„Time Takes Away“ verknüpft erneut den Stil und die unterschiedlichen Stärken der beiden Musikerinnen, die hier von einer Handvoll Instrumentalisten begleitet werden, und der Titel und das Coverartwork legen bereits nahe, dass es ein Album über die Zeit und die Kontingenz alles Bestehenden ist. Rein textlich macht sich dies aber erst nach und nach bemerkbar, denn viel mehr noch geht es in den Songs um die Liebe.

Das eröffnende „Cast a Spell“ lässt unter rituell-repetitiven Folkklängen einen klassischen Liebeszauber entstehen und macht zugleich deutlich, dass man auf diesem Album keine simplen Lovesongs erwarten darf – was hier evoziert wird, ist von einer gewaltsamen Wucht, die gezielt auf den Willen zweier Menschen einwirkt, und die verzweifelte Note, die dem ganzen innewohnt, ist durchgehend spürbar. Unerbittlich ist der Lauf der Dinge, und es gehört eine obsessive Entschlossenheit dazu, sich dem in den Weg zu stellen. Im eruptiven Höhepunkt aus Geschrei und wildem Rocksound ist dann jeder Zweifel beiseite geschoben.

Nach diesem rituellen Einstand sind die Sinne bestens geschärft für Rusalnaias Panorama der Liebe im Zeichen der Zeit. In den meisten Stücken wird deutlich, wie sehr diese an der Verbundenheit nagt und letztlich auch den Sieg davon trägt, und doch ist viel Raum für in Tragik getränkte Schönheit, wenn man ihr für Momente zu trotzen vermag. „Take me Back“ brandmarkt das Scheitern der Liebe als Schwäche und endet, gleichwohl ein Apell, im nebulösen Fadeout. Das Duett „The Love I Want“ zeichnet das Bild einer begehrten Person im Steeleye Span-Sound, „Driving“ zeichnet die Liebe als stetige Zu- und Wegbewegung und macht sie so zu einem Ort zwischen den Orten.

Rusalnaia stimmen jedoch kein Lamento an, und das gar nicht so wehmütige „Honeymoon“ bricht die Lanze für eine reife Abgeklärtheit als Antidot zu Regression und Resignation. Wenn in „Lullaby for a Future Generation“ ein trostreicher Abgesang auf den Trennungsschmerz folgt, so geschieht das mit einem Blick nach vorn, und so entpuppt sich das Stück geradezu als Loblied auf die Zeit. „Time Takes Away“ ist auch keineswegs eine wehmütige Nostalgieplatte und musikalisch noch eine Spur dynamischer als das Debüt. In einem oftmals folkrockigen Gewandt und den gelegentlichen fuzzigen Eruptionen ist es teilweise nah an Chadwicks Band Ex-Reverie und alles in allem eine recht schmissige Sache (A. Kaudaht)

Label: Cambrian Records

Unter anderem lernte sie dort auch die Sängerin Gillian Chadwick kennen, die mit ihrer Band Ex Reverie eine ebenso dynamische wie eingängige Folkvariante spielte. Die beiden wurden Freundinnen und schienen sich auch musikalisch zu verstehen, jedenfalls war bald das Duo Rusalnaia geboren, dessen Name auf eine Gruppe bösartiger Wassernymphen zurückgeht, die die zweifelhafte Gewohnheit pflegen, nichtsahnende Verirrte zu Tode zu kitzeln. Auf dem Debüt, das 2008 in Australien bei Camera Obscura erschien, war eine Musik zu hören, die von der spröden Fragilität der Engländerin ebenso lebte wie von der eingängigen Geschmeidigkeit Chadwicks, und doch passierte hier weit mehr als die bloße Zusammenführung zweier Stile.

In den Songs von meist getragener Gangart, die mal von ruhigem finger style, seltener von feurigem strumming beider Gitarren in Bewegung gehalten werden, entstehen interessante Duette, in denen die immer etwas säuerliche Stimme Sharron Kraus’ mit der poptauglicheren Gillian Chadwicks nur selten zusammen quasi im Chor erklingen. Viel lieber stimmen sie einen Wechselgesang an, bei dem sich beide Stimmen kanonartig überlappen.

Mit urigen Rasseln und in entrückten a cappella-Passagen kommt schnell die Vorstellung einer naturnahen Heterotopie auf. Die allerdings wird eher geheimnisvoll als idyllisch gezeichnet, am deutlichsten wird dies in den oft zwischen Suche und Abgeklärtheit changierenden, nichtsdestoweniger mystischen Texten und in Momenten, in denen die Musik in Repetition oder gar in kurze Atonalitäten kippt. Ob der andernorts gezogene Vergleich mit Comus nicht dennoch etwas weit geht sei dahin gestellt.

Nachdem das Album nun seit ein paar Jahren vergriffen ist, wird es nun erstmals auf Vinyl und später wohl auch auf CD wiederveröffentlicht, und Fans der beiden Sängerinnen dürfen sich zusätzlich über das Gerücht bezüglich eines bald fertig gestellten zweiten Albums freuen.

Ich möchte das Debüt außerdem den etwas aufgeschlosseneren Neofolkern ans Herz legen, die dank In Gowan Ring und anderen mitbekommen haben, dass es gute mystische Folkmusik auch außerhalb der zugeknöpften Dark Clubs gibt – vorausgesetzt, sie fürchten sich nicht vor dem letzten Lachkrampf, wenn sie von den beiden Nymphen auf recht originelle Art ins Jenseits befördert werden. Die werden nämlich mit dem finalen “The Wild Summer” belohnt, einer furiosen Feier des Zyklus der Jahreszeiten, so beschwörend wie ein heidnisches Ritual aus irgendeinem mit goldenen Ähren bewachsenen Hochland, das auf keiner Landkarte zu finden ist. (U.S.)

Label: Feeding Tube Records

Der morbide Charme ihrer oft getragenen, balladesken Songs, die sie zu Gitarre oder Banjo vorträgt, hat ihr bereits den Stempel Gothic Folk eingebracht, was natürlich auch auf einen Teil ihrer Fangemeinde anspielt. Zu ihren Markenzeichen zählt ihre ungewöhnliche, immer etwas säuerliche Stimme, die an diverse Folksängerinnen der 60er Jahre erinnert. Stilistisch deckt ihr Repertoire eine große Bandbreite an Einflüssen ab, neben traditioneller englischer, walisischer und nordamerikanischer Musik scheint in vielen Songs ein Interesse an Renaissance-Kompositionen durch.

Hier die Reiseroute

Hintergründe in unserem ausführlichen Interview

.

Kraus ist eine begnadete Sängerin und Songschreiberin, komponiert Stücke, die auf den ersten Blick sehr traditionell anmuten, sich beim genaueren Hinhören jedoch als feinsinnige Pastichen entpuppen. Sie offenbaren einen Blick auf die Tradition, der von historischem Einfühlungsvermögen ebenso zeugt wie von einem Bewusstsein für die Verankerung im Hier und Jetzt. Gerade dadurch gelingt ihr ein Zugang zu den “alten” Klängen und der im Englischen wie im Amerikanischen wurzelnden Balladentradition, der viel respektvoller (weil belebender) ist als jedes nostalgisch-museale Nachspielen, das seinen projektiven Zug nur umso stärker offenbaren muss. Tanners Musik dagegen zeigt ihren modernen Charakter viel offenkundiger, da sie trotz ihrer angenehmen Melodik meist abstrakter ist und herkömmlichen Songstrukturen eher abgeneigt. Tanner bezeichnet seine Soundscapes augenzwinkernd als “romantic reggae”, und ich bin nicht sicher, ob er mit der Folk-Assoziation zufrieden wäre. Falls ja, dann wäre Folk für ihn wohl kein Genre, in dessen Tradition man sich einreiht, und sei es spielerisch. Es scheint ihm vielmehr ein reichhaltiges Repertoire an musikalischen und atmosphärischen Versatzstücken zu sein, an dem man sich bedient und dessen Einzelteile man auf unterschiedlichste Weise neu kombinieren kann.

Für ihre erste gleichberechtigte Zusammenarbeit reisten die beiden Musiker in das walisische „Rheidol Valley“, um die Stimmung und die subtilen Geräusche des Landstriches einzufangen und möglichst unbearbeitet zu dokumentieren. Ausgehend von dem oben genannten Gegensatz könnte man nun zu dem oberflächlichen Schluss kommen, dass das Resultat eher ein Tanner-typisches Album geworden ist, denn es enthält keinen einzigen Song, stattdessen eine kleine Sammlung improvisierter akustischer Soundscapes. Doch auch Sharrons Handschrift ist unverkennbar.

Das Intro „Lambs“ eröffnet die kurze Impression zunächst mit Tierstimmen – ein Stilelement, dass man den beiden auch Jahre nach dem medialen Folkbrimborium zugesteht, da sie niemals an irgendeinem bescheuerten Hype beteiligt waren und damit weder weird noch hip sein wollen, stattdessen auf ungekünstelte Art einfach die Stimm(ung)en des Ortes einfangen. Auf den beiden „Waterfall“ genannten Stücken kommt Sharrons Gitarre am meisten zum Einsatz. Aus den repetitiven Akkorden, die an ihren großartigen Rusalnaja-Song „Wild Summer“ erinnern (der mit seiner paganen Hommage an das Rad des Jahres jede noch so konzeptuelle Neofolkband an die Wand spielt), kristallisiert sich ein verhaltenes Hauchen heraus, wird lauter und deutlicher und ist endlich als Sharrons markante Stimme zu erkennen, für die sich kaum Kategorien und Vergleiche finden, die weder herb noch süßlich noch biederer Durchschnitt ist und gerade deshalb so interessant klingt. Nur an dieser einen Stelle ist sie zu hören, kurz darauf überlässt sie den wenigen Instrumenten und den subtilen Geräuschen wieder das Feld.

Der Grundtenor der EP ist leise und introvertiert, die wesentlichen Arrangements minimalistisch und repetitiv, das Repertoire der musikalischen Motive hält sich in Grenzen. Doch obwohl die Klanggestalt meist lieblich ausfällt und Feldaufnahmen wie Vogelgezwitscher im Grunde romantische Klischees bedienen, scheint die Musik kaum auf Entspannung oder Besinnlichkeit anzuzielen. Dafür ist sie von zu vielen Brüchen durchzogen und neigt zu sehr zu spröden, monotonen Momenten. Hintergründiges Trommeln, spannungsvolle Triangel-Anschläge und perkussive Akkorde, die sich vor allem in der zweiten Hälfte sammeln, scheinen den Eindruck zu bestätigen. Und bei all dem sind die Intrumentalparts vor allem eines: Sound, der mit den Geräuschen der Umgebung verschmilzt.

Die Vinyl-EP in einer auf 250 Einheiten limitierten Stückzahl herauszubringen, geschah hier sicher nicht zum Zweck einer Forcierung von Rarität. Aufgrund ihres musikalisch sehr introviertierten Charakters, vor allem aber wegen ihrer stilistischen Eigenart, die sich vor allem von Sharrons recht opulenten Songalben stark unterscheidet, sollte sie als Projekt außer der Reihe verstanden werden. Die Klangfarben von Sharron Kraus treffen auf die Abstraktion Tanners, und in ihrer Kombination entfalten diese Komponenten eine Atmosphäre, die sich vielleicht nicht unmittelbar, mit der Zeit aber umso stärker entfaltet. (U.S.)

Label: Morc Records

Seit einigen Jahren veröffentlicht die Britin Sharron Kraus solo oder mit anderen Tonträger, die verschiedenste Facetten des Folk ausloten. Ihre Stimme und die Stimmung ihrer Alben mögen manchmal an die Grande Dame des britischen Folk – Shirley Collins – erinnern (deren Einfluss auch von ihr selbst genannt wird), aber Sharron Kraus verleiht jeder Aufnahme etwas Eigenes, Unverwechselbares. Auf ihrer myspace-Seite spricht sie von

Jüngst hat sie auf David Tibets Durto-Label ihr reguläres drittes Soloalbum veröffentlicht, auf dem erneut deutlich wird, dass Sharron Kraus’ Eigenkompositionen textlich wie musikalisch uralt zu sein scheinen und gleichzeitig nicht einzuordnen sind und nie wie eskapistische Anachronismen wirken.

In einem Interview im Dream Magazine hast du über deine Goth-Anfänge gesprochen. Denkst du, dass deine aktuelle(n) musikalische(n) Ausrichtung(en) in irgendeiner Weise davon beeinflusst (worden) sind?

Ich habe schon immer Musik mit dunklerer Thematik gehört, habe Schauerromane gelesen und diese Themen sind seit jeher in meine Musik eingeflossen, egal ob ich nun E-Gitarre spiele oder Banjo.

Inzwischen ist das Substantiv Folk mit zahllosen Präfixen versehen worden. Fühlst du dich mit irgendeiner der Bezeichnungen wohl?

Da Folk so ein weites Feld ist, denke ich, dass es ganz hilfreich sein kann, diese Präfixe zu haben. Ich fühle mich ganz wohl mit “dark“, “wyrd“, “psych“ etc., wenn diese in einem losen Sinn gebraucht werden. Letztlich wird jede Bezeichnung die Leute entweder dazu ermutigen, sich die Musik anzuhören oder nicht und wenn sie sich die Musik anhören, nennen sie sie so, wie sie wollen.

Beim Surfen im Internet bin ich über eine Band namens THE IDITAROD gestolpert, die mir sehr gut gefallen hat. Es hat sich dann herausgestellt, dass du mit ihnen getourt bist und auch mit ihnen aufgenommen hast. Vor einigen Monaten habe ich Timothy Renner interviewt, mit dem du auch schon aufgetreten bist. Dein neues Album ist auf David Tibets Label Durtro erschienen. Ich könnte jetzt noch weitere Verbindungen zwischen dir und anderen Musikern nennen. Das führt mich zu zwei Fragen: Denkst du, dass ein loses Netzwerk von gleichgesinnten Menschen wichtig für dich im Besonderen und für Musiker im Allgemeinen ist?

Zur ersten Frage: Ja. Diese Gemeinschaft oder dieses Netzwerk ist mir sehr wichtig. Es ist eine Freude zu reisen und andere Musiker zu treffen, zusammen auf Tour zu gehen, zusammen aufzunehmen etc. Ich bin zuerst durch Tony Dale von Camera Obscura mit THE IDITAROD in Berührung gekommen, als er mein erstes Album veröffentlicht hat. Ich hatte Interesse daran, in den USA zu touren und THE  IDITAROD waren gerade dabei, eine Tour zu planen und haben mich dazu eingeladen. Wir hatten solch eine tolle Zeit und wurden gute Freunde und dann beschlossen wir, zusammen aufzunehmen. Durch sie traf ich Brooke, Greg und Meg von ESPERS und blieb mit ihnen in Philly und schließlich zog ich dorthin. Dann traf ich Tara Burke (FURSAXA) und Gillian Chadwick (EX REVERIE) und mit beiden arbeite ich jetzt zusammen. Es dauerte länger sich einem Netzwerk Gleichgesinnter in Großbritannien anzuschließen, aber das geht jetzt los und ich verbringe mehr Zeit hier und die Netzwerke überqueren Länder und führen zu weiteren Reisen und dem Treffen mit neuen Bands – es ist ein endloses Abenteuer!

Zur zweiten Frage: Ich kann mir nicht vorstellen, nicht Teil eines Netzwerkes von Musikern zu sein – für mich hat Musik damit zu tun, dass man mit anderen zusammenspielt und dass man Freunde hat, mit denen man endlos über Musik sprechen kann und denen man Platten vorspielen kann, aber nicht alle Musiker arbeiten so: Nimm z.B. Jandek. Einige Musiker verlangen nach Isolation und schaffen ein Werk, das aufgrund dieser Isolation so einzigartig ist.

Diese Frage hängt eng mit der letzten zusammen. Sind Zusammenarbeiten notwendig um eine zu große Isolierung zu vermeiden? Sind Impulse anderer essentiell um die eigene Kreativität am Kochen zu halten? Was kannst du auf diesen Veröffentlichungen machen, was dir allein unmöglich wäre?

Ich denke, dass Isolation gut ist, aber Zusammenarbeiten sind auch gut. Wenn ich viel Zeit mit Musikerfreunden verbringe, kommt es einfach zu Zusammenarbeiten – es ist unmöglich nicht zusammen zu spielen! Und das Schöne ist, dass dabei Dinge passieren, sich Ideen entwickeln, die den einzelnen Personen für sich nie passiert wären. Es tritt das hervor, was William Burroughs als ‘third mind’ bezeichnet hat: Eine Wesensheit, die größer als die Summe der einzelnen Verstände der Menschen ist, die zusammenarbeiten.

Was kannst du über das demnächst erscheinende Album von RUSALNAIA auf Camera Obscura sagen?

RUSALNAIA ist ein Duo zusammen mit Gillian Chadwick, die in Philadelphia direkt neben mir wohnte und in einer Indie-Glamrockband namens GOLDEN BALL spielt und ein Gothic-Pop-Soloprojekt namens EX REVERIE hat. Wir begonnen damit, Songs zu schreiben, als ich dort lebte und wussten nicht, ob das funktionieren würde, da unsere Einflüsse und Projekte so verschieden waren. Aber die Songs, die wir schrieben, waren großartig und wir kamen gut miteinander klar und wurden enge Freunde. Wir hatten bei den Aufnahmen viel Spaß – wir haben in Greg Weeks’ Hexham Head Studio aufgenommen – und ich bin auf die fertige Platte sehr stolz. ”Rusalnaia“ ist der Name eines slavischen Festivals der Rusalki (bösartige Wassernymphen) und das schien die Energie und Bildlichkeit unserer Musik zu erfassen.

Wenn du ein Album aufnimmst, wie wichtig sind Details für dich?

Ich bin sehr sorgfältig und möchte die Sachen richtig machen, aber es ist meistens eher eine Frage des Gefühls als der Technik. Ich habe lieber eine Aufnahme, in der ein paar Fehler sind, die mir aber ein gutes Gefühl gibt als eine technisch perfekte, die emotional flach ist.

Auf “Leaves From Off The Tree” gibt es “The Derry Dems Of Arrow”, ein Lied, das seine Ursprünge in Schottland hat, aber in die USA gebracht wurde und zu etwas Neuem wurde. Du hast einige Zeit in den USA verbracht. Denkst du, dass die Folkszene dort anders als in Großbritannien ist? Würdest du bezogen auf “The Derry Dems Of Arrow” sagen, dass du es magst, wenn solche Transformationen geschehen?

Einige der Traditionals, die von Großbritannien aus in die USA gelangt sind, sind in Großbritannien ausgestorben und die einzigen Versionen, die wir noch haben, sind die amerikanischen. Die englische Folksongtradition profitiert sehr davon, dass sie sich bei den amerikanischen Sängern und ihren Versionen der Lieder bedienen kann. Ein gutes Beispiel dafür ist Shirley Collins, die mit Alan Lomax Lieder sammeln ging und dann ihre Versionen der Lieder aufnahm. Und heutzutage geschieht die gleiche Art des gegenseitigen Fruchtbarmachens. Als ich anfing aufzutreten und aufzunehmen waren meine musikalisch verwandten Geister hauptsächlich in den USA. Jetzt, da amerikanische Musiker wie ESPERS, Devendra Benhart, Joanna Newsom in den Medien präsent sind, wird die Folkszene in Großbritannien weiter verzweigt.

Wie wichtig ist Tradition für dich? Würdest du bezogen auf die letzte Frage sagen, dass Veränderung sehr notwendig ist?

Tradition um ihrer selbst willen und Widerstand Veränderung gegenüber ist keine gute Sache, aber Wiederholung und Zyklen sind für unsere Psyche wichtig. Die Lieder, die wir wiederholen und weitergeben, die Rituale, die wir aufführen, um das Vergehen der Zeit oder den Wechsel der Jahreszeiten zu markieren, sind wichtig. Zu sehen, wie jeden Frühling die Blumen aus dem Boden sprießen, bereitet mir große Freude. Ebenso als wenn ein neuer Sänger ein altes Lied auf seine ganz eigene Weise singt.

Warum hast du eigene Songs für “Right Wantonly A-Mumming” geschrieben? Hast du jemals daran gedacht “einfach” nur vorhandene Traditionals zu nehmen?

Ich singe viele Traditionals, die sich auf die Jahreszeiten beziehen, aber das Projekt, das ich im Kopf hatte und aus dem “Right Wantonly..“ wurde, hätte nicht mit Traditionals funktioniert. Ich wollte einen Songzyklus, der alle Jahreszeiten umfasste, nicht nur den Mai, die Ernte und Weihnachten – darauf beschränken sich englische Traditionals nämlich hauptsächlich. Außerdem wollte ich Lieder, die eher heidnisch als christlich waren und viele Traditionals verweisen auf Gott oder Jesus – selbst die Mailieder, bei denen es ums Herumwandern und um das Sammeln von Zweigen geht, beziehen sich auf “das Werk von Gottes Händen“! Deshalb musste ich meine eigenen Songs schreiben. Ich hoffe, dass die Menschen sie zusammen mit Traditionals singen. Hier im Oxford stehen die Folksänger am ersten Mai im Morgengrauen auf und singen Lieder um den Sommer zu begrüßen. Wir machen damit den ganzen Morgen weiter, darum ist Platz für viele Lieder – einige traditionell, andere etwas jüngeren Datums.

Deine Songs scheinen stark von traditionellen Texten beeinflusst zu sein (bezogen auf Thematik, Metaphorik etc.). Hast du den Eindruck, dass in solchen Texten all das steht, das im menschlichen Leben wichtig ist (Liebe, Geburt, Tod etc.)?

Mir ist es wichtig, dass meine Lieder ganz tief in die Psyche hineinreichen und hoffentlich die gleiche Wirkung auf den Hörer haben. Deshalb beziehe ich mich auf andere Texte oder Dinge, die die gleiche Wirkung auf mich haben: traditionelle Balladen, Märchen, epische Lyrik, Kinderbücher, surrealistische Kunst, magische Techniken, Drogen, Sex…

Du hast einmal gesagt, dass du “nicht etwas singen kann]st], wenn ich auf einer tieferen Ebene keinen Bezug dazu habe”. Gab es schon einmal ein Lied, das dich musikalisch, aber nicht textlich angesprochen hat – oder umgekehrt?

Da gibt es viele: Ein Beispiel ist, dass ich die Melodien und die Energie vieler religiöser Lieder mag – z.B. Gospels, Shape Note-Singen–, aber mir fällt es schwer Lieder zu singen, die einen Gott loben, an den ich nicht glaube und den ich nicht mag.

Kann ein Lied wie “The Prophet” auf deinem neuen Album auch in einem vagen politischen Sinn verstanden werden oder geht es einfach nur darum zu zeigen, dass jeder an sich selbst glauben sollte?

Hoffentlich kann dieses Lied – ebenso wie die anderen – auf verschiedene Weise verstanden werden!

“The Fox’s Wedding” scheint (musikalisch wie textlich) etwas intimer als “Songs of Love and Loss” zu sein. Siehst du das auch so?

Ich war mir nicht bewusst, intimere Songs zu schreiben, deshalb weiß ich nicht, ob das Album textlich intimer ist, aber die Aufnahmen entstanden während eines längeren Zeitraums in Michael Tanners Wohnzimmer und seine Katze lief darin herum und klingelte mit ihrem Halsband, während wir aufnahmen. Ich denke, dass das Ergebnis ein intimerer Klang ist

Du hast mir erzählt, dass du A.S. Byatt sehr schätzt. Fühlst du dich ihr verbunden, weil sich in ihren Werken auch Verweise auf Mythologie und Märchen finden?

Ich denke, dass all meine Lieblingserzähler sich des Mythos bedienen oder Märchenlandschaften bewohnen: Byatt, Angela Carter, John Fowles, Iris Murdoch, Herman Hesse, etc. Wenn ich ihre Werke lese,  wird mir der Boden unter den Füßen weggerissen und alles verändert sich leicht. Farben verändern ihre Schattierung und werden intensiver – das Leben ist bis zum Rand voll mit unentdeckter Bedeutung. Ich denke, das ist, was Kunst, Fiktion, Musik tun sollte.

Noch etwas bezüglich A.S. Byatt: Im Dream Magazine hast du über Leute gesprochen, die an Gott oder das Übernatürliche glauben um Trost zu empfinden und du hast gesagt, es sei besser sie lebten im Hier und Jetzt. Es gibt eine Passage (ich glaube aus “Babel Tower” und ich bin ziemlich sicher, dass die Worte von Jude Mason gesprochen werden), in der eine Figur sagt, dass es  natürlich sei, dass Menschen Geschichten erzählen und Mächte erfinden. Er fügt dann an, dass er eine unnatürliche Anstrengung unternehme. Er blicke in die Dunkelheit und enthalte sich jedweder Vorstellung. Schließlich sagt er, dass es ein destruktiver Weg und die Belohnung karg sei. Denkst du, es liegt etwas Wahrheit in diesen Worten?

Ich denke, dass die Welt ein öder und böser Ort sein kann und dass es wichtig ist, dem Bösen und der Öde ins Gesicht zu blicken und ihre Existenz zu akzeptieren, man sollte es nicht nötig haben, die Lücke mit einem tröstenden Gott auszufüllen oder einer Art spiritueller Sicherheitsdecke. Aber diese Wahrheit zeigt nur die eine Hälfte des Bildes: Die Welt enthält Wunder und wenn wir lieben und geliebt werden, Schönheit um uns herum wahrnehmen können, in Wellen der Freude hochgeworfen werden, dann kann das Leben wundervoll sein.

Wie oft (wenn überhaupt) gibt es Übereinstimmungen zwischen Autorin und Sprecher?

Es muss etwas Überschneidung geben, aber diese kann winzig sein. Es gibt etwas Überschneidung zwischen mir als Autorin und meinen Figuren, aber sie sind nicht ich. Ich neige dazu, die Wahrheit etwas umzustellen und eine Geschichte zu erfinden, die im Kern noch etwas Wahres hat, aber sich in den Details unterscheidet. Andernfalls ist das langweilig und zumindest potentiell problematisch für die Menschen, über die man schreibt.

Ich fand es ganz nett, als du in den Linernotes zu “Fortune my foe” geschrieben hast, dass das Lied schon seit einigen Jahrhunderten existiert und dass du es im Internet gefunden hast. War es deine Absicht diesen Kontrast zwischen einem sehr alten Lied und einem recht neuen Medium zu verdeutlichen?

Ich habe da keine so ernsthafte Aussage gemacht, ich dachte nur, dass der Kontrast lustig sei!

Deine Veröffentlichungen haben in der Presse viel Lob erfahren. Wie stehst du Rezensionen gegenüber?

Ich mag ehrliche Rückmeldungen, egal ob gut oder schlecht.

Wie sieht es mit deinen Zukunftsplänen aus? Gibt es eine Chance, dich in Deutschland zu sehen?

Ich beginne gerade damit, eine Tour für Europa und die USA zu planen und würde gerne in Deutschland spielen, man kann also hoffen!

M.G., D.L., S.L.