen dieser Zeit berichten. Mittlerweile liegt eine sorgsam bearbeitete Aufzeichnung davon auf Platte und CD vor.

Die zwölf Songs auf dem Album geben eine ganze Bandbreite an Erfahrungen und Empfindungen im und zum Krieg wieder, die Auswahl beginnt mit einer Hymne auf den Attentäter des österreichischen Kronprinzen in Sarajevo, es finden sich kämpferische Soldatenlieder, doch die meisten Stücke sind Stimmen der weitgehend passiv leidenden Bevölkerung und waren oft nur in lokalen Kontexten bekannt. Svetlana Spajić, die mit Dragana Tomić den Großteil des Gesangs beisteuert, hat die meisten der Stücke in teilweise entlegenen Dörfern aufgespürt. Sie künden von Schmerz, Wut und einem trotzigen Willen zum Durchhalten.

Die Gründe, warum die Musiker all dies so anschaulich in Klang und Wort zu fassen vermögen, sind vielerlei. Mit der im weitesten Sinne „folkigen“ Schlagseite, die das zeitkratzer’sche Repertoire, das mit seinem perkussiven Rasseln ohnehin eine rituell-archaisch anmutende Seite hat, gekonnt mir regionalen Blas- und Streichinstrumenten und traditionellem Gesang verbindet, schafft ein kitschfreies Kolorit, das die Ereignisse wie mit einem Zoom über räumliche und zeitliche Distanzen hinweg erfahrbar macht. Auch wirken die einzelnen Stücke oft wie anekdotische Ausschnitte, scheinen – schon vom Titel her, aber auch angesichts der ratternden, schabenden, quietschenden Sounds des elektrifizierten Solistenensembles, der die Mechanik des Krieges abzubilden und gleichsam zu deuten scheint – auf bestimmte Situationen und ihre Gefühlslagen fokussiert.

Stimmungsmäßig scheint die Sammlung zwischen Verzweiflung und Kampfeswillen zu changieren, ein Stück wie „The Battle of Mačkov“ hätten in den 90ern einige pathetische Martial Industrial-Combos sicher auch gerne so hinbekommen. Die Stimmen der Sängerinnen sind volkstümlich derbe, auch dann, wenn sie in melancholische Klagegesänge anstimmen, das Tremolo und der z.T. repetitiv-leiernde Ausdruck entsprechen regionalen Gesangstraditionen. Zu den herausragenden Stücken zählt auch das rund fünfzehnminütige „Assassination in Sarajevo“, bei dem Obrad Milić, der den Song von seinem Vater gelernt hat, seinen durchdringenden, monotonen Gesang über summende Bläsertöne, später über immer bedrohlicheres metallenes Messerwetzen ausbreitet.

Ich möchte aus Respekt vor der Thematik, aber auch aufgrund meiner fehlenden Kenntnis des Serbischen kein Fazit um abgenudelte Begriffen wie „Intensität“ und „Ausdrucksstärke“ ziehen, gleichwohl die hier in eine neue Gestalt gebrachten „Serbian War Songs“ in der Hinsicht einiges bieten. Gerade wer der Sprache nicht mächtig ist und für das üppige Booklet nicht die richtige Lesebrille zur Hand hat, kann bei Empfänglichkeit der irritierenden und gleichsam spektakulären Wirkung dieser Musik den Krieg als ein Ereignis erfahren, das als etwas Fremdartiges, Unfassbares in die Lebenswirklichkeit hereinbricht. (U.S.)

Label: zeitkratzer Records / Karlrecords

Auch auf dem Nachfolger greifen P.O.P. auf nichtmusikalische Formen des Arrangierens zurück und lassen sich, wie der Titel „Ikebana“ unmissverständlich nahelegt, von der traditionellen japanischen Technik des Arrangierens von Blumen inspirieren. In seiner ursprünglichen Form war Ikebana weit mehr als bloß Dekor, stand symbolisch für ein tieferes Verständnis von Raum, Natur und Kosmos und wurde in meditativen Zusammenhängen eingesetzt. Schon dies und erst recht die vielen überlieferten Techniken im Umgang mit Aufbau, Rhythmus und Farbe zerstreuen alle Bedenken, es handele sich um eine triviale, einem bloßen Exotismus huldigende Referenz.

Dass auf „Ikebana“ nicht bloß ein interessantes Konzept verbraten wurde, sondern auch überzeugende Musik geboten wird, mag man daran erkennen, dass die acht Tracks durchaus auch Hörer – wie den Verfasser dieser Zeilen – anspricht, die wenig über Ikebana wissen und die Bezüge allenfalls aufgrund der sinnlichen Qualität der Kompositionen erahnen. Was dabei recht weit vom Image der gängigen Blumenarrangements entfernt scheint, ist der mit herkömmlichem Wohlklang eher sparsam umgehende Charakter der Musik. Einige Stücke wie der Opener „Shoka“ (jeder Track ist nach einer bestimmten Ikebana-Technik benannt) sind ausgesprochen düster, ein Bestien-Atem aus mysteriösem Schaben und Grollen trifft auf Saitenklänge, die an das Rattern von Radspeichen erinnern. Die metallischen Geräusche später bei „Jikuka“ sind nicht minder furchteinflößend.

Die interessantesten Momente ereignen sich, wenn eine vermeintlich unkontrollierte Dynamik ins Bild kommt, die bei genauem Hören jedoch zu gut passt, um Zufall zu sein – wenn das Pfeifen, Rumpeln und Tremolieren in „Rikka“ in tänzelnde Bewegung versetzt wird oder wenn sich aus dem motorenhaften Brummen in „Shimentei“ immer mehr kleine Details winden und man durch Spielereien mit Tempo und Raumklang immer mehr in ein visuelles Szenario gezogen wird, das auf ein fulminantes Ende zusteuert. In all seinen Veränderungen ist „Ikebana“ ein filigran-verspieltes und zugleich strenges Werk geworden, das ohne die Beschäftigung mit der Blumensteckkunst sicher nicht so entstanden wäre, das umgekehrt aber auch einen neuen Blick auf die Kunst des Ikebana ermöglicht.

Label: FMR Records

Die neueste Interpretation wurde dieses Jahr in Berlin eingespielt – Reinhold Friedl, Leiter des Solistenensembles zeitkratzer, steuert neben Vocals eine Vielzahl an Sounds bei, Rashad Becker kümmert ich um die Elektronik und fungiert zudem als Studiotechniker. Mit unterschiedlichen Mikros, eigens gebauten Instrumenten und verschiedenen Geräuschquellen aus der Schrottkiste halten sich die beiden zwar an die ursprüngliche Reihenfolge der Songs, setzen diese aber mit einem Höchstmaß an interpretatorischer Freiheit um.

Die Sammlung beginnt mit einem irritierenden Krächzen, das flugs in undefinierbare Sounds übergeht, und man braucht eine Weile, um Stimme und andere Klangquellen vollends zu separieren. Brüche, bisweilen harte Cuts, die anfangs noch etwas holprig wirken, leiten von Abschnitt zu Abschnitt. Dabei zieht ein Panorama an auf- und abschwellenden Motiven am Ohr vorbei: Tippen auf der Schreibmaschine, Ess-, Trink und Tiergeräusche, Bohren, Kratzen, Hämmern, Blubbern, Brummeln, Jaulen, Stöhnen. Alles wirkt sehr nah am Ohr, schafft eine gewisse Intimität, man fühlt sich beinahe hineingezogen in das hörspielartige Szenario, und wenn nicht, dann wird man zumindest zum aufmerksamen Hören verführt. Interessant ist, dass die Abfolge trotz allem nie hektisch wirkt, sondern in ihrer genauen Bemessenheit und der Übersichtlichkeit der Inhalte sogar einen eher entspannten Eindruck hinterlässt.

Was auf den ersten Blick noch wie ein wildes Sammelsurium anmutet, ist letztlich in einen stringenten Rahmen gepackt: Nie klingt die Musik nach metallener Kälte oder nostalgischer Gemütlichkeit, immer stehen wenige Soundereignisse, oft auch nur ein einziges, im Zentrum des Geschehens, der Ort ist keine Rumpelkammer, doch ebenso wenig eine weiträumige Maschinenhalle, und auf Wucht und Bombast wird sowieso verzichtet. Dramatik gibt es nur im Kleinen, und die geht oft Hand in Hand mit einer Portion Slapstick: Gurgeln, Grunzen und Keuchen, Pfeifen auf dem Kamm und ein feierliches Orgelspiel, dass durch den pathetischen Bassgesang wie eine Karikatur wirkt. Selbst die hohen Fiepstöne erscheinen eher wie kleine Streiche, als dass sie verstören.

Wer auf so etwas wie eine lineare Entwicklung hofft, tut gut daran, danach zu suchen – nicht dass man sie finden könnte, denn das Werk ist, wie es sich für ein Songbuch auch gehört, im simplen Reihungsstil komponiert, doch beim konzentrierten Hören fallen einem die gut konturierten Details noch besser ins Auge – und dieses ist ohnehin eine heimlicher Mithörer, denn die vielen gut im Raum choreografierten Ereignisse evozieren in ihrer Griffigkeit eine filmische Qualität.

Die originelle Neuinterpretation erscheint als Doppel-LP fünfhundertmal in der „Perihel Series“ auf Karlrecords, laut Label sind noch ein paar Dutzend Scheiben zu ergattern. (U.S.)

Label: Karlrecords