So etwa die Fassung von “Colour of a Man”, den die Pet Shop Boys in ihren typisch eleganten Sound überführen. Die Bearbeitung entstand laut Begleittext bereites in der Entstehungszeit des Albums. Auch der Berliner Musiker Sebastian Lee Philipp (Die Wilde Jadg), der bereits am Originalalbum beteiligt war, kehrt in einer Version seiner damals mit Valery Renay betriebenen Combo Noblesse Oblige mit einer rhythmischeren Interpretation des Titelstücks zurück. Ein zentrales Element bilden die Remixe des spanischen Duos Hidrogenesse, deren The Hidden Cameras gewidmete EP nun erweitert in den neuen Kontext gestellt wird. Zudem steuern Holy Fuck eine kantige Version von “Underage” bei, die ihrem reduzierten Elektronikstil treu bleibt. Insgesamt ergibt sich ein stilistisch vielseitiges, aber in sich geschlossenes Werk, das in einer Spielzeit von einer Stunde einen alternativen Blick auf ein früheres Kapitel der Bandgeschichte wirft.

@ Rough Trade 

Sebastian Lee Philipp, der Kopf hinter Die Wilde Jagd, verbindet darin, wie bereits in unserer Besprechung erörtert, rituelle Strukturen mit orchestraler Fülle. Elektronische Patterns treffen auf dichte Bläserarrangements, pulsierende Rhythmen wechseln mit reduzierten, fast meditativen Passagen. Elemente aus Krautrock, Minimal Music und experimenteller Elektronik verschmelzen mit symphonischer Wucht. Stücke wie “Kabura-ya” greifen auf repetitive Strukturen und gesprochene Poesie zurück, während “The Balance of Isidor” mit archaischen Blechblasinstrumenten und aufgeladenen Crescendi arbeitet. Die Dramaturgie des Albums entfaltet sich über lange Spannungsbögen, in denen Klangfarben bewusst in Kontrasten angeordnet sind, rangierend von feinen Klavierintermezzi bis hin zu eruptiven Höhepunkten. Die Vorführung gibt Einblicke in den kreativen Prozess und das Zusammenspiel zwischen Philipp und dem Orchester. Sebastian Lee Philipp wird anwesend sein, zudem wird das neue Album als LP erhältlich sein.

Foto © Paul Verhagen

Samstag, 08.03.2025
Beginn 19 Uhr
Hošek Contemporary
Motor Ship HEIMATLAND
Märkisches Ufer 1z
10179 Berlin

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Bereits im einleitenden Stück entfaltet sich eine Atmosphäre subtilen Knisterns und schwelender Spannung, bevor sich in “Funken aus Kosmischer Flamme” erste repetitive Klaviermotive mit sakralen Bläsern und einsamen Glocken vermengen und sich zu den zischelnden Sound gesellen. Das ist eine Musik, die in der Krautrock-Ära sicherlich für Aufsehen gesorgt hätte und das auch in unseren Zeiten vermag. Schon hier macht sich bereits eine cinematische Qualität bemerkbar, bei der Aspekte der Zeitorganisation zur Spannung und Intensität beitragen, mit Verzögerungen gearbeitet wird und zugleich alle Details, wie es scheint, an den richtigen Stellen plaziert sind.

Immer wieder greifen einzelne Stücke auf rituelle Elemente zurück: “Kabura-ya” beginnt in fast meditativer, kosmisch-ambienter Ruhe, unterlegt mit poetischer Rezitation überdie unterschiedlichsten Geheimnisse – ein Ozean im Ozean, auf den sanfter Regen fällt, über die Poesie in jedem Donnerschlag und die Zärtlichkeit, die vertseckt in jedem Gewaltakt schläft so wie das romantische Lied in allen Dingen. Im Grunde ist das die Philusophie des Tantra in einer Nussschale. Nach und nach treten Percussion und gestrichene Saiten hinzu, bis das Arrangement schließlich in eine eruptive Steigerung mündet. Die jüngeren Alben von Lili Refrain kommen mir da unweigerlich in den Sinn, und wenn das Wünschen so einfach ginge, gäbe es dank dem Rezensenten bereits eine vielversprechende Kollaboration dieser Acts.

Der rund zehnminütige “Pan-Song” setzt inmitten eines brodelnden Geschehens an. Donnernde Pauken und das knarrende Timbre einer Tuba verleihen dem Stück eine düstere Würde, die sich jedoch nicht in durchgehender Wucht entfaltet, vielmehr bleibt die Komposition über weite Strecken zurückgenommen, getragen von sanft gleitenden Streichern, subtilen Beckenklängen und einer englischsprachigen Rezitation, die eine ganz eigene Dynamik entfaltet: Es scheint, als würden verschiedene körperliche und geistige Funktionen als eigenständige Stimmen auftreten und sich gebündelt an das Subjekt wenden, das sie hervorbringt. Die Inszenierung ist bewusst theatralisch, seine Dramaturgie folgt einem langsamen Aufbau, der unweigerlich nach einer großen Bühne verlangt.

Die Carnyx, ein keltisches Kriegsinstrument, kommt besonders im abschließenden “The Balance of Isidor” zur Geltung und sorgt für archaische Bläserakzente inmitten eines Stücks, das sich von zarter, verfremdeter Rezitation hin zu einem orchestralen Höhepunkt mit drängenden Snaredrums und Western-Soundtrack-Anleihen aufbaut. Dazwischen setzt das Album auf dynamische Kontraste, etwa mit dem sensiblen Klavierintermezzo, das an Gurdjieff und de Hartmann erinnert, oder dem verstörenden “Sinusoidal Sweep”, das mit einem in steter Veränderung begriffenen und zum Ende hin nervenaufreibendem Sinuston, der für Momente sogar an den Schrei eines Säuglings erinnert, das Ohr herausfordert.

Die Musik von Die Wilde Jagd bleibt auch hier ihrem konzeptuellen Ansatz treu: Wiederholungen und Variationen einzelner Elemente schaffen eine tiefgehende Atmosphäre, in der sich elektronische Effekte, orchestrale Farben und gezielt platzierte Klangdetails in einem sorgfältig ausbalancierten Verhältnis begegnen. Trotz aller Opulenz und Theatralik wirkt nichts überladen oder beliebig – jedes Arrangement ist exakt bemessen, jeder Spannungsbogen wohlüberlegt.

“Lux Tenera – A Rite to Joy” ist ein Album, das sich Zeit nimmt, seine Intensität stetig bis hin zu wilden Eruptionen steigert und in seinen besten Momenten eine fast tranceartige Wirkung entfaltet. Nach dem abrupten Ende bleibt das Gefühl, dass hier ein abgeschlossenes Werk entstanden ist, das man erst einmal sacken lassen muss, bevor man etwas anderes auflegt. (U.S.)

Label: Bureau B

Im Zentrum steht u.a. die häufig wiederkehrende Zeile “I long for the days”, die eine tief empfundene Sehnsucht und Nostalgie transportiert. Inspiriert von der Legende um König Artus, nimmt der Song Bezug auf die verbotene Liebe zwischen Sir Lancelot und Königin Guenièvre im Wald von Brocéliande. Die Themen Liebe, Loyalität und Verrat klingen hier in zarten, schwebenden Klängen an, die durch organische Instrumente und chorale Effekte zusätzlich verdichtet werden. “Under The Oak” ist Renays zweite Zusammenarbeit mit Aka-E als Co-Produzent, ebenfalls beteiligt ist ihr ehemaliger Noblesse Oblige-Partner Sebastian Lee Philipp (Die Wilde Jagd) als weiterer Produzent. Das Cover-Artwork stammt von Tulio Campregher.

@ Bandcamp | Open Spotify

“For eight years now, songwriter and producer Sebastian Lee Philipp has been steering his project Die Wilde Jagd through the field of tension between contemporary electronic music and avant-pop. Between 2015 and 2020, three studio albums were produced as documents of Philipp’s rigorous musical creativity. Most recently, «Atem», a composition for Roadburn Festival, was released in 2022, documenting yet another, more experimental side of the project. On the new, eagerly awaited fourth album, all these multi-faceted worlds are brought together in an impressive way.” (Tapete/Bureau B)

@ Bureau B

Die in Berlin lebende Sängerin mit Wurzeln in Frankreich und Martinique ist zugleich Malerin und Performance-Künstlerin und den meisten wohl als weibliche Hälfte des Electro-Duos Noblesse Oblige bekannt, bei dem sie auch einen großen Teil des Songwritings übernimmt. Dass aus ihren neusten Songs ein Soloalbum wurde, war vermutlich früh klar, denn schnell zeichneten sich persönliche Themen ab, die alle im Zeichen eigener, zurückliegender Krisen stehen.

Der Schatten – nirgendwo kommt er deutlicher zum Ausdruck als im Opener „Hollow“. Wie aus der Schattenwelt eines Film Noir schleicht dunkles Dröhnen auf erwartungsvoll stimmenden Takten in den Raum, Spannung entsteht, Unbestimmtes braut sich zusammen. Fast irritiert der smoothe, relaxte Gesang, der zunächst gar nicht zu der dunklen Szenerie passen will, doch wenn Valérie von der inneren Leere singt und von einem Kummer, der jeden Atemzug erstickt, schließt sich der Kreis. Schon hier zeichnet sich ein doppelter Boden ab, der dem ganzen Album, auch dem Sounddesign, sein Gepräge gibt. Vitale, doch auch stets wandlungsfähige Synthies, griffige und sich doch eher tastend vorwärts bewegende Rhythmen schaffen ein Gerüst, das Luftig genug bleibt, um mit unterschiedlichen Ideen und Emotionen gefüllt zu werden.

Diese Ambiguität ist der deutlichste rote Faden des Albums: In „Speed of Blue“, dessen Text von Ian Pickerin (Sneaker Pimps) beigesteuert wurde, schaffen Synthies und mehrschichtiges Taktgeflirre eine Aufbruchseuphorie, die durch wehmütige Glöckchen und ein tiefes Chanson-Alto vom Abheben bewahrt wird. In manchen Stücken geht das leider etwas auf Kosten der Ohrwurmqualität, die man in Erinnerung an vergangene Noblesse Oblige-Alben vielleicht erwartet hätte, doch das ist eine der ganz wenigen Reduktionen auf dem ansonsten üppigen Werk, an die man sich schnell gewöhnt. „Rough and Ready“ und „Kick Again“ wirken noch kraftvoller, wobei die draufgeklebten Detonationen roboterhaft bleiben und die hektischen Takte mit verträumtem Bimmeln und sanften West Coast-Gitarren eine ambivalente Spannung erzeugen. Auf der anderen Seite offenbaren gerade die schwermütigsten Songs immer wieder Einfallstore für beinahe heiteren Wohlklang. Wie ein fernes Echo aus einem alten Morricone-Soundtrack durchdringen die sanften Vocals einen Song wie „Darkest Lake“ und verwandeln das wehmütige Stück nach und nach in ein verträumtes Schlaflied.

Das Ringen um Hoffnung und Dynamik ist gerade aufgrund der ambivalenten Stimmung in jeder Sekunde des Albums spürbar, und auch wenn keine allzu platte Rechnung vorliegt, scheint es mir kein Dokument des Scheiterns zu sein, und letztlich wiegt diese stimmungbezogene Qualität so schwer, dass man Produktion und Sounddesign, bei dem altbekannte Recken wie Boris Wilsdorf, Moses Schneider und Alexander Paulick-Thiel (Kreidler) mit am Gerät standen, fast für selbstverständlich nimmt. Wäre schön, wenn sich irgendwann noch eine Vinyl-Auflage realisieren ließe, bis auf weiteres ist das gute Stück über Bandcamp digital zu erwerben. (U.S.)