“Second Room is Taxt’s second album in a series of works investigating possible relations between music and architecture. In this work written for alto saxophone, two microtonal tubas, double bass, church organ, hand bells and modular synthesizers he is inspired by the Japanese architect Sou Fujimoto, and his ideas on different concepts of living. In a lecture at the Harvard University in 2011, Fujimoto sets up a comparison between the nest and the cave, as two fundamentally different ways of living concepts. Whereas the nest represents safety, conformity and predictability, a space designed for people, the cave on the other side represents the unknown, a naturally shaped space, not designed for the purpose of living. It can be uncomfortable to enter the dark cave but spending time inside one can gradually start to adapt to the space. By rethinking our concept of space and the relation between space and human body we will eventually discover different functionalities within the cave and innovate new functions in the already designed space.” (SOFA)

@ SOFA

Ebenfalls an den Aufnahmen beteiligt sind keine geringeren als Mats Eilertsen (Kontrabass, Elektronik) und Håkon Stene (Vibraphone, Percussion, Elektronik) sowie an einzelnen Tracks Jørgen Træen (Electronik), Rolf-Erik Nystrøm (Saxophon) und Stein Urheim (Langeleik, Harmonica, Elektronik, Samples, Percussion). Inhaltlich ist das Album als Hommage an die Natur der Hardanger-Region konzipiert, was sich vielleicht am deutlichsten aus den Samples zahlreicher Vogel- und Sonstiger Tierstimmen heraushören lässt. Maurseth betrachtet das Wandern in der Natur und ihre kreative Arbeit als Einheit. “Both evoke and require the same presence as well as a deep listening that makes the senses open and clear.

They are both something that can be done alone or in company, in conversation or in silence. Both require time, patience and thoughtful repetition and give a necessary reminder of something else, something bigger than ourselves”, so die Musikerin in einem begleitenden Text. Ein weiterer, damit allerdings zusammenhängender Einfluss sind die Ideen der sogenannten Ökosophie von Denkern wie Arne Næss, die dem Menschen als Teil des Ökosystems betrachteten. Wer norwengisch versteht, kann mehr darüber in den Interviewpassagen mit Maurseths Großvater und Urgroßvater erfahren, die im Track “Kollasj I” zu hören sind. Das Album erscheint als LP und CD.

Foto © Oystein Haara

@ Maurseth | Hubro Music

Schon der Name Oriental Winds of Baroque enthält zwei Begriffe, die seit jeher als Metaphern für verspielte Üppigkeit und sinnliche Opulenz stehen, und wenn man nun liest, dass die fünf Musiker sich auf ihrem gemeinsamen Debüt ebenso an traditionelle und populäre Musik aus Skandinavien, Brasilien oder Tajikistan, sondern auch an Werke von frühmodernen Komponisten wie Diego Ortiz, Tarquinio Merula, Franz Ignaz von Biber oder Claudio Monteverdi heranwagen, dann erwartet man – dabei immer auch das Saxophon im Hinterkopf – eine besondere Art Fusion.

In der Tat hat die Musik etwas Grenzenloses: Ein Duett aus Handperkussion und einem Saxophon, das wie eine Duduk oder Nej eine vorderasiatisch anmutende Melodie anstimmt, bildet den Auftakt, wird aber bald von einer Lautenmelodie ergänzt, die mich als Laien an spanische Barockmusik erinnert. Dass einige Minuten später ein wunderschöner Gesang in der Sprache der in Iran und Tadschikistan lebenden Luren mit spanischem Saitenspiel, Streicherparts auf einer nordischen Fiedel und westafrikanischen Handdrums nicht konterkariert, sondern harmoniert, überrascht dann doch – vorausgesetzt, man wird sich der Heterogenität der Beigaben überhaupt bewusst. Wenn später dann Vocals in einer westafrikanischen Sprache mit orientalischen Flöten und perkussiv bearbeiteten Saiten zusammengehen, lateinischer Soprangesang und spanische Lauten auf ein erneut orientalisierendes Saxophon treffen, fast schrille, sirenenartige Bläser die griechische Äolsharfe nachempfinden oder in einem japanisch betitelten Stück gehauchte Holzbläser wie der Wind – vielleicht der orientalische Wind des Barock – durch kleine Ritzen dringen, dann wundert man sich schon gar nicht mehr über den merkwürdig stimmigen Zusammenklang.

Kenner der Barockmusik bemerken sicher, dass der Verfasser dieser Zeilen keiner der ihren ist, und so könnte ich die Theorie, die dieser interkulturellen Musik zugrundeliegt, die ganz tief an der Wurzel des im Europa des 16. Jahrhunderts populären, aber eben dem Wesen nach nicht rein europäischen Barock ansetzt, ohnehin nur oberflächlich beurteilen. Im Volksmund jedenfalls existiert die Vorstellung, dass westliche und östliche Musik bis zum Ende des Mittelalters eine Art Kontinuität bildeten, dass aber in der Neuzeit und spätestens im Barock eine Art Bruch stattfand und mit der aufkommenden “klassischen” Kunstmusik das alte, traditionelle, tendenziell Volkstümliche hinter sich gelassen wurde, dass aber noch bis zum Modernismus die meisten außereurpäischen Musikarten prägte.

Heute weiß man allerdings, dass viele für die Musik des Barock typische Stilmerkmale, vom Stimmen der Saiten über Aspekte der Tonalität bis hin zu inhaltlichen Motiven das Ergebnis interkultureller Beeinflussung durch Migration, Assimilation oder schlicht Neugier auf Fremdes zustande gekommen waren, und dass die Begrenzungen zwischen europäischer, asiatischer, afrikanischer und selbst in dieser Epoche lateinamerikanischer Musik ebenso durchlässig waren wie die zwischen klassischer und traditioneller, hochkultureller und volkstümlicher Musik. In einem ausführlichen im Booklet abgedruckten Essay erörtern die Musiker einige damit zusammenhängende Fragen. Die Eingängigkeit dieser tiefen, berührenden Musik jedoch macht dieses Projekt zudem zu einem starken Statement gegen allzu beschränkte Kulturbegriffe, die gerade in unserer Zeit Kunst und auch Politik bestimmen. (U.S.)

Label: Simax Classics / Grappa