Die beiden weit ausgreifenden Improvisationen verbinden filigrane Gitarrenlinien mit freieren, bisweilen raueren Passagen und entwickeln aus kleinsten Gesten eine große Sogwirkung. Zwischen stiller Konzentration und schroffen Aufwallungen entsteht eine dichte, organisch fließende Klangsprache, die gerade aus der Unmittelbarkeit der Live-Atmosphäre ihre besondere Intensität entfaltet.

In den Liner Notes verweist Cooper selbst auf Inspirationsquellen, die dieses Mal besonders deutlich im Hintergrund stehen: die visionären Klangwelten von Jon Hassell, die ikonischen Covergemälde des Malers Mati Klarwein, die Dub-Experimente von King Tubby und Lee Scratch Perry sowie die Literatur des amerikanischen Schriftstellers Nathaniel Mackey. Dabei geht es weniger um direkte Zitate als um imaginäre Orte und halb erinnerte Landschaften – Traumsettings, die zwischen realen Erfahrungen und Fiktion schweben. Für den stochastischen Papagei kombiniert Cooper Samples, Field Recordings, Stimme und Lap-Steel-Gitarren zu, wie er es nennt, digitalen Tagträumen. Unterstützung erhält er von zwei hochkarätigen Gästen: Pierre Bastien steuert mit seinem Ventilkornett warme, organische Farbtupfer bei, während Mark Cunningham mit der Trompete dabei ist.

Musikalisch verbindet das Album dichte Ambient-Texturen, schwebende Drones und elektroakustische Kompositionen mit akustischen Instrumenten und improvisatorischen Elementen zu einer ebenso atmosphärischen wie cineastischen Klangwelt. An dem Album sind zahlreiche Gäste beteiligt, die von ihren eigenen Arbeiten oder als Mitglieder von Band wie u.a. The Necks oder Swans bekannt sind. Mitwirkende sind Chris Abrahams (Klavier), Tony Buck (Schlagzeug, Percussion, Gongs), Madeleine Cocolas (Stimme), Mats Gustafsson (Saxophon), Thor Harris (Hammer Dulcimer, Gongs, Vibraphon), Lena Ito (Gamelan), Chuck Johnson (Pedal Steel), Peter Knight (Trompete), Sean Mackenzie, Brodie McAllister und Richard Sanderson (Posaunen), Heinz Riegler (Gitarre, Elektronik), Rully Shabara (Stimme), The Australian Voices (Chor), Vanessa Tomlinson (Gamelan, Konzert-Basstrommel) sowie Norman Westberg (Gitarre). Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

Zwischen Kammermusik, Jazz, Improvisation und experimentellen Soundscapes entfaltet sich ein ebenso atmosphärischer wie erzählerischer Zyklus. Svoboda wird dabei von der finnischen Vokalistin Selma Savolainen, dem Kontrabassisten Jacques Emery sowie dem Elektronikkünstler und Co-Produzenten Tilman Robinson begleitet, dessen subtile elektronische Bearbeitungen den Stücken zusätzliche Tiefe verleihen. Die poetischen Liner Notes stammen vom kanadischen Posaunisten und Komponisten Callum Mintzis und spiegeln die traumwandlerische, von Naturbildern durchzogene Stimmung des Albums wider.

Die Stücke changieren dabei fortwährend zwischen reduzierten Passagen und dichten, opulenten Verdichtungen, in denen sich Klangfarben, Bewegungsformen, räumliche Tiefe und Zeitwahrnehmung permanent verschieben. Aus fragmentierten Geräuschen, elektronischen Texturen und transformierten akustischen Signalen entstehen so dynamische Soundräume voller subtiler Verwandlungen und unvorhersehbarer Übergänge. Von English heißt es ferner: “She remains one of the true pioneers of her generation, a fearless and relentless maker for whom the totality of sound’s affect is forever front of mind”. Das Album erscheint als LP und digital.

Vogelstimmen, Regen, Wind, Grillen, Feuerwerk u.a. werden mit Shinobue-Flöte und dezenten Takten kombiniert. In den Liner Notes beschreibt die Künstlerin selbst die Jahreszeiten als etwas, das wie menschliche Emotionen sei und das Leben definiere. Besonders die japanische Wahrnehmung von Vergänglichkeit bildet dabei einen zentralen Bezugspunkt: “From cherry blossom petals falling, we see fragility and transience, which is life. I found this moment so precious and beautiful. Seasons give me a strong sense of the presence of life. I can visualise this with my music and I would love to capture and make this sound diary in all my life and work”.
Gleichzeitig versteht Yamamoto die Veröffentlichung auch als Hommage an das Buch The One-Straw Revolution von Masanobu Fukuoka, dessen Denken ihren Blick auf Natur und Welt nachhaltig geprägt habe. Mitwirkende sind unter anderem Ayako Fujii an der Shinobue-Flöte sowie Dan West mit zusätzlichen Beats.

Foto: Toshiki Tanaka

“It’s been hard for me to begin writing about these pieces, as if to sum them up: they are misnomers to me, still, at the time of writing this. Maybe what I can start with, is this statement and possible provocation: “Listening is 50% of all music.” I’ve been mulling this idea over for some time now, as if to poke and prod at my own expectation and definition of what listening is supposed to look, or rather sound, like. Beyond a superficial dive into an academic hairsplitting between the definitions of “music” and “sound” lies something else; a lifelong tonic, we all return to: how does one make sense of the nonsensical? How do we make meaning in a fluctuating world? At which point in the ride does one claim one’s agency, within the musical realm and beyond? With these works I wanted to explore that hidden circle and question how long before my mind “makes music” out of the presented patterns. I wanted to attempt, maybe foolhardily, if I could observe the observer and catch my self in the act of making and attributing meaning to apophenic patterns. What was the threshold, that grey liminality, at which my own mind secretly decided that a given sonic pattern, composed with no concrete musicality in mind, became “music”? Maybe it is the tiptoe pointbreak at which my fluctuating auditory perception gripped the emergent sound and attempted to apophenically make heads/tails of what it was receiving. Maybe. In other words, there are no inherent melodies or preplanned musical structure to be found in this work. Any “musicality” present is wantonly implied and resultant through a series of psychoacoustically stereophonic manipulations (phasing, acoustic beating, EQing, etc.). What is however objectively present: a series of platonic possibilities, an oversaturation and satiation for listening ears and minds to become eddied to and within; an invitation to drift and mentally compose 50% of the album”. (Ben Glas)

unterschiedliche Perspektiven in einem offenen, prozesshaften Ansatz. Klanglich basiert das Album auf der Kombination von analogen Tape Loops und digitaler Bearbeitung. Durch das wiederholte Aufspalten, Spiegeln und Zusammenführen von Stereospuren entsteht ein dichtes Gefüge aus Überlagerungen und zeitlichen Verschiebungen. “Poulaine” erscheint als CD und zum Download.

Die ursprünglich 2009 erschienene Aufnahme, so Verleger Lawrence English, gilt als frühes Beispiel jener reduzierten Felt-Piano-Ästhetik, die später von zahlreichen Künstlern aufgegriffen wurde. “Polaroid Piano” versammelt eine Reihe kurzer Klavierminiaturen, die wie musikalische Momentaufnahmen funktionieren – nah am Instrument aufgenommen, ruhig, entspannt, atmosphärisch und offen für die Klänge ihrer Umgebung. Einige Stücke enthalten Field Recordings von English, der das Album auch masterte, während Gitarrist Muneki Takasaka auf mehreren Tracks zu hören ist. Die Neuauflage würdigt ein Werk, das mit seiner stillen, unmittelbaren Klangsprache bis heute nachwirkt. Das Album ist auch digital erhältlich.

Von den Künstlern heißt es: “This is an exploration of horizontal music; a music of restless and morphing vistas. It is formed through collisions, layers, and repetitions that build a force simultaneously minimal, and brute. Nine simple gestures played on one single instrument create blurred fields, full of distortion. Each composition balances these spaces differently: in one we wander through a large sacral reverberation chamber, in the next we find ourselves in a dimly lit and uncanny cavern. All of the tracks follow an elemental set of tones, played in repetition, each of which result in unexpected variation and refraction. We’ve chained together various conditions such as high contrast, density, and looseness into a seemingly endless resonance. We reach for an edge, but it slips away each time. The freedom of this album lies in the peacefulness of friction: static drones rubbing against fundamental bass pulses, bittersweet harmonies confronting harsh overdrive. Heavy breathing, celestial echoing”.