Den Ausgangspunkt bildeten zunächst Drones, die sich Tuttle und Cross gegenseitig zusandten und anschließend Schritt für Schritt weiterentwickelten. Wie beide in den Begleittexten schildern, setzte sich der kreative Prozess erstaunlich mühelos in Gang: Durch bewusst gewählte Einschränkungen beim Instrumentarium und der musikalischen Ausrichtung entstand zugleich ein großer Freiraum für gemeinsames Experimentieren. Aus diesem Dialog entwickelte sich eine Klangwelt, in der Tuttle Banjo und Effekte mit Darren Cross’ akustischer Gitarre, Synthesizern, Field Recordings und elektronischen Bearbeitungen verbindet. Das Ergebnis verspricht eine atmosphärische Reise zwischen Drone, glattem wie kratzigem Ambient, akustische Folkansätze und experimentierfreudiger Elektronik, getragen von einer spürbaren Offenheit und gegenseitigen Neugier. Das Album erscheint als CD und Download.

Holliger selbst beschreibt das Album als “reflection on memory, faith, and impermanence” und als einen Versuch, festzuhalten, was sich zugleich unaufhaltsam verändert. Wie man weiter erfährt, fließen in die Stücke u.a. Aufnahmen eines Weihnachtsfestes von 1995, Erinnerungen an den Familienhund, einen stillen Gottesdienst, einen Auftritt in einer Buchhandlung ein. Die persönlichen Fragmente werden dabei nicht dokumentarisch präsentiert, sondern lösen sich zunehmend in Klang auf. Musikalisch bewegt sich die Musik in einer harmonischen, ambienten Dröhnung. Die Flächen und Strukturen wirken zunächst glatt, ruhig und geordnet, doch unter ihrer Oberfläche ist immer wieder eine deutliche Spannung spürbar. Das Album erscheint digital.

Die fünf Stücke entstanden, wie man aus den Liner Notes erfährt, aus einem offenen improvisatorischen Austausch, in dem Klangfarben wichtiger sind als Melodien oder harmonische Entwicklungen. Wie man weiter erfährt, war das Album ursprünglich gar nicht als eigenständiges Werk geplant. Erst nach einer längeren Zusammenarbeit entschlossen sich die beiden zu einem freien improvisatorischen Austausch – die dabei entstandenen Aufnahmen überzeugten sie schließlich so sehr, dass sie sie unverändert als “Fray Field” veröffentlichten.

Die beiden weit ausgreifenden Improvisationen verbinden filigrane Gitarrenlinien mit freieren, bisweilen raueren Passagen und entwickeln aus kleinsten Gesten eine große Sogwirkung. Zwischen stiller Konzentration und schroffen Aufwallungen entsteht eine dichte, organisch fließende Klangsprache, die gerade aus der Unmittelbarkeit der Live-Atmosphäre ihre besondere Intensität entfaltet.

In den Liner Notes verweist Cooper selbst auf Inspirationsquellen, die dieses Mal besonders deutlich im Hintergrund stehen: die visionären Klangwelten von Jon Hassell, die ikonischen Covergemälde des Malers Mati Klarwein, die Dub-Experimente von King Tubby und Lee Scratch Perry sowie die Literatur des amerikanischen Schriftstellers Nathaniel Mackey. Dabei geht es weniger um direkte Zitate als um imaginäre Orte und halb erinnerte Landschaften – Traumsettings, die zwischen realen Erfahrungen und Fiktion schweben. Für den stochastischen Papagei kombiniert Cooper Samples, Field Recordings, Stimme und Lap-Steel-Gitarren zu, wie er es nennt, digitalen Tagträumen. Unterstützung erhält er von zwei hochkarätigen Gästen: Pierre Bastien steuert mit seinem Ventilkornett warme, organische Farbtupfer bei, während Mark Cunningham mit der Trompete dabei ist.

Musikalisch verbindet das Album dichte Ambient-Texturen, schwebende Drones und elektroakustische Kompositionen mit akustischen Instrumenten und improvisatorischen Elementen zu einer ebenso atmosphärischen wie cineastischen Klangwelt. An dem Album sind zahlreiche Gäste beteiligt, die von ihren eigenen Arbeiten oder als Mitglieder von Band wie u.a. The Necks oder Swans bekannt sind. Mitwirkende sind Chris Abrahams (Klavier), Tony Buck (Schlagzeug, Percussion, Gongs), Madeleine Cocolas (Stimme), Mats Gustafsson (Saxophon), Thor Harris (Hammer Dulcimer, Gongs, Vibraphon), Lena Ito (Gamelan), Chuck Johnson (Pedal Steel), Peter Knight (Trompete), Sean Mackenzie, Brodie McAllister und Richard Sanderson (Posaunen), Heinz Riegler (Gitarre, Elektronik), Rully Shabara (Stimme), The Australian Voices (Chor), Vanessa Tomlinson (Gamelan, Konzert-Basstrommel) sowie Norman Westberg (Gitarre). Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

Zwischen Kammermusik, Jazz, Improvisation und experimentellen Soundscapes entfaltet sich ein ebenso atmosphärischer wie erzählerischer Zyklus. Svoboda wird dabei von der finnischen Vokalistin Selma Savolainen, dem Kontrabassisten Jacques Emery sowie dem Elektronikkünstler und Co-Produzenten Tilman Robinson begleitet, dessen subtile elektronische Bearbeitungen den Stücken zusätzliche Tiefe verleihen. Die poetischen Liner Notes stammen vom kanadischen Posaunisten und Komponisten Callum Mintzis und spiegeln die traumwandlerische, von Naturbildern durchzogene Stimmung des Albums wider.

Die Stücke changieren dabei fortwährend zwischen reduzierten Passagen und dichten, opulenten Verdichtungen, in denen sich Klangfarben, Bewegungsformen, räumliche Tiefe und Zeitwahrnehmung permanent verschieben. Aus fragmentierten Geräuschen, elektronischen Texturen und transformierten akustischen Signalen entstehen so dynamische Soundräume voller subtiler Verwandlungen und unvorhersehbarer Übergänge. Von English heißt es ferner: “She remains one of the true pioneers of her generation, a fearless and relentless maker for whom the totality of sound’s affect is forever front of mind”. Das Album erscheint als LP und digital.

Vogelstimmen, Regen, Wind, Grillen, Feuerwerk u.a. werden mit Shinobue-Flöte und dezenten Takten kombiniert. In den Liner Notes beschreibt die Künstlerin selbst die Jahreszeiten als etwas, das wie menschliche Emotionen sei und das Leben definiere. Besonders die japanische Wahrnehmung von Vergänglichkeit bildet dabei einen zentralen Bezugspunkt: “From cherry blossom petals falling, we see fragility and transience, which is life. I found this moment so precious and beautiful. Seasons give me a strong sense of the presence of life. I can visualise this with my music and I would love to capture and make this sound diary in all my life and work”.
Gleichzeitig versteht Yamamoto die Veröffentlichung auch als Hommage an das Buch The One-Straw Revolution von Masanobu Fukuoka, dessen Denken ihren Blick auf Natur und Welt nachhaltig geprägt habe. Mitwirkende sind unter anderem Ayako Fujii an der Shinobue-Flöte sowie Dan West mit zusätzlichen Beats.

Foto: Toshiki Tanaka

“It’s been hard for me to begin writing about these pieces, as if to sum them up: they are misnomers to me, still, at the time of writing this. Maybe what I can start with, is this statement and possible provocation: “Listening is 50% of all music.” I’ve been mulling this idea over for some time now, as if to poke and prod at my own expectation and definition of what listening is supposed to look, or rather sound, like. Beyond a superficial dive into an academic hairsplitting between the definitions of “music” and “sound” lies something else; a lifelong tonic, we all return to: how does one make sense of the nonsensical? How do we make meaning in a fluctuating world? At which point in the ride does one claim one’s agency, within the musical realm and beyond? With these works I wanted to explore that hidden circle and question how long before my mind “makes music” out of the presented patterns. I wanted to attempt, maybe foolhardily, if I could observe the observer and catch my self in the act of making and attributing meaning to apophenic patterns. What was the threshold, that grey liminality, at which my own mind secretly decided that a given sonic pattern, composed with no concrete musicality in mind, became “music”? Maybe it is the tiptoe pointbreak at which my fluctuating auditory perception gripped the emergent sound and attempted to apophenically make heads/tails of what it was receiving. Maybe. In other words, there are no inherent melodies or preplanned musical structure to be found in this work. Any “musicality” present is wantonly implied and resultant through a series of psychoacoustically stereophonic manipulations (phasing, acoustic beating, EQing, etc.). What is however objectively present: a series of platonic possibilities, an oversaturation and satiation for listening ears and minds to become eddied to and within; an invitation to drift and mentally compose 50% of the album”. (Ben Glas)