“Most of the music I make nowadays is commissioned for film, dance, or other projects. And I love it — it’s the best job in the world! — but sometimes I have to pull myself away from it, and make something purely for myself. My 2004 release Omval was one of these works, as is now Spelonk. These projects are always made in short bursts; once I start creating, things fall into place quickly, as if the ideas were (unknowingly) already there and just needed to get out of my system. The three tracks that comprise Spelonk (simply titled I, II, III) are built with “hardware jams” that I recorded with my live setup. It’s all quite hands-on, with effects pedals, an oscillator, and electronic gadgets. The magic happens when combining different recordings, layering them, and hearing what happens. Listening is always a favorite moment in the process, with a welcome element of surprise. I guess it’s all about creating alien landscapes — alien also to me too — that  are exciting to explore. I hesitate to say much more about these tracks as colouring the listener’s experience would be an unwelcome distraction. Eyes closed… enjoy the ride. (Rutger Zuydervelt)

erwartungsvollen Klänge des Sommers einzufangen. “Across all eight tracks, discovery, observation, and imagination take sonic form”, heißt es im Begleitenden Text. “The compilation is a coalescence of vivid imagery—memories recollected and imagined—that invite the listener to explore with fascination this scintillating time of year”. Die Reihe startete im vergangenen Winter mit einer zwischen kühl und heimelig rangierenden Feier der kalten Jahreszeit, an der Ned Milligan, Maria Moles und andere teilnahmen. Im April feierten  Alexandra Spence, Delphine Dora, Angelo Harmsworth und fünf weitere Acts in der Frühjahrsausgabe das wiedererwachte Leben. Mehr zur aktuellen Folge auf Bandcamp.

Martina Verhoeven am Flügel und Charloitte Keeffe an Trompete und Flügelhorn. “These two unique musicians have excellent reputations in the field of free improvisation, especially for their distinctive approaches to their respective instruments”, heißt es vom Label. “And it’s this distinctive approach which is the secret sauce that’s being added to working band Kodian Trio”. Das Album erscheint im Rahmen der Reihe Axis, in der A New Wave Of Jazz ungewöhnliche, für sich stehende Aufnahmen herausbringen, die sich auch vom Artwork her von den anderen Releases unterscheiden. Dieses basiert hier auf einem Foto von Martina Verhoeven und Desing von Rutger Zuydervelt. Das Album erscheint am 15. März.

Neben jährlich stattfindenden Totengedenkfeiern stehen der vermehrte Bau von Denkmälern und die identitätsstiftende Verklärung als notwendige historische Weichenstellerfigur und Held des großen vaterländischen Krieges – so, als würde der Sieg über den auch expansionistischen Terror der Nazis ausreichen, um die Verdrängung der Leichen im eigenen Keller zu rechtfertigen. Überlebende und Angehörige von Opfern des Regimes sehen sich gleichsam als Opfer eines viel zu lauten Schweigens, durch das Regierung und weite Teile der Bevölkerung ihr sinnstiftendes historisches Narrativ am Leben erhalten wollen.

Genau dieses Schweigen und die verdrängten Untertöne, die den Erinnerungsdiskurs um Stalin zu einem subtilen Palimpsest machen, sind Thema der preisgekrönten Doku „The Red Soul“ der niederländischen Regisseurin Jessica Gorter, in der neben Historikern auch Stimmen von in unterschiedlicher Weise Betroffenen zu Wort kommen. Es handelt sich bei dem Film um eine sehr sachlich nüchterne Annäherung, in dem der Fokus nicht einzig und allein auf der Figur des Staatschefs liegt, sondern die vielfältige Involviertheit einzelner Bürger als Täter, Mittäter, Opfer und Mitläufer in den Blick nimmt. Dies vermeidet eine negative Verkultung Stalins und schafft zugleich ausreichend Anknüpfungspunkte an die Situation der Gegenwart, in der das Bedürfnis nach Aufarbeitung ebenso vorhanden ist wie Verdrängung im Interesse nationaler Nostalgie. In Russland sind kaum Täter oder Mittäter jemals für ihre Verbrechen unter Stalin zur Verantwortung gezogen worden, was die Gesellschaft bis heute spaltet. Auf die heutige Generation bezogen verurteilt auch der Film niemanden für seine oder ihre Verdrängungshaltung, sieht darin eine problematische, aber im gewissen Sinne auch lebensnotwendige Praktik der Selbsterhaltung, die in der einen oder anderen Form fast immer angewendet wird, wenn Bewältigung und die ihr eigenen Arten von Buße nicht verordnet werden.

Trotz ihrer leisen Töne und ihrer Nüchternheit verfügt die Dokumentation über eine intensive atmosphärische Dramaturgie. Musik spielt in dem Konzept eine zentrale Rolle, gleichwohl man sich um eine passagenweise fast unterschwellig wirkende Tonspur bemüht hat. Zur Umsetzung wählte Gorter den Komponisten Rutger Zuydervelt, der für den einen halbstündigen Track, der den Film untermalen sollte, noch den Saxophonisten Ilia Belorukov und den Drummer René Aquarius ins Studio holte. Leise und bedächtig, wie ein dezentes Hörspiel fernab epochaler Sujets beginnt der Score mit heimelig knisterndem Feuer, erst nach einer Weile ertönt aus der kühlen, winterlichen Ferne ein verwehter Chorgesang, dringt zusammen mit heulenden Bläserparts wie im Zoom näher ans Ohr: sowjetische Folksongs, Lieder vermutlich mit Agitprop-Texten, die schon wegen der Sprache das romantische Klischee der russischen Seele heraufbeschwört hätten, wären sie nicht so schnell wieder verschluckt worden – vom jetzt lauten Prasseln der Flammen, von Radiowellen, Motoren und pochender Perkussion, von unterkühlten Ansprachen des stählernen Despoten, die sich so sehr von den wutschnaubenden Brandreden rechter Diktatoren unterschieden, von rauen Stimmen, die sich zu monströsem Fauchen steigern. Doch die dramatischen Momente sind gut dosiert und enthalten kein Geschrei, keine Märsche, keinen Gewehr- und Kanonendonner und auch keine marschierenden Stiefel, die orchestralen Parts, die mit Drums und dem Blasinstrument auch in zerfetzte Rock-Improvisationen kippen könnten, halten sich merklich zurück.

Die Gesänge jedoch, fragile Spuren des Menschlichen in all seiner schönen und hässlichen Gestalt, lassen sich nicht verdrängen, auch der Eindruck von Trauer nicht, der in der kurz herbeigewehten Passage eines russischen Frauenchores anklingt. Zuydervelt ist als Soundkünstler, oft unter seinem Pseudonym Machinefabriek, einer der renommiertesten seines Fachs, und in den vergilbten, kurz vorm Vergehen seiner Bestandteile noch zusammenmontierten Klangkollagen zeigt er sich des Stoffs würdig, den er – jeder bombastische Tusch am Ende wäre da auch unverzeihlich – ganz leise ausklingen lässt. (U.S.)

Label: SOFA

Die hier vorliegende, von Rudger Zuydervelt in dezentem Minimalismus gestaltete CD stammt von einem schon lange aktiven, aber für breite Hörerkreise wohl immer noch obskuren deutschen Klangkünstler namens Günther Schlientz, der auch als Cosmic Winnetou aktiv ist und neben seinen Soloarbeiten in der Postrock-Band Navel spielt. Schlientz arbeitet primär und auch hier mit diversen selbstgebauten analogen Synthesizern und ergänzt dieses Grundinstrumentarium durch traditionelle Instrumente wie einen Satz rauschender Becken und ein französisches Flügelhorn, deren dezenter Einsatz sich wunderbar in ddn elektronischen Rahmen einfügt.

Schlienz zeichnet den Herbst hier als ruhige, zurückgenommene Zeit der Wandels und gibt ihm (man könnte sagen dem elektronischen Schwerpunkt seiner Musik zum Trotz) ein organisches, erdig naturverbundenes Äußeres. Im eröffnenden Track “Oktober” erscheint der harmonische Klang derart organisch, dass man Gitarrenpicking und Bassdröhnen vermutend könnte, zusammen mit den Bläserklängen schafft dies eine warme, aber auch vielfarbige Welt, die durchaus so etwas wie Fülle zeigt, und doch durchdringt eine leise Melancholie das vitale Landschaftsbild, das erst durch Feebkackfiepen einen Hauch von echtem Niedergang bekommt.

Warum die Zeitdarstellung nicht der Folge der Monate entspricht, erschließt ich mir nicht, eventuell wurden auf dem Cover tatsächlich die Titel vertauscht, jedenfalls folgt auf das lange, belebte “Oktober” das wensentlich herbere “September”, durch das ein kühler, an Thereminklänge erinnernder Wind weht. Auch hier sind ein paar erdigere Klänge zu hören, doch das wellenförmige Dröhnen erscheint in erster Linie düster und fast etwas bedrohlich, lediglich eine paar leise tremolierende Hochtöner bringen auf geheimnisvolle Art etwas Licht ins Dunkel der kurzen Tage. All dem liegt ein steter Wandel der Harmonien und Klangfarben zugrunde, der langsam aber zielgerichtet ins zunächst recht disharmonische “November” überleitet, das in seiner anfänglichen Statik schon fast winterliche Züge annimmt. Doch das Stück erreicht erst mit der Zeit seine eigene Ordnung und entpuppt ich als rührendes Szenario, bei dem kühle Retro-Elektronik auf anrührende Bläsemelodien stößt.

Schlientz zeichnet ein dezentes, fast introvertiertes Bild des Herbstes, dessen intime Stimmung sich wahrscheinlich nur aufmerksamen Hörern offenbart, denn das warme Klangbild hat auch eine leicht spröde Seite, die dafür sorgt, dass sich die Musik nie aufdrängt oder gar in trübseligen Kitsch ausartet. (A. Kaudaht)

Label: Zoharum

Mitte der Achtziger flog ein Großonkel Longs von New York nach Tunesien und mietete sich in einem Hotel in der Küstenstadt Hammamet ein. Von dort schrieb der bereits Achtzigjährige noch eine Postkarte an seine Familie zuhause. Tags drauf besorgte er sich eine Schwimmausrüstung, schwamm ins Meer hinaus und ertrank. Dass die Postkarte keine Nachricht, nur die Adresse der Empfänger enthielt, musste aus der Begebenheit fast zwangsläufig einen Mythos machen. 2015 besuchte Long Tunesien und reiste auf den Spuren seines Großonkels von Tunis nach Hammamet.

Auf „Two Days and One Night“, in den Samples, aber auch im atmosphärischen Narrativ der Musik, fließen beide Geschichten immer wieder ineinander – die Eindrucke, die der Musiker aufnahm, die Frage, auf welche Details sein Verwandter damals vielleicht geachtet hatte, die typischen Klänge der Orte, die beide – vermutlich – gesehen und gehört haben, und die tiefe, undurchdringliche Traurigkeit, in die sich der Onkel, der zwangsläufig fiktionale Züge bekommt, und der Musiker gleichermaßen einschreiben. In den alles überflutenden Wellen aus schweren Synthiesounds, die in beinahe jedem Stück die zahlreichen Feldaufnahmen früher oder später überfluten wie das Meer einen einsamen Schwimmer, scheinen beide Geschichten und beide Protagonisten miteinander zu verschmelzen.

Das Verschwinden zahlreicher Samples unter schweren Soundschichten ist in der Tat ein besonders auffälliges merkmal dieses Albums, denn in der Vergangenheit hielten sich der ambiente Rahmen und die an markanten Orten aufgeschnappten Details meist die Waage, Samples brachen immer wieder durch die Oberfläche der Soundscapes und bewirkten so, dass die Arbeiten einen hörspielartigen oder, wenn man so will, semi-dokumentarischen Charakter bekamen. Auf „Two Days and One Night“, dessen Titel bereits zeitliche Kürze impliziert, fällt beinahe alles dem Verschwinden anheim: brummende Motoren, hastige Schritte, tolle Melodien auf orientalischen Flöten, eine Durchsage auf französisch, vermutlich an einem Bahnhof, die Brandung. Wenig davon hat lange Bestand.

Es dauert nur eine kurze Zeit, bis sich ambiente Sounds, filigran gestaltet und stets in gemächlicher vibrierender Bewegtheit, über all das legt, es aufgehen lässt in einer leicht sehnsüchtig eingefärbten Schwermut, die den ganzen musikalischen Raum ausfüllt. „The Fear to Touch the Sand“ enthält nur die Geräusche der sanften Gezeiten, leicht verfremdet zu einem dubbigen Vibrato – sie werden als einzige von keiner Welle verschlungen. All dies sollte einen trotz allem nicht zu allzu konkreten Bedeutungszuweisungen verführen, denn die Musik (und auch die Tracktitel, die größtenteils auf Orte und ihre Eigenschaften referieren) bewahrt sich eine Offenheit, die den Mythos dieser beiden Episoden näherbringt und zugleich bestehen lässt. (U.S.)

Label: Sequel

In jeder der Gruppen waren diverse Saiten-, Tasten- und Blasinstrumente sowie Stimmen vereint, die als Endlosloop zu einer Einheit verschmolzen sind, dabei aber jedesmal ein eigenes charakteristisches Gepräge aufwiesen. Die Besucher konnten sich nun relativ frei an den Aufführungsorten bewegen, beliebig von Lautsprecher zu Lautsprecher weiterziehen und beliebig lange bei bestimmten Klängen verweilen. Das Fehlen von Melodie und der starke Fokus auf Klangfarben sowie die gleichzeitige Unabhängigkeit von vorgegebenen musikalischen Abläufen bewirkte für das Publikum v.a. eines – ein völlig anderes Zeiterleben als bei Orchestermusik üblich.

Die jüngst erschienene CD dazu bietet ein 50minütiges Dronestück, das vielschichtig und bei aller Monotonie auch wandlungsfähig ist. Als enormen Panoramaschwenk durch die bunte Welt des Kammertones „a“ lässt die Aufnahme die sublime Erfarhrung vor Ort an einigen Stellen deutlich erahnen. Natürlich könnte man monieren, dass die Hörer dabei wieder in die gewohnt passive Rezeptionsrolle zurückgeworfen werden, doch als Dokument erfüllt die vorgegebene Folge unterschiedlicher instrumenteller Einfärbungen ihren Zweck, wobei die Übergänge teilweise zu kunstvoll gestaltet sind, dass einem unweigerlich das geschliffene Sounddesign von Machinefabriek in den Sinn kommt. Angefangen mit einem sinuswellenartigen Pfeifen bewegt sich das Klangkontinuum immer mehr in die dunkel dröhnenden Bereiche tiefer Saiten, später dominieren helle Bläser oder sanftes Klingeln das Bild, um von grummeligem Stimmengemurmel abgelöst zu werden u.s.w.

Die Übergänge verlaufen niemals abrupt, doch gibt es zwischendrin immer wieder kleine Brüche, die das passive Gemüt irritieren und aus der Lathargie zu reißen verstehen. Überhaupt empfielt sich aufmerksames Zuhören, denn sonst könnte einem manches entgehen, was sich so an kleinen Ungereimtheiten unter der Oberfläche abspielt.

Unter den Beitragenden finden sich einige internationale Größen experimenteller Musik und avantgardistischer Popgenres. Oren Ambarchi zupft einen Ton auf der Gitarre, Aidan Baker tut es ihm gleich, Julia Kent streicht über ihre Cellosaiten, Nils Frahm und Magda Mayas lassen die entsprechende Klaviertaste ertönen, Richard Youngs seine Stimme, Nate Wooley steuert den gesampleten Klang einer Trompete bei – um nur einige Namen zu nennen, die bereits auf diesen Saiten gefallen sind. Statt werbewirksames namedropping – was es freilich auch ist – sollte man in der Auswahl primär ein Anknüpfen an die unterschiedlichsten Formen bekannter origineller Musik verstehen, denn weit davon entfernt ein abgehobenes Konzept für Spezialisten zu sein legt „Stay Tuned“ wichtigeTeile deren basaler Grundstruktur blos. (U.S.)

Label: Baskaru

Man könnte das fast als auf Überraschung angelegte Ironie auffassen, wenn “Drawn“ denn nicht so still und bar jeden Effektgepolters daher käme. Die Stärke dieses Albums liegt in den im Grunde unspektakulären Momenten, wenn sich z.B. das Summen eines Harmoniums zu einem hypnotischen Drone verdichtet und sich zugleich auf der Akustikgitarre ein schöner Melodiebogen entfaltet. Wer kein Ohr für den subtilen Charakter solcher Momente hat, könnte das vielleicht als dröge empfinden – ich jedenfalls muss dabei unweigerlich an PANTALEIMON denken, an denen sich die Geister ja gerne wegen ganz ähnlicher Dinge scheiden. Doch die beiden Niederländer gehen verspielter zur Sache und vermeiden dadurch allzu entspannte Momente. Gelegentliche ätherische Passagen werden immer wieder durch skurrile Einfälle wie störende Breaks, zittrige Klangflächen und atonale Rückkopplungsgeräusche durchbrochen, auch der Gesang ist keineswegs gefällig – hätte ich den Titel “menschliches Theremin“ nicht schon an die Stimme von JOSEPHINE FOSTER vergeben, wäre Mariska Baars sicher eine Kandidatin dafür.

Doch all dies passiert, wie gesagt, in einem sehr verhaltenen Rahmen, so dass man “Drawn“ letztlich als sehr “leise“ und unaufdringliche Angelegenheit bezeichnen muss. Die LP-Version ist auf 200 Stück limitiert und erscheint in weißem Vinyl. (U.S.)